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À l’occasion de sa récente sortie Blu-ray chez Carlotta Films, retour sur le furieux China Gate réalisé par Samuel Fuller (Shock Corridor, White Dog) en 1957 et son édition HD beaucoup trop sage.

Synopsis : A la fin de la guerre d’Indochine, un commando de la Légion étrangère s’apprête à effectuer une dernière mission : détruire les tunnels renfermant le stock d’armes des combattants communistes menés par le commandant Cham. Pour cela, ils font appel à une séduisante Eurasienne surnommée Lucky Legs. Ayant mis en place un trafic d’alcool dans la région et connaissant bien Cham, elle seule peut les aider à mener à bien leur mission. Mais la présence de son ex-mari, le sergent Brock, qui l’a abandonnée à la naissance de leur fils métisse, va créer de nombreuses tensions au sein du groupe…

Samuel Fuller et l’expérience de la guerre

L’un des grands intérêts de China Gate se trouve dans le travail esthétique d’un conflit moderne tel que la guerre d’Indochine. Comprenez par « travail esthétique » les volontés et enjeux de la représentation guerrière menée par Sam Fuller. Celle-ci trouve son origine dans l’expérience du cinéaste qui fut, dans sa jeunesse, journaliste. Trentenaire, il rejoint la première division d’infanterie des Etats-Unis d’Amérique alors engagés avec les pays alliés contre Hitler et ses forces ténèbreuses. Fuller oeuvre ainsi en tant que soldat et reporter de guerre dans cette division connue de par son surnom, la Big Red One, dont il fera le récit cinématographique à la fin des années 70 avec Au-delà de la Gloire. Il sera l’un des premiers à filmer les premières images de la libération des camps de concentration, à capter « l’impossible » – dixit Samuel Fuller dans Falkenau, vision de l’impossible, Emil Weiss, 1988. Déjà dans les années 30, Fuller fut l’une des plumes d’Hollywood et auteur de pulps basés sur d’obscurs faits divers (tels que la chronique d’une femme enceinte condamnée à mort). Journaliste, reporter de guerre, ou cinéaste, Samuel Fuller se présente comme « un conteur » : « Tout raconte une histoire, les histoires sont la sève de nos civilisations » (ibid).

Justement, China Gate est une histoire, portée par un conteur à l’expérience riche et difficile. En cela, elle traduit le regard polymérique de Samuel Fuller. Ainsi obtient-on un film de guerre à l’esthétique hybride. On note ainsi, de par les extérieurs grandioses, un certain réalisme dans la reconstitution d’une ville bombardée où errent blessés et affamés, et où patientent les soldats. Ce même réalisme est porté par les points de vue, celui d’un enfant cherchant de quoi nourrir son chien dans les décombres alors poursuivi par un villageois affamé prêt à manger le maigre chiot ; le point de vue collectif du commando nageant dans le fleuve sur le bord duquel un village maîtrisé par l’ennemi est en fête ; enfin, alors que le groupe se reposait dans une forêt endormie, celui qu’on pensait objectif récupéré alors par l’ennemi qui observait puis mitrailla la bande. Fuller estimait qu’un film de guerre ne pouvait être réaliste que si on tire sur le public. Toutefois, on remarque qu’une certaine expérience guerrière est rendue possible chez Fuller grâce au point de vue, soit à l’association du regard du spectateur et/ou des spectateurs à l’expérience – à la fois illimitée et limitée par le médium cinématographique – perceptive d’un individu ou d’un groupe. Ainsi la scène où le groupe se fait mitrailler dans la forêt surprend autant le commando que le spectateur. Le moment de joie est meurtri en une transition brute et inattendue. La guerre et ses réalités morbides n’ont pas de patience. Elles ont lieu. Cependant, l’unique « règle de la guerre » a été respectée. Celle-ci, présentée par un ancien soldat allemand depuis engagé dans la Légion étrangère française, consiste à « voir ce qui vous entoure« . Justement, la caméra de Fuller ne pouvait ici, comme le groupe auquel elle était associée, voir au-delà de leur champ de vision limité. Ainsi, Fuller capta ici parfaitement l’immédiateté de la violence, sa brutalité et le sentiment de surprise. Par ailleurs, l’expérience subjective mise en scène par Fuller repose une vieille question conséquente sur le genre : un film de guerre captant une bataille massive en point de vue objectif ou divin (à coup de plongées célestes) peut-il être qualifié de réaliste ? Ou traduit un autre point de vue, celui des stratèges ? Ou encore de vues journalistiques bien humaines venues reporter de près comme de loin les combats ?

L’usage d’archives par Fuller n’est pas sans rappeler, entre autres, celui d’Allan Dwan pour Iwo Jima. Toutefois, le second utilise ces images pour supporter la reconstitution d’une bataille bien réelle traversée par nos héros, éléments fictifs inspirés de faits bien réels. Chez Fuller, les barrières entre la fiction et le réel sont friables. Il s’agit davantage de construire une réalité plutôt que de reconstituer le fait historique. Ainsi des archives d’avions bombardés et larguant des caisses sont associés aux points de vue des civils subissant les combats. Fuller est au service de l’expérience guerrière, non pas de la monstration de l’épisode historique traversé par des personnages. L’illustration historique est d’ailleurs présente en début de film, exposant, à la manière des reportages de guerre visibles en salles de cinéma ou à la télévision (bien avant l’ère d’internet), les nouvelles du front. Ces news, portées par un devoir de propagande sans mesures, permettent à Fuller de présenter le contexte historique pour ensuite mieux le déconstruire, le nuancer, et le capter avec justesse à travers les expériences individuelles et collectives transmises par son récit. Aussi le cinéaste rappelle, par son travail de l’archive, que la représentation objective n’existe pas. Tout plan constitue un point de vue, altérable – et alors détournable – au montage, qui peut être, selon le chef du projet, au service de la gloriole miliaire ; ou, selon un autre gusse, une tentative de contextualiser objectivement une bataille, de sa géographie à la masse des troupes en déplacement dans l’espace ample ou réduit, tel un collectionneur passionné d’histoire penché sur ses figurines de plomb piquées sur une conséquente maquette.

On compte enfin un autre régime d’image, remarquable dans la dernière séquence de combat, alors que les derniers membres vivants du commando fuient à travers le camp pour atteindre un avion prêt à décoller. Gros plans sur les fusils mitrailleurs faisant feu, plans serrés sur les comédiens tirant dans tous les sens, et plans larges sur la cour du camp s’enchaînent. Le montage furieux de ce découpage de feu n’est pas constitué de raccords de causalité. Qui tire sur qui n’est pas la priorité. En effet, l’ensemble tend ici vers une forme d’abstraction guerrière au service de l’expérience du conflit, de sa brutalité aveugle au déchaînement sonore d’explosions, de tirs et de cris qui porte l’ensemble. Ici la perte des repères et une étrange association de terreur et de stupeur sont au rendez-vous.

Ainsi, l’imagerie hybride de Fuller constitue ici une expérience guerrière complexe, du ras-le-bas des civils à la brutalité surprise des combats, du déchaînement de furie chargée et tirée aux souffrances qui ne demandent qu’à se dévoiler. En effet, n’oublions pas certains usages du clair-obscur apportant un trait expressionniste aux points de vue de ces personnages troublés et marqués par « des blessures invisibles » – dixit le personnage de Gene Barry (le héros de La Guerre des Mondes de Byron Haskin). Enfin, le regard nuancé et empathique de Fuller lève le voile sur le caractère pathétique de cette expérience guerrière. Quelques moments de douceur se terminent dans la douleur de commentaires égoïstes et racistes. D’autres ne connaîtront pas d’autres chapitre suite à un dernier sacrifice. Des hommes croisent subitement la mort à la fin d’une blague ou avancent vers elle lentement après une  chute banale lors d’une marche sur une colline capricieuse. Les deux moments musicaux du film, soit ceux pendant lesquels le personnage de Nat King Cole interprète la chanson China Gate dans un décor dévasté, révèlent l’ultime violence de l’expérience guerrière proposée par Fuller. China Gate est un voyage des derniers instants dans lequel la douceur, l’humour, et le partage n’ont plus de place. Fort heureusement, Fuller croit filmiquement en l’espoir, soit en l’avenir, ici personnifié par l’union tant attendue d’un fils avec son père. Parce-que l’expérience guerrière fullerienne consiste enfin à goûter à la paix.

Blu-ray Gate

Disons le de suite, on attendait davantage de l’édition Blu-ray de China Gate. Du côté du son, il n’y a certes rien à redire, excepté l’absence d’une piste vf pour les passionnés du domaine et les réfractaires à la vo. C’est au niveau visuel que le bat blesse. Le fait que les images d’archives soient plus granuleuses et manquent de définition peut se comprendre. Toutefois, nombre d’images de la fiction perdent, d’une échelle de plan à un autre, en contraste, en stabilité et en résolution. On pense par exemple au dialogue entre l’officier français et le personnage d’Angie Dickinson qui souffre de ce problème lors des plans plus resserrés. Peut-être ces problèmes sont dus au passage du temps et/ou à des zooms sur des plans larges. On regrette malgré tout que la copie alterne aussi violemment entre tous ces états d’image, du moyen – rarement médiocre – au sublime. La séquence avec Nat King Cole observant, à travers les fourrés, un soldat ennemi, est magnifique. Détails, nuances de noir et blanc, contraste, stabilité… Tout cela était au rendez-vous.

Cette restauration correcte est soutenue par deux compléments. Accompagné par l’usuelle présence de la bande-annonce, on trouve l’intéressant document nommé Peace of Mind : un regard sur China Gate de Samuel Fuller par Samantha Fuller et Christa Lang Fuller. La deuxième est la dernière femme du cinéaste, la première, leur fille. L’intérêt de leur retour permet d’avoir une approche plus personnelle et alors moins connue du cinéma de Fuller, même si, bien sûr, d’autres ont  recontextualisé le film, sa genèse et sa place dans la carrière du cinéaste avec précision et rigueur. Les personnages, la musique, les décors, tout y passe. On retiendra notamment le regard de Samantha Fuller qui qualifie China Gate de « comic book movie » notamment par rapport au travail de composition des plans et à la violence déchaînée, extrêmement explicite de certaines séquences. Il est vrai que le film n’est pas sans rappeler les pulps consacrés à la Seconde Grande Guerre qu’on pouvait lire en France dans des revues telles qu’Attack ou Banzaï. La fille Fuller poursuit en expliquant qu’il n’y a rien d’étonnant à cela, puisque son père était aussi illustrateur. Ce qu’elle a justifié en exposant les premières esquisses des personnages par Fuller. Après ces quarante et quelques minutes, retour sur le menu du Blu-ray. En effet, rien de plus au rendez-vous pour les aventuriers et curieux en quête d’érudition à travers les bonus des éditions. On peut tout de même se consoler avec le fait que les deux éléments sont en présentés en haute définition. On notera enfin que Carlotta édite aussi ce nouveau master en édition DVD.

Bande-Annonce – China Gate, de Samuel Fuller

BD 50 – MASTER HAUTE DEFINITION – 1080/23.98p – ENCODAGE AVC – Version Originale DTS-HD Master Audio 1.0 – Sous-Titres Français – Format 2.35 respecté – Noir & Blanc – Durée du film : 95 mn

DVD 9 – NOUVEAU MASTER RESTAURE – PAL – ENCODAGE MPEG-2 – Version Originale Dolby Digital 1.0 – Sous-Titres Français – Format 2.35 respecté – 16/9 compatible 4/3 – Noir & Blanc – Durée du film 92 mn

Prix de vente public conseillés : 20,06 €

Chaînes conjugales est une exploration des mœurs, une analyse sociologique, une critique de la société américaine. Pour la première fois, le chef-d’œuvre de Joseph L. Mankiewicz paraît en Blu-ray, dans une édition de grande qualité signée ESC.

Quand Joseph L. Mankiewicz portraiture les banlieues résidentielles états-uniennes, tout y passe : les rues bordées d’arbres majestueux, les allées proprettes, les jardins impeccablement entretenus, les maisons surdimensionnées, les époux en costume et leurs femmes prêtes à sacrifier un samedi ensoleillé pour organiser un pique-nique avec des enfants orphelins sur les bords d’une rivière… Ce décor de carte postale ne résiste qu’un temps, avant que les trois épouses de Chaînes conjugales ne reçoivent un courrier de leur amie Addie Ross leur apprenant qu’elle quitte la ville… avec le mari de l’une d’entre elles. Ce prétexte narratif va permettre au cinéaste du verbe de façonner trois flashbacks autonomes enluminés de répliques raffinées, portant sur chacune des protagonistes.

Il suffit d’un plan insistant sur une cabine téléphonique pour comprendre que les trois femmes craignent toutes de voir leur couple péricliter. Et pour cause : elles se sentent prisonnières de leur statut ou des conditions ayant œuvré à leur union maritale. Comment s’habiller avec classe après qu’un uniforme militaire a éclipsé pendant longtemps toute différence sociale ? Deborah, campée par Jeanne Crain, a peur de faire tache dans un country club, elle dont le « papa s’endettait constamment pour les machines » et qui se voit aujourd’hui comme « la nouvelle » qui suscitera à coup sûr les regards moqueurs et les commentaires désobligeants. « Vous êtes gâtée… Brad a de la classe et du fric », lui assènera-t-on en guise de confirmation. Comment s’élever par le travail quand celui-ci ne paie pas ? C’est la question qui taraude Rita (Ann Sothern), dont le mari (Kirk Douglas), modeste professeur, gagne à peine de quoi payer la domestique. Comment lever les doutes sur la sincérité de son amour quand on a épousé un patron fortuné après l’avoir fait longuement patienter ? Lora Mae (Linda Darnell) n’est pas passée sans suspicion d’une maison jouxtant les voies ferrées, ébranlée par les allées et venues des trains, au confortable palace d’un industriel vieillissant (Paul Douglas).

À chaque fois, avec la sophistication d’un Ernst Lubitsch, initialement pressenti pour le tournage, Joseph L. Mankiewicz habille ses flashbacks de scènes, de gestes, de propos qui éclairent d’une lumière profuse les enjeux. Deborah sort dans une robe « démodée » et trouée. Rita espère faire de son mari professeur un publicitaire grassement rémunéré. Lora Mae se perçoit comme une vulgaire « marchandise », tandis que son époux, tout aussi suspicieux, se considère comme « une machine à sous » ou un « tiroir-caisse ». La fragilité des trois femmes est exprimée avec habileté et mise en parallèle avec l’insolente liberté d’une Addie Ross apparemment vénérée par tous les hommes. Quelques citations lourdes de sens permettent en outre d’identifier sans mal les us et coutumes de l’époque. Parmi celles-là, distinguons la sentencieuse « Le sexe fort est là pour subvenir aux besoins du sexe faible » et la non moins caricaturale « Les gens du show-biz boivent toujours du scotch ».

Si le verbe permet à lui seul de satiriser la bourgeoisie américaine, avec une actualité toujours brûlante, la mise en scène n’est pas en reste. S’illustrant par une authentique science du cadre et des séquences tirées au cordeau, Chaînes conjugales remporta les Oscars du meilleur réalisateur et du meilleur scénario adapté (de John Klempner en l’occurence), installant de ce fait, de manière définitive, Joseph L. Mankiewicz en bonne place à Hollywood. La critique de l’american-way-of-life et des conventions régissant la vie en société, particulièrement celles menant à l’obsession de reconnaissance sociale, semble annoncer un chef-d’œuvre tel que Le Limier, où le sentiment de supériorité dicte leur conduite à deux hommes basculant à grand fracas dans la surenchère. L’ironie de Chaînes conjugales veut toutefois qu’Addie Ross, si enviée, reparte seule après avoir interrogé une époque, un milieu social, leurs mœurs et trois couples aux vulnérabilités évidentes.

BONUS ET RESTAURATION

Le son et l’image sont très appréciables. Piqué, stabilité, granulation : le travail réalisé sur ce film mérite d’être salué. Le spectateur pourra en outre profiter d’un long entretien avec l’historien du cinéma Antoine Sire, intitulé La Femme américaine moderne. Il y explique le rôle de Darryl F. Zanuck concernant l’affinage scénaristique, revient sur les cinq actrices faisant le sel du film, évoque la satire sociale et la critique du mercantilisme placées au cœur du scénario, mais aussi l’audace cinématographique de l’après-guerre ou la manière de concevoir le personnage d’Addie Ross comme une « menace invisible » propre à nourrir tous les fantasmes.

Fiche technique

USA | 1949 | Durée : 103 mn  | Image : 1.37 | Langue : anglais | Son : mono  2.0 | Sous-titres : français
Suppléments :  Entretien autour du film avec Antoine Sire – Dans la même collection
Nouveau Master Haute Définition

ESC commercialise pour la première fois en Blu-ray Désirée, le film napoléonien d’Henry Koster. S’il ne scrute l’épopée militaire de l’empereur français qu’à la marge, il se penche en revanche avec avidité sur une histoire d’amour contrariée…

Les contacts naissants entre le jeune Napoléon Bonaparte et Désirée Clary, la fille d’un riche armateur, sont l’occasion pour le premier de s’enthousiasmer sur les qualités de la seconde : à ses yeux, elle n’est rien de moins qu’une demoiselle « sans artifices », ce qui lui semble quasi « inconcevable chez une femme ». Avant cette déclaration d’estime préambulaire, la séquence d’ouverture nous montrait Désirée annoncer à ses proches qu’elle avait invité « deux aventuriers » à la maison. Ce qu’elle ignorait alors, c’est qu’une histoire sentimentale douce-amère allait s’amorcer suite à leur venue – filmée en couleurs et en CinemaScope.

Sur la politique napoléonienne, on en saura peu, et presque exclusivement à travers le texte : la volonté d’imposer la liberté, l’égalité et la fraternité par les armes à travers l’Europe ; Robespierre, perçu comme un protecteur, prématurément guillotiné ; un exil parisien où le jeune Bonaparte s’acoquine avec les diplomates et les politiciens ; quelques plans militaires éventés lors de repas ou de discussions ; une personnification du pouvoir faisant dire au nouvel empereur : « Je suis la Révolution française ! » La sève du récit est ailleurs : dans la relation ambivalente et elliptique qu’entretiennent Désirée et Napoléon, où l’éveil mutuel fait place à une séparation douloureuse, puis à la trahison masculine – Napoléon avait besoin d’argent et de relations, et son mariage avec Joséphine lui offre en prime un commandement en Italie.

Sur cette relation avortée, le film d’Henry Koster se veut prolixe : le frère de Désirée se montre d’emblée méfiant ; la jeune femme pense avoir perdu l’amour de sa vie (avant de se marier avec un autre homme et de glaner le titre de reine de Suède) ; devenue conflictuelle, la relation entre Napoléon et Désirée débouchera sur des contacts parfois glaciaux relevant, de l’aveu même du général français, de « formalités de courtoisie ». Il faut dire qu’entretemps, Jean, l’époux de la jeune femme, a déclaré sans ambages à Napoléon qu’il ne serait jamais « un pantin dont [il tirerait] les ficelles ».

Ce biopic à gros budget, basé sur un roman d’Annemarie Selinko, se révèle toutefois assez décevant : si Jean Simmons irradie le film de son talent, la prestation de Marlon Brando s’avère plus contrastée, et l’écriture des deux personnages manque à la fois de relief (dans les excès) et de profondeur (dans l’exploration intime et/ou psychologique). Il y a bien quelques scènes mémorables – un travelling latéral sur un pont pour sonder une tristesse inconsolable, des réceptions aux regards appuyés et équivoques –, ainsi que des dispositifs appréciables – des costumes ou des toiles peintes sur lesquels il y a peu à redire –, mais l’ensemble manque très certainement de souffle, et peut-être même d’enjeux.

BONUS ET RESTAURATION

Le grain est discret et régulier, le son correct, l’image stable et joliment colorée, mais lestée de légères pulsations. En bonus, le spectateur trouvera une interview d’une vingtaine de minutes de l’historien du cinéma Patrick Brion, qui évoque l’admiration du père d’Henry Koster pour Napoléon, ses collections à l’effigie de l’empereur, la fascination exercée par le film d’Abel Gance sur le réalisateur de Désirée, la performance controversée de Marlon Brando et une « relecture intimiste, personnelle, sensible » de Bonaparte dans le film. C’est intéressant, à défaut d’être passionnant.

Fiche technique

USA | 1954 | Durée : 110 mn | Image : 1.77 | Langues : anglais – français | Son : mono 2.0 | Sous-titres : français
Suppléments :  Entretien autour du film avec Patrick Brion (historien du cinéma).
Nouveau Master Haute Définition

Sorti en catimini en début d’année, Marie Stuart, Reine d’Écosse est l’occasion pour la fraichement élue Josie Rourke de coucher une page d’histoire méconnue de la monarchie britannique où, au milieu des règlements de comptes typiques de l’époque, a eu lieu une lutte intestine et fratricide entre deux têtes couronnées, ici deux femmes qui furent rivales et qui marquèrent durablement de leurs empreintes la société de l’époque. En résulte un film profond, puissant, et permettant à la paire Saoirse Ronan/Margot Robbie de littéralement vampiriser l’écran. 

Le destin tumultueux de la charismatique Marie Stuart. Épouse du Roi de France à 16 ans, elle se retrouve veuve à 18 ans et refuse de se remarier conformément à la tradition. Au lieu de cela elle repart dans son Écosse natale réclamer le trône qui lui revient de droit. Mais la poigne d’Élisabeth Iʳᵉ s’étend aussi bien sur l’Angleterre que l’Écosse. Les deux jeunes reines ne tardent pas à devenir de véritables sœurs ennemies et, entre peur et fascination réciproques, se battent pour la couronne d’Angleterre. Rivales aussi bien en pouvoir qu’en amour, toutes deux régnant sur un monde dirigé par des hommes, elles doivent impérativement statuer entre les liens du mariage ou leur indépendance. Mais Marie menace la souveraineté d’Elisabeth. Leurs deux cours sont minées par la trahison, la conspiration et la révolte qui mettent en péril leurs deux trônes et menacent de changer le cours de l’Histoire.

Deux femmes, deux destins…

Évoquer le nom de Josie Rourke en France, c’est prendre le risque de voir son interlocuteur lever les yeux au ciel à la recherche d’une bribe d’inspiration. Il faut dire que la britannique a peu eu l’occasion d’exporter à l’international ses talents qui, eux, sont pourtant nombreux. Puisque de l’autre coté de la Manche, la britannique incarne depuis 15 ans maintenant une des valeurs sûres de la scène théâtrale. Un background qu’elle a suffisamment développé pour finalement se lancer dans un premier film (ce qui est déjà loin d’être une sinécure) qui plus est d’époque, puisque pour sa première contribution au cinéma, Rourke a opté pour rien de moins qu’une histoire royale. Où ici la lutte pour le pouvoir qui naquit entre Elizabeth 1, reine d’Angleterre stricte, imbue de sa personne et déterminée, et sa cousine, Marie Stuart, digne écossaise qui voulut revendiquer son droit au trône. L’histoire est connue, et pourtant, à l’instar d’un Titanic qui arrivait à créer de la dramaturgie et du suspense autour, Marie Stuart Reine d’Écosse parvient à embrasser la même veine. Et nul doute que cet angle doit grandement à Rourke qui a eu l’occasion rêvée pour donner à son histoire de l’ampleur, de la profondeur et surtout un parallèle avec notre époque. Deux femmes, évoluant dans un monde d’hommes, obligées de se battre l’une contre l’autre à cause du sacro-saint pouvoir et qui subissent la division de la part des hommes : il faut dire que c’était tentant et Rourke, en artiste habile, n’a pas déçu. Ainsi, au milieu de cette lutte fratricide qui a durablement imprimé une scission entre l’Écosse et l’Angleterre, Rourke se permet d’en mettre plein la vue à de multiples reprises : décors somptueux, ambiance solennelle & austère, viviers de personnages torturés et psychologiquement riches, musique fabuleuse. C’est bien simple, malgré quelques scories propres à un premier film, le long-métrage respire l’efficacité et l’assurance, comme si Rourke, consciente de sa chance de débarquer dans le cinéma, avait tout donné pour que cette histoire puisse être à la fois tragique et captivante, dure mais puissante, etc. Un bien joli effort qui ne serait toutefois rien sans la présence d’un casting au diapason de cette envie de grandeur ; j’ai nommé la paire Saoirse Ronan/Margot Robbie. Quand l’une incarne Marie Stuart, jeune femme frêle mais déterminée ; l’autre incarne avec exubérance, poigne et insensibilité la reine Elizabeth 1. Une jolie dualité qui fait le sel de ce métrage convaincant et qu’on se le dise, vraiment grand.

Les joyaux de la couronne…

Enchâssé dans un master Haute Définition de toute beauté (couleurs superbes, contrastes denses, définition irréprochable) et un solide dispositif sonore (la version originale est encodée en Dolby Atmos, dans un mixage littéralement tonitruant), force est d’admettre que Marie Stuart, Reine d’Écosse en impose techniquement parlant. Ainsi, les scènes de bataille sont naturellement riches en basses, en gros surrounds et effets multidirectionnels à gogo. Même rengaine pour la version française, puisqu’elle s’impose dans un mixage Dolby Digital+ 7.1 très spectaculaire et immersif. Cette richesse se retrouve également dans la section suppléments, qui offre quelques jolis contenus : d’abord un commentaire audio de la réalisatrice Josie Rourke et du compositeur Max Richter ; ensuite trois featurettes qui représenteront environ dix minutes de visite des coulisses et de découverte de l’envers du décor & enfin une featurette sur la notion de « féminisme » au cœur du film, sur les différentes incarnations de Mary Stuart au cinéma, ainsi que sur le face à face final.

Marie Stuart, Reine d’Écosse : Bande-annonce : 

Un film de Josie Rourkeavec Saoirse Ronan, Margot Robbie

Synopsis: Le destin tumultueux de la charismatique Marie Stuart. Épouse du Roi de France à 16 ans, elle se retrouve veuve à 18 ans et refuse de se remarier conformément à la tradition. Au lieu de cela, elle repart dans son Écosse natale réclamer le trône qui lui revient de droit. Mais la poigne d’Élisabeth Ières’étend aussi biensur l’Angleterre que l’Écosse. Les deux jeunes reines ne tardent pas à devenir de véritables sœurs ennemies et, entre peur et fascination réciproques, se battent pour la couronne d’Angleterre. Rivales aussi bien en pouvoir qu’en amour, toutes deux régnantsur un monde dirigé par des hommes, elles doivent impérativement statuer entre les liens du mariage ou leur indépendance. Mais Marie menace la souveraineté d’Elisabeth. Leurs deux cours sont minées par la trahison, la conspiration et la révolte qui mettent en péril leurs deux trônes et menacent de changer le cours de l’Histoire.

Sortie DVD, Blu-ray™ le 3 Juillet 2019 chez Universal

Caractéristiques techniques du DVD : Image : 16:9 2.39:1 Anamorphic Widescreen – Durée : 1h59. Audio : Anglais, Français, Espagnol, Italien et Allemand Dolby Digital 5.1Sous-titres : Français, Anglais, Arabe, Espagnol, Danois, Finnois, Allemand, Hindi, Islandais, Italien, Norvégien, Portugais, Suédois, Turc.

Caractéristiques techniques du Blu-ray™ : Image : 16:9 2.39:1 Widescreen – Durée : 2h04. Audio : Anglais Dolby Atmos, Français, Espagnol, Italien Dolby Digital Plus 7.1Sous-titres : Français, Anglais, Arabe, Espagnol, Danois, Finnois, Hindi, Islandais, Italien, Norvégien, Portugais, Suédois.

Bonus du DVD et du Blu-ray™ : Une confrontation épique ♦ Le féminisme des Tudor ♦ Quelque chose chez Marie. Commentaire audio de la réalisatrice Josie Rourke et du compositeur Max Richte.