LeMagduCiné

A mi-chemin entre le biopic et le film-catastrophe, Sully panse et pense l’Amérique post-11 septembre.

Synopsis : Le 15 janvier 2009, le vol 1549 perd ses deux moteurs, quelques minutes après avoir décollé. Au-dessus de New York, le commandant Chesley « Sully » Sullenberger tente l’impossible : amerrir dans la rivière Hudson. Les 155 personnes à bord ont pu rentrer chez elles.

A 86 ans, Clint Eastwood remet le couvert, deux ans après son dernier film American Sniper. Avec Sully, Eastwood passe du film de guerre au film catastrophe, en adoptant comme toujours une mise en scène tout ce qu’il y a de plus sobre. La structure narrative est assez simple : après l’exploit de Sully, la compagnie enquête sur les conséquences de l’accident et la réaction des pilotes. Ainsi, tout le film consiste en un interrogatoire dans un bureau (comme The Social Network) avant de finir dans une cour d’audience, lorgnant du côté des films de plaidoirie (M. Smith au Sénat, 12 hommes en colère ou bien Philadelphia).

Les séances d’interrogatoire permettent à Sully de se souvenir de l’événement à travers des flashbacks . Il y a donc un va-et-vient entre le présent, la vie normale et banale de Sully (quoique transformée après l’exploit) et le passé, au cœur de l’action, reprenant cette alternance de American Sniper. Cette alternance entre le passé et le présent permet une introspection, une interrogation du passé en mettant en avant ici le doute que peut avoir le « héros » sur ses actes et sur sa vraie valeur, donc sur la signification du mot « héros » lui-même. En effet, le cinéma américain a mis et met toujours en avant ses héros infaillibles et indéfectibles, ne cessant au fil des années d’imaginer des postures de plus en plus difficiles. Plus que tout autre, le cinéma de Clint Eastwood met cette question de l’héroïsme au centre de son cinéma comme il le fait avec Impitoyable ou American Sniper. Sully n’est pas sûr d’être un héros ni de vouloir en être un. Les accusations de la compagnie n’en finissent pas de le faire douter. Peut-être n’a-t-il pas fait les bons choix, peut être aurait-il pu rejoindre un aéroport ? Après l’amerrissage, la première obsession de Sully est le comptage. Combien de personnes ont réussi à rejoindre la terre ferme ? L’éventualité d’avoir perdu dans l’événement un voyageur, par sa faute, est sa première peur. Un profond soulagement le gagne quand il entend le chiffre tant attendu : 155 passagers, aucun disparu.

Or cette introspection est non seulement une introspection de Sully mais plus encore, du cinéma américain, et carrément de la société américaine. Dès la scène d’ouverture, la ligne du film est claire : un avion traversant la skyline newyorkaise finit par se crasher sur un immeuble au plein cœur de la Grosse Pomme. Puis Sully se réveille en sursaut. Impossible de ne pas penser ici au traumatisme du 11 septembre 2001, dont les stigmates se font toujours sentir, hantant le peuple américain comme un cauchemar. Cette réminiscence du passé reviendra à plusieurs reprises de telle sorte qu’il est impossible de ne pas passer à côté. Ainsi l’exploit de Sully, qui réussit à éviter le pire, revient quasiment à rendre justice à l’attaque de 2001, comme pour montrer que cette attaque est derrière les américains, et que désormais ils ne sont plus obligés de subir la catastrophe mais au contraire de la maîtriser.

La quête de la vérité se fait de deux manières, d’une part par les témoignages et les souvenirs des différents protagonistes et d’autre part par les simulations informatiques de la compagnie. Ainsi, Sully montre l’événement au travers d’une multitude de points de vue, des plus faux (le rêve du début) aux plus vrais (la séquence où nous sommes dans le cockpit avec Sully). De ce fait, c’est la réinterrogation de ce vieux principe fordien qui se joue « When the legend becomes fact, print the legend ». La pluralité des points de vue permet de construire une vérité plus complexe qu’il n’en a l’air, déconstruisant ainsi la légende au profit des faits, pour réinterroger la légende elle-même. Sully a-t-il vraiment sauvé les passagers ou au contraire a-t-il mal jugé en se précipitant dans l’Hudson ? Est-il le vraiment le héros que l’on veut croire ?

Dans Sully, la dimension humaine prend une place toute particulière. Sully est en proie aux doutes, et ses décisions sont mises à mal par les simulations informatiques. Si l’on en croit les faits bruts, Sully aurait pu retourner à l’aéroport. Ce qui est important pour rétablir la vérité c’est de prendre en compte la dimension humaine, non seulement celle de Sully mais aussi celle de tous les autres membres de l’équipage ainsi que les équipes de secours. En fait, Sully est glorifié en héros car les américains ont besoin de leader et d’un nom sur lequel s’appuyer. Mais ce que montre Eastwood, c’est que l’exploit accompli n’est que la somme des parties. Si le héros est grand c’est parce que le peuple l’est tout autant, et sans le peuple le héros n’est rien.

Le film de Eastwood ne serait de la même manière rien sans le jeu de Tom Hanks. L’acteur livre une interprétation brillante de Sully, tout en subtilité et en nuances. Il est totalement crédible dans le rôle d’un homme plus âgé, qui plus est un pilote vétéran face à une situation extrême. Son jeu atteint bien plus de profondeur que dans Inferno, autre film sur le doute d’un homme et sur sa responsabilité héroïque. Mais Sully préfère le propos intelligent au divertissement pur.

Sully : Bande-annonce

Sully : Fiche Technique

Louise en hiver sait que le printemps revient toujours, et avec lui la lumière et les souvenirs des beaux jours.

Synopsis : À la fin de l’été, Louise voit le dernier train de la saison, qui dessert la petite station balnéaire de Biligen, partir sans elle. La ville est désertée. Le temps rapidement se dégrade, les grandes marées d’équinoxe surviennent condamnant maintenant électricité et moyens de communication. Fragile et coquette, bien moins armée que Robinson, Louise ne devrait pas survivre à l’hiver. Mais elle n’a pas peur et considère son abandon comme un pari. Elle va apprivoiser les éléments naturels et la solitude. Ses souvenirs profitent de l’occasion pour s’inviter dans l’aventure. Jusqu’à ce qu’une explication lui soit révélée et que tout rentre dans l’ordre.

« L’un des privilèges de la vieillesse, c’est d’avoir outre son âge, tous les âges » Victor Hugo

La vie en société a imposé l’établissement de codes sociaux qui définissent la place de chacun, selon son âge, son sexe, son origine sociale etc… afin de faciliter les interactions entre les membres du corps social. Simple balise ou carcan rigide, le ressenti que l’on a de ce mode d’emploi est variable. Néanmoins, il est indéniable qu’il y a, volontairement ou non, une hiérarchie qui s’instaure, au profit de certains, au détriment d’autres. Ainsi, dans notre conception occidentale, l’ensemble de la vie sociale est avant tout pensé autour de la famille : deux adultes dans la force de l’âge et un nombre variable d’enfants. Le temps social est découpé pour répondre à leurs besoins, ils sont la norme et le cœur de la société. A la périphérie évoluent les autres, les gens seuls et les vieux, deux entités qui vont souvent de pair. Ni vraiment dans la société, ni complètement en dehors, ils sont en marge. C’est de ce point de vue que Louise regarde le monde, celui qu’elle décrit sur les pages de son journal un après-midi d’été, lorsqu’assise sur la plage elle observe les vacanciers et leur agitation. Elle consigne ses réflexions avec humour et lucidité, se sachant bien insignifiante au milieu de cette fourmilière estivale qui vibre de tout et de rien. En entomologiste amateur, elle prend des notes de ce qu’elle voit et nous met dans la confidence par l’intermédiaire de sa voix off, qui nous accompagnera tout au long du film.

Louise en hiver est un film sans dialogue mais au sein duquel la parole compte énormément. Le spectateur est dès l’introduction invité à partager les pensées de Louise, position qu’il conserve jusqu’au bout. En faisant coïncider la réflexion de son protagoniste avec celle du public, le réalisateur Jean-François Laguionie se garantit l’empathie de celui qui regarde en prévenant tout misérabilisme. On suit le cheminement de Louise pour apprivoiser une solitude qu’elle n’a au départ pas choisie mais au sein de laquelle elle finit par trouver une forme de sérénité. La vieille dame ne se plaint pas de ce qui lui arrive, n’y voit pas un coup malheureux du destin, elle vit la chose de manière simple et même ludique. En décidant de quitter sa maison de vacances (« trop de silence » justifie t-elle) pour aller s’installer sur la plage, se construire une cabane et vivre de la pêche à pied, elle s’extrait de la société pour partir à l’aventure. Il y a dans sa démarche à la fois le désir enfantin d’émancipation et l’envie adulte de chasser la routine en retrouvant une certaine forme d’intimité avec la nature. Le réalisateur fait d’ailleurs référence explicitement à Robinson Crusoé plusieurs fois dans le film. Se retrouver seule dans un environnement qui, s’il n’est pas hostile n’est pas familier, permet au personnage de repenser sa place au monde. C’est dans ce contexte que prend place le surgissement de souvenirs enfouis et presque perdus.

Dans son ermitage, Louise ne fait face qu’à elle même, c’est elle qu’elle retrouve donc en se rappelant la petite fille qu’elle était et la jeune femme qu’elle a laissée derrière elle. « On a fini par me marier» , raconte t-elle tout autant à elle-même qu’au spectateur. Pas d’amertume dans ce propos, seulement le constat d’une vie qui aurait pu être autrement, tous ces possibles qui s’offraient à elle à l’époque où rien ne semblait encore joué. Entre toutes ces Louise, elle tisse des liens oubliés. Laguionie a fait le choix de laisser son héroïne ne se confronter à personne d’autre qu’elle-même, donnant au film cette forme testamentaire. Cela permet de ne pas faire peser sur elle le poids de choix passés qui auraient pu faire tourner l’intrigue en règlement de comptes. Louise en hiver, c’est l’introspection d’une vieille femme qui se sait au crépuscule de sa vie et qui préfère se laisser aller à regarder le chatoiement des dernières lueurs du jour plutôt que de penser à la nuit à venir.

Au fil de la narration, on a l’impression de circuler dans une aquarelle. Louise serait la protagoniste d’une toile de Monet, parmi ces paysages de Normandie qu’affectionnaient tant les impressionnistes. Il y a quelque chose du documentaire ou plutôt du document dans le quotidien que le cinéaste choisit de montrer. Laguionie cherche à ancrer les gestes de Louise dans une mémoire ancestrale : se nourrir, construire un abri, se laver, cultiver son jardin, tout est présenté sans fioritures ni superflu. Outre cette voix légèrement éraillée – que l’on doit à Dominique Frot – le film est porté par une très belle partition qui accompagne le texte sans le surligner. Elle est présente sans être écrasante et confère à l’ensemble cette mélancolie des saisons froides. Louise en hiver est une œuvre contemplative et poétique qui s’attarde comme son personnage sur les détails d’un quotidien sublimé par la beauté d’un ciel d’automne avant les grandes marées d’équinoxe.

Louise en hiver : Bande annonce

Louise en hiver : Fiche technique

Friend Request ou une énième satire contre-utopique (toujours) un peu facile et fabuleuse d’une interconnectivité virtuelle ? Mark Zukerberg n’a qu’à bien se tenir… même pas peur, au détriment d’être plaisant.

Synopsis : Laura, étudiante branchée, partage sa vie sur Facebook avec ses 800 amis. Par gentillesse, elle accepte la demande d’ami de Marina, une étudiante introvertie mais qui devient vite envahissante. En tentant de la supprimer de sa liste d’amis, Laura va déclencher des forces paranormales et voir ses proches être décimés les uns après les autres…

Non, Simon Verhoeven n’a aucun lien de parenté avec le « Hollandais violent ». Son grand-père est certes le célèbre Paul, mais pas celui dont vous faites allusion. Metteur en scène, acteur, réalisateur et scénariste allemand, celui-ci a transmis la fibre jusqu’à son petit fils qui avec son troisième long-métrage tente de s’approprier certains codes du genre sur une matrice hollywoodienne censée reprocher à Mark Zukerberg les absurdités de son réseau social.

Un conte post-moderne…

Tourné en Scope, sur-étalonné pour donner un effet suranné à un contexte plus qu’actuel, Friend Request s’inscrit dans une lignée de films d’horreur ou thriller critiquant notre société ultra-connectée ou addicte à l’informatique et aux méandres d’internet. On aurait pu faire un top, tellement la liste est longue (Traque sur internet d’Irwin Winkler, Kaïro de Kiyoshi Kurosawa, Hard Candy de David Slade, Adoration d’Atom Egoyan, toutes les séries B, voire Z Dead On Site de Scott Kenyon Barker, IMurders de Robbie Bryan, The Den de Zachary Donohue, Untracable de Gregory Hoblit jusqu’à Unfriended de Levan Gabriadze sorti l’année dernière…), mais l’heure est plutôt aux festivités et Noël approche. Avec son lot d’histoires, de fables et de légendes, trop généralement capillotractées, encore plus lorsqu’il s’agirait, pour revenir à nos souris, d’expliquer le paranormal en 2016. A l’ère où les petits écrans semblent faire la loi, il faut se creuser l’inspiration pour réussir à distiller une inquiétante étrangeté qui ne serait pas déjà-vu. 

Ici, un retour sur flashback introduit le récit et l’obsession de cette lugubre nouvelle venue pour la parfaite élève aux allures de Taissa Farmiga (American Horror Story, Wicked City) jouée par Alicia Debnam-Carey déjà vu dans The 100 ou Fear the Walking Dead. Puis progressivement la descente des amis Facebook (aux enfers) fait écho au premier épisode de la saison 3 de Black Mirror (Chute Libre) pour plonger l’héroïne dans une solitude accablante. Le schéma habituel s’accorde sur celui d’un conte : un microcosme peuplé de jeunes, beaux et riches qui se verront décimés les uns après les autres. Tout slasher movie commencerait-il par une utopie à déconstruire? Quoiqu’il en soit, la pierre étant jetée, on perçoit une volonté de se démarquer singulièrement d’autres long métrage du même acabit. L’univers gothique de Mari Na, fille perdue qui aurait un passé sombre dans son ancienne école, nous est décrit avec beaucoup de sensibilité et aux moyens d’audacieuses animations. Tout comme la mise en scène du « jeune » réalisateur allemand qui privilégie les clairs obscurs bleutés, les extérieurs naturels et les couchers de soleil qui permettent en sortant des écrans, de respirer. On n’est pas si loin du paradis océanique fictif de San Junipero. Toujours en référence à la série d’anticipation de Chris Brooker, épisode 4 de la dernière saison disponible depuis le 21 octobre sur Netflix. A l’exception qu’ici la morale, bien moins construite, mais tout aussi sombre, prend des tournures trop attendues.

…sur fond éculé

En effet, ce long métrage d’horreur, sur fond de paranormal mal assumé, poursuit maladroitement les réflexions sur les excès des réseaux sociaux. L’écriture n’explore pas, au delà d’un accoutumé consensus, les personnages secondaires et leurs propres récits. De peur de se perdre, par manque d’audace ou de confiance en soi, les trois scénaristes écument le contenu somme toute commun pour se centrer sur l’explication à la mords-moi-le-nœud paranormal d’une jeune fille mal aimée. Malheureusement, ils ne maîtrisent pas, comme la majorité des autres films d’épouvante sur fond surnaturel ou de sorcellerie, les codes et légendes propres et nous ressortent un dégluti pré-mâché de quelques anecdotes pseudo-ancestrales. Le détail n’est que prétexte et une fois de plus ce miroir noir (Black Mirror), que sont aussi nos écrans éteints, permet l’envoûtement et le passage vers la folie meurtrière. La traversée au bois, les ruines, l’école désertée, ainsi que l’hôpital, l’ascenseur, la centrale, la cave… sont des motifs sans réelles intentions qui viennent rallonger la sauce ou l’addition, c’est selon. Finir par en rire semble être le seul argument pour nous dépêtrer de cette incongruité, et non pas pour rationaliser la peur, qui n’est ici que surprise plus que réelle angoisse (bien que certains jump scare réussissent à attiser une impression de malaise).

Qui est cet autre qui nous en veut à l’autre bout de la ligne, de l’autre côté de l’écran ou même dans les codes informatiques? En 2012, un court métrage américain au même titre était apparu sur la toile. Verhoeven a-t-il vu ce huis clos avant de se décider à la repompe.

La vengeance d’une solitude est effleurée ici, plus que réellement abordée et que l’on ne nous sorte pas l’excuse d’une suite, car chaque film en soit doit être entier. Reprochons, certes, à l’étudiante blonde ne pas faire son âge, des personnages en surpoids d' »exister »par mesure d’équité ou au blond surfeur d’endosser la peau du prince charmant, les temps modernes ne suffisent pas à rendre intelligible cette fable horrifique artificielle. Même si l’on sent un désir de singularité, les efforts fournis s’épuisent au détriment de coquilles vides et d’une atmosphère grossière. Redonnons ses lettres de noblesse à l’épouvante que diable! Sam Raimi et Alvarez sont-ils les seuls maîtres à penser en la matière ?

Friend Request : Bande Annonce

Friend Request : Fiche Technique

Réalisé par Simon Verhoven
Scénario de Simon Verhoven, Philip Koch et Matthew Ballen
Interprétation : Alycia Debnam-Carey, Brit Morgan, William Moseley, Liesl Ahler
Montage : Denis Batcher
Musique : Martin Todsharow et Gary Go
Société de production : Wiederman & Berg Film, SevenPictures Film, Two Océans Productions
Distributeur : Warner Bros
Interdit aux moins de 12 ans
Durée : 92 minutes
Genre : Epouvante – Horreur, Thriller
Date de sortie : 23 Novembre 2016

Etats-Unis – 2016

Gorge Cœur ventre, le premier film prometteur d’une réalisatrice qui laisse s’exprimer les animaux.

Synopsis : Les bêtes arrivent la nuit.
Elles sentent.
Elles résistent.
Avant l’aube, un jeune homme les conduit à la mort.
Son chien découvre un monde effrayant qui semble ne jamais devoir s’arrêter.

La voix de l’animal

Un jeune homme se lève dans son refuge sous les rayons chauds et lumineux d’un matin d’été. Rien ne laisse soupçonner les atrocités qui se sont déroulées avant l’aube. Son plus fidèle compagnon -son chien- lui, le sait et n’a certainement pas pu fermer l’œil de la nuit. Thomas travaille dans un abattoir, c’est lui qui libère les bêtes de leur joug pour mieux les conduire dans le lieu sacrificiel où elles seront vidées de leur sang puis découpées. Si l’homme pratique ce métier machinalement en se détachant du poids de la torture et de la mort, l’animal ne peut rester insensible aux regards et aux cris de détresse de ses congénères que l’on s’apprête à tuer. C’est ce sentiment qu’a voulu retranscrire la réalisatrice Maud Alpi dans son premier film.

Jugeant certainement l’abattoir indigne de l’homme, la réalisatrice a préféré abaissé sa caméra à hauteur d’animal. Le chien de Thomas est le véritable personnage de ce film qui vous prend à la gorge, au ventre mais aussi au cœur. La caméra placée à sa hauteur permet d’adopter le point de vue de l’animal sur ces animaux que l’on assassine.

C’était sans doute ce qui manquait pour dénoncer la problématique des abattoirs sans se laisser aller jusqu’à la dénonciation facile et surtout déjà-vu avec des images chocs. À aucun moment dans Gorge Cœur Ventre nous assistons à une mise à mort, toujours laissée  hors-champs. La caméra suit les animaux dans un couloir de la mort et s’arrête au seuil de la salle de torture. La réalisatrice préfère nous rappeler que les animaux ont des sentiments et ressentent les choses, en particulier la funèbre odeur de mort. La mise en scène de Maud Alpi capte la peur dans les yeux des vaches et l’horreur dans ceux du chien. Et du regard de l’animal domestique on perçoit également la détresse de l’homme, dont le poids des cris de morts des animaux se fait de plus en plus lourd.

Davantage qu’un film dénonçant l’horreur des abattoirs, Gorge Cœur Ventre adopte un dispositif très original et capte l’invisible. Construit comme un documentaire, le film va, pour notre plus grand bonheur de spectateur,  lorgner vers un pur fantastique grâce à une mise en scène extrêmement pensée. D’abord didactiques, ces images naturelles virent surnaturelles lorsque la mise en scène laisse les animaux s’exprimer, à travers des regards et des gestes. Puis de nouveau au moment où le chien de Thomas s’évadera de son emprise de l’homme vers une sorte de monde parallèle aux airs de paradis animal.

Grâce à une construction purement cinématographique, le film de Maud Alpi donne la parole à ceux que l’on n’entend pas et à qui notre Code Civil accordait il n’y a même pas deux ans les mêmes droits qu’à de simples meubles.

Gorge Cœur Ventre : Bande-annonce

Gorge Cœur Ventre : Fiche Technique

Réalisation : Maud Alpi
Scénario : Maud Alpi, Baptiste Boulba-Ghigna
Interprétation : Virgile Hanrot, Dimitri Buchenet
Photographie : Jonathan Ricquebourg
Montage : Laurence Larre
Décors : Hervé Coqueret
Production : Mathieu Bompoint
Distributeur : Shellac
Durée : 88 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 16 novembre 2016

France – 2016

Kirill Serebrennikov dénonce dans son long métrage, le Disciple, le totalitarisme qui est en train de gagner son pays, la Russie, matérialisé par l’ultra présence d’une religion qui dérape, d’une homophobie et d’un antisémitisme rampants. Si le fond fait froid dans le dos, la forme nous laisse un peu à distance.

Synopsis : Veniamin, un adolescent pris d’une crise mystique, bouleverse sa mère, ses camarades et son lycée tout entier, par ses questions.
– Les filles peuvent-elles aller en bikini au cours de natation ?
– Les cours d’éducation sexuelle ont-ils leur place dans un établissement scolaire ?
– La théorie de l’évolution doit-elle être enseignée dans les cours de sciences naturelles ?
Les adultes sont vite dépassés par les certitudes d’un jeune homme qui ne jure que par les Écritures. Seule Elena, son professeur de biologie, tentera de le provoquer sur son propre terrain…

Les versets sataniques

La première image du Disciple donne le ton d’un film qui s’avèrera revêche tout au long de sa durée. Revêche, râpeux même pourrait-on dire.

Une femme entre deux âges (Yuliya Aug) rentre dans son immeuble, chargée de provisions, ahanant sous l’effort qu’il lui faut pour gravir un étroit escalier jusqu’à son petit appartement. On pourrait croire à un film social roumain, loachien, ou encore des frères Dardenne. Ses premiers gestes sont d’allumer successivement deux postes de télé, l’un de salon, l’autre dans la cuisine, deux appareils qu’elle ne regardera même pas, et d’emblée on sent la solitude de cette femme. La décoration est triste à mourir, mais un très beau rayon de soleil transperce l’ensemble.

Cependant, dès qu’elle s’adresse à son fils Venia (Petr Kvortsov) hors-champ, et indépendamment bien sûr de la langue, on reconnaît une vigueur différente des films sus-cités, assez proche au fond de ce qu’on trouve chez Andreï Zvyagintsev (Elena, Leviathan) : des femmes et des hommes sombres, francs, tragiques.

Venia est un adolescent ténébreux, dont le physique rappelle fortement un autre grand et talentueux ténébreux : Michael Shannon. Pris d’une crise mystique dont on ne sait si elle est soudaine, ni récente, ni durable, Venia ne s’exprime que par des versets de la Bible, des citations littérales de la Bible, référencées scrupuleusement par des inserts esthétisants dans l’image. Appliquant la plus tortueuse des Écritures au pied de la lettre, Venia va adopter un comportement qui va remettre en cause le fragile équilibre de son environnement.

Venia, c’est Veniamin, l’équivalent de Benjamin, le nom du protagoniste dans Martyr, la pièce du dramaturge allemand Marius von Mayenburg dont le film de Kirill Serebrennikov est une adaptation. Autant Benjamin serait dans le registre de la comédie sociale, autant, ça ne rigole pas avec Venia. C’est souvent en vociférant qu’il déclame les versets bibliques, et c’est dans une douleur hystérique qu’il vit sa chrétienté. Même si l’énergie du jeune acteur est indéniable, il donne souvent l’impression de jouer à côté, comme s’il n’avait pas saisi tout l’enjeu du discours du cinéaste.

Car du côté de Serebrennikov, les choses sont assez claires. L’adaptation de la pièce allemande est forte, car colle à une réalité russe qu’il veut ici dénoncer : cette prépondérance du religieux dans la vie de tous les jours (il n’y a qu’à se souvenir de l’épisode Pussy Riots), au point de déformer les points de vue, au point de l’abdication : la proviseure et presque tout le corps enseignant du lycée de Venia qui sont prêts jusqu’à proposer de présenter le point de vue des créationnistes pour contrecarrer le point de vue scientifique d’Elena (Viktoriya Isakova) la prof de biologie, et que le disciple Venia refuse ; la même directrice d’établissement qui est prête à abandonner le bikini à la piscine pour recorseter les jeunes filles dans un maillot « intégral », et la propre mère agnostique/athée de Venia que les menaces d’étérnité infernale promise par la bouche de son fils, poussent à fréquenter le pope plus que de raison…

Seule Elena semble avoir littéralement les pieds sur terre et la tête sur les épaules. Mais là encore, l’obsession de la religion, ou du moins des messages négatifs retenus par Venia, se fait au détriment de l’équilibre, voire du bonheur du personnage….

Le film de Serebrennikov, que l’on a pu croiser au Festival d’Avignon, respecte ses origines théâtrales, et en adopte les facettes les moins cinématographiques. Accompagné d’un dialogue dont plus de la moitié n’est faite que de citations de la Bible, il peine à captiver malgré l’intelligence du propos. Malgré également quelques moments de beauté visuelle comme les scènes de plage très fortes et assez paradoxales, car montrant une certaine forme de liberté sexuelle dont l’absence semble être dénoncée par le cinéaste, et des moments d’émotion avec le personnage de Gricha, même s’il est regrettable de constater que pour être habité d’un peu d’humanité, il faille être handicapé, diminué. L’innocence de Gricha semble être le moteur qui lui permet  d’aller au-delà de cette chape de moralité religieuse qui semble s’être abattue sur la Russie…

Travaillant sur le même terrain que Zvyagintsev, dont le Léviathan et dans une moindre mesure Elena sont éminemment politiques, le cinéaste Serebrennikov ne réussit pas à recueillir autant que son compatriote notre adhésion. Intitulé (M)uchenik, un jeu de mot entre Muchenik (Martyr) et Uchenik (disciple), le film s’étouffe et se noie quelque peu dans son propre propos programmatique.  Il manque de respiration (celle-là même par exemple qu’on trouve au bord d’une paisible mais majestueuse  Mer de Barents, au nord de la Russie, ou sur un facétieux champ de tir dans un Léviathan pourtant tout aussi sombre et plombé que le Disciple), et même si on ne peut être que d’accord sur sa dénonciation d’une société homophobe, antisémite, et qui pour remplacer le vide laissé par le communisme, utilise la religion, l’ancien opium du peuple, on reste le plus souvent à distance de son film et de son disciple auto-proclamé, auto-auréolé. Dommage…

Le Disciple – Bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=bEF8BiHEkvY

Le Disciple – Fiche technique

Titre original : (M)uchenik
Réalisateur : Kirill Serebrennikov
Scénario : Kirill Serebrennikov, Marius von Mayenburg
Interprétation : Pyotr Skvortsov (Veniamin Yuzhin), Viktoriya Isakova (Elena Krasnova), Aleksandra Revenko (Lidiya Tkacheva), Yuliya Aug (Inga Yuzhina, la mère), Aleksandr Gorchilin (Grigoriy Zaytsev), Irina Rudniktskaya (Irina Petrovna), Nikolay Roshchin (Otets Vsevolod), Svetlana Bragarnik (Lyudmila Stukalina)
Musique : Ilya Demutskiy
Photographie : Vladislav Opelyants
Montage : Yury Karikh
Producteurs : Ilya Stewart, Diana Safarova, Yury Kozyrev, Coproducteurs : Sergey Shtern, Svetlana Ustinova, Ilya Dzhincharadze, Katerina Komolova
Maisons de production : Hype Film
Distribution (France) : ARP Sélection
Récompenses : Prix du public au Biografilm Festival (Bologne), Prix François Chalais au Festival de Cannes 2016
Durée : 118 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 23 Novembre 2016
Russie – 2016
 

Avec Les Cerveaux, Jared Hess perdure dans la comédie, mais malheureusement, le manque d’audace se fait sentir.

Synopsis : La vie de David Ghantt n’a rien de compliqué. Chaque jour, c’est la même routine : au volant de son camion blindé, il transporte des millions de dollars qui ne lui appartiennent pas. Le seul rayon de soleil dans son existence banale, c’est sa jolie collègue, Kelly Campbell. C’est elle qui va l’attirer dans une combine foireuse…
Malgré la bande de bras cassés à qui il a affaire, dirigée par Steve Chambers, et en dépit d’un plan grotesquement mal ficelé, David réussit quand même l’exploit de voler 17 millions de dollars… Le problème, c’est qu’il se fait doubler par ses complices, qui disparaissent avec le butin et lui mettent tout sur le dos…

Jared Hess, remarqué pour ses précédentes comédies tel que Super Nacho ou Napoleon Dynamite, est de retour sur grand écran avec Les Cerveaux entouré d’un casting 4 étoiles composé de Zach Galifianakis, Owen Wilson, Kristen Wiig ou encore Jason Sudeikis, figures emblématiques des comédies américaines actuelles. Mais ces acteurs sont également des valeurs sûres. Partout où ils passent, Galifianakis conquis le spectateur par ses mimiques et son jeu d’acteur singulier. Owen Wilson est un peu plus effacé, nous ayant habitué à mieux. Jason Sudeikis, quant à lui, prolonge sa carrière dans la comédie américaine, et ses rôles lui vont plutôt bien. Après Comment tuer son boss, Les Miller ou encore Joyeuses Fête des Mères, l’acteur fait son petit bonhomme de chemin, acquièrent une place de plus en plus importante dans le cœur du grand public.
Même si les acteurs se conforment à leurs interprétations passées et n’innovent pas réellement, elles servent ici leur propos, alternant entre comique de situation, quiproquos ou courses poursuites totalement barrées. Les Cerveaux est une comédie réussie, si on l’appréhende sous l’aspect humoristique.
Certes, le film regorge de lieux communs de la comédie populaire américaine comme Very Bad Trip ou Le Casse de Central Park, mais les bonnes vannes et les acteurs nous font oublier ce léger bémol. Si vous êtes fans des précédentes comédies de Jared Hess, vous ne serez pas déçu. Le réalisateur continue dans sa lignée de comédie tantôt politiquement incorrecte, tantôt légèrement grivoise ou absurde, qui plaisent aux grands enfants que nous sommes, fans de ce types de films.  Parfois, « plus c’est con, plus c’est bon ».
Puis, Les Cerveaux, c’est l’occasion de voir Zach Galifianakis s’accoutrer de coupes de cheveux toutes plus rocambolesques les unes que les autres. Et, en toute honnêteté, rien que pour cela, le film mérite le coup d’œil.

Comme dit précédemment, Les Cerveaux ne renouvelle pas le genre, surtout en terme de scénario. Le principe d’une bande de bras cassés qui fait un casse mais qui se voit doublée par d’autres a déjà été vu. Sur ce point, on aurait pu espérer davantage d’efforts de la part du réalisateur et de ses scénaristes. Manque d’audace quand tu nous tiens. Ils explorent les grandes lignes et les ficelles de la comédie américaine, mais se voient sauvés par l’humour, comme exposé dans le paragraphe précédent. N’est ce pas là le principe même de la comédie ?
La réalisation n’est pas non plus saisissante et fait du film une comédie simple, qui nous fera rire sur le moment, mais que l’on oubliera assez rapidement. Toutefois, la bande-originale rythme parfaitement le film, le rendant parfois épique, tantôt « cucul » (mais c’est voulu). Le réalisateur fait preuve d’auto-dérision dans ses choix techniques et n’hésite pas à faire dans l’excentricité. Certes, il n’est pas le premier à faire dans ce registre, mais ne pas se prendre au sérieux à parfois du bon. Certaines scènes sont de petits plaisirs coupables, notamment cette course poursuite épique d’un Zach Galifianakis en roller accroché à l’échelle d’un camion. Le principe est idiot, le personnage est outrancier, mais impossible de ne pas remuer ses zygomatiques.

Les Cerveaux est une comédie potache, qui fera passer un bon moment au spectateur une fois dans la salle obscure. Malheureusement, le scénario manquant d’hardiesse et de culot, malgré deux/trois scènes politiquement incorrectes, feront sombrer le film dans le cimetière des comédies qu’on oublie très rapidement, malgré les rires éprouvés durant la séance.

Les Cerveaux : Bande-annonce

Les Cerveaux : Fiche Technique

Réalisateur : Jared Hess
Scénario : Chris Bowman, Jody Hill, Danny McBride, Hubbel Palmer, Emily Spivey
Interprétation : Zach Galifianakis, Owen Wilson, Kristen Wiig, Jason Sudeikis, Devin Ratray, Mary Elizabeth Ellis…
Photographie : Erik Wilson
Montage : Keith Brachmann, David Rennie
Direction artistique : Clayton Hartley
Musique : Geoff Zanelli
Producteurs : Lorne Michaels, John Goldwyn, Andrew Panay
Sociétés de production : Relativité Media, Broadway Video, Michaels-Goldwyn
Distribution (France) : Metropolitan Filmexport
Durée : 94 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 23 novembre 2016

États-Unis – 2016