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« Combien de miles faut-il parcourir pour arriver jusqu’à soi ? » Comment accepter et vaincre la douleur ? La réponse à ces questions universelles ne peut être que personnelle. En s’emparant de ce thème de la résilience et du roman autobiographique de Lidia Yuknavitch, The Chronology of Water, Kristen Stewart n’a pas choisi la facilité. Pour son premier long-métrage, elle a préféré l’audace, la créativité et l’affirmation singulière de sa vision d’artiste. Avec The Chronology of Water, elle nous invite à un voyage intérieur brut, viscéral, sensoriel, où les images se fracturent et se recomposent comme l’identité disloquée d’une femme brisée. Poignant.

Si Kristen Stewart a acquis une renommée mondiale grâce à la saga Twilight, elle s’est rapidement tournée vers le cinéma indépendant. Sils Maria, Café Society, et plus récemment Les Crimes du futur témoignent de sa volonté de s’affranchir du cinéma hollywoodien. Un parcours assez semblable à celui de Scarlett Johansson, dont le premier film, Eleanor The Great, a également été présenté en compétition au Festival de Deauville.

Mais contrairement à la star d’Avengers, Kristen Stewart a elle-même écrit son scénario, adapté de The Chronology of Water. Ce roman relate le parcours d’une jeune nageuse victime de maltraitance et d’inceste, devenue écrivaine féministe et professeure dans l’Oregon. Pour rester fidèle à l’esprit du texte, la réalisatrice a décidé de le découdre pour retisser, fil par fil, un récit fragmenté par une mémoire vive bâtie sur la peur et la fureur.

L’art de la reconstruction

Nageuse depuis sa tendre enfance, Lidia cherche à s’évader d’un cadre familial violent et oppressant. Entre un père abusif, une mère dépressive et une sœur prête à l’abandonner pour sa propre survie, elle tombe naturellement dans la drogue, l’alcool, mais aussi dans une frénésie d’écriture. Virée de l’université, Lidia s’inscrit à un séminaire dirigé par Ken Kesey. À travers l’existence chaotique de cette jeune femme, racontée par brides, sous forme d’atroces réminiscences, The Chronology of Water expose le quotidien d’une fille tailladée, broyée, dépendante et vouée à échouer, la lutte constante pour la vie s’accompagnant de pulsions autodestructrices.

Kristen Stewart parle ainsi de naissance, de mort et de renaissance, de la lente réappropriation de soi à la quête d’une nouvelle identité. Elle montre la douleur comme une fatalité, qui ne peut pas être évitée, mais comprise et dépassée. Elle évoque aussi la sexualité, la maternité, le pardon. Autant de sujets qui appartiennent à une sorte de « conscience collective » à laquelle le film donne progressivement forme. Imogen Poots, remarquée notamment dans V pour Vendetta, Mobile Homes et The Father, donne corps à ce personnage tourmenté avec autant de fougue et de rage que de sensibilité. Les dialogues, assez rares, laissent à son personnage un seul champ d’expression : l’écriture, comme urgence créatrice, traduite par l’omniprésence de la voix off.

En miroir de son héroïne, qui se consume pour revenir à la vie, The Chronology of Water déstructure sa narration, ses phrases, ses images même, pour composer un magma brûlant de souffrance, de violence et de résistance. Cette mise en scène disséquée, viscérale, presque expérimentale, qui ose être dérangeante, entretient un malaise permanent. Quelques leitmotive viennent s’insérer au sein de cette succession de pensées et de souvenirs volatiles. Du sang s’étalant sur le carrelage. La cassure d’une mine de crayon. Le clapotement de l’eau. Kristen Stewart compose une odyssée sensorielle inspirée du cinéma d’Andrei Tarkovsky (L’Enfance d’Ivan, Stalker, Le Sacrifice) qu’elle cite parmi ses influences.

Malgré la brutalité et l’atmosphère oppressante de The Chronology of Water, la réalisatrice filme les corps et les visages féminins avec beaucoup de douceur et de sensualité. Par ce voyage au cœur de la psyché féminine, Kristen Stewart signe un premier film assumé et assuré, impressionnant de maîtrise. Une belle mécanique de créativité.

Fiche technique – The Chronology of Water

Réalisation : Kristen Stewart
Scénario : Kristen Stewart, Andy Mingo
Production : Scott Free Productions
Distribution : Les Films du Losange
Interprétation : Imogen Poots, Thora Birch, Jim Belushi, Charles Carrick, Tom Sturridge…
Genre : drame
Date de sortie : 10 décembre 2025
Durée : 2h07
Pays : Etats-Unis

Trente ans après ses débuts au cinéma, Scarlett Johansson réalise son premier long-métrage avec Eleanor The Great, un drame doux et sensible sur le deuil, la mémoire et la réconciliation. Présenté dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 2025, le film a été chaleureusement applaudi. Aujourd’hui, il concourt en compétition officielle au Festival de Deauville. Une entrée remarquée pour une œuvre aussi sincère que douloureuse.

Lorsque Scarlett Johansson découvre le scénario écrit par Tory Kamen, transmis par une amie, elle est profondément touchée. Elle y retrouve des thématiques personnelles, comme la perte, la transmission et le silence, mais aussi une vision douce-amère de la vieillesse qui lui rappelle sa relation avec sa propre grand-mère. Conquise, l’actrice décide de produire et de réaliser elle-même le film.

Même si le grand public imagine d’abord Scarlett Johansson en costume de super-héroïne, la star américaine a toujours été attachée au cinéma indépendant (Under the Skin, Asteroid City). En réalisant son premier long-métrage, elle embrasse cette direction et marque un véritable tournant dans sa carrière. En choisissant d’ancrer le récit à New York, sa ville natale, elle injecte à son œuvre une part de son héritage familial. Plusieurs membres de sa famille, originaires de Pologne et de Russie, ont en effet péri pendant la Shoah. Ce lien intime se ressent dans son traitement pudique et sensible des personnages.

Le silence des cœurs brisés

Eleanor The Great suit l’existence du personnage de June Squibb, une nonagénaire vive et lucide, qui vient de perdre sa meilleure amie, Bessie. Afin de ne pas demeurer seule, elle quitte la Floride et retourne auprès de sa fille à New York. Inscrite dans un centre culturel juif, elle est intégrée par erreur à un groupe de survivants de la Shoah. Poussée à s’exprimer par les membres, elle raconte alors une terrible histoire de fuite et de persécutions… qui n’est pas la sienne, mais celle de sa chère Bessie.

À travers cette confusion assumée, qui piège progressivement une héroïne bien intentionnée, le film évoque la puissance mémorielle, la nécessité de transmettre des souvenirs afin que ceux-ci ne tombent pas dans l’oubli. Le récit aborde ainsi le mensonge avec une extrême délicatesse. Jamais moraliste, il interroge plutôt ce qu’on choisit de dire, ou de taire, pour faire vivre ceux qu’on a aimés et affronter le poids incommensurable du deuil. 

En parallèle, Eleanor fait la rencontre de Nina (Erin Kellyman), une jeune journaliste encore incapable d’accepter la mort de sa mère. Délaissée par un père enfermé dans son chagrin, Nina trouve en Eleanor une présence bienveillante, une forme de stabilité, mais aussi un sujet d’article en or. C’est cette relation intergénérationnelle qui forme le cœur émotionnel du film. Toutes deux très attachées à leurs grands-mères, Scarlett Johansson et Tory Kamen trouvent le ton juste pour faire exister cette amitié improbable. On rit, on s’émeut, sans jamais tomber dans l’excès. Le film privilégie la sincérité à l’artifice. Le deuil se présente donc comme un processus intime, unique, souvent maladroit : Eleanor ment, Nina pleure sans cesse, le père se mure dans son bureau. Et rien ne fonctionne, jusqu’au moment où la parole se libère. 

En choisissant une mise en scène sobre, sans effet appuyé, Scarlett Johansson adopte une approche épurée qui épouse parfaitement l’authenticité de ses personnages. Cette retenue volontaire constitue à la fois la force et la limite du film. Si l’on pourrait regretter un léger manque de souffle, d’ampleur ou de tension narrative, ce parti pris accompagne toutefois la nature même du projet : un drame à fleur de peau qui préfère l’écoute à l’éclat, le ressenti à l’analyse. Avec beaucoup de délicatesse, une touche d’humour et sans emphase, Eleanor The Great aborde ainsi des sujets profonds avec une douceur rare : le deuil, le pardon, la mémoire, l’identité juive, le poids de l’héritage. Malgré un déroulement tout à fait convenu, son histoire parvient à nous toucher grâce à sa grande sensibilité.

Les premiers pas de Scarlett Johansson derrière la caméra impressionnent donc par leur modestie et leur assurance. En s’éloignant des sentiers balisés du cinéma hollywoodien, l’actrice affirme sa voix, sans chercher à trop en faire. Une première réalisation prometteuse, tendre et sincère, qui révèle que la star d’Avengers et du récent Jurassic World : Renaissance a encore beaucoup à offrir.

Eleanor The Great : bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=gmvL5NJzpRg&ab_channel=MAXMRS

Eleanor The Great : fiche technique

Réalisation : Scarlett Johansson
Scénario : Tory Kamen (adapté de son propre roman)
Interprètes : June Squibb, Chiwetel Ejiofor, Jessica Hecht, Erin Kellyman
Photographie : Hélène Louvart
Monteur : Harry Jierjian
Musique : Dustin O’Halloran
Chef décorateur : Happy Massee
Chef costumier : Tom Broecker
Ingénieur du son : Grant Elder
Sociétés de production : Maven Pictures, Pinky Promise, These Pictures, Wayfarer Studios
Sociétés de distribution : TriStar Pictures, Sony Pictures Classics
Pays de production : États-Unis
Genre : Drame
Durée : 1h38
Date de sortie : 19 novembre 2025

Les comédies musicales sont rares. Encore plus au sein de la compétition du Festival de Deauville. The End de Joshua Oppenheimer faisait donc figure d’exception. En mettant en scène le quotidien d’une famille recluse après la fin du monde, le réalisateur américain s’attache aux mensonges, aux faux-semblants et aux vérités dont chacun se convainc pour rendre une situation effroyable acceptable. Malheureusement, rien ne fonctionne dans ce film excessivement bavard, qui ne fait sourire que par son ridicule.

Joshua Oppenheimer ne s’était jamais frotté au monde de la fiction. Épanoui dans le genre documentaire, il s’est intéressé au massacre des opposants politiques en Indonésie lors des années 1960 avec The Act of Killing, puis les Yeux du silence. La naissance de son premier long-métrage, un projet pour le moins ambitieux, a duré huit ans. Difficile de prime abord de trouver un lien avec une comédie musicale post-apocalyptique. Pourtant, l’approche documentaliste du réalisateur se ressent dans sa volonté de disséquer les travers de l’âme humaine. Dommage que cette aspiration s’exprime dans une histoire excessivement longue et des personnages creux. Preuve en est faite : le travail de fiction ne s’invente pas.

Les scrupules des nantis

Alors qu’une catastrophe écologique a rendu la Terre inhabitable depuis vingt-cinq ans, une famille privilégiée survit dans un confortable bunker. Les parents, incarnés par Michael Shannon et Tilda Swinton, y éduquent leur fils unique, né entre ses murs. À son service, le trio a recueilli un docteur, un majordome, une cuisinière, ainsi que la meilleure amie de la mère. Tout ce petit monde semble vivre en parfaite harmonie, sans aucune inquiétude pour l’avenir et le sort du monde extérieur. Rassurés de ne côtoyer que des gens de confiance, ils se complaisent dans une routine familière. Mais lorsqu’une jeune femme débarque dans le bunker, l’apparence d’harmonie et de joie de ce microcosme s’effondre. D’abord menacée, l’intruse se lie progressivement avec le fils, trop heureux de rencontrer enfin quelqu’un d’extérieur.

Cette galerie de personnages égoïstes, qui n’échange que des banalités, entre propos mielleux et choix de décoration, apparaît d’emblée totalement déconnectée de la réalité. Certes, il s’agit d’une façon détournée pour accepter la réalité. Toutefois, on ne ressent jamais vraiment le malaise des personnages. Et même lorsque des vérités ressurgissent, aucun ne se remet en question. Les protagonistes demeurent donc inconsistants. Et leur interprétation n’aide pas. Avec ses perruques bouffonnes, Tilda Swinton, que l’on a connue incroyablement tranchante dans Snowpiercer ou bien magnétique dans Only Lovers Left Alive, s’enferme dans des postures et des expressions figées. Michael Shannon et George MacKay s’en sortent à peine mieux. On peine à croire que les acteurs ont répété pendant un mois. Faute à un récit plat, sans aucune péripétie et à des dialogues dénués de toute profondeur, The End patine pendant deux heures trente.

Les chansons, cœur névralgique de la comédie musicale, n’assurent pas davantage le divertissement. Les parapluies de Cherbourg et La La Land sont bien loin. Pas de rythme. Pas de danse. Aucune mélodie lancinante, ou même agréable, ne reste en tête. Si, selon Joshua Oppenheimer, les scènes chantées de The End amènent à traiter de l’illusion, de “l’aveuglement et d’un espoir destructeur ancré dans le déni”, elles ne servent que le message du film : nous nous mentons à nous-mêmes pour alléger notre conscience. Les treize chansons, monocordes et identiques, n’étaient vraiment pas nécessaires pour nous le faire comprendre. Pire, le film vire parfois au ridicule, notamment dans une scène costumée abracadabrantesque, où Tilda Swinton se transforme en léopard.

Le pari fou de la comédie musicale pour singer l’égarement des hommes aurait pu fonctionner avec plus d’humour, d’émotions et d’énergie. Cependant, The End cherche tellement, avec une certaine prétention, à intellectualiser son propos qu’il en néglige l’essence du genre adopté, son intrigue et ses personnages. Finalement, l’illusion révélée n’est pas tant celle des hommes que celle du film lui-même. Ennuyeux.

Fiche technique – The End

Réalisation : Joshua Oppenheimer
Scénario : Joshua Oppenheimer, Rasmus Heisterberg
Production : Final Cut for Real, Match Factory Productions, Wild Atlantic Pictures
Distribution : The Match Factory
Interprétation : Tilda Swinton, George Mackay, Moses Ingram, Michael Shannon
Genre : comédie musicale
Date de sortie : inconnue
Durée : 2h28
Pays : Etats-Unis

Après Gangs of Taïwan, le cinéma taïwanais continue de nous éblouir cette année. Sur le tapis rouge du Festival de Deauville, la réalisatrice Shih-Ching Tsou est venue présenter mardi soir en avant-première son premier film, Left-Handed Girl, un drame intime et immersif qui nous plonge dans la vie et les secrets de trois générations de femmes. Une petite perle.

Collaboratrice de longue date de Sean Baker, bien connu du Festival de Deauville et récompensé par la Palme d’Or en 2025, Shih-Ching Tsou a produit Tangerine, The Florida Project et Red Rocket. Elle a co-réalisé le documentaire Take Out, relatant la journée d’un immigré chinois endetté, avant de signer son premier long-métrage, produit et monté par Sean Baker.

Pour composer cette histoire très personnelle, la réalisatrice taïwanaise a puisé dans ses propres souvenirs d’enfance à Taïwan. Elle est ensuite revenue tourner sur les effervescents marchés nocturnes de Taipei, principaux cadres du récit. Très remarqué à sa projection à Cannes lors de la Semaine de la Critique, Left-Handed Girl a été ovationné par le public. À travers les yeux innocents d’une petite fille, le film brosse le portrait de femmes aux prises avec la société traditionnelle.

Douleur générationnelle

Shu-Fen et ses deux filles, I-Ann et I-Jing, retournent vivre à Taipei après plusieurs années à la campagne. Alors que la mère ouvre un stand de nouilles sur le marché nocturne, I-Ann travaille tant bien que mal dans une boutique et I-Jing déambule à toute allure dans les rues colorées. Tandis que le propriétaire leur réclame le loyer, Shu-Fen se rapproche de Johnny, le vendeur d’à côté. Mais ce fragile équilibre familial commence à vaciller lorsque la petite I-Jing, gauchère, se voit interdire par son grand-père l’utilisation de sa « main du diable ».

Dès les premières images, Shih-Ching Tsou adopte le point de vue d’une enfant, celle qu’elle était autrefois et qu’elle retrouve aujourd’hui grâce au regard curieux de I-Jing. En suivant cette petite fille à hauteur d’épaule, et sous une musique enfantine et énergique, Left-Handed Girl présente le marché nocturne comme un labyrinthe aussi chaotique que coloré, où les étals défilent et se confondent. Ce cadre désordonné reflète parfaitement l’urgence émotionnelle des personnages, confrontés à des choix et à un rythme de vie effréné.

Chacune à leur niveau, les générations de femmes sont prisonnières de conventions sociales et familiales. Shu-Fen s’estime responsable de l’enterrement du père de I-Ann, même si elle ne le voit plus depuis des années. I-Jing, libre de déambuler seule dans les rues, craint d’utiliser sa main gauche, uniquement capable selon elle de faire le mal. Pourtant, les femmes cherchent discrètement à s’émanciper de ce carcan. Left-Handed Girl témoigne ainsi d’une souffrance transgénérationnelle, des « rébellions silencieuses » dissimulées dans la sphère privée, de la quête d’indépendance qui maintient les apparences aux yeux des autres. Même face à sa propre mère, Shu-Fen se contraint en effet à jouer un rôle dans l’espoir d’obtenir un peu d’argent. À l’inverse, les hommes incarnent les valeurs traditionnelles et, à l’exception de Johnny, qui se montre dévoué et généreux, se caractérisent par leur dureté et leur rigidité. Cette lutte féminine permanente passe par des non-dits et s’exprime essentiellement par des silences ou des regards chargés de sous-entendus.

Avec les nombreux rebondissements imprévisibles générés par ce flot d’émotions, le film compose un touchant mélodrame familial, apparenté à un Volver taïwanais. Il propose à la fois une vision d’auteur singulière et un divertissement vivant. Son univers nocturne et coloré, toujours en mouvement, sublimé par une très belle photographie, lui confère l’agitation et la tonalité de l’enfance. Brillamment écrit, très bien interprété par un impressionnant trio d’actrices et porté par une mise en scène incroyablement vibrante, Left-Handed Girl nous offre un prodigieux condensé d’énergie et de tendresse. Sans porter de jugement, il questionne la place et l’avenir des femmes dans la société taiwanaise. Cette main gauche, décidément, n’a ici rien de maudite. Au contraire. 

Fiche technique – Left-Handed Girl

Réalisation : Shih-Ching Sou
Scénario : Shih-Ching Sou, Sean Baker
Production : Left-Handed Girl Film Productions Company
Distribution : Le Pacte
Interprétation : Shi-Yuan Ma, Janel Tsai, Nina Ye…
Genre : drame
Date de sortie : 17 septembre 2025
Durée : 1h49
Pays : Taïwan

À l’occasion du centenaire de la naissance de Paul Newman, le Festival de Deauville a souhaité rendre hommage à cette icône du cinéma hollywoodien. Ce mercredi 10 septembre, une cérémonie a ainsi célébré le travail et l’engagement de la star américaine, en présence de sa fille, Clea Newman. Témoignages vivants de l’aura de cet homme « d’action et de cœur », quelques-uns de ses films ont intégré la programmation du Festival, dont La Couleur de l’argent, qui a rapporté à Paul Newman l’Oscar du meilleur acteur en 1987.

Après ses débuts sur les planches, Paul Newman acquit sa renommée grâce à son rôle dans La Chatte sur un toit brûlant, qui lui vaut une première nomination aux Oscars. Il a ensuite tourné pour un panel impressionnant de réalisateurs américains, entre autres, Alfred Hitchcock, Sidney Lumet, Robert Altman et Sam Mendès. Mais l’acteur est aussi passé plusieurs fois derrière la caméra. Son premier long-métrage, Rachel, Rachel, a été récompensé par le Golden Globe du meilleur réalisateur.

Dans La Couleur de l’argent, Paul Newman reprend pour Martin Scorsese le rôle d’Eddie Felson qu’il incarnait déjà dans L’Arnaqueur de Robert Rossen. Il porte à l’écran un représentant de whisky désenchanté, obsédé par l’argent et accro à l’escroquerie, bien loin de sa personnalité humaniste.

La vie est un jeu

Ancien champion de billard, Eddie Felson écume les bars dans l’espoir de vendre ses caisses de whisky. Enfermé dans un quotidien morne, il trouve un semblant de bonheur auprès de sa compagne, Janelle. Mais lorsqu’il remarque un jeune talent du billard, Vincent Lauria, le monde d’Eddie bascule. Confronté à une image de son passé perdu, il décide d’entraîner Vince en lui enseignant les bases de l’arnaque. Au contact de ce prodige dont la vantardise égale la bêtise, il replonge corps et âme dans l’univers du jeu, ses paris et son adrénaline.

L’histoire de ce champion retraité qui rêve de se remettre en selle n’a rien de très original. Elle s’apparente plus à un reboot qu’une véritable suite de son prédécesseur, L’Arnaqueur, auquel Martin Scorsese fait subtilement référence. Eddie parle en effet de la couleur, premier mot du titre, mais aussi évocation du tournage en noir et blanc du film de Robert Rossen, vingt-cinq ans plus tôt. Dans La Couleur de l’argent, nous retrouvons un Eddie hors-jeu. En apparence rangé, il est devenu un mentor agissant dans l’ombre, tandis que son élève occupe le devant de la scène.

Malgré son intrigue simple, son récit linéaire et son rythme lent, La Couleur de l’argent convainc dans le traitement psychologique du lien unissant un maître et son apprenti. Tom Cruise, qui vient d’accéder à la célébrité avec Top Gun, interprète avec naturel un personnage prétentieux, naïf et totalement insupportable, qui se complait dans les effets de manche avec sa queue de billard. Il a encore tout à apprendre, en particulier la logique déroutante du plan d’Eddie : perdre un peu pour gagner plus.

Pendant cette vaste tournée des salles de billard, l’arnaque conditionne toujours le gain. En dollars, bien sûr. Mais aussi en ressenti et en force vitale. C’est pourquoi, selon Eddie, « l’argent qu’on pique au jeu a deux fois plus de valeur que celui qu’on gagne à la sueur de son front ». La vie est un jeu. Sans cela, elle n’aurait pas de sens. Cette philosophie explique qu’Eddie retombe aussi facilement dans ses anciens travers. Le maître utilise donc son élève pour retrouver goût à l’existence tout en recherchant une forme de rédemption.

Ce thème de la chute et du rachat fait justement partie des thèmes fétiches de Martin Scorsese. Il est également traité dans Casino, Raging Bull, ou encore dans Les Affranchis, œuvre majeure du réalisateur qui entretient, sans surprise, quelques similitudes avec La Couleur de l’argent. Un mentor qui conseille un équipier trop ambitieux. Une prise d’indépendance qui s’achève par une désillusion. Au-delà du sujet, Martin Scorsese dynamise son film grâce à un cadrage et un montage millimétrés. Plans-séquence, gros plans sur la piste et la trajectoire des boules parviennent à rendre vivant un déroulement relativement attendu.

Si La Couleur de l’argent ne s’impose sans doute pas comme le film phare de l’œuvre de Martin Scorsese, il permet au réalisateur de s’identifier à la trajectoire d’Eddie. Un homme toujours dans la course, qui aime le risque et n’hésite pas à signaler son passage par un très théâtral « me revoilà ! ».

Bande-annonce – La Couleur de l’argent

Fiche technique – La Couleur de l’argent

Réalisation : Martin Scorsese
Scénario : Richard Price, Ron Shelton
Production : Touchstone Pictures
Montage : Thelma Schoonmaker
Interprétation : Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro…
Genres : Drame
Date de sortie : 11 mars 1897
Durée : 1h59
Pays : Etats-Unis