Une fois de plus, Kathryn Bigelow frappe fort avec Detroit, un film moins innocent que son label de film d’action/guerre ne le laisse supposer. Une fois de plus, elle use de son vecteur, le cinéma, pour participer et faire participer aux réflexions majeures de l’Amérique.
Synopsis : Été 1967. Les États-Unis connaissent une vague d’émeutes sans précédent. La guerre du Vietnam, vécue comme une intervention néocoloniale, et la ségrégation raciale nourrissent la contestation.
À Detroit, alors que le climat est insurrectionnel depuis deux jours, des coups de feu sont entendus en pleine nuit à proximité d’une base de la Garde nationale. Les forces de l’ordre encerclent l’Algiers Motel d’où semblent provenir les détonations. Bafouant toute procédure, les policiers soumettent une poignée de clients de l’hôtel à un interrogatoire sadique pour extorquer leurs aveux. Le bilan sera très lourd : trois hommes, non armés, seront abattus à bout portant, et plusieurs autres blessés…
Bang bang, you’re dead
La ligne directrice de Kathryn Bigelow semble incroyablement enfermée dans les balises du film d’action, voire de plus en plus exclusivement du film de guerre, et pourtant elle excelle à la diversifier en l’appliquant à des sujets différents. Aujourd’hui, elle le consacre carrément à une cause, celle de la dénonciation des ségrégations raciales qui gangrénaient son pays, et le rongent encore aujourd’hui, malgré la présidence d’un homme noir, Barack Obama, pendant huit bonnes et belles années.
La manière sèche que la cinéaste a l’habitude d’adopter pour traiter son sujet, et le traitement cinématographique de Barry Ackroyd qui délivre une photo très proche des vraies images d’archives qui sont intercalées dans le film, confèrent à Detroit un aspect documentaire qui convient à un film inspiré de faits qui se sont réellement produits à Detroit pendant quelques jours du mois de Juillet 1967. Divisé en trois parties, dont la plus importante se déroule au Motel Algiers, possédé par et majoritairement fréquenté par des Noirs, le film d’une violence terrifiante, ou plus exactement qui montre la violente terrifiante d’une partie de la police, parvient à ses fins, celle d’informer, et de manière plus militante que jamais de la part de la cinéaste, de dénoncer.
Le film retrace dans sa première partie l’origine de ce qu’on appelle la « révolte de Detroit » dans un style documentaire très percutant où on voit la dégradation très rapide d’un contrôle de police plus ou moins abusif dans un établissement emblématique de ce quartier de Detroit qui a entraîné l’embarquement non justifié de noirs par tombereaux dans les fourgons de police. Il s’attarde ensuite pendant près de 50 minutes sur la situation particulière à l’Algiers Motel qui a entraîné la mort de trois jeunes Noirs, un épisode très peu connu des américains eux-mêmes.
Source de toutes les polémiques aux États-Unis, son précédent film Zero Dark Thirty a été accusé de faire l’apologie de la torture, et Bigelow elle-même d’être en collusion avec la CIA. Dans Detroit, on l’accuse de maux différents, d’être trop blanche et trop bourgeoise pour s’approprier du sujet correctement et de manière empathique, d’être trop indulgente avec la police où on disait que les moutons étaient bien plus nombreux que ce qui est suggéré dans le film, ou au contraire d’être trop anti-flic dans la représentation qu’elle a faite de la violence des forces de l’ordre impliquées dans la tuerie du Motel Algiers.
Dans tous les cas, ces controverses montrent à quel point la cinéaste a appuyé là où ça fait mal avec son nouveau film. Sans concession, au risque, là encore, de se faire taxer de voyeurisme, Bigelow montre avec une précision implacable à la fois la violence policière et l’impuissance des Noirs face à la haine raciste et même au-delà, l’impuissance de l’homme face aux « guns », deux thématiques qui brûlent les américains. Sorti aux États-Unis en plein drame de Charlottesville (un suprémaciste blanc venu rejoindre le défilé raciste contre le déboulonnement programmé de la statue de l’esclavagiste Robert Lee a foncé dans la foule des contre-manifestants et a tué une jeune femme), Detroit y a fait un relatif flop commercial qui ne reflète pas la qualité de ce grand film où Kathryn Bigelow installe une hallucinante atmosphère de guerre dans les rues d’une ville qui était alors la 5ème puissance américaine, et qui était alors en état d’insurrection, des termes mêmes du président Johnson. Mais la période estivale et le drame live de Charlottesville n’expliquent pas tout, et c’est sans doute le refus de voir la réalité en face, comme la cinéaste le dit elle-même, qui fait que de l’autre côté de l’Atlantique, on détourne son regard de ces scènes qui mettent face-à-face des Noirs opprimés par des policiers racistes.
Contrairement à ses deux précédents films, Démineurs et Zero Dark Thirty, caractérisés par des scènes d’action sans relâche, Detroit connaît quelques respirations qui installent les personnages noirs dans leur quotidien : leur travail, les fêtes, la Motown, la bonhomie générale des protagonistes qui ne masquent pas non plus leur partie sombre (des activités illégales suggérées ici et la prison que beaucoup ont connu). Ce souci de leur donner un vrai relief, une vraie humanité est la seule manière de montrer la nature profondément injuste des exactions dont ils sont les victimes. De même, Kathryn Bigelow et son scénariste Mark Boal évitent le manichéisme, avec des scènes positives impliquant tel garde national ou tel autre policier. Le film est ainsi tout à fait cohérent avec les précédents, tout en apportant ce plus nécessaire sur un sujet aussi sensible.
Au-delà de son apport majeur à la démocratisation de cette histoire qui, comme la cinéaste le dit elle-même, n’attendait qu’à être racontée depuis 50 ans maintenant, Kathryn Bigelow , une artiste qui a évolué sous l’égide de personnalités telles que l’immense Susan Sontag, emmène désormais son cinéma d’action au rang d’un art majeur ; elle choisit le film de guerre pour provoquer émotions et réflexion. La présence de Barry Ackroyd derrière la caméra permet de donner à Detroit la nervosité et le réalisme des films comme Jason Bourne, en même temps que le spectateur se trouve pétrifié par le message que la cinéaste lui transmet. Et même quand le film devient plus calme dans sa dernière partie, après les longues séquences agitées du Motel Algiers, la violence de ce qui s’y noue le frappe (le spectateur) tout autant, si ce n’est plus. Comme on le dit un peu trop facilement aujourd’hui, c’est une vraie claque qu’on est content d’avoir reçu, une leçon d’histoire et de cinéma qu’il serait dommage d’ignorer, comme les concitoyens de Kathryn Bigelow l’ont ignoré à trop grande échelle.
Detroit – Bande Annonce
Detroit – Fiche Technique
Titre original : Detroit
Réalisateur : Kathryn Bigelow
Scénario : Mark Boal
Interprétation : John Boyega (Dismukes), Will Poulter (Krauss), Algee Smith (Larry), Jacob Latimore (Fred), Jason Mitchell (Carl), Hannah Murray (Julie), Jack Reynor (Demens), Kaitlyn Dever (Karen), Ben O’Toole (Flynn), John Krasinski (Auerbach), Anthony Mackie (Greene), Nathan Davis Jr. (Aubrey)
Musique : James Newton Howard
Photographie : Barry Ackroyd
Montage : William Goldenberg, Harry Yoon
Producteurs : Kathryn Bigelow, Mark Boal, Matthew Budman, Megan Ellison, Colin Wilson, Coproducteurs : Jonhatan Leven, Jillian Longnecker
Maisons de production : Annapurna Pictures, First Light Production, Page 1
Distribution (France) : Mars distribution
Budget : 34 000 000 USD
Durée : 143 min.
Genre : Drame, Histoire
Date de sortie : 11 Octobre 2017
USA – 2017
Il aurait été facile pour Tonie Marshall de faire de son héroïne, Emmanuelle (prénom de l’actrice et du personnage qu’elle campe), un cliché d’excutive woman telle qu’on aime à se l’imaginer : très carrée, parfaite, capable de contenter son mari, d’aimer ses enfants et de réussir. Pourtant, sans les exagérer, mais avec de jolies petites nuances, la réalisatrice montre aussi, et ce dès la toute première séquence de Numéro Une, les faiblesses de la femme dont elle fait le portrait. Elle lui dessine une petite fêlure, un besoin d’innocence volée trop tôt. En résumé, Emmanuelle est moins froide, moins stéréotypée et déshumanisée que sa sœur de cinéma, Emilie qui officiait dans 
L’intérêt de Numéro Une n’est pas tant de savoir si Emmanuelle accédera au pouvoir, mais comment elle y accédera. Telle une Borgen sur grand écran, l’héroïne du film est une combattante, une femme qui ne cède pas un quart de sa vie privée aux médias, qui tente de garder la tête hors de l’eau, d’éviter les blagues sexistes, de se fondre dans la masse de ses collègues. Emmanuelle le dit d’ailleurs très bien à son patron qui la félicite de son contact aisé avec des clients chinois : « boire comme eux, s’habiller comme eux, manger comme eux », en résumé elle explique que c’est par le mimétisme qu’elle crée des liens. Cela va même jusqu’à connaître sur le bout des lèvres une chanson d’enfance chinoise qu’elle fredonnera avec ses hôtes d’un soir, en pleine mer. Si le combat qu’Emmanuelle tente de gagner ne changera peut-être rien pour toutes les femmes, il permet au moins d’engager pleinement l’idée qu’une femme patronne d’entreprise n’est pas un problème. A ce titre, le discours de Rita (Suzanne Clément) lors de l’enterrement de la patronne d’Olympe est exquis, déconstruisant les discours machistes sur les femmes et la réussite, en dressant le portrait d’une femme singulière. C’est que la mise en scène de Numéro Une est habile, s’interrogeant autant sur le côté abyssal du monde de l’entreprise (avec des plans vertigineux sur des buildings, des quartiers d’affaires), que sur la place des femmes dans différents lieux (assemblées d’hommes, lieux publics).
Enfin, ce que le film ne dit pas mais fait ressentir, c’est qu’aujourd’hui une nouvelle injonction s’offre aux femmes : pour être digne d’être femme il faudrait vouloir se battre, être une combattante, ne rien lâcher, ne pas abandonner, mettre une partie de soi entre parenthèses pour satisfaire une réussite. Bref, il s’agit-là d’être la meilleure, d’être utile. Et c’est pour cela que l’histoire d’une noyée inconnue, faisant écho à la mère disparue en mer de l’héroïne, devient bouleversante. Non pas pour ce qu’elle évoque de la tristesse, de la solitude et de la mort, mais pour la possibilité de s’effacer, d’avoir juste envie de vivre, pas forcément de se sentir utile (on peut passer sa vie à aider les autres sans se croire utile). Se battre n’est pas une ligne de conduite unique, et Emmanuelle n’est pas un modèle, elle ne prétend jamais l’être, Tonie Marshall ne tombe pas dans ce piège, fort heureusement. C’est pourquoi elle multiplie les scènes où des femmes toutes différentes se mélangent, dès la scène d’ouverture dans la gare, donne aux femmes même la possibilité de ne pas s’excuser (d’être ce qu’elles sont ?), fait porter leurs voix dans une scène discrète mais déterminante qui fait basculer l’envie d’Emmanuelle (et auxquelles de « vraies » féministes ont participé). Un plafond de verre est certes brisé, mais il reste mille combats, que certaines mèneront pendant que d’autres traverseront la vie, avec, on l’espère, plus de douceur que leurs aînées, non pas dans un monde de femmes, mais prenons-nous à rêver, dans celui de l’égalité.
Genny Savastano sera face à de nombreux choix cornéliens dans cette saison 2. Il sera littéralement tiraillé entre plusieurs personnages. Ses décisions vont lui permettre de mûrir définitivement et de devenir un leader important au sein de l’organisation mafieuse. Entre la haine naissante envers son père qui se détache de lui, sa volonté de se venger de la terrible fusillade avec Ciro Di Marzio, qui a failli l’envoyer six pieds sous terre, et sa passion amoureuse naissante avec la fille d’un entrepreneur véreux dans le bâtiment offrent au comédien Salvatore Esposito de très beaux moments dans cette saison 2. Son incompréhension et son mal être face au rejet et à la dureté de son père, qui tente de s’accrocher au pouvoir, offrent de très belles séquences dans ces douze nouveaux épisodes. Genny Savastano va même s’épanouir et profiter de nouvelles opportunités positives en quittant la situation étouffante et oppressante de Naples. Par l’intermédiaire du père de sa petite amie, Genny va en effet démarrer des affaires dans le BTP et le trafic de drogue à Rome.
Le rôle des femmes est plus que jamais central dans la saison 2 de Gomorra. Les scénaristes ont proposé différents portraits saisissants de personnages féminins pour ces douze nouveaux épisodes. Ces rôles démontrent encore une fois, par le prisme de la fiction, l’importance que les camorristes accordent aux femmes. Debora, la compagne de Ciro Di Marzio et Nina, la bien-aimée de Salvatore Conte, apportent des rebondissements saisissants et poignants au début de la saison 2. D’autres personnages féminins illuminent les nouveaux épisodes de Gomorra : de la jeune femme amoureuse du chauffeur de clan adverse, à la perfide camorriste qui contrôle une place de deal, sans oublier Azmera (la jeune femme noire à la tête d’un commerce et qui partage sa vie avec le brillant chimiste qui fait des merveilles), jusqu’à l’inoubliable Patrizia, qui sera au service de Don Pietro pendant sa cavale ubuesque. L’ensemble des comédiennes livrent une partition exceptionnelle, sublimée par une écriture ciselée et les détails diaboliques du scénario. Ces nouveaux personnages apportent une touche bénéfique à la série et interrogent sur le rôle des femmes dans la mafia et sur le féminisme. Ce rôle majeur des femmes dans la saison 2 est d’ailleurs lié aux conséquences des nombreuses arrestations et suite à la vague impitoyable d’assassinats. Les femmes se retrouvent alors en première ligne pour gérer les affaires du clan suite à la perte d’un proche ou lorsqu’un mari ou un frère est décédé ou emprisonné.
Cette seconde saison a pu bénéficier d’un rythme un peu plus soutenu. Cette nouvelle plongée dans l’univers de la Camorra et dans l’enfer des quartiers sensibles de Naples laissera une empreinte assez indélébile aux spectateurs. Le niveau de violence a été également revu à la hausse. La série parvient malgré tout à se renouveler et tient toutes ses promesses. Le pari était difficile à relever après la qualité des douze premiers épisodes.
Le terrible constat des effets désastreux de l’enfermement de son mari vont pousser Donna Imma à assumer son rôle de dirigeante de l’institution face à un fils encore capricieux et immature. Donna Imma désapprouve l’influence de Ciro sur son fils et ses choix. La femme de Don Pietro jouera avec le feu avec le personnage de Ciro Di Marzio. Les vagues d’humiliation et la succession de missions périlleuses vont insuffler chez ce porte-flingue fidèle des désirs de vengeance, des accès de colère incontrôlés et des déferlements de violence insensés. Donna Imma saura également se montrer ferme et impitoyable face à l’homme de paille du clan, Franco Musi, responsable d’une erreur financière monumentale. Donna Imma tient également à contrôler les fréquentations de son fils et ne voit pas d’un bon œil notamment sa nouvelle petite amie. A force de vouloir briser Ciro et de tirer les ficelles, Donna Imma pourrait bien être dépassée par les événements. La femme à la tête du clan Savastano va malheureusement exacerber les tensions dans la saison 2 entre Genny, Don Pietro et Ciro. La comédienne Maria Pia Calzone marquera les téléspectateurs par son interprétation fascinante d’une véritable lionne dans cet univers impitoyable.
Le casting de la série est très réussi. Les « seconds couteaux » de l’organisation criminelle, des jeunes pour la plupart, sont très crédibles. Les « tontons flingueurs » du clan Savastano, les mafieux les plus âgés, sont également très attachants et crédibles grâce à l’interprétation au cordeau des acteurs. Une partie des figurants et des jeunes sont des comédiens amateurs et des habitants de Naples tout simplement. Le tour de force de la série consiste à rendre « attachant » des anti-héros, qui ont du sang sur les mains, le sang des innocents. Tout le mérite revient au talent des acteurs qui interprètent avec maestria des petites frappes souvent aux abois, de simples jouets entre les mains de Don Pietro et de Salvatore Conte.
