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La sortie en DVD de L’homme de l’Arizona (The Tall T/1957) par Sidonis Calysta fera à coup sûr chavirer le cœur des amateurs de western. Pas le plus célèbre de la série de films tournés par Budd Boetticher avec son acteur fétiche Randolph Scott, cette merveille d’épure, d’efficacité et de concision, développe en outre des relations nuancées entre des personnages campés par des comédiens remarquables. A s’en pourlécher les babines.

Dans la carrière inégale de Budd Boetticher, la seconde moitié des années 1950 représente à la fois un alignement des étoiles… et un crépuscule. C’est en effet en 1956 que, sur le conseil de John Wayne, le réalisateur décide d’adapter un script signé Burt Kennedy et de collaborer pour la première fois avec l’acteur Randolph Scott. Le résultat fut l’extraordinaire Sept hommes à abattre, sans doute la meilleure œuvre du cinéaste. Elle donna le coup d’envoi à une série de sept westerns connue sous le nom de « cycle Ranown », du nom de la société de production fondée par Scott et Harry Joe Brown à laquelle Boetticher se joignit. Sept films en seulement une poignée d’années (le dernier, Comanche Station, sort en 1960), à chaque fois avec Randolph Scott dans le rôle principal. Habitué aux séries B, Boetticher sut tirer le meilleur de tournages très courts, bien aidé il est vrai par une collaboration fructueuse avec Scott et, surtout, des scripts en or. Comanche Station sera hélas le dernier chef-d’œuvre du metteur en scène, qui ne tournera ensuite plus qu’une poignée de fictions avant de se ruiner la santé et le compte en banque en poursuivant son rêve de tourner un documentaire au Mexique consacré à son ami matador Carlos Arruza, projet qui n’aboutira que des années plus tard (Arruza, 1972) et signifia la fin de sa carrière…

Si Sept hommes à abattre met généralement d’accord tous les amateurs de ce genre cinématographique, le second opus du cycle, L’homme de l’Arizona, a lui aussi de sacrés atouts à faire valoir. Comment toujours, le récit de Burt Kennedy (adapté de la nouvelle The Captives d’Elmore Leonard) se concentre sur la quête de vengeance du héros. L’histoire est archi-simple : un ancien contremaître de ranch qui s’est récemment mis à son propre compte est kidnappé avec une riche héritière par trois hors-la-loi. Le film marque par son action ramassée autour d’une poignée de situations et de décors, une épure presque minérale et une violence – souvent suggérée – particulièrement âpre. L’insensibilité du trio de criminels sonne juste : ces hommes au passé difficile n’en rajoutent jamais dans la cruauté, ils sont simplement habitués à tuer sans pitié pour obtenir ce qu’ils convoitent. Là où L’homme de l’Arizona finit de nous convaincre qu’il s’agit d’un très grand western, c’est en constatant sa densité et sa complexité rares en à peine 78 minutes de métrage. Un vrai tour de force ! Ainsi, Boetticher et Kennedy parviennent à donner vie à plusieurs vrais personnages, là où certains réalisateurs et scénaristes peinent à le faire en 2h30. Randolph Scott a l’intelligence, dans son rôle de Pat Brenann, d’adopter un jeu discret et naturel, laissant volontiers ses partenaires accaparer la lumière : un conducteur de diligence haut en couleur (Arthur Hunnicutt), le lâche époux de l’héritière Doretta Mims (John Hubbard), un assassin cynique (Henry Silva), et bien sûr le chef des hors-la-loi. Dans le rôle de ce dernier, Richard Boone crève l’écran et fait ainsi honneur à la richesse de son personnage. A une époque où le western était encore très codifié et manichéen, Boone incarne un individu nuancé et ambigu, qui se rapproche progressivement du héros au point où les deux hommes se découvrent bien de points communs et se rapprochent malgré l’adversité qui ne peut connaître de fin heureuse. Dans une autre vie, peut-être… Enfin, et ce n’est pas la moindre de ses succès, Boetticher offre un joli rôle féminin à l’excellente Maureen O’Sullivan, ce qui n’était guère dans les habitues du western des années ‘50 non plus.

L’équilibre délicat entre efficacité et style affirmé se retrouve jusque dans la structure du film. Ainsi, le premier tiers voit se succéder des scènes a priori banales, dans lesquelles Brennan, éternel sourire aux lèvres, croise plusieurs personnages pittoresques dans une ambiance bon enfant et un décor de rêve (le film fut tourné dans les Alabama Hills de Californie). Malicieux, Boetticher parvient même à y glisser un clin d’œil à sa passion et première vocation, la tauromachie, lorsque Brennan tente sans succès de dompter un taureau et finit dans un abreuvoir à bétail, perdant en même temps son pari et son cheval. Cette longue introduction touchante et quelque peu naïve est sèchement brisée par la prise d’otages qui occupera toute la suite de l’histoire. Cette situation exceptionnelle verra le héros, que le spectateur considérait jusque-là comme un « bon gars » sans histoire, attendre patiemment le meilleur moment afin d’exercer une vengeance implacable. Là encore, le châtiment infligé n’a rien de théâtral, il est sec, définitif et impitoyable. Vraiment, on chercherait en vain un défaut à cette jouissive leçon de mise en scène !

Note pour ceux et celles qui se demandent quel est le sens de l’étrange titre en anglais : selon TCM, Boetticher et Kennedy se posèrent eux-mêmes la question alors que le titre originel du film était The Captives. Etant donné qu’un autre film portait déjà ce titre, un responsable du studio à New York décida de le renommer The Tall T, le « T » faisant référence à « Tenvoorde », le propriétaire du ranch où le héros a travaillé par le passé et où il souhaite acquérir un taureau. Voilà qui est cherché loin !

BONUS

En guise de dessert à ce petit bijou, on était en droit d’espérer des bonus du même tonneau, et le moins qu’on puisse dire est qu’on ne s’est pas fichu du spectateur. Ainsi, Martin Scorsese himself propose d’abord une introduction au film et, comme à sa bonne habitude, en six minutes à peine il nous éclabousse de sa passion, son érudition et son élégance. Le maestro évoque avec beaucoup de pertinence, entre autres choses, l’épure du film, la passion pour la tauromachie de Boetticher et l’intérêt de construire une relation de travail cinéaste-comédien sur le long terme – un sujet auquel Scorsese s’identifie évidemment, lui qui a tourné de nombreux long-métrages avec Robert De Niro, puis Leonardo DiCaprio. C’est ensuite une « double ration » de Bertrand Tavernier qui est proposée, et Dieu sait qu’on ne cracherait pas sur une troisième ! Le réalisateur de Coup de torchon s’étend d’abord sur la carrière de Boetticher, qu’il a connu personnellement et avec lequel il a beaucoup échangé. S’il rend hommage à certaines œuvres antérieures que Boetticher lui-même méprisait parfois injustement, il souligne à juste titre à quel point le splendide Sept hommes à abattre (Seven Men from Now/1956) inaugura une série de westerns exceptionnelle. A l’instar de Scorsese, Tavernier rappelle la première vie de matador du cinéaste américain, une passion dévorante qu’on retrouve dans bon nombre de ses œuvres, y compris L’homme de l’Arizona (cf. supra). Dans une seconde présentation, Tavernier s’attache cette fois longuement au film dont il est question ici, auquel il rend un bel hommage. L’analyse est précise et pertinente : la sècheresse de ton, la brutalité, l’absence d’ego de Randolph Scott dont le jeu simple donnait une grande marge de liberté aux autres comédiens, l’aspect anticonformiste de ce western qui dessine des personnages d’une extraordinaire densité, la finesse psychologique, etc. Tavernier salue aussi le talent du scénariste Burt Kennedy qui, tout comme Scott, formait avec Boetticher une association gagnante, ainsi que celui du chef opérateur Charles Lawton Jr.  Enfin, dans un dernier supplément, l’historien du cinéma Patrick Brion rend, lui aussi, brièvement hommage à ce splendide western qui, bien loin de n’être qu’une série B, peut prétendre à un statut de classique. Que Sidonis Calysta publie aujourd’hui le film dans sa collection « Westerns de légende », aux côtés notamment de fictions du calibre de Rio Grande, est par conséquent parfaitement logique à nos yeux…

Suppléments de l’édition DVD :

• Martin Scorsese présente L’homme de l’Arizona
• Budd Boetticher par Bertrand Tavernier
• Présentation par Bertrand Tavernier
• Présentation par Patrick Brion
• Bande-annonce

L’éditeur Tamasa propose en DVD le Midnight Runner d’Hannes Baumgartner. Pour son premier film, le réalisateur suisse se penche sur l’histoire et la psyché de Jonas Widmer, sportif reconnu doublé d’un tueur à l’esprit torturé.

Jonas Widmer, c’est une silhouette, élancée, et un regard, perdu. Cuisinier apprécié de ses collègues, sur le point de se mettre en ménage avec sa compagne Simone, il est aussi l’un des meilleurs coureurs de fond de Suisse, dont on relate volontiers les exploits dans la presse. En apparence, son insertion dans la société est en tout point réussie et l’antihéros d’Hannes Baumgartner mène une vie dans laquelle s’épanouiraient la plupart de ses congénères. C’est cependant sans compter sur les démons intérieurs qui rongent Jonas : la perte d’un frère auquel il était inextricablement attaché et des pulsions meurtrières qui vont, pas à pas, prendre possession de lui.

Le néo-réalisateur Hannes Baumgartner s’est documenté pendant plusieurs années afin de saisir au mieux la psychologie de Jonas Widmer. Midnight Runner adopte le point de vue exclusif du tueur suisse tout en demeurant relativement neutre dans sa manière de conter les événements. Max Hubacher campe un homme aux souffrances profondes et inexpiables, dont la normalité n’est qu’un voile. Pour s’en convaincre, il suffit de scruter sa relation avec Simone : il refuse de lui parler d’un frère disparu qui l’obsède, il visite en sa compagnie des appartements dans lesquels il n’a aucune envie d’emménager, il s’en détache émotionnellement au point de chercher à séduire une collègue de travail…

Si le film débute par une blessure physique, ce n’est certainement pas un hasard. Tous les traumatismes corporels mis en images par Hannes Baumgartner renvoient en seconde intention aux douleurs intérieures de Jonas. Son dépassement de soi entretenu par un entraînement intensif a pour corollaire le combat qu’il mène contre lui-même dans la gestion de ses pulsions. Ces dernières se manifestent d’abord par un sac à main arraché à la sauvette, puis par un tiroir rempli d’objets dérobés attestant d’un problème plus profond et enfin par des agressions physiques graves et des meurtres.

« Comme un réflexe », « je l’ai fait, tout simplement ». C’est de cette façon que Jonas verbalise auprès de Simone le vol d’un sac à main. Par extension, c’est l’aveu d’une seconde nature qui parasite puis submerge ce qui ressemble de plus en plus à une façade sociale. Car le champion de course taciturne qui gagne des marathons et répond ensuite posément aux journalistes est surtout un homme tiraillé par le souvenir de son frère, souffrant d’insomnies et privilégiant les solutions chimiques aux thérapies post-traumatiques pourtant recommandées par son médecin. La caméra, portée à sa hauteur, violant ses secrets les plus inavouables, le suit comme un symbole lors d’un long travelling latéral final, où Jonas court à corps perdu vers l’inconnu, dans une traversée frénétique seulement rythmée par le bruit de sa respiration saccadée. Et si c’était là le tréfonds du personnage ? Courir, sans but, mû par ses instincts, dans une immense fuite en avant.

BONUS

La présente édition apparaît malheureusement assez dépourvue en suppléments. Outre le traditionnel trailer, on devra se contenter d’un livret de 16 pages comprenant les interviews d’Hannes Baumgartner et Max Hubacher. Le premier explique ses choix, tant sur le sujet de son film que sur le point de vue adopté (un « examen direct du personnage principal ambivalent »), tandis que le second revient sur les « gouffres intérieurs » du personnage et sur ce qu’ils impliquent quant à son travail d’interprétation.

Midnight Runner, un film de Hannes Baumgartner
Titre original : Der Laufer
Avec Markus Amrein, Saladin Dellers, Annina Euling
Suisse – 2018 – 92 min – Thriller – Couleur – 1,85
Visa n° 153119

Retour Lonely Fifteen et son édition signée Spectrum Films. Au programme : une chronique d’adolescentes en crise, un master HD exclusif aux français mais au résultat en demi-teinte et une partie bonus à retenir.

Synopsis : suite à des tourments familiaux, éducatifs et consuméristes, un groupe de jeunes filles dérive vers l’industrie du sexe, la drogue et la violence.

Fifteen candles

Lonely Fifteen offre une vision incarnée de la jeunesse Hongkongaise. Cette représentation mobilographique de ces adolescentes ne surprend pas tant par son contenu que par sa mise en scène. Le drame ancre ses personnages dans l’espace avec un tournage en décor naturel et une prise sonore en direct ensuite synchronisée. Premier film hongkongais à ne pas façonner toute sa bande-son en post-production – dixit le réalisateur David Lai –, Lovely Fifteen s’offre ainsi une vision dramatique marquée par l’imagerie documentaire qui a pris naissance dans le travail de recherche du réalisateur, par ailleurs anciennement journaliste et des producteurs Michael et Johnny Mak. Lonely Fifteen est ainsi précis, dans les gestes, dans le détail.

Malgré une bande-son émouvante et cette immersion dramatique dans une réalité tangible, le film de David Lai manque à nous émouvoir. Il ne s’agit pas du manque de « surprise » pour un spectateur de 2020 face aux sombres aventures des protagonistes qui ont plus ou moins été depuis représentées et mises en scène ici et ailleurs. Au contraire, l’expérience presque sensorielle de cette Hong Kong du début des années 80 permet de redécouvrir des concepts connus sous un nouveau jour, par exemple, la boîte de nuit qui fut pour le pire comme pour le meilleur au cœur de la jeunesse des eighties, aux désirs de liberté, de badinage et d’exploration des sens contraires aux vieux mœurs hongkongais. Si Michael Mak explique dans un complément la volonté de capter des scènes de vie adolescentes, Lonely Fifteen tient du métrage à sketches dont les scénettes s’imbriquent de façon plus ou moins organique – ou à contrario artificielle – au fur et à mesure du récit principal porté par la formidable Becky Lam (qui ne poursuivit pas sa carrière cinématographique, malgré un prix). Enfin les scènes de bagarre en extérieur (ainsi qu’en appartement), surprenantes tant elles sont marquées par le cinéma d’exploitation, participent au manque de fluidité et d’unité narrative du film.

Lonely Fifteen – l’édition Blu-ray

Le film de David Lai débarque dans une édition solide mais malmenée par quelques gros problèmes au niveau de la présentation du film ainsi qu’un léger souci concernant les compléments.

On s’attendait à être ravi par le Blu-ray à la lecture de ces quelques mots encrés par l’éditeur sur le boitier comme sur la page internet du film : « Le Master HD a été réalisé à partir d’un scan 2K du négatif original. Cette restauration, unique au monde, est exclusivement destinée à la France. » Sans vouloir offusquer l’éditeur et la société française, Kino, responsable de la restauration comme du mastering de Lonely Fifteen, de gros problèmes gênent l’expérience du film. La HD est au rendez-vous dans l’ensemble, le frame rate est respecté et l’étalonnage se tient relativement bien malgré quelques variations colorimétriques et un contraste parfois trop appuyé par rapport au négatif (dont on peut voir le travail de restauration dans un bonus). Toutefois, c’est au niveau de la gestion du grain et de la précision que des problèmes adviennent. En effet, un usage de filtre anti-grain et surtout du DNR est hélas clairement visible. Du Edge Enhancement a été utilisé pour accentuer des contours, de façon beaucoup trop appuyée. La séquence du cimetière a été tellement numériquement bidouillée que les figures sont à peine inscrites à l’écran, les contours à peine définis sont suivis par leurs fantômes. Cet aspect baveur de l’image est accompagné par une importante perte de définition. Deux possibilités : soit la restauration a été difficile sur cette séquence comme sur d’autres ? Soit, comme le suppose Rétro-HD, elle ne provient pas du négatif mais d’un autre matériel, peut être une source vidéo datée ? Cependant, on note, malgré un grain parfois bien géré, que la restauration et le mastering ont finalement produit un rendu visuel schizophrène. Enfin, si l’on est prêt à oublier les quelques poussières et traces d’endommagement de la pellicule source, on est toutefois surpris par le problématique letterbox (soit l’encadrement du film). Le film, proposé dans son format 1.94 est ainsi compris entre des bandes noires présentes en haut et en bas afin remplir votre écran 16/9. Cependant, on a pu remarquer que la bande noire supérieure est plus importante que l’inférieure, offrant ainsi un rendu asymétrique. Si des testeurs ont noté un gain d’information comparé au format plus resserré du Blu-ray HK (présenté en 1.78), une légère perte de la partie supérieure de l’image est à noter.

Il y a heureusement peu à redire du côté du son. Même si elle est marquée par les stigmates du temps – et d’une conservation possiblement peu heureuse –, tels qu’une tendance à manquer de clarté et de panache, la piste sonore reste efficace : le son en prise directe, puis synchronisé, participe réellement à l’immersion dramatique du spectateur dans la réalité adolescente mise en scène.

Côté bonus, Spectrum Films a mis les petits plats dans les grands. On remarque de prime abord trois interviews exclusives, celles intéressantes du réalisateur David Lai, du coproducteur Michael Mak (qu’on retrouvera à la réalisation de Sexe and Zen et Le Bras armé de la violence 2 & 3) et la dernière plus anecdotique d’Irene Wan. Les deux premiers reviennent sur leurs parcours respectifs, du journalisme à la télévision puis au cinéma en tant qu’assistant de Johnny Mak pour le premier, et beaucoup de télévision avant le cinéma en tant qu’assistant de Tsui Hark pour le deuxième. Les deux bonhommes se rappellent l’important travail de recherche effectué avec le producteur Johnny Mak (à qui l’on doit l’unique et brillante réalisation du Bras armé de la loi – 1984), le choix de jeunes acteurs inexpérimentés plutôt que de têtes de figures trop âgées et trop dans l’interprétation, l’intérêt du film pour la culture du club qui était une source de danger pour les jeunes de l’époque, ou encore sa bonne réception publique et critique, de même que les films produits dans la continuité des genres qu’il a (r)éveillés, ceux du métrage sur la jeunesse et du prostitution movie. La troisième se souvient avec plaisir (et ego, probablement) de sa participation au long métrage et de son apport à son réalisme, de sa relation fraternelle avec le cinéaste et du fait qu’elle n’a pas revu Becky Lam, première actrice du film, depuis le tournage.

Vient ensuite la bande-annonce et le module sur la restauration, cité plus haut, un peu trop concentré sur les meilleures séquences et présentant des images fixes. On trouve ensuite quatre documents vidéo consacrés à la présentation et l’analyse du film. Si on salue comme d’habitude l’énergie passionnée d’Arnaud Lanuque, on peut regretter la répétitivité notée ici et là dans les trois autres modules, notamment celui intitulé « Un autre regard sur la jeunesse de Hong Kong » par Julien Sévéon. Ce dernier prend le contrepied de l’inscription de Lonely Fifteen dans la nouvelle vague hongkongaise par ses congénères. Toutefois les arguments sont minces et tiennent surtout de l’évocation plus ou moins faussée : les trois figures derrière le film n’auraient pas de lien avec la nouvelle vague hongkongaise même si on trouve parmi le fameux parcours d’étude à l’extérieur du pays pour revenir bosser à la télévision (deux d’entre eux se sont d’abord lancés dans les études journalistiques et même pharmaceutiques). Et le film n’appartient pas à ce mouvement dans le sens où il ne serait pas un film d’exploitation. Pour le premier argument, les interviews et la présentation d’Arnaud Lanuque relativisent le propos, Johnny Mak sera quand même derrière l’un des grands modèles du polar hongkongais avec Le Bras armé de la loi, même s’il a été conçu dans l’épilogue de la nouvelle vague. Michael Mak a fait ses armes avec l’une des figures de proue de la nouvelle vague qu’est Tsui Hark. Et concernant l’exploitation touch du film, Arnaud Lanuque explique si David Lai est dans un cadre dramaturgique marqué par le documentaire, il n’empêche qu’une séquence comme celle de cimetière – et on rajoutera celle du combat contre les voyous dans les escaliers de la ville – tient de l’exploitation. Le retour sur le film par Frédéric Monvoisin est probablement celui qui arrive à proposer un autre regard sur Lonely Fifteen, en évoquant non pas les autres films du genre déjà cités par Lanuque et Sévéon – qu’il s’agisse de métrages passés et des films post-Lonely Fifteen –, mais en allant du côté des personnages de jeunes paumés à l’avenir tragique dans le cinéma Hongkongais des années 70 et 80 et notamment du côté de Wong Kar-wai. Podcast On Fire revient le temps d’une bonne heure sur le film, son contexte, sa conception, ses anecdotes ou encore sur l’expérience spectatorielle de la nouvelle vague hongkongaise et en particulier de Lonely Fifteen par ses deux chroniqueurs anglophones. Si le contenu est intéressant, le contenant manque de rythme et d’un peu plus de vivacité. Au-delà de la répétitivité, on remarque surtout que Sévéon, Monvoisin et les gusses de Podcast On Fire n’ont pas la même information concernant les nominations du film aux HK Film Awards. On peut entendre respectivement, huit, sept puis six nominations. Aussi Sévéon explique que le film n’a pas été un vrai succès public, à l’inverse des deux autres et notamment du dernier qui a eu la bonne idée d’évoquer le box-office de l’année 1982 et la belle place de Lonely Fifteen dans celui-ci, en plus des nominations. Que les points de vue divergent suite à une différence d’interprétation d’une donnée n’est pas un problème, mais que des détails répétés ne soient pas les mêmes, cela pose légèrement problème.

Ainsi même si le master divisera et en gênera plus d’un, l’upgrade de la restauration devrait ravir ceux qui s’étaient contenté de la très moyenne édition HK. Enfin, malgré une certaine répétitivité, l’important travail de Spectrum sur la non moins conséquente quantité de suppléments – tous d’intérêt – devrait permettre aux fans de poursuivre l’expérience de Lonely Fifteen avec le sourire.

Bande-annonce – Lonely Fifteen de David Lai (1982)

https://www.youtube.com/watch?v=Cq9z9fL5EVg

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

Master Haute Définition – 1080p – format 1.94 avec letterbox en format 1.85 – Encodage Mpeg-4 AVC – Spectrum Films – Son : Chinois Master Audio DTS-HD 2.0 – Sous-titres français – Drame – HK – Durée : 1h36

COMPLÉMENTS

Présentation du film par Arnaud Lanuque
Interview du réalisateur David Lai
Interview de l’actrice Irène Wan
Interview du producteur Michael Mak
« Un autre regard sur la jeunesse de Hong Kong » par Julien Sévéon
Lonely Fifteen par Frédéric Monvoisin
Podcast On Fire spécial Lonely Fifteen
Module sur la restauration
Bande-annonce

Sortie le 26 juin 2020 – Prix public indicatif : 25,00€

Potemkine Films propose dans une superbe édition une version restaurée du Dictateur de Charlie Chaplin. Sorti en 1940, le premier film parlant du cinéaste et comédien britannique satirise le nazisme et se fend d’un message universel de paix. Il inspira des générations entières de cinéastes, d’Ernst Lubitsch (Jeux dangereux) à Roberto Benigni (La Vie est belle).

C’est l’histoire d’un moustachu qui en singe un autre. Charlie Chaplin troque la figure de Napoléon, sur laquelle il se penchait initialement, pour celle d’Adolf Hitler, dont il devina tôt la dangerosité. Partant, il va s’employer doublement : en campant un barbier juif amnésique, mais aussi Adenoïd Hynkel, le chef autoritaire de la fictive Tomanie. Entre Hynkel et Hitler, les similitudes sont légion : un charisme wébérien, des slogans à l’emporte-pièce, la double croix, les démonstrations de force militaires, des ambitions hégémoniques, des subalternes soumis, un rêve mortifère d’hygiène raciale et une haine aveugle des juifs. Si Chaplin est partout à l’écran, il l’est aussi en coulisses, puisqu’il signe le scénario qu’il met lui-même en scène.

La manière dont le cinéaste britannique satirise et déconstruit Adolf Hitler pourrait à elle seule faire l’objet d’une monographie. Les éléments de langage, les intonations et la gestuelle du Führer sont constamment moqués : la logorrhée nazie devient peu à peu incompréhensible, faite de borborygmes compulsifs et d’effets de manche, et elle se résilie finalement en une toux broyante et convulsive. Les ambitions hégémoniques hitlériennes transparaissent à l’écran par une carte du monde imprimée sur un ballon de baudruche qu’Hynkel manipule comme un enfant gâté, avant que ce dernier ne lui éclate symboliquement au visage. L’innovation militaire allemande prend la forme d’un lance-missiles actionné par une ficelle, puis un gilet pare-balles ou un parachute lamentablement inefficaces. Le dictateur de Tomanie sert par ailleurs de modèle à des peintres et sculpteurs chargés d’immortaliser sa grandeur, mais il ne consent à leur consacrer que quelques secondes par-ci par-là. Enfin, lorsqu’Hynkel rencontre son homologue Benzino Napoleoni (inspiré de Benito Mussolini), tous deux rivalisent d’ingéniosité pour apparaître supérieurs à leur interlocuteur : mises en scène très codifiées, sièges réglables et portés à leur hauteur maximale, boniments sur leurs capacités militaires respectives, au point d’évoquer des « cuirassés volants », etc.

Le Dictateur fait cohabiter le burlesque et la gravité. Il passe des gags en fast motion sur un champ de bataille à la répression et aux spoliations dans les ghettos juifs. Il conserve des réminiscences de Charlot (le chapeau, la canne, la démarche, la moustache, les sketchs muets et/ou en musique), mais évoque la « persécution d’innocents », les rebellions ouvrières, les barbaries nazies ou les juifs rendus captifs comme des oiseaux en cage (plan métaphorique s’il en est). Surtout, il délivre un monologue final d’une beauté et d’une justesse édifiantes, appelant à une « fraternité universelle » et regrettant le fait que « notre science nous a rendus cyniques et brutaux ». Pour tout cela, et pour les nombreuses subtilités sur lesquelles il nous est impossible de nous étendre, Le Dictateur est et demeurera encore longtemps l’un des films emblématiques de l’histoire du cinéma.

BONUS & TECHNIQUE

Cette édition a de nombreux arguments à faire valoir. L’image présente des contrastes bien gérés, un beau piqué, une stabilité appréciable et assez peu de scories. On notera toutefois quelques fâcheuses baisses de qualité lors de certaines transitions. Le blu-ray comprend une quantité considérable de bonus, et non des moindres ! Il y a d’abord ce livret passionnant de 108 pages, dans lequel est notamment incluse une anthologie critique. George Orwell, Hannah Arendt ou André Bazin commentent le film sous des angles différents et complémentaires. Une chronologie sélective y met par ailleurs en parallèle Charlie Chaplin, son long métrage et la situation politique de l’époque.

On trouvera ensuite, parmi les bonus présents dans l’édition, un éclairage sur Le Dictateur porté à hauteur d’enfant, trois documentaires didactiques soulignant notamment, aux côtés des traditionnelles analyses de film, les similitudes de parcours entre le cinéaste britannique et Hitler (l’année de naissance, l’enfance difficile, l’intérêt pour l’art, la volonté de se faire connaître, la moustache, les difficultés oratoires, le vagabondage, etc.) ou encore une visite filmée des studios Chaplin, une scène coupée ou les captations de Sydney Chaplin sur le tournage de son demi-frère. Cette somme de documents, très enrichissante, offre des perspectives nouvelles sur Le Dictateur, sa genèse, le contexte qui a accompagné sa réalisation, mais aussi les réserves et changements de cap de Charlie Chaplin.

Nouvelle version restaurée.
Contient :
– le Blu-ray du film
– un livret de 108 pages
« Chaplin retrouvé » : Le dictateur, documentaire sur le film réalisé par la Cineteca di Bologna (23′)
Supplément jeunesse : un éclairage sur le Dictateur (12′, à partir de 8 ans)
Visite des studios Chaplin par le cameraman Roland Totheroh, avec le commentaire de Kate Guyonvarch de l’Association Chaplin (13′)
« The Tramp and the Dictator » : documentaire de Kevin Brownlow et Michael Kloft (55′)
« Chaplin aujourd’hui » : Le Dictateur, documentaire de Serge Toubiana avec la participation de Costa-Gavras (26′)
Le tournage filmé en couleurs par Sydney Chaplin (25′)
« Charlot barbier » : scène coupée d’un film de Charles Chaplin (7′)

Audio : Français DTSHD-MA 2.0 mono, Anglais DTSHD-MA 2.0 mono
Sous-titrage : Français
Format TV : 16/9 Natif – Format Cinéma : 1.37
Distributeur : Arcades Vidéo