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Édité par Pyramide et distribué par Arcadès, Le Diable n’existe pas paraît en DVD et bluray. Le film, récompensé par l’Ours d’or à Berlin en 2020, a été réalisé par Mohammad Rasoulof malgré une censure écrasante. Il questionne les dilemmes moraux des Iraniens à travers quatre moyens métrages mis bout à bout et traitant tous, d’une manière ou d’une autre, de la peine de mort.

Quitter le travail, circuler dans des rues embouteillées, récupérer femme et enfant, aller à la banque, rendre visite à sa mère malade, surveiller les devoirs scolaires, dîner dans une chaîne de fast-food… La première partie du film Le Diable n’existe pas puise dans le caractère itératif du quotidien une vraie puissance suggestive. Évidemment, la mise en scène de Mohammad Rasoulof n’y est pas étrangère : vues subjectives, longs plans-séquences, cadrages minutieux, reflets des feux de circulation déformés par la pluie battante sur le pare-brise d’un véhicule… Ce premier segment, éponyme, n’a rien de gratuit, en dépit des apparences. Il énonce les traits caractéristiques d’un pays, l’Iran, où le guichetier d’une banque doit, avant de remettre de l’argent à une femme, solliciter l’autorisation de son mari. « On aurait pu divorcer entretemps », se contente ce dernier de commenter. Pendant quelque trente minutes, Heshmat agit comme un liant. Les programmes qu’il écoute à la radio indiquent le temps qui passe, la caméra immortalise sa moue, quasi immuable, lasse, presque désincarnée. Ce père de famille apparemment sans histoires se lève tous les jours à trois heures du matin pour exercer son métier, dans une indifférence mâtinée d’étrangeté. Effet de sidération garanti pour le spectateur.

Elle a dit : tu peux le faire est le second moyen métrage du film. Tiraillé entre ses scrupules et les injonctions du service militaire, qu’il effectue dans une prison, à l’application des peines, Pouya cherche désespérément à « se faire pistonner pour se barrer ». Ce second segment se décompose en deux parties : les discussions à bâtons rompus entre conscrits et la mutinerie de Pouya. Les premières donnent lieu à des questionnements moraux et opératoires. Elles rappellent que le service militaire est une condition sine qua non pour qui veut voyager, travailler, acheter un logement et, plus prosaïquement, vivre librement. La seconde, plus spectaculaire, donne à voir à quel point un système politique rigide, théocratique ou non, peut pousser un individu ordinaire à commettre des actes extraordinaires, une fois dans ses derniers retranchements. Et si, au départ, Pouya semblait chercher à sauvegarder sa conscience à bon compte (en payant Ali, en recourant à l’influence de son frère), il finit par se dresser avec force contre un système qu’il abhorre. Avec beaucoup d’à-propos, Mohammad Rasoulof filme une forme d’empowerment et de prise individuelle de responsabilités d’un homme en rupture avec les institutions de son pays.

Troisième film-récit, Anniversaire emboîte précisément le pas de Elle a dit : tu peux le faire. En service militaire, Javad a obtenu une permission pour rendre visite, à l’occasion de son anniversaire, à celle qu’il s’apprête à demander en mariage. Mais la jeune femme, Nana, et sa famille apparaissent en deuil. Ils pleurent l’exécution, pour des motifs politiques, d’un opposant au régime et ami de longue date, Keyvan. Ce qui se joue dans les interstices de ce scénario est à la fois simple et édifiant : qu’est-ce qui rend un acte anodin, absurde, inadmissible, voire inhumain ? Car ce n’est pas pour rien que Javad est profondément troublé à la vue d’une photographie de Keyvan ; il a lui-même participé à la mise à mort du prisonnier pour obtenir sa permission. Mais ce qui n’était alors qu’une énième tâche ingrate prend soudainement des atours dramatiques, puisque son acte a affecté sa promise Nana ainsi que sa belle-famille, en plus d’altérer de manière significative l’image qu’il leur renvoyait. Une tentative de suicide par noyade, la tentation de lui fracturer le crâne à l’aide d’une pierre feront le reste : après avoir exercé sa sensibilité à travers les jeux de regard ou une certaine poésie champêtre, Mohammad Rasoulof confronte la peine capitale et ceux qui s’en rendent complices à leurs responsabilités. Chaque vie ôtée en coûte à quelqu’un, et parfois cette personne est bien plus proche de nous que ce que nous pouvions imaginer.

Dernier segment filmique, Embrasse-moi décentre légèrement le regard. Le cadre urbain du moyen métrage Le Diable n’existe pas fait place nette aux paysages arides de ces régions rurales dépourvues de tout : de téléphone, d’Internet, de routes asphaltées… Les notions d’éthique, de liberté et de responsabilité continuent d’irriguer le film de Mohammad Rasoulof, mais des considérations filiales s’y mêlent et accentuent les dilemmes moraux exposés par les personnages. Ces derniers, d’un bout à l’autre, auront été significativement éprouvés par l’un des symboles les plus prégnants de la théocratie iranienne : la peine capitale. Dans le dossier de presse accompagnant la sortie de son film, composé de quatre moyens métrages, le cinéaste iranien explique : « Leur thématique commune s’est vite imposée à moi : la façon dont on assume la responsabilité de ses actes dans un contexte totalitaire. Résister aux injonctions totalitaires est une idée séduisante, mais elle a un coût. Cela entraîne le renoncement à de nombreux aspects de la vie et parfois la réprobation de vos semblables. » C’est là, sans conteste, entre positionnement moral et intime, que se situe le cœur battant de Le Diable n’existe pas.

BONUS

On retrouve parmi les suppléments de cette très belle édition deux courtes interventions de Mohammad Rasoulof, qui revient sur les questions morales qui animent ses protagonistes, sur la censure dont il fait l’objet, sur ses expériences personnelles et artistiques avec la prison ou encore sur l’influence exercée sur lui par Abbas Kiarostami.

Un complément analytique permet aux spectateurs de revenir sur l’échelle des plans, le choix des compositions sonores, la caractérisation des personnages et, plus généralement, les conditions dans lesquelles fut créé Le Diable n’existe pas. De la peine de mort à l’utilisation du motif de « Bella Ciao », on replonge avec passion dans les quatre moyens métrages du film.

Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=SboxlPAN-Uo

Fiche technique

Date de sortie : 5 avril 2022
Editeur : Pyramide
Edition : Blu-ray, PAL, Tous publics
Région : 2
Audio : persan – 5.1 DTS-HD Master Audio
Vidéo : Format 16/9 compatible 4/3, Format cinéma respecté 2.39, Format BD-50, Film en Couleurs
Sous-titres : Français

Elephant Films a récemment publié une poignée de westerns, dont nous avons sélectionné sinon les meilleurs, du moins les deux plus « classiques ». Tournés à dix ans d’écart, Une aventure de Buffalo Bill (Cecil B. DeMille) et L’Ange et le Mauvais Garçon (James Edward Grant) figurent assurément parmi les meilleurs représentants du style et sont menés par deux légendes, Gary Cooper et John Wayne. Leur point commun ? Motivés par une bonne étoile féminine, leurs héros accomplissent avec difficulté – et non sans sacrifices – la transition d’une existence marquée par l’aventure et la violence vers la paix et la civilisation. Leur destin symbolise avec brio la douloureuse édification de la société américaine à travers ses conflits formateurs (guerre de Sécession, guerres indiennes) et modernes (les deux guerres mondiales). 

Une aventure de Buffalo Bill (The Plainsman/1936) : légende d’un temps révolu

Synopsis : À la fin de la guerre de Sécession, les marchands d’armes décident d’écouler leur stock auprès des tribus indiennes, sans se soucier que cela va fragiliser la paix. C’est le douteux Lattimer qui prend la tête des opérations. Buffalo Bill, démobilisé après la guerre, veut maintenant goûter au calme avec son épouse Louisa. Mais retrouver son vieil ami Wild Bill Hickock le pousse à reprendre du service, le temps d’escorter un groupe de soldats…

Réalisé en 1936 par le légendaire Cecil B. DeMille dont c’est le neuvième film parlant, Une aventure de Buffalo Bill pâtit d’une traduction française trompeuse, car si Buffalo Bill (interprété par James Ellison) y joue un rôle important, son protagoniste est un autre mythe de l’Ouest, Wild Bill Hickok, interprété par le non moins mythique Gary Cooper. Le film s’amuse d’ailleurs à multiplier les figures historiques particulièrement populaires dans l’imaginaire américain, puisque celle qui complète le trio de personnages principaux est Calamity Jane, jouée par Jean Arthur. L’œuvre fut un triomphe à sa sortie et est aujourd’hui considérée comme un des meilleurs westerns des années 30 – voire de tous les temps. Un plébiscite en aucun cas usurpé, tant le génie de la mise en scène de DeMille est au service d’un scénario riche et nuancé qui, en fictionnalisant quelque peu les liens réels ayant existé entre ces trois héros, aborde d’autres facettes du « roman historique » américain, notamment les relations tragiques entre l’homme blanc et l’homme rouge.

Le point de vue du film sur la cohabitation avec les Amérindiens interpelle dès la première séquence, qui a lieu dans le bureau du président. La guerre de Sécession vient de s’achever, Abraham Lincoln part assister à une représentation théâtrale (lors de laquelle il sera assassiné). Parmi les hommes de pouvoir restés seuls dans l’antre du pouvoir, un débat naît au sujet du sort à réserver à toutes les armes qui ont été fabriquées, mais ne trouveront plus preneur à présent que le conflit est terminé. La cupidité l’emporte sur la morale lorsqu’un industriel propose de les écouler auprès des Indiens, au risque de compromettre une paix fragile. Cette critique initiale trouvera son pendant dans la représentation nuancée et respectueuse des tribus indiennes. La guerre, inéluctable, met ces dernières aux prises avec les héros, mais jamais le film ne verse dans le manichéisme.

Une aventure de Buffalo Bill met en accusation non pas un des deux belligérants, mais la violence de la guerre en tant que telle, et ceux qui soufflent sur les braises de la discorde par intérêt personnel. Il interroge également les motivations de ceux qui s’épanouissent dans un climat d’insécurité. Les vendeurs d’armes sèment le chaos sans se soucier des conséquences, les Indiens se battent par nécessité de survie, les soldats américains font leur devoir, mais qu’en est-il de tous les autres ? Ces aventuriers qui battent les pistes en quête de sensations fortes, que recherchent-ils ? C’est la question que soulève Une aventure de Buffalo Bill en introduisant dans le contexte historique le récit intime d’un trio de légendes et sa façon de s’adapter au monde nouveau qui s’ouvre. Deux vétérans de l’armée de l’Union se retrouvent par hasard : si Wild Bill Hickok (Gary Cooper) est toujours un dur à cuir qui ne cherche qu’une occasion de confirmer la réputation qui le précède, Buffalo Bill Cody (James Ellison) s’est, quant à lui, marié et souhaite « se ranger ». Le duo retrouve plus tard l’inénarrable Calamity Jane (Jean Arthur) qui, derrière ses tenues masculines et son air bravache, ne souhaite qu’une chose : regagner le cœur de Wild Bill et démarrer une nouvelle vie loin du tumulte et de la violence. Mais en redevenant tragique (une guerre fratricide débute alors que la précédente vient de s’achever), l’Histoire semble donner raison à Wild Bill, qui n’hésite pas à saisir le prétexte pour poursuivre une existence qu’il ne parvenait de toute façon pas à abandonner. Pendant tout le film, Jane tentera de le détourner du destin funeste qui attend tous ceux qui ont vécu leur vie les armes à la main. Même l’ami Buffalo Bill finira par être lancé à ses trousses pour tenter de le faire rentrer dans le rang. En vain : Wild Bill est un homme d’une ère de tempête et de fureur, il disparaîtra en même temps qu’elle. Son sacrifice ultime se fera bien sûr au nom de la justice, scellant définitivement sa place dans le panthéon des figures populaires nationales.

SUPPLÉMENT 

Précisons d’abord que ce nouveau master restauré d’excellente qualité est proposé en deux versions : la version française d’époque de 101 minutes et la version originale intégrale qui inclut douze minutes de plus. Inutile de préciser sur quelle version nous vous conseillons de jeter votre dévolu…

L’unique bonus – outre la traditionnelle bande-annonce – consiste en une présentation fort intéressante par le toujours inspiré Jean-Pierre Dionnet. Le producteur et scénariste français qualifie sans détour Cecil B. DeMille de « plus grand cinéaste américain », malgré ce qu’il qualifie de « défauts humains » (même si on apprécie la liberté d’expression dans ce genre d’exercice, condamner les positions conservatrices de DeMille nous semble à la fois anachronique et inadéquat dans ce contexte). Dionnet souligne ainsi la richesse d’une œuvre qui évolua de l’avant-gardisme sophistiqué au classicisme pur. La qualité du travail du cinéaste s’explique notamment par sa collaboration étroite avec de grands directeurs artistiques qui dessinaient ou peignaient tous les plans, ainsi qu’avec les comédiens, notamment à l’occasion des scènes de foule, qu’il maîtrisait à la perfection. Dionnet s’intéresse ensuite aux personnages réels dépeints par le film, notamment Calamity Jane (personnage incroyable, aux multiples facettes, auquel le cinéma a consacré une vingtaine de longs-métrages) et Buffalo Bill (l’homme le plus célèbre de son temps et l’objet d’un véritable culte). Enfin, Dionnet évoque la carrière et la talent de Jean Arthur et Gary Cooper. La première, qui apparaît la même année dans L’Extravagant Mr. Deeds de Capra, eut une carrière en progression constante, de ses premiers rôles de jeune ingénue à des interprétations beaucoup plus riches et complexes. Quant à Cooper, Dionnet lui réserve le même sort paradoxal qu’à DeMille : s’il critique ses convictions idéologiques, il le qualifie de plus grand acteur américain. Le spécialiste a évidemment raison de souligner la modernité du jeu de Cooper, qui inventa une forme de underplay qui, paradoxalement, lui permit d’incarner n’importe quel type de personnage. Dionnet n’oublie pas de mentionner la présence furtive d’Anthony Quinn dans le rôle d’un jeune Indien, une des premières apparitions à l’écran du comédien qui épousera l’année suivante la fille adoptive de DeMille ! On peut regretter que le remake du film tourné en 1966 (par David Lowell Rich) ne soit pas mentionné, ainsi que, de manière générale, l’absence d’autres suppléments pour un tel classique, dans ce qui demeure néanmoins une édition très recommandable.

L’Ange et le Mauvais Garçon (Angel and the Badman/1947) : un simple fermier

Synopsis : Quirt Evans, ancien adjoint du célèbre Wyatt Earp et manieur d’armes hors-pair, est blessé par un groupe d’individus dangereux. Il est recueilli par une famille et découvre avec étonnement qu’elle prône la non-violence. Penny, la jeune fille de la fratrie, ne laisse pas Quirt indifférent. Mais leurs manières de voir les choses demeurent difficilement compatibles. Quirt va devoir choisir entre vengeance et amour…

On retrouve dans cet autre classique du western, tourné en 1947, un héros semblable à celui de Wild Bill Hickok dans Une aventure de Buffalo Bill. Interprété par une autre légende de l’écran, John Wayne, le personnage de Quirt Evans est, à l’instar de Wild Bill, précédé d’une réputation ombrageuse. Les deux hommes illustrent à quel point la moralité de ceux qui vivent dangereusement ne tient qu’à un fil. Les prouesses de Wild Bill lui valent autant d’admirateurs que d’ennemis, il évolue en permanence dans une zone grise qui lui attire la méfiance de l’armée et même de son ami Buffalo Bill, un autre aventurier et gunman de renom mais qui est resté résolument du bon côté de la ligne rouge. Cette dernière est un tracé aux contours mal définis, une limite que l’on franchit parfois sans s’en rendre compte. Ancien associé du mythe Wyatt Earp, Quirt Evans est, quant à lui, passé du mauvais côté il y a plusieurs années, après avoir abattu un homme au cours d’une rixe de saloon. Questionné sur ses motivations par le marshal, Quirt ne sait que répondre : ces choses-là arrivent dans l’Ouest sauvage, tout simplement.

Le sort différent de ces deux protagonistes ambigus tient à l’époque de sortie des films. Tourné au lendemain du traumatisme de la Seconde Guerre mondiale, L’Ange et le Mauvais Garçon se devait d’offrir une rédemption à son héros sous forme de sortie du cercle vicieux de la violence. Le salut de Quirt lui est offert par Penelope (Gail Russell), la fille d’une famille de quakers qui ébranle ses convictions par son charme, mais aussi par ses croyances religieuses diamétralement opposées à tout ce qu’il a connu jusqu’alors. Traqué par un vieux marshal roué qui rôde autour de lui comme un félin, à l’affut du moindre faux pas, Quirt renonce in extremis au fameux standoff final, symbole évident d’un basculement de mentalité. Le marshal a beau continuer à espérer un dérapage, Quirt l’assure, « à partir de maintenant, je ne suis qu’un fermier » !

Le film fut réalisé par James Edward Grant, un auteur de nouvelles et scénariste qui contribua en cette dernière qualité à une cinquantaine de films. Grant fut surtout un ami proche de John Wayne, avec lequel il collabora sur douze projets. De fait, L’Ange et le Mauvais Garçon porte la marque de Wayne, pratiquement de tous les plans, et de son expérience avec John Ford, dont Grant imite l’épure scénaristique et l’humanisme des personnages animés par des valeurs simples et honorables. Sans parler du décor de Monument Valley et de la présence de Yakima Canutt en tant qu’assistant-réalisateur en charge des scènes de cascade. Ces dernières sont cependant nettement plus rares que chez Ford, le film se concentrant avant tout sur la rencontre, amoureuse (on a rarement vu Wayne embrasser autant sa partenaire à l’écran !) autant que philosophique, entre un « homme mauvais » (même si Wayne n’apparaît jamais comme un personnage négatif aux yeux du spectateur) et un « ange » qui lui montre une nouvelle voie dans la vie.

Plus modeste dans ses intentions que la plupart des « grands » westerns de l’époque, L’Ange et le Mauvais Garçon se révèle néanmoins un grand film dans son traitement de l’image du gunslinger de l’Ouest, présenté non comme un symbole désincarné de virilité mais dans son intimité humaine, dégageant un portrait profond et touchant. En outre, John Wayne, Gail Russell et Harry Carey (dans le rôle du marshal McClintock) sont parfaits dans leurs rôles respectifs, ce qui ne gâche rien.

SUPPLÉMENT

A l’instar d’Une aventure de Buffalo Bill, cette édition ne comporte qu’un seul supplément, mais il est de qualité, puisqu’il s’agit d’une présentation du film par l’enseignant en histoire du cinéma Nachiketas Wignesan, que l’on retrouve toujours avec autant de plaisir.

Wignesan reprend en introduction une question perfide souvent posée au sujet de L’Ange et le Mauvais Garçon : « y a-t-il un réalisateur à ce film ? » Le spécialiste rappelle ainsi la proximité de Grant avec Wayne dont il se contenta de « signer » plusieurs projets, ainsi que les références évidentes aux westerns classiques de Ford. Néanmoins, l’œuvre de Grant se distingue en se concentrant sur l’évolution de son héros, l’affranchissement de la violence, le sentiment amoureux, le quotidien, les non-dits. Bref, « tout ce qu’on ne montre pas d’habitude dans les westerns ». Autre particularité, le film est pratiquement dépourvu d’antagonistes, limités à une menace peu prégnante et, surtout, peu marquante. Wignesan rappelle que le Duke était à l’époque sous contrat avec Republic Pictures, un studio modeste (mais loin d’être inintéressant !), car il avait connu une passe difficile, mais il devint soudain une énorme star et voulut renégocier son contrat, trouvant finalement un accommodement avec son employeur tout en continuant à tourner pour lui. Enfin, le professeur en histoire du cinéma souligne à juste titre l’intérêt du personnage du marshal, sorte de figure de la fatalité qui court derrière l’ancien hors-la-loi, pour finalement le sauver et garantir sa rédemption, dans un finale ô combien symbolique. 

Suppléments des éditions combo Blu-ray/DVD : 

Une aventure de Buffalo Bill

• Le film par Jean-Pierre Dionnet
• Bande-annonce d’époque
• Dans la même collection
  

L’Ange et le Mauvais Garçon

• Le film par Nachiketas Wignesan
• Bande-annonce d’époque
• Dans la même collection
  

Note concernant les films

Note concernant l’édition

Luzzu est le premier long métrage d’Alex Camilleri, un réalisateur originaire de l’île de Malte mais vivant aux États-Unis. Porté par des acteurs amateurs, son film s’ancre dans l’univers des pêcheurs maltais confrontés à la crise de leur activité. Un an après sa sortie en salle, Epicentre Films sort en DVD ce beau portrait d’homme, doublé d’une critique sociale à la Ken Loach. A découvrir.

Des bateaux et des pêcheurs

Avec ses couleurs vives et ses yeux peints sur la proue, le luzzu est un petit bateau de pêche emblématique de l’île de Malte. Des générations de pêcheurs l’ont apprécié pour sa polyvalence avant qu’il ne soit supplanté au fil des années par des navires plus productifs. Véritables curiosités touristiques, rares sont les luzzus qui servent encore à ramener du poisson. D’autant que l’Union Européenne encourage à coups de subventions les derniers pêcheurs traditionnels à se reconvertir. Une modernisation à marche forcée vécue douloureusement par les locaux. C’est ce sujet que le réalisateur, lui même d’origine maltaise, a voulu aborder. Il s’est installé durant plusieurs mois dans le port de Marsaxlokk pour écrire son scénario et établir son casting parmi des vrais marins trouvés sur place.

Un beau portrait

Jesmark, la trentaine, est l’un de ces pêcheurs qui perpétuent la tradition. Sauf que le poisson n’est plus au rendez-vous. Et les quelques dorades qu’il rapporte ne font pas le poids face à la concurrence. Un métier de fierté, de passion, avec tous ces gestes hérités de ses aïeux, mais une vie difficile. Lorsque sa femme et lui apprennent que leur bébé a besoin de soins coûteux, Jesmark en vient à douter. Pourquoi s’évertuer à respecter les quotas imposés par l’Europe alors que la pêche au noir lui tend les bras ? Pourquoi continuer à faire vivre la tradition alors qu’une simple signature au bas d’un formulaire lui rapporterait les 7000 euros promis à tout pêcheur reconverti ? Un personnage torturé magnifiquement incarné par Jesmark Scicluna, lui-même marin pêcheur dans la vraie. Il n’a pas volé son prix spécial d’interprétation obtenu au Festival de Sundance. Une révélation.

Réalisme documentaire et social

Comme il s’en explique dans l’entretien qu’il accorde (voir bonus), Alex Camilleri s’est inspiré du cinéma néo-réaliste italien pour écrire son film. Luzzu ressemble ainsi par bien des aspects à un film documentaire. De nombreux plans s’attardent sur les gestes précis des pêcheurs : démêlage de filets, calfatage de bateau ou écaillage du poisson. Mais le film est aussi et avant tout une critique sociale à l’anglaise. A l’instar du Daniel Blake de Ken Loach, Jesmark se retrouve hors-jeu. Sans véritable alternative. Entre une réglementation européenne qui le pousse vers la sortie et une concurrence déloyale portée par la corruption, Jesmark se doit de renoncer à ce qui fait son identité la plus intime, son luzzu. Les scènes dans lesquelles il songe à s’y résoudre sont parmi les plus poignantes de ce très beau film.

Bande annonce :

Fiche technique :

Réalisation : Alex Camilleri
Scénario : Alex Camilleri
Directeur de la photographie: Léo Lefèvre
Montage : Alex Camilleri
Chef décorateur : Jon Banthorpe
Casting : Edward Said
Conception des costumes : Martina Zammit Maempel
Son : Robert Bonello
Musique : Jon Natchez
Superviseur musical : Blake Jessee
Production : Pellikola, Luzzu Ltd, Noruz Films, Mabrosi Films
Producteurs : Rebecca Anastasi, Ramin Bahrani, Oliver Mallia, Alex Camilleri
Producteur délégué : Pierre Ellul
Vendeurs internationaux : Memento Films
Presse : Robert Schlockoff et Celia Mahistre

Contenu :

Entretien avec le réalisateur (15 minutes)
Casting de l’acteur principal (5 minutes)
Bio-filmographie du réalisateur
Film-annonce
Galerie photos

Les éditions Paprika nous permettent de voir ou revoir La Panthère des neiges, magnifique documentaire de Marie Amiguet et Vincent Munier, à la fois aventure humaine et quête spirituelle à 5000 mètres d’altitude.

Plusieurs raisons peuvent nous inciter à voir ou revoir La Panthère des neiges, le documentaire de Marie Amiguet et Vincent Munier.
Tout d’abord, nous avons un véritable film d’aventure dans un paysage naturel splendide. Pendant 90 minutes le documentaire nous propose de suivre le photographe animalier Vincent Munier et l’écrivain-voyageur Sylvain Tesson dans les hauts plateaux du Tibet, à plus de 5000 mètres d’altitude, à la recherche de la fameuse panthère de neiges qui donne son titre au film. C’est à une véritable expédition que nous sommes conviés, sur une terre désertique et pour le moins inhospitalière.
La Panthère des neiges a tous les attributs du film d’aventure : splendeur des paysages, exploit de deux hommes perdus dans une immensité minérale, en quête d’un animal merveilleux. Si La Panthère des neiges se limitait à cela, ce serait déjà un très beau film.

Expérience de l’immensité
Mais le documentaire de Marie Amiguet et Vincent Munier va plus loin. Il s’agit d’une véritable aventure spirituelle. Une expédition où l’homme est remis à sa place d’être fragile au sein d’une nature gigantesque. Les plans nous montrent deux protagonistes minuscules au sein de l’immensité, rendus encore plus infimes par l’éloignement de toute civilisation. Les images splendides nous montrent un monde très minéral, un monde désert balayé par le vent, un monde sauvage, laissé aux meutes de loups attaquant un troupeau. Un monde qui va imposer son rythme aux hommes.
Un monde qui est montré comme l’antithèse du monde moderne à l’occidentale : Vincent Munier avoue que le retour dans le monde des hommes est toujours compliqué tant ces quêtes sont des parenthèses enchantées hors de la civilisation, des rencontres sereines et spirituelles avec la nature vierge. Aller dans les lieux désertiques, les lieux inhabités car inhabitables, est devenu un besoin pour lui, une fuite, une échappatoire loin d’un monde où l’homme détruit la nature. C’est bien la quête d’une relation inverse à la nature qui est montrée ici, un monde où l’homme ne peut pas avoir la prétention d’être “maître” de la nature (et donc de la détruire), mais d’en être un invité frêle, infime, à la merci de l’immensité. Une prise de conscience salutaire de notre petitesse.

Changer de perspective
Sylvain Tesson, quant à lui, est mis face à ses contradictions, lui le voyageur qui avoue ne pas être capable de se poser et qui, là, doit apprendre l’affût, des heures durant, sans bouger, sans parler, à attendre l’hypothétique venue d’un animal, quel qu’il soit. Il avouera :

« J’avais appris que la patience était une vertu suprême, la plus élégante et la plus oubliée : elle aidait à aimer le monde »

Car Tesson, au fil du documentaire, se définit aussi comme « indifférent à tout », et il va finalement apprendre à porter son attention à tout ce qui se trouve autour de lui. C’est bien à partager une expérience contemplative que nous sommes convoqués ici.

Une quête mystique

« La Panthère, c’est le Graal »

Ce qui se dessine petit à petit, c’est bel et bien une quête mystique dont l’objet serait cette panthère des neiges. La panthère, c’est un animal dont on parle sans cesse sans le voir, dont la présence rôde en permanence, comme une gardienne des lieux, comme un animal totem. Rechercher l’animal dans l’immensité, quêter des journées entières, contempler la nature pendant des heures, tout cela semble ouvrir la porte d’un monde mystérieux, préservé de l’homme, un monde qu’on ne peut atteindre qu’au prix d’un périple quasiment inhumain.

« La bête est une clé. Elle ouvre une porte. Derrière : l’incommunicable »

La Panthère des neiges, c’est tout cela, une expérience autant esthétique que spirituelle, dans laquelle les images de Marie Amiguet, les photographies de Vincent Munier, les mots de Sylvain Tesson et la musique de Warren Ellis et Nick Cave forment l’alliance parfaite.

Compléments de programme
L’éditeur de La Panthère des neiges a fait le choix de nombreux compléments courts, et cela s’avère payant. Nous avons donc huit suppléments de programme, dont la durée s’étend de 3 à 12 minutes, et ils s’accordent parfaitement avec le documentaire. Certains sont des plongées contemplatives auprès des animaux qui peuplent les hauts plateaux tibétains. D’autres nous font partager les propos de Sylvain Tesson ou l’ambiance du tournage. Et le tout se conclut par un superbe clip de la chanson de Warren Ellis et Nick cave We are not alone, clip composé de plans du film.
À tout cet ensemble il faut aussi rajouter un livret composé d’entretiens avec les deux réalisateurs du film, Marie Amiguet et Vincent Munier, ainsi que de textes écrits par Sylvain Tesson, par l’assistant réalisateur ou encore par leur guide tibétain. À la fin du livret se trouvent aussi des photos de quelques animaux croisés au fil de l’expédition des deux protagonistes.
En bref, chaque complément est essentiel pour prolonger l’expérience de ce documentaire.

Caractéristiques du DVD :
92 minutes
Langues : français stéréo 2.0
français surround 5.1
français audiodescription 2.0
sous-titres :
français partiel
français SME
anglais

Compléments de programme
_ Neiges et présences (5 minutes)
_ Sur la piste de la panthère des neiges (12 minutes)
_ S. Tesson, à propos de l’affût (4 minutes)
_ Instantanés de tournage (10 minutes)
_ Le lynx de l’Himalaya (5 minutes)
_ Brumes et silhouettes (5 minutes)
_ l’attaque des loups (6 minutes)
_ We are not alone, le clip (3 minutes)
_ Livret