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Sous la bannière d’Invincible Univers, Robert Kirkman et Jason Howard revisitent le mythe du lycanthrope en 300 pages tranchantes où le pouvoir, la culpabilité et la manipulation cohabitent. Wolf-Man n’est pas l’histoire d’une bête libérée, mais celle d’un homme dévasté qui cherche, dans la nuit, la moindre issue vers la vérité.

(Cette chronique contient des spoilers)

Gary Hampton n’avait a priori rien du héros maudit promis aux affres des comics. PDG réputé, mari et père de famille aimant, il appartient à cette catégorie de personnes que rien ne semble pouvoir dévier du succès. Et pourtant, il suffira d’une attaque sauvage lors de vacances supposées paisibles pour faire basculer l’édifice. Mordu par un loup-garou ancestral, Gary survit mais se voit condamné à une métamorphose cyclique. Il devient lui-même prédateur lorsque la lune se remplit. Au lieu de céder à l’instinct primaire, il choisit la voie inverse : canaliser la malédiction, en tirer une forme de justice nocturne. Ainsi naît Wolf-Man, avec sa discipline, ses dispositifs de contention et cette volonté de prouver qu’un monstre, en dépit de son apparence, peut servir la loi.

C’est là que Robert Kirkman va introduire la fissure. Car dans l’ombre de cet apprentissage se tient Zechariah, un vampire affable, persuasif, mentor improvisé à la patience venimeuse. Il montre à Gary comment patrouiller, comment peser sa force, comment donner à Wolf-Man l’épaisseur d’un justicier. Mais ce modèle n’en est pas un : il orchestre en coulisse un projet dont on ne connaît pas encore tous les tenants, allant jusqu’à subjuguer les Actioneers, une super-équipe transformée en meute vampirique. 

Rapidement, la tension monte chez les Hampton. Lors d’une confrontation qui vire au drame, Rebecca tombe sous les crocs de Zechariah, et Gary, surpris en pleine transformation serrant le corps sans vie de son épouse, devient instantanément le coupable idéal. Ce basculement brutal constitue l’épicentre du premier tome : le héros naissant est pulvérisé en un tournemain, traité en paria, traqué par les autorités et rejeté par sa propre fille.

À partir de là, l’intrigue se durcit. Gary est un fugitif éreinté, que le Pentagone rêve de mettre sous cloche. Hunter, un agent immortel, entame sa chasse à l’homme. Chaque tentative de se disculper échoue – ou presque. Le monde voit en lui un prédateur ; sa fille Chloe le croit meurtrier. L’ironie tragique est totale : elle choisit précisément de s’en remettre à celui qui a détruit sa famille.

Autour de ce drame, Kirkman et Howard articulent une mythologie plus vaste, où la généalogie des loups-garous est évoquée. Gary appartient à une lignée pure, dotée d’une puissance originelle que les siècles ont affadie chez d’autres. Cette dimension, encore sous-exploitée, élargit quelque peu le récit, le tirant du simple thriller super-héroïque vers un terrain où traditions occultes, castes lupines et vieilles rivalités (avec les vampires, notamment) redessinent l’horizon dramatique.

La dernière séquence nous montre Gary en pleurs devant la tombe de Rebecca. On a alors affaire à un homme terrassé, conscient trop tard de sa naïveté, rongé par le remords et obsédé par l’idée de faire triompher sa propre vérité. Wolf-Man s’impose alors comme le récit d’un effondrement plus que d’une origin story : un plongeon sec dans la fabrication d’un monstre que les faits, pourtant, démentent.

La reconstruction sera longue. La morsure, elle, définitive.

Invincible Univers : Wolfman, Robert Kirkman et Jason Howard 
Delcourt, décembre 2025, 300 pages

Quand Isao Takahata s’empare en 1994 de la figure folklorique du tanuki pour en faire le héros d’un film d’animation, il offre au Studio Ghibli l’une de ses œuvres les plus singulières. Pompoko raconte la résistance désespérée d’une communauté de tanukis anthropomorphes face à l’urbanisation galopante de leur habitat naturel dans les collines de Tama, près de Tokyo. L’anime comics publié par les éditions Glénat permet de redécouvrir cette fable écologique d’une richesse narrative exceptionnelle.

Le film, ainsi que l’anime comics qui nous intéresse, s’inspirent directement du développement urbain de la région de Tama dans les années 1960-1970, période de croissance économique effrénée au Japon. Les tanukis, créatures du folklore japonais réputées pour leurs pouvoirs de métamorphose, voient leur forêt détruite par les bulldozers et les chantiers de construction. Face à cette menace existentielle, ils décident de s’organiser et de mobiliser leurs capacités surnaturelles pour saboter les travaux.

L’intrigue s’étire sur plusieurs années, suivant une structure qui détaille les différentes phases de la résistance : de l’insouciance initiale à une prise de conscience collective, des premiers actes de sabotage jusqu’à la parade spectaculaire où les tanukis transforment le paysage urbain en visions féériques.

Les tanukis, parfois dessinés de manière réaliste comme de véritables animaux, apparaissent d’autres fois sous une forme semi-anthropomorphe caricaturale, ou encore totalement humanisés quand ils se transforment. Cet acte de métamorphose constitue d’ailleurs le principal outil de lutte pour eux : ils s’initient, apprennent de leurs aînés, s’immergent auprès des hommes pour mieux les appréhender, organisent la résistance… 

Des enjeux écologiques et existentiels

Au-delà du discours écologique évident, Pompoko interroge la possibilité même de résister à la modernité. Les tanukis ne sont pas idéalisés : ils se disputent, certains abandonnent la lutte pour s’intégrer à la société humaine, d’autres s’accrochent à des stratégies vouées à l’échec. Le film montre avec une lucidité désenchantée que même la magie ne peut arrêter le béton. Et que face à la menace, les postures des uns et des autres peuvent considérablement diverger, entre la violence totale et la recherche d’un compromis.

L’histoire se caractérise par une approche chorale. Parmi la communauté, plusieurs figures émergent, dont Gonta, adversaire radical des humains, qui prône la violence directe. Les anciens maîtres se voient quant à eux rappelés des montagnes pour enseigner l’art ancien de la métamorphose. Mais tous concourent finalement à préserver leurs espaces de vie, tandis que les hommes étendent leurs villes dans une nature jusque-là sacralisée.

L’anime comics des éditions Glénat permet d’apprécier la richesse visuelle de cette œuvre, des scènes de transformation aux tableaux méticuleux de destruction environnementale, le tout sous couvert d’un esprit certes politisé mais bon enfant. Ce dernier, évidemment, n’enlève rien à la gravité des enjeux. Ainsi, on pourra se délecter devant ces ouvriers apeurés par des « apparitions » tout en se solidarisant de ces tanukis qui, après avoir fêté une victoire, se rendent rapidement compte qu’elle n’était que provisoire.

Pompoko, Isao Takahata
Glénat, décembre 2025, 640 pages

Publié aux éditions Delcourt, Deathbringer laisse la fantasy s’échapper de ses oripeaux héroïques pour plonger dans un maelström d’angoisse sacrée, de mythologie déviante et d’humanité blessée. Un récit ample, noir et viscéral, qui interroge autant qu’il fascine, servi par un dessin d’une grande densité.

Un mot d’abord sur le style graphique. Le noir et blanc très contrasté donne au récit une présence immédiate et souligne autant la rudesse de l’action que la gravité de l’univers mis en vignettes. L’œil s’attarde volontiers sur les textures, les expressions, les visages meurtris ou outrés, les silhouettes massives. Il y a là une dimension quasi expressionniste, avec une mise en scène qui alterne plans intimes et compositions plus spectaculaires, donnant à la bande dessinée un ton sombre mais jamais inutilement appuyé.

L’album s’ancre dans une fantasy médiévale que l’on croit d’abord familière, avec ses citadelles, ses inquisiteurs, ses rituels, avant d’en renverser les certitudes. Très vite en effet, Deathbringer dévoile ses lézardes : une religion inquisitoriale rongée par ses démons intérieurs, des prêtresses qui préservent un secret trop lourd pour elles, des silhouettes d’enfants trimbalées et sacrifiées. Tout ici raconte la faille sous le dogme.

Askaton apparaît ici comme un monde mourant, miroir brisé d’un autre plan d’existence. Il donne au récit une ampleur cosmique, proche de certaines visions lovecraftiennes où l’inconnu déborde l’échelle humaine. Mais l’album ramène constamment le fantastique à des corps vulnérables, à des visages marqués, à des destins empêchés. Gerod Uth Kalandar, guerrier marqué malgré lui par un lourd héritage, traverse les mondes pour briser le destin qu’on a voulu lui imposer. Sa sœur, enfant sacrifiée puis reconstruite par la magie noire, a été l’instrument de l’Inquisition, qui abhorre pourtant sa nature.

Les personnages ne se contentent pas de camper un rôle dans le mythe : ils le subissent, ils luttent contre lui, ou tentent désespérément d’en réécrire les règles. Les jumeaux au cœur du récit ont été écartelés entre deux réalités et portent en eux un destin qui devrait les écraser, et pourtant l’album leur réserve un espace de tendresse inattendu. Le thème de la filiation blessée, au sens propre comme au sens symbolique, traverse également l’œuvre : mères sacrifiées, enfants arrachés, lignées dévoyées… 

L’album aborde par ailleurs avec finesse les dérives de l’autorité spirituelle. Sans lourdeur démonstrative, il expose les ravages d’une foi qui préfère le dogme à la compassion, la peur au discernement. 

Deathbringer est une œuvre dense, très exigeante, parfois âpre, mais profondément habitée. Ismaël Legrand s’impose autant par la richesse de son monde que par l’humanité de ses personnages. On lui doit une superbe fable noire, à la fois torturée et lumineuse, qui laisse une empreinte durable et qui appelle, quasi immédiatement, à une seconde lecture, pour en épuiser toutes les strates.

Deathbringer, Ismaël Legrand
Delcourt, novembre 2025, 216 pages