LeMagduCiné

Depuis ce mercredi 26 juin, les sauveteurs de Malibu sonnent l’alerte dans Baywatch, adaptation de la série homonyme. Au programme : des personnages réussis qui sauvent le film d’un naufrage, mais pas du bain de pétrole.

Synopsis : Le légendaire sauveteur Mitch Buchannon est contraint de s’associer à une nouvelle recrue, Matt Brody, aussi ambitieux que tête brûlée ! Ensemble, ils vont tenter de déjouer un complot criminel qui menace l’avenir de la Baie…

Alerte au naufrage

Le projet Baywatch semblait tout avoir : un ton déjanté, une bande-son cool au possible, et un casting parfait mené par Dwayne « The Rock » Johnson. L’histoire ne semblait pas folle, mais son traitement oui : poursuite sur un scooter tellement lent que Johnson doit pousser avec ses jambes ; planque dans une morgue, etc. Toutefois, malgré l’annonce et les bandes-annonces alléchantes du projet, des éléments venaient obscurcir le tableau.

Seth Gordon d’abord. Réalisateur des sympathiques et inégaux Comment tuer son boss ? et Arnaque à la carte, Seth Gordon a appliqué à Baywatch les points positifs et négatifs de ses précédents films. Nous trouvons ici de formidables personnages, un high-concept au fort potentiel de folie débridée comique… Une ambiance bien caractérisée. Tout est limpide. Et puis l’intrigue, ici policière, s’essouffle rapidement pour devenir prétexte à suivre les personnages géniaux.

La bande à Dwayne

Les personnages sont formidables, portés par un excellent casting et une écriture plutôt bonne les concernant. Du nouveau Mitch, interprété par le « coolest of the coolest » d’aujourd’hui Dwayne Johnson (qui remplace donc David Hasselhoff) à la nouvelle C.J. (ancien rôle de Pamela Denise Anderson repris ici par le mannequin Kelly Rohrbach), en passant par le nouveau Matt Brody (rôle repris par l’excellent Zac Efron) et le jeune timide et empoté Ronnie Greenbaum (joué par un très drôle Jon Bass), l’équipe fonctionne. Mais des personnages peuvent-ils réellement supporter tout un film ?

https://www.youtube.com/watch?v=JIJmL1ONfG8

Ci-dessus, Ronnie a du mal à contenir son admiration pour C.J. et se met dans une situation embarrassante.

La gueule d’un noyé bouffé par les requins et poiscailles du coin

Le titre ci-dessus est tout à fait explicite sur l’ensemble visuel de Baywatch. Comment des personnages, bien écrits et excellemment interprétés, peuvent-ils exister à l’écran quand le montage les fait disparaître de l’image ? Comment des personnages peuvent-ils supporter des coupes violentes dans l’action et son déroulement, au point de mettre en place des incohérences monstrueuses (ah un personnage a l’idée de filmer des bandits, mais les mecs n’y penseront pas après, même bien en face de la preuve) ? Le montage est en cause. Et celui-ci est réellement catastrophique, en particulier sur la deuxième moitié du film.

Non seulement la cohérence, la construction visuelle de bien des scènes, et le déroulement de l’intrigue (déjà peu intéressante) en souffrent violemment, mais la comédie en prend aussi pour son grade. Bien sûr, des grands films ont été coupés de grandes scènes – on pense à Die Hard With A Vengeance et sa fin brillante coupée du montage pour devenir une scène alternative culte. Autre cas : le jeu vidéo Star Wars Le Pouvoir de la Force II vendait dans une de ses belles bandes-annonces une bataille entre le héros et Darth Vader sur une planète enneigée. Le combat et toute l’action sur cette planète furent complètement absents du jeu. Dans Baywatch, de grandes scènes d’une belle puissance comique ont véritablement disparu du film pour servir au marketing : elles apparaissent dans les bandes-annonces et même dans les extraits officiels du film ; et elles participent au bêtisier de fin de film. Certes, de nombreux petits dialogues « drôles » censés faire mouche jalonnent le film, mais ne fonctionnent pas. N’allez donc pas dire qu’il est écrit ici que la comédie aurait pu être parfaite. Passons pour arriver à un dernier constat concernant l’imagerie : les effets spéciaux riment ici avec « Playstation 2 ». En effet, ceux-ci sont datés en plus d’être catastrophiques par moments tant ils ont été finis à la truelle. Que peut alors faire notre équipe chérie de sauveteurs et sauveteuses face à ces vagues monstrueuses de CGI ?

Conclusions au « téléphoque »

On ressort ainsi du film frustré. Frustré face à un tel gâchis de potentiel, déçu face à la prise de contrôle du chaos sur le long métrage et tous ses enjeux, dont les éléments essentiels qui forment sa comédie. Et pourtant, quel amusement passé avec ces personnages, dans cette ambiance chaude et drôle portée par une formidable bande-son (toutefois peu aidée par la composition originale). Quelle introduction, et même première moitié de film ! Quel plaisir pris face à cette comédie irrévérencieuse et grossière, lourde et absurde, folle et burlesque ! Et pourtant, Baywatch n’est pas aussi déjanté qu’il le fût vendu dans ses bandes-annonces et extraits. Si le film aspirait au niveau de ses géniaux modèles (21 & 22 Jump Street), Baywatch a déjà bien du mal à tenir son chaotique cahier des charges. Le métrage frustre et déçoit, autant qu’il réjouit. Vous pouvez compter sur les éternels caméos, ici davantage mal placés que bien écrits malgré une bonne intention concernant la présence de David Hasselhoff.

Enfin, une suite devrait voir le jour, si tant est que le succès au box-office soit au rendez-vous. On le souhaite. Mais il faudra d’autres scénaristes, un autre réalisateur et d’autres producteurs à la barre. Pourquoi pas Todd Phillips, ou -on peut toujours rêver-, Phil Lord et Christopher Miller ?

Bande-Annonce : Baywatch

https://www.youtube.com/watch?v=ldjVZnGCZ38

Fiche Technique – Baywatch : Alerte à Malibu

Réalisation : Seth Gordon
Casting : Dwayne Johnson, Zac Efron, Alexandra Daddario, Priyanka Chopra, Kelly Rohrbach, Ilfenesh Hadera, Jon Bass, Hannibal Buress…
Scénario : Damian Shannon et Mark Swift, d’après une histoire de Jay Scherick, David Ronn, Thomas Lennon et Robert Ben Garant, d’après la série éponyme créée par Michael Berk, Douglas Schwartz et Gregory J. Bonann
Direction artistique : Tom Frohling et Lisa Vasconcellos
Décors : Stepherd Frankel
Costumes : Dayna Pink
Musique : Christopher Lennertz
Montage : Peter S. Elliot
Production : Michael Berk, Gregory J. Bonann, Beau Flynn, Dany Garcia, Dwayne Johnson, Joe Medjuck, Tom Pollock, Ivan Reitman, Douglas Schwartz et Tripp Vison
Sociétés de production : Paramount Pictures, Seven Bucks Productions, The Montecito Picture Company, Flynn Picture Compagny
Distributeur France : Paramount Pictures
Budget : 69 000 000 $
Genre : Comédie d’Action
Durée : 1h57
Date de sortie : 21 juin 2017

États-Unis – 2017

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Après un second opus indigne des studios Pixar, Cars 3 permet à la franchise de reprendre convenablement la route grâce à un soupçon de maturité, à défaut d’être moins enfantin.

Synopsis : Dépassé par une nouvelle génération de bolides ultra-rapides, le célèbre Flash McQueen se retrouve mis sur la touche d’un sport qu’il adore. Pour revenir dans la course et prouver, en souvenir de Doc Hudson, que le n° 95 a toujours sa place dans la Piston Cup, il devra faire preuve d’ingéniosité. L’aide d’une jeune mécanicienne pleine d’enthousiasme, Cruz Ramirez, qui rêve elle aussi de victoire, lui sera d’un précieux secours…

La saga reprend la route pour une dernière course de bonne tenue

Dans l’inconscient collectif, les studios d’animation Pixar sont reconnus pour leurs longs-métrages originaux, enivrants et poétiques à souhait. D’ailleurs, depuis leur premier succès en 1995 (Toy Story), ils sont devenus en un rien de temps la référence en la matière, jamais ou que trop rarement égalés par la concurrence. Mais tout modèle possède un défaut ! En ce qui les concerne, il s’agit de la saga Cars. Si cette dernière a su marquer les petits garçons qui ne parlent encore que de Flash McQueen en ce moment, elle est surtout ce qu’il y a de plus commercial pour la firme. Entre un premier opus certes sympathique mais bien loin de l’émotion d’un Monstres & Cie ou encore du Monde de Nemo (sans compter le rachat douloureux de Pixar par Disney au même moment), et un second, sans âme comme ce n’est pas permis, la série des Cars n’a fait qu’exister par le merchandising : jouets et autres produits dérivés, jeux vidéo, mini-série télévisée (Cars Toons), spin-offs (Planes et sa suite)… Le jour où Cars 3 a été annoncé, autant dire que l’engouement n’était pas vraiment au rendez-vous. D’autant plus qu’en cette année 2017, les studios ont un projet original à nous faire découvrir, bien plus alléchant sur le papier (Coco, attendu pour le 29 novembre). Était-il judicieux de blâmer cette suite de la sorte ? Pas vraiment.

Le premier signe qui montrait un changement radical dans la franchise, c’était la toute première bande-annonce disponible depuis novembre 2016. Le film s’y présentait de manière réaliste (animation à la limite du live) et sombre (teintes grisâtres, accident violent, vrombissements de moteur à la place d’une musique…). Si beaucoup de parents furent indignés par cette vidéo, inadaptée pour leurs jeunes marmots, l’équipe du film y dévoilait toutefois une ambition au combien honorable : celle de faire évoluer la saga, de la faire avancer, grandir (comme ses spectateurs qui la suivent depuis son commencement en 2006). En voyant le résultat final, le changement se fait remarquer, le tout ayant acquis une certaine maturité. Et pour cause, plutôt que de mettre excessivement en avant les comic reliefs (comme l’insupportable Martin) ou de proposer une toute nouvelle gamme de personnages, Cars 3 remet son héros sur le devant de la scène et s’y intéresse pleinement. Le film lui offre un dernier tour de piste en abordant des thématiques beaucoup plus adultes, profondes et significatives telles que la passation de flambeau (John Lasseter and co laissant la place à de nouvelles recrues) ou encore le deuil (le décès du scénariste Daniel Gerson). Ainsi, aussi bien pour les enfants que les plus grands, la franchise gagne en ampleur et en intérêt grâce à ce Cars 3 sachant se montrer malin – le film allant jusqu’à critiquer le merchandising même en révélant ce qui attend McQueen s’il perd la course – et touchant. À tel point qu’il parvient sans mal à dépasser le premier opus, qui ne se contentait alors que de son univers gentillet.

Bien entendu, l’évolution s’est également faite d’un point de vue technique, le rendu ayant évolué depuis le tout premier Cars. Même si, et il fallait s’y attendre, ce troisième opus oublie le côté réaliste de sa bande-annonce pour revenir à l’univers cartoonesque de la saga, l’animation a de quoi bluffer ! En effet, celle-ci propose des paysages aussi saisissants que dans Le Voyage d’Arlo, donnant souvent l’impression de faire face à un véritable film. Un constat qui s’applique également aux personnages, qui perdent leur aspect plastique au profit d’une véritable carrosserie, mise en valeur par des jeux de lumières et de reflets tout aussi détaillés que maîtrisés. Cela peut paraître anecdotique de mettre le doigt sur ce qui semble être un détail visuel, mais cela apporte beaucoup de crédibilité à cet univers de voitures parlantes. On pourrait même parler d’une certaine immersion lors des séquences de courses, ces dernières étant plus fluides, vivantes et percutantes qu’à l’accoutumée. Si l’on peut encore ressortir l’exemple de l’accident de McQueen, la scène du « circuit boueux » reste tout aussi épique et spectaculaire. Le tout aidé par une bande son aux petits oignons.

Pourtant, malgré tous ces changements plus que bénéfiques, une certaine déception se fait ressentir lors du générique de fin. Celle de voir que ce Cars 3, même avec des ambitions plus adultes, garde néanmoins le côté (excessivement !) enfantin de ses prédécesseurs. Que ce soit par le biais d’une intrigue sans surprise (cela ressemble beaucoup au premier opus), d’un humour à ras les pâquerettes et de comic reliefs indigestes répondant toujours présents malgré un temps d’apparition moindre, la saga ne parvient toujours pas à changer de vitesse. Sur ce fait, elle reste au point mort, donnant moins d’impact que prévu à ce gain de maturité. Certes, l’ensemble offre une vision plus complexe de Cars aux jeunots et un divertissement familial sympathique pour les adultes. Mais il manque encore une fois ce qu’il aurait fallu de matière, d’ambiance, de travail scénaristique… bref, ce petit quelque chose qui aurait fait de Cars 3 un Pixar à part entière et non un film d’animation à gros budget lambda et très premier degré : une émotion qui prend aux tripes, une poésie suintant de l’image à tout instant.

Sans pour autant parvenir à faire perdre le statut de bête noire de la saga, Cars 3 en est une sympathique conclusion (ou pas ?). Beaucoup plus posé et mature, ce nouvel opus se présente au public tel un bon petit film d’animation, sans prise de tête, à voir en famille. Une sorte de mise en bouche au très attendu Coco, qui promet d’être un spectacle pixarien à souhait et de passer sous silence la sortie de ce troisième Cars. Rendez-vous donc le 29 novembre 2017 pour retrouver l’originalité et l’émerveillement propre à la firme !

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Cars 3 : Bande-annonce

Cars 3 : Fiche technique

Réalisation : Brian Fee
Scénario : Jonathon E. Stewart, Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell, Kiel Murray, Bob Peterson et Mike Rich
Doublage : Owen Wilson (Flash McQueen), Cristela Alonzo (Cruz Ramirez), Chris Cooper (Smokey), Nathan Fillion (Sterling), Larry the Cable Guy (Martin), Armie Hammer (Jackson Storm), Ray Magliozzi (Dusty), Tony Shalhoub (Luigi)…
Genre : Animation
Direction artistique : William Cone
Montage : Jason Hudak
Musique : Randy Newman
Producteur : Kevin Reher
Productions : Walt Disney Pictures et Pixar Animation Studios
Distributeur : Walt Disney Studios Motion Pictures
Date de sortie : 2 août 2017
Durée : 1h49

États-Unis – 2017

Visages Villages est d’abord le récit de la rencontre entre deux artistes, deux générations : Agnès Varda et JR. C’est aussi un documentaire qui met en avant la France et ses habitants avec une certaine ironie et toujours une grande douceur.

Road movie

Passées les premières minutes et cette voix off (celles de JR et Agnès Varda) un peu agaçante car sur-jouée avec des vannes pas toujours bien senties, on comprend que l’intérêt de Visages Villages est à trouver ailleurs que dans les digressions de ses deux protagonistes. En effet, c’est quand ils filment visages et villages que les deux réalisateurs et artistes trouvent leur équilibre. Nous partons donc à la rencontre de ses corps qui parfois nous livrent une partie de leur histoire. Le film (financé en partie via la plateforme Kiss Kiss Bank Bank) semble n’avoir aucun plan de route et c’est le hasard qui prédomine, quitte parfois à donner une impression de brouillon et à laisser les deux baroudeurs divaguer de manière peu productive. Pourtant, il y a aussi de la joie, de la mélancolie et de la douceur dans ce qui est visible à l’écran. C’est que JR et Agnès Varda ont la volonté de mettre l’autre en avant, de réunir, de construire une petite collectivité, même éphémère. Ils amènent les personnages qui sont avant tout des personnes réelles à se livrer, à s’émouvoir. De cette femme, dernière habitante d’une rue promise à la destruction, qui voit tout à coup son portrait en géant s’étaler sur sa maison, à ses familles réunies à Pirou (une plage de Normandie) sorte de village fantôme jamais habité et soudain peuplé de rires, en passant par ses trois femmes de dockers qui s’étirent en grand sur les conteneurs et acceptent de « s’asseoir dans leurs cœurs ». La solitude est aussi interrogée, revisitée.

Et pourquoi pas une chèvre ? 

En chemin, Agnès Varda s’émeut du sort des chèvres dont on brûle injustement les cornes pour plus de rentabilité et voilà que surgit d’un garage un homme qui observe la chèvre photographiée et placée là au milieu de nulle part. De cette rencontre incongrue naît le burlesque, le désir d’imagination. C’est ce que recherchent les deux artistes depuis toujours, Agnès Varda par ses films et JR par ses photographies-collages anonymes. Les yeux d’Agnès Varda finissent par nous hanter, alors qu’ils partent en voyage sans son corps (comprenez que JR les a photographiés puis affichés sur un train), ceux de JR restent invisibles car sa création, sa liberté se jouent toutes deux de son anonymat partiel, fabriqué. Les deux en jouent, se chamaillent, s’écoutent parler et au détour d’un rendez-vous manqué avec Godard, se retrouvent, se découvrent et décident de continuer la route ensemble. La musique de Mathieu Chedid vient accompagner discrètement ce voyage improvisé, nos cœurs finissent, quant à eux, apaisés.

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Visages Villages : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=YlQ104-3XYs

Visages Villages : Fiche technique

Réalisation : JR, Agnès Varda
Scénario et commentaires : Agnès Varda, JR
Musique originale : -M-
Productrices : Rosalie Varda, Emilie Abinal
Coproducteurs: Charles S. Cohen, Julie Gayet, Nadia Turincev, Nicole Fu, Etienne Comar
Photographie : Claire Duguet, Nicolas Guicheteau, Valentin Vignet, Romain Le Bonniec, Raphael Minnesota, Robert de Angelis, Julien Fabry
Montage : Agnès Varda avec Maxime Pozzi, chef monteur
Sociétés de production : Ciné Tamaris, Social Animals, Rouge International, Arte France Cinéma, Arches films
Distributeur : Le Pacte
Durée : 1h 29min
Date de sortie : 28 juin 2017

France – 2017

Réjouissante Séance de Minuit au dernier Festival de Cannes, Sans Pitié est un polar nerveux dans la pure tradition du cinéma hongkongais, qui n’oublie pas de crier son amour à Scorsese et Tarantino.

Synopsis : Jae-ho, qui se rêve chef de gang, fait la loi en prison auprès des autres détenus. Mais son autorité est remise en cause à l’arrivée de Hyun-su, un nouveau venu.

Sans Pitié est le troisième long métrage de Sung-hyun Byun, un changement radical pour le cinéaste dont le dernier fait d’armes était d’avoir réalisé Watcha’ wearin’?, une comédie romantique torride introuvable en France. Pourtant, le cinéaste bénéficie d’une cote d’appréciation assez remarquable dans son pays et son film fut présenté sur la Croisette avec une excitation palpable. Depuis quelques années, c’est une tradition pour le Festival de Cannes de mettre à l’honneur la Corée du Sud dans ses séances de minuit. En 2014, les spectateurs avaient pu découvrir The Target, Office avait été diffusé en 2015 et les festivaliers avaient pu voyager à bord du Dernier Train pour Busan en 2016. Thierry Frémaux et son équipe ne pouvaient décemment pas omettre ce petit bijou de nervosité et de virtuosité tout droit venu du Pays du Matin Calme qui, chaque année, nous balance une droite en pleine figure (souvenez-vous de The Strangers). Et si en plus, dès les premières images, Sans Pitié a des allures de Reservoir Dogs et Les Infiltrés, on est en droit de s’attendre à quelque chose de radical. Le réalisateur sud-coréen ne cache d’ailleurs pas son amour pour le cinéma de Quentin Tarantino et Martin Scorsese.  Il faut dire que Sans Pitié reprend en partie la trame du film de Scorsese – lui-même remake du film hongkongais Infernal Affairs – mais en change considérablement les ressorts dramatiques. Il en conserve l’élément déclencheur du film, à savoir l’infiltration d’un policier dans un gang sud-coréen spécialiste du trafic de drogues et les multiples rebondissements qui vont en découler. De Reservoir Dogs, il garde le climat de suspicion et la relation paternaliste Mister White/Mister Orange avec ses personnages. Mais en se revendiquant clairement comme film d’action, Sans pitié lorgne davantage du côté du cinéma hongkongais et de ses fusillades explosives. Toutes ces références ne pouvaient donc qu’annoncer un beau programme.

Sans Pitié confirme la réjouissante vitalité du cinéma d’action sud-coréen

Et en ce sens, Sans Pitié réussit là où d’autres auraient très bien pu tomber dans la facilité et la référence lourdingue. La qualité de Sung-hyun Byun est qu’il s’impose comme un artisan pointilleux qui conserve l’ambiance nerveuse, sèche et élégante des films qui l’ont influencé pour mieux s’engager sur une voie singulière. Car le film se démarque par un refus catégorique du manichéisme. Les policiers ne sont pas gentils et les malfrats ne sont pas méchants. Et la réciproque ne vaut pas plus. Chacun a ses raisons (argent, ambition, etc.) pour exercer les sacrifices qu’il faut. Les deux personnages principaux semblent être dans un premier temps les archétypes du film noir mais ils progressent lentement vers un traitement plus subtil de leur caractère. Il est difficile de deviner leurs intentions, tant celles-ci sont constamment tourmentées par la volonté de s’en sortir et des suspicions réciproques. La manipulation narrative du récit renverse à plusieurs reprises le film avant de véritablement nous dévoiler la psyché des protagonistes. Mais outre sa narration retorse, c’est dans la mise en scène que Sans Pitié est original, ainsi que dans son montage précis qui alterne les scènes d’actions et les séquences plus intimes entre les personnages. Il suffit de voir les scènes de règlements de comptes qui virent à l’anarchie totale pour constater que la caméra effectue des mouvements audacieux et rarement vus dans des espaces aussi confinés. Question narration, le montage pourra irriter ceux qui ne supportent pas les allers et retours dans le temps, spécialement quand les indices visuels pour différencier les époques sont absents, mélangeant ainsi toutes les intrigues si l’on n’est pas un tant soi peu concentré. Certains regretteront aussi que le cinéaste ne se soit pas plus évertué à dresser un état de la criminalité de son pays, Sans Pitié ne disant finalement pas grand chose de la Corée du Sud. Les uns crieront donc à l’esbroufe mais les autres apprécieront largement le spectacle. Pas étonnant alors qu’une standing ovation de sept minutes ait eu lieu lors de la présentation du film à Cannes.

Sans Pitié s’impose donc un film d’action d’une efficacité à toute épreuve, respectueux des codes du polar noir, tout en lui apportant des nuances radicales. Au final, ce qui est perdu en cohérence narrative est contrebalancé par une énergie redoutable qui fait de Sans Pitié, une nouvelle référence du genre.

Sans Pitié : Bande-annonce

Sans Pitié : Fiche Technique

Titre original : Bulhandang (titre international : The Merciless)
Réalisation : Sung-hyun Byun
Scénario : Sung-hyun Byun, Kim Min-soo
Interprétation : Kyung-Gu Sol (Han jae-ho), Si-wan Yim (Jo Hyun-su), Kim Hie-won (Ko Byung-gab), Jeon Hye-Jin (Cheon Chief)
Photographie : Cho Hyoung-rae
Montage : Kim Sang-Bum, Kim Jae-Bum
Musique : Kim Hong-jip, Lee Jin-hee
Costume : Cho Hee-ran
Décors : Han Ah-rum
Producteurs : Michelle Kwon, Simon Lee (II), Park Ji-sung, An Eun-mi, Yi Jin-hee, Miky Lee, Jeong Tae-Sung
Sociétés de Production : /
Distributeur : ARP Sélection
Budget : /
Festival et Récompenses : Présenté en Séance de Minuit au Festival de Cannes 2017
Genre : Thriller
Durée : 120 minutes
Date de sortie : 28 juin 2017

Corée du Sud – 2017

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Avec La Momie, première incursion dans le Dark Universe, les studios Universal n’ont pris guère de risques en proposant un blockbuster d’aventure parsemé d’idées et d’épouvante, dynamique au demeurant avec un Tom Cruise au top de sa forme, mais dont le caractère trop bancal nuit à la sympathie de l’ensemble.

Synopsis : Bien qu’elle ait été consciencieusement enterrée dans un tombeau au fin fond d’un insondable désert, une princesse de l’ancienne Égypte, dont le destin lui a été injustement ravi, revient à la vie et va déverser sur notre monde des siècles de rancœurs accumulées et de terreur dépassant l’entendement humain. Nick Morton, membre d’une unité d’élite de l’armée américaine, accompagnée d’une mystérieuse chercheuse, vont tout faire pour l’arrêter.

Il est intéressant de voir comment un film peut être perçu de manière différente sur son territoire d’origine et à travers le monde. C’est notamment le cas avec ce reboot de La Momie, introduisant le Dark Universe, où les studios Universal s’amuseront à réveiller un par un les vieilles icônes horrifiques ayant fait leurs beaux jours. D’un côté, les États-Unis, où son démarrage fut bien laborieux, ne récoltant que 32 millions de dollars pour son 1^er week-end, et n’étant en rien aidé par des critiques catastrophiques niant tout aspect un tant soit peu réussi du long métrage. De l’autre côté, le reste du monde, où le film fait un véritable carton en empochant 140 millions de dollars de recettes, mais avec des jugements toujours aussi sévères. Syndrome récemment détecté du côté du DC Universe, notamment à travers Batman vs Superman ou plus encore Suicide Squad, jamais un tel bashing n’a été aussi palpable. Est-il seulement justifié ?

« Bienvenue dans un monde nouveau, peuplé de dieux et de monstres »

Nous serons tout d’abord tentés de répondre par la négative tant ce nouveau cru de La Momie se montre convaincant dans sa première partie. Car la première heure du long métrage, osons le dire, contient de bonnes idées, rendant ce blockbuster, certes classique et à première vue symptomatique de la tendance actuelle des remakes à tout-va, plutôt sympathique. Il ne cherche d’ailleurs aucunement à concurrencer le précédent film de 1999 par Stephen Sommers, qui à l’instar d’un Indiana Jones proposait un cocktail exotique à base de frissons, d’aventures et d’humour le tout pendant les années 20. Ici, la trame se déroule de nos jours, entre les déserts du Moyen-Orient et l’Angleterre, dans un cadre volontairement plus contemporain. Cette modernisation de l’intrigue s’accompagne également d’un traitement de l’épouvante plus appuyé, rendant des scènes parfois dérangeantes (bien que filmé hors champ, on assiste quand même au meurtre d’un nourrisson !) parfois particulièrement creepy. A ce titre, les zombies accompagnant la momie sont très réussis, à tel point que la minutie du maquillage et le travail sur la lumière, peuvent effrayer les plus jeunes. Ils sont d’ailleurs à l’origine d’une des scènes d’action les plus réussies du film, à savoir une course poursuite en forêt mêlant humour et spectaculaire, bien que le point d’orgue reste indéniablement ce crash en avion, semblant sortir tout droit d’un épisode de Mission Impossible, et dont le réalisme vous fera vous cramponner à votre siège. Mais la réalisation n’est pas le seul point fort du film.

Car pour un divertissement de cet acabit, il est à noter que la caractérisation des personnages est réussie. Tout d’abord, la principale intéressée : la momie elle-même. Interprétée par Sofia Boutella, de plus en plus à l’aise dans le registre de l’entertainment (Kingsman, Star Trek…), celle-ci confère à son personnage un côté à la fois sexy et terrifiant, intriguant et inquiétant, et dont la colère, bien que tirant son origine d’une basique histoire de jalousie envers son jeune frère prétendant au trône, entraîne des situations très efficaces (l’attaque de Londres par exemple). L’autre personnage féminin, interprété par Annabelle Wallis, s’éloigne de manière bien agréable de la demoiselle en détresse et s’apparente davantage à une femme au caractère bien trempée, présente sur le terrain et n’hésitant pas à se battre. Pas vraiment le choix quand on est la comparse de Tom Cruise ! Ce dernier, fidèle à lui-même en matière d’exécution de ses cascades, apporte tout de même une certaine fraîcheur dans son interprétation de cet anti-héros, notamment un sens du second degré et de l’auto dérision qu’on ne lui connaissait pas.

Rythmée, pêchue et sans temps mort, cette première heure ne laissait présager que du bon par la suite. Et pourtant…

« Le syndrome de la double personnalité » 

Il est assez cocasse pour un film nous présentant le Docteur Jekyll dans le cadre du Dark Universe de posséder lui-même une double personnalité, diamétralement opposée l’une de l’autre. Car si la première partie nous séduisait par son parti pris et ses personnages, la seconde nous ennuie littéralement, s’embourbant dans des facilités scénaristiques déplorables. A tel point qu’on se demande si nous sommes toujours dans le même film, ou si l’équipe de scénaristes a changé en cours de route, composée pourtant de Christopher McGuarrie, scénariste de Usual Suspects et réalisateur de belles réussites (Jack Reacher, Mission Impossible : Rogue Nation…). C’est bien simple, l’intrigue avance à l’aide de grands bouts de ficelle sur une route clairsemée de brèches : motivation des personnages plus qu’obscure, séquences inutiles et au ton involontairement comique (des zombies qui nagent la brasse sous l’eau ?!), sidekick comique rébarbatif et épuisant, alors qu’il se faisait plutôt discret au début… De même, le film accuse une chute du rythme qui l’avait jusqu’ici caractérisé pour laisser place à un ventre mou des plus lourds et des séquences d’action plutôt ratées, l’attaque de Londres mise à part. Pourquoi ne pas avoir davantage soigné le combat entre Tom Cruise et Russel Crowe, deux acteurs tournant pour la première fois ensemble, et dont le duel ne possède aucun semblant d’intensité ? Pourquoi ne pas avoir instauré un vrai climax final entre la momie et le héros plutôt que cette résolution bâclée et expéditive ? La fin est certes logique dans son déroulement, puisque le film n’est que le premier rouage d’un univers étendu, mais il n’empêche qu’on était en droit d’attendre une confrontation digne de ce nom, qui finalement ne se résumera qu’à quelques coups sur le visage. L’intrigue perd donc de son éclat, et le film de son charme.

Rassurons-nous tout de même, La Momie est loin d’être un cas d’école comme ont pu être certains films malades et désarticulés (Les 4 fantastiques en tête). Bien que bancal et maladroit, il introduit de manière plutôt honnête la nouvelle franchise d’Universal. Mérite-t-il ainsi ce déferlement de haine ? Assurément non !

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La Momie : Bande-annonce

La Momie : Fiche technique

Réalisation : Alex Kurtzman
Scénario : David Koepp, Christopher McGuarrie, Dylan Kussman, sur une idée de Jon Spaihts, Alex Kurtzman et Jenny Lumet
Interprétation : Tom Cruise (Nick Morton), Russel Crowe (Henry Jekyll), Annabelle Wallis (Jenny Halsey), Sofia Boutella (Ahmanet), Jake Johnson (Chris Vail), Courntey B. Vance (le colonel Greenway), Marwan Kenzari (Malik)…
Photographie : Ben Seresin
Montage : Gina et Paul Hirsh, Andrew Mondshein
Direction artistique : Franck Walsh, John Frankish, Andrew Ackland-Snow, Tom Whitehead, James Lewis, Will Coubrough, Justin Warburton-Brown, Steve Carter
Costumes : Penny Rose
Décors : Jon Hutman, Dominic Watkins
Musique : Brian Tyler
Producteurs : Alex Kurtzman, Chris Morgan, Sean Daniels, Sarah Bradshaw, Jeb Brody, Roberto Orci
Sociétés de production : Universal Pictures
Distribution (France) : Universal Pictures International France
Durée : 111 minutes
Genre : Aventure, fantastique, épouvante
Date de sortie : 14 Juin 2017
États-Unis – 2017