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Deuxième jour. A Gerardmer, ça sent la montagne : le bois brûlé et le coton imbibé de sueur
On est vendredi. Certains ont la gueule d’être venus pour le festival ; d’autres non. Ce n’est clairement pas la même gueule ; il manque aux uns un velouté ; aux autres quelque chose d’un peu ahuri. Au programme : Sharksploitation, Amélia’s Children et When Evil Lurks : un documentaire hors-compétition sur les films de requin, un film américain sur la famille et l’obsession de la jeunesse, et un film de possession argentin. Une semi-réussite, une oeuvre balisée et notre coup de coeur du festival.

(Hors compétition) – Sharksploitation – Réalisé par Stephen Scarlata (Etats-Unis, 2024)

Jaws, de Spielberg, sorti en 1975, a inauguré une série de films, un genre même, le genre « film de requin », que les anglophones regroupent sous le titre de « sharksploitation ». Ce documentaire de Stephen Scarlata entend rendre hommage à ce sous-genre de la production hollywoodienne, et en particulier à ses éléments les plus farfelus et narnardesques.
Sharksploitation retrace cette histoire, précisément et exhaustivement, en distinguant au moins trois temps : une préhistoire, le temps d’avant Jaws, où le requin revêt progressivement, notamment à travers les James Bond, un caractère maléfique. Ici, le documentaire se fait généalogie, au sens nietzschéen, et montre bien le caractère construit de cette représentation. Puis, vient l’entrée proprement dite dans l’ère du requin, avec Jaws et tous ses succédanés. Il apparaît là que, au-delà d’une focalisation sur cet animal aquatique, Spielberg a inventé une structure-type, qui sera copié allègrement, avec d’autres animaux parfois : le crocodile, le piranha et même le grizzli.
Puis, après un temps de latence au début des années 90, suite à l’échec commercial de Jaws 4, le genre se voit relancé par Deep Blue Sea, et peu après par les studios Scy-Fy, spécialisé dans la série Z, qui produiront à partir des années 2000 un nombre incalculable de films toujours plus chimériques et extravagants, à prendre au 51ème degré, parmi lesquels on peut citer : Sharktopus, Shark Attack, jusqu’à l’inénarrable Skarknado ; l’idée étant, à la manière d’un cadavre exquis, d’associer le requin à tout et n’importe quoi : requin-fantôme, requin à 6 têtes, requin des glaces, requin de terre, requin-volant, et d’imaginer des manières chaque fois plus burlesques de leur faire croquer des êtres humains.
Le film se termine sur une note écologique, en rappelant les conséquences navrantes qu’occasionna la diabolisation du requin par l’industrie cinématographiques américaines : peur irrationnel, massacre sans vergogne, sur-pêche, etc… ; et nous présente rapidement le parcours de rédemption de l’auteur du roman qui inspira Jaws, et comment, à la fin de sa vie, il s’efforça d’aider les océanographes à réhabiliter cette créature fascinante et nécessaire à l’éco-système des océans.
Ce récit historique des différents stades de développement de la Sharksploitation est tout à fait clair et honnête, et ne manque pas de drôlerie. On peut déplorer néanmoins que la dimension sémiologique du phénomène soit si superficiellement traité. Pourquoi le requin ? Que symbolise-t-il ? A quel archétype renvoie-t-il ? Pourquoi l’eau est-il un élément si propre à l’horreur ? Et aussi, quel sens historique ce phénomène contient-il ? Ce succès n’est pas survenu n’importe quand, n’importe où. Quel lien le film de requin entretient-il avec les structures sociales et économiques ou l’état spirituel de l’époque à laquelle il se donne à voir? Si le documentaire aborde quelques-unes de ces questions, c’est en passant, et en privilégiant surtout les conditions de productions à Hollywood pour expliquer l’apparition et l’évolution de ce genre.
Il reste encore à analyser, un nouveau Roland Barthes ou un nouveau Claude Lévi-Strauss pourrait s’y coller, l’espèce de mythe dont Spielberg esquissa les grands traits, et que le cinéma américain ne cesse de bégayer depuis, en d’infinis variations.

(Compétition) – Amelia’s children – Réalisé par Gabriel Abrantes (Portugal, 2024)

Après avoir assisté au drame qui éloigne les deux bébé d’Amelia, on retrouve Edward et sa compagne Riley trentenaires épanouis à New York. Seule ombre au tableau : Edward s’interroge sur son passé et ses ancêtres.
Grâce à un test ADN, ce dernier retrouve la trace de son frère au Portugal. Le couple décide alors de prendre l’avion afin de rencontrer la mère d’Edward ainsi que son frère jumeaux Manuel.
A partir de là se mettent en place les tropes du genre : manoir isolé, voisins inquiétants et nuits agitées .
La mère d’Edward, ancienne beauté façon catalogue, a (très) mal vieilli et ressemble davantage à une chimère qu’à la femme cinquantenaire qu’Edouard a pu imaginer.
A partir de là, on pourrait s’attendre à ce que le réalisateur se serve du décor grandiose des forêts portugaises pour abîmer ce couple américain façon quaterback et pom-pom girl. Il n’en est rien.
L’angoisse monte progressivement à coup de visions cauchemardesques, de conversations volées et de veilles photos retrouvées mais le twist scénaristique est rapidement livré au spectateur et l’intégrité physique et psychique des personnages n’en semble qu’égratignée. On se contentera d’un léger frisson alors que les thèmes mis en place (sorcellerie, inceste) nous promettaient horreur et dégoût.
Même la relation sexuelle incestueuse prête d’avantage au rire, à peine gêné, qu’au malaise tant on reste distant face à cette accouplement mécanique sans passion ni fluide. Même Edward, en belle au bois dormant, n’en semble qu’à peine secoué.
Le rythme maîtrisé et quelques courses poursuites bien réalisées nous font passer un bon moment sans vraiment nous ébranler.

(Compétition) – When Evil Lurks – Réalisé par Demian Rugna (Argentine, 2024)

Deux frères, dans un coin paumé et jamais nommé de l’Argentine, découvre que l’une de leurs voisines cache un possédé (qui n’est autre d’ailleurs que son propre fils). Dans ce monde paysan argentin que le film réinvente intégralement, on s’effraye bien sûr de la possession mais sans trop s’en étonner pour autant. La décision est prise alors, sous la pression d’un autre voisin, d’éloigner le possédé, sorte de masse graisseuse pourrissant de l’intérieur, Mais ce geste, loin de résoudre le problème, va au contraire l’accentuer. Voici dès lors nos deux frères entraînés dans une tentative perdue d’avance d’échapper à un diable diffus et épidémique.
When Evil Turks est, jusqu’à ce jour, notre coup de coeur du festival, celui qui devrait gagner le prix principal, tant il surclasse les autres en style, en mise en scène et en ambition. When Evil Turks renouvelle radicalement le film de possession – genre qui s’était enfermé dans ses codes, et nous projette dans un univers où ce phénomène se trouve régi par des règles inédites. Alors que le film de possession, habituellement, se déroule à l’intérieur un espace déterminé, souvent celui de la famille, le mal y surgissant toujours dans le lieu le plus intime et connu, When Evil Turks nous conte, a contrario, l’histoire d’un mal qui s’étale, et de manière exponentielle. Dans ce monde d’où les Eglises ont disparu, où l’Etat est déliquescent et où les adultes semblent avoir perdu tout magistère moral, l’existence du mal, et du mal le plus radical, s’imposerait presque comme une évidence. Il n’y a rien pour le retenir, et il apparaît assez vite que le combat qui se mène contre lui, combat qui constitue l’intrigue du film, est voué à l’échec.
Le monde de When Evil Lurks est un monde déjà perdu. Le diable n’y fait que reprendre son dû. Il y est de plus en plus chez lui. Au fur et à mesure de l’intrigue, on découvre que chaque personnage est marqué d’une faute grave. Toutes les relations, même les plus pures en apparence, se révèlent souillées de quelque manière, et l’être le plus innocent, l’enfant, l’adjuvant le plus fidèle et efficace du démon. C’est un monde, par ailleurs, qui fonctionne selon des règles extrêmement précises et étranges, ce qui est une des grandes idées de ce film, et l’un des côtés par lequel il nous surprend et nous ravie le plus. Dans ce monde donc, l’enfance est a priori maléfique, il ne faut jamais, pour une raison inconnue, utiliser de lumières électriques, il ne faut pas employer non plus l’arme à feu contre le démon au risque de le démultiplier et de le renforcer, et, enfin, seule la témérité la plus inconsciente nous protège de lui.
Ajoutons encore ceci : Là ou classiquement l’exorciste est sans technique et s’en remet à Dieu, ici une forme de technique bizarre, ésotérique est la seule ressource des hommes dans un monde où Dieu et les églises sont morts, comme le disent à plusieurs reprises les personnages.
On pourrait encore lister toutes les grandes idées de ce film, et tout ce qu’il nous a inspiré de réflexion sur le mal, la sécularisation des sociétés modernes, le conflit des générations et la fin de l’homme. Disons aussi, qu’outre son originalité, When Evil Turks est continuellement terrifiant et angoissant, et ce, sans que le réalisateur n’ait eu tant que ça recours aux procédés convenues du film d’horreur (suspens poussif et surprise facile).
Ce film est si riche, si original, si puissant qu’il mérite à notre humble avis les hommages du jury.

Premier jour à Gérardmer. Brumes et pluies. L’accueil des Gérômois est chaleureux, comme toujours. Au programme : deux films en compétition qui s’annonçaient prometteurs : Perpétrator, de Jennifer Reeder, et The Funéral, d’Orçun Behram. Un film américain sur le vampirisme 2.0 et un film turque qui explore de manière original le thème du zombie. Une déception et une belle surprise.

(Compétition) – The Perpetrator – Réalisé par Jennifer Reeder (Etats-Unis et France, 2024)

Film de vampire ? L’objet du film est difficile à saisir. Johnny, une ado kleptomane et perdue, retourne vivre chez une amie de son père après que celui-ci ait déclaré forfait sur le fait de s’en occuper. Elle découvre peu à peu que sa mère lui a légué un pouvoir bien utile dans son nouveau lycée privé très prude, dirigiste et oppressif (dans tous les sens du terme) – sorte de condensé caricatural et satirique de ce que la société américaine a à offrir de plus absurde et rétrograde en matière d’éducation.
Quoique selon ses dires elle fait plutôt figure de nobody plutôt que d’étudiante populaire, elle se fait rapidement des amies dans la recherche d’un mystérieux assassin. Un assassin car avec l’appui très visible du scénario , du jeu et de la mise en scène, l’homme est forcément du côté du mal, du ridicule ou de la menace. Mais Johnny veille et dépasse ses angoisses identitaires pour réussir à identifier le meurtrier. Angoisses qui s’effacent dans son extraordinaire pouvoir d’empathie dont l’usage réglé lui échappe (quête d’apprentissage oblige) mais dont la maîtrise progressive lui assure d’achever sa quête et surtout (enfin) cette trame bien confuse.
Difficile à cerner, difficile à résumer, The Perpetrator fourmille d’idées et de références. Carrie, Existenz, le silence des agneaux, on peut s’amuser à en repérer le plus possible tant elles pullulent mais, sursaturé, le film perd en unité et en cohérence jusqu’à la fatigue. Convoqués simplement pour le plaisir de la citation, la richesse visuelle et le style ambitieux ne sauvent pas cet étrange objet postmoderne qui semble tenir plus du patchwork que de l’œuvre puissante qui a quelque chose à dire. Ici, le spectateur attentif peut se lover sans difficulté dans tel ou tel trait de caractère du film à condition d’oublier tous les autres. Vampire, féminisme, satire sociale, paternité, maternité, identité adolescente et passage à l’âge adulte ; les marqueurs s’ajoutent comme les tags anonymes dans une série Netflix générique et finalement ennuyeuse. C’est pourquoi cette bonne volonté et générosité sans maîtrise et maturité ressemblent aux défauts d’un premier film. Puisque ce n’est pas le cas, le spectateur est seul responsable de l’éventuel visionnage de cet étrange objet.

(Compétition) – The Funeral – Réalisé par Orçun Berham (Turquie, 2024)

Turquie – un croque-mort macabre est chargé d’un convoi ni mort ni vivant.
Un film d’horreur exotique qui navigue entre réinterprétation des vieux thèmes fantastiques (le zombie, le poids sectaire de la tradition) et exploitation décomplexée d’une forme classique, en l’occurrence le road trip et la romance – forcément macabre.
Cemal est un chauffeur de corbillard qui arrive sur les lieux de la tragédie dans son vieux camion réfrigéré que la cadre ne quittera plus. Il faut qu’il livre le corps loin du lieu de la mort, à un mois d’intervalle, la famille de la défunte, sans doute coupable de son meurtre, l’exige et rémunère bien. Zeynep – car il faut bien nommer l’héroïne du film et la deuxième partie de ce couple, respire encore.
Étrangement, Cemal réagit comme aucun de nous ne le ferait, il prend soin d’elle et la nourrit de cadavres qu’il « confectionne » lui-même quitte à devenir un tueur et à s’éloigner de ses proches. On l’apprend lors d’un dialogue : ceux-ci l’angoissent plus que les vivants. Et peu à peu l’empathie morbide se change en sentiments romantiques de plus en plus nets et dérangeants.
Si le road-trip est la forme de la quête intérieure par excellence, on se demande bien ce que les héros trouvent ici et en fait cherchent à part la distance de ceux qu’ils ne comprennent plus et ne voient guère plus que comme de la nourriture ou divers expédients. Un ami d’enfance, un membre de sa famille, un copain éloigné ; les différentes étapes du road-trip, classiquement, sont autant de moments de revenir sur une identité perdue qui approfondissent par contraste la vacuité du personnage qui ne gagne en épaisseur qu’en protégeant toujours plus son amoureuse-zombie.
Mais le final, d’une beauté et d’une intensité qui viennent relever un rythme tranquille ne nous livre pas la fin de la ballade. Ces drôles de Bonnie and Clyde semblent tout aussi mystérieux, on n’en sait pas davantage à part qu’ils s’aiment.