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Rares sont ces œuvres psychologiques, ascendantes horrifiques, qui infiltrent les festivals auxquels le genre n’est pas dédié. Speak No Evil est de ceux-là, même s’il semble plus à l’aise en explorant sa dimension sociale. C’est notamment le point fort du film qui, malgré sa longue exposition, se lâche davantage dans un final qui revisite le home invasion.

Synopsis : Une famille amé­ri­caine passe le week-end dans la pro­prié­té de rêve d’une char­mante famille bri­tan­nique ren­con­trée en vacances. Mais ce séjour qui s’annonçait idyl­lique se trans­forme rapi­de­ment en atroce cauchemar.

James Watkins, à qui l’on doit le désespérant The Descent 2 et la vaine tentative angoissante de La Dame en noir, semble de nouveau renouer avec l’atmosphère survival de son Eden Lake. Sans être un grand faiseur d’images, le cinéaste manie mieux la narration lorsque l’on joue sur l’ambivalence de personnages complexes. Bien heureusement pour lui, il dispose d’un gros lot de protagonistes névrotiques en réalisant le remake du film éponyme danois. Le film de Christian Tafdrup a en effet stupéfait de nombreux spectateurs quant au jeu de miroir entre deux familles, diamétralement opposées sur leur perspective du bonheur.

La petite famille dans la prairie

L’été croate bat son plein et la bonne humeur se dégage de tout part, à l’exception des membres de la famille Dalton, que l’on découvre distants les uns des autres. Débarquent alors d’autres vacanciers plus dynamiques et moins pantouflards qu’eux. Ils se laissent guider par leurs pulsions et leurs désirs, échangent ouvertement et avec une grande sincérité avec les Dalton. Après cette étape de séduction, remplie de sarcasmes et de viles intentions derrière leur sourire charmeur, les moutons sont désormais invités à danser avec les loups, littéralement. Au terme de cette rencontre enchantée, et sans plus attendre, direction les contrées rurales de l’Angleterre, loin de la routine et des exigences infernales de la capitale, pour un week-end en famille qui flirte avec l’atmosphère angoissante de Midsommar, à moindre mesure.

Comme le titre l’indique, il demande à ses personnages un contrôle sur eux-mêmes, de rester sages et bienséants. Ne pas faire de vague, ne pas ouvrir la bouche quand ce n’est pas nécessaire, c’est juste dans cette optique que l’on reconnaît la captivité de la famille londonienne dans un décor et un confort qui ne lui est pas familier. Watkins en profite donc pour brosser le portrait de la famille Dalton, très dysfonctionnelle et qui cumule tous les clichés dramatiques entre le mari en défaut d’autorité, de confiance et de masculinité, l’adultère de son épouse, son végétalisme et la surprotection pour sa fille de 12 ans Agnès, qui suffoque lorsqu’elle qu’on la sépare de son lapin en peluche. En opposition à une famille, semble-t-il « parfaite », mais surtout heureuse, les Dalton se laissent donc dépasser par la générosité de leurs hôtes un peu trop enthousiastes à l’idée de les voir débarquer dans leur patelin où personne ne les entendrait hurler.

Ferme tes yeux, donne-moi ta main

L’objet d’étude de Watkins consiste alors à sonder les maux de Ben et Louise Dalton, respectivement campés par Scoot McNairy (Monsters, Cogan) et Mackenzie Davis (Seul sur Mars), qui peinent à communiquer ou à se tenir dans la même échelle de plan. Ce qui est rarement le cas pour le couple que forment Paddy et Ciara. Ce n’est que par petites touches que ce duo révèle des failles et confirme de bien lugubres soupçons. Les micro-aggressions, souvent malsaines et voyeuristes, se multiplient et génèrent cette tension qui se resserre sur les Dalton. Il est toutefois dommage de ne pas pousser les curseurs du malaise à fond. Hormis un regard furtif à travers une vitre et un gobage forcé d’une tranche d’oie, le réalisateur troque la viscéralité de son thriller avec de l’ennui, tout aussi mortel.

De même, le film manque d’être incisif lorsqu’il fait appel à la cruauté graphique, là où le film danois capitalisait autant sur les sévices physiques que sur la dimension psychologique, un peu à la manière de Funny Games de Michael Haneke. Non pas qu’elle soit nécessaire, mais ces éléments sont soit trop éparpillés dans le récit ou trop condensé dans le climax, que l’attente finit par agacer. Le remake de Watkins semble ainsi avoir lissé les traits de caractère des hôtes, malgré une débauche d’énergie comme James McAvoy l’a notamment démonté dans Split. Cela est tout de même suffisant pour éclipser la performance d’Aisling Franciosi, d’abord aperçu dans le rôle de Lyanna Stark dans la série Game of Thrones, puis révélé dans l’impressionnant The Nightingale. À cet étrange duo, très bipolaire dans leur attitude, s’ajoute Ant, un garçon qui n’a plus de langue pour pouvoir s’exprimer. Mais existe-t-il une bonne raison à cela ? À tour de rôle, paternité et maternité s’entrechoquent pour y répondre, car ce qui compte par-dessus tout dans cette intrigue, ce sont bien les actes des personnages, qui sont alors punis ou récompensés en conséquence. Reste à savoir quelle est la meilleure issue pour les Dalton, piégés dans l’enfer d’une amitié et d’une bienséance toxiques, afin de vaincre leurs démons et de se réconcilier pour de bon.

Petite bulle rafraîchissante en début de festival, Speak No Evil ne manque pas de dissimuler certains de ses défauts grâce à son final assez jouissif et à son humour noir plutôt adroit, notamment lorsque James McAvoy prend les rênes du récit.

Speak No Evil est présenté dans la sélection Premières au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : James Watkins
Année : 2024
Durée : 1h50
Avec : James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Alex West Lefler, Dan Hough
Nationalité : États-Unis

Premier long-métrage de Titus Kaphar, Exhibiting Forgiveness compose un drame familial centré sur les relations pères-fils et la recherche perpétuelle du pardon. Des thématiques classiques traitées sous l’angle un peu plus innovant de la création artistique comme canalisateur d’une souffrance passée dévorante. Malheureusement, la longueur du film et la relative stagnation des personnages, qui évoluent peu émotionnellement, n’impliquent le spectateur que dans la lente attente d’une réconciliation finale.  

Synopsis : Un artiste noir qui se libère de son pas­sé à tra­vers ses pein­tures voit son ascen­sion vers le suc­cès contra­riée après la visite impromp­tue de son père, un ancien toxi­co­mane déses­pé­ré à l’idée de se récon­ci­lier avec son fils. Ils vont batailler ensemble et apprendre qu’il est plus dif­fi­cile d’oublier que de pardonner.

Titus Kaphar, peintre américain dont les œuvres sont exposées au MoMa et au MET de New York, étend avec Exhibiting Forgiveness son champ d’expression artistique. En passant du pinceau à la caméra, le réalisateur brosse le portrait d’une famille en crise, dont les membres se déchirent face à la douleur et à la haine. Les tableaux, qui constituent des sortes de fenêtres sur le passé, donnent à voir l’image d’une enfance brisée incapable d’oublier.

L’éducation à la dure

Tarrel mène une existence confortable avec sa femme Aisha et son fils. Peintre célèbre qui enchaîne les expositions, propriétaire d’une grande maison, tout semble lui réussir. Pourtant, il traîne dans son passé une rancœur indélébile qui le réveille en sursaut et le fait cogner violemment contre les murs. Cette rage, Tarrel la contient dans le cadre de ses peintures, forme de catharsis libératrice de sa souffrance. Mais lorsque son père, La’Ron, resurgit brusquement dans sa vie, cet équilibre précaire bascule.

Appelé à se remémorer l’apprentissage sévère que lui a infligé son père toxicomane, entre coups et travaux acharnés, Tarrel refuse de renouer des liens avec La’Ron. Malgré sa brutalité, c’est bien cette éducation de forcenée qui a forgé, avec le temps, la personnalité créative de Tarrel. Et même si l’on ne peut cautionner un tel traitement, l’attitude de Tarrel, focalisée sur ses blessures, et non sur tout ce qu’il a accompli, finit presque par agacer. Son père, qui se cherche des excuses, lui en fait d’ailleurs la remarque. Profondément marqué par cette expérience, Tarrel s’est construit en parfaite opposition avec La’Ron, jusque dans la définition de sa figure paternelle. Loin de reproduire le traumatisme de son enfance, Tarrel traite en effet son fils avec amour et délicatesse.

Au contraire, La’Ron a sciemment appliqué à son enfant la même éducation stricte qu’il a vécue. Exhibiting Forgiveness souligne ainsi le tragique de la reprise de schémas familiaux, dont la machine implacable se perpétue de génération en génération. Cette violence, La’Ron la justifie par un simple objectif, faire de son fils un homme, doublé d’un constat sociétal, les individus noirs ne peuvent réussir qu’en se tuant à la tâche. Cette réalité, qui aurait été pertinente à développer, ne constitue cependant pas le sujet du film, qui reste principalement attaché à la réconciliation avec le passé.

L’art du pardon

La mère de Tarrel, Joyce, exerce le rôle d’une médiatrice entre Tarrel et La’Ron. Fervente adepte de l’Eglise et lectrice de la Bible, elle considère le pardon comme une nécessité absolue, car celui qui ne pardonne pas ne saurait lui-même être pardonné. Si l’art représente l’exutoire de Tarrel, pour Joyce, c’est la religion qui devient un véritable refuge. Ses efforts favorisent alors des rencontres et des tentatives d’explications successives entre père et fils. Tarrel parviendra-t-il enfin à vider son esprit, à l’image de sa silhouette qu’il découpe au couteau dans la toile ?

En exposant directement son seul enjeu centré autour de la réconciliation, Exhibiting Forgiveness peine à susciter notre intérêt pendant ses deux heures mal rythmées et entrecoupées de chansons, d’autant plus que l’émotion ne jaillit pas vraiment dans l’acte final en demi-teinte. Le personnage de Joyce, éprouvée par La’Ron, mériterait davantage de développements, alors que la relation entre Tarrel et La’Ron tourne en rond pendant la majorité du récit. Ceci nous laisse l’impression d’un film statique, qui propose néanmoins quelques idées de mise en scène, notamment un jeu sur les tableaux qui surgissent dans les décors. Il n’est pas encore certain que Titus Kaphar renouvelle ce premier vernissage cinématographique, mais Exhibiting Forgiveness contribuera peut-être, si l’on oublie ses défauts, à sa renommée d’artiste international.

Exhibiting Forgiveness est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Titus Kaphar
Année : 2024
Durée : 1h52
Avec : André Holland, John Earl Jelks, Aunjanue Ellis-Taylor, Andra Day
Nationalité : États-Unis

Pour son premier long-métrage, Brandt Andersen sacrifie le fond de son sujet éminemment tragique contre une immersion totale dans une course effrénée de réfugiés politiques en lutte pour la survie. Emballé dans un film choral qui ne manque pas d’audace, car assez bien exécuté lorsqu’il ambitionne de nous partager la frayeur des personnages de The Strangers’ Case. Le film perd cependant en tension à force de multiplier des filons narratifs qui auraient mérité plus d’attention.

Synopsis : Une tra­gé­die frappe une famille syrienne à Alep, déclen­chant une réac­tion en chaîne d’é­vé­ne­ments dans quatre pays dif­fé­rents impli­quant des per­sonnes unies par un lien de paren­té, dont une doc­to­resse et sa fille, un sol­dat, un pas­seur, un poète et un capi­taine des garde-côtes. 

Touché par les nombreux récits sur les vagues de réfugiés syriens qui ont fui leur pays, le producteur (Everest, Silence, Barry Seal : American Traffic), reconverti en cinéaste, a réalisé le court-métrage Refugee en 2020. Fort de son succès et avec un arrière-goût d’inachevé dans la rétine, il finit par reprendre une bonne partie de son casting original (Yasmine Al Massri, Jay Abdo, Massa Daoud, Jason Beghe, Ayman Samman et Omar Sy) afin de remonter le parcours de nombreux étrangers, condamnés à l’exil et à la recherche d’un monde meilleur. Mais existe-t-il vraiment ?

Les premiers jours d’un étranger

La guerre a toujours poussé les habitants à tourner le dos aux conflits, mais dès l’ouverture, à l’abri d’une ambiance mortifère, nous suffoquons déjà dans une atmosphère claustrophobique. Les plans sur Chicago sont remplis de buildings de verre, illustrant ainsi un monde terne et lisse, à l’image d’un hôtel Trump à l’opposé du DuSable Bridge. Quelque part dans cette ville, nous découvrons une Amira bouleversée par un rappel sur son téléphone qui rouvre des plaies qui ne se refermeront probablement jamais. Huit ans plus tôt, Amira était une infirmière syrienne des plus compétente et des plus endurantes, assurant jusqu’à 72 heures de garde. Malheureusement, le pays implose entre la traque de « rebelles » et les dommages collatéraux dus aux bombardements. Le film propose alors de suivre son parcours semé d’embûches, en explorant le point de vue de plusieurs personnes qu’elle est amenée à croiser jusqu’aux terres saintes grecques.

Armé d’une caméra à l’épaule pour faire valoir la détresse d’une nation écartelée, Andersen flirte avec le style documentaire en montrant l’horreur de face, là où Rebel misait sur une reconstitution ponctuée de séquences musicales symboliques. Il n’hésite pas non plus à piocher dans les codes du film catastrophe pour développer les traumatismes de chaque protagoniste. Il s’agit sans doute du format le mieux adapté afin de capturer le drame dans le vif. Principalement tourné en Jordanie et en Turquie, le cinéaste réussit donc à rendre ses décors crédibles et authentiques pour chaque étape du voyage. Il est toutefois dommage que le cinéaste s’appuie autant sur la musique de Nick Chuba pour valider les sentiments d’injustices et d’impuissance qui nous ont déjà envahi. Cette sur-dramatisation peut expliquer l’absence de tension dans des moments clés, comme lors d’une séquence sur un bateau pneumatique.

Déjà présenté en hors compétition à la Berlinale, le film continue à naviguer vers les festivals qui souhaitent compenser le surplus de drames avec un choc visuel sans détour et foncièrement destiné au public occidental. Preuve en est lorsque la citation de William Shakespeare trouve un écho et une saveur particulière autour d’un déjeuner dans un restaurant assez chic pour que le sujet de l’immigration n’étouffe pas les convives, plus ou moins impliqués dans cette tragédie humaine. Le montage de fin prend également soin d’énumérer tous les cadavres laissés derrière soi entre la cité dévastée d’Alep et Chicago comme point de chute.

Moins linéaire que Moi, capitaine de Matteo Garrone, The Strangers’ Case tombe dans le piège de la démonstration technique, effectivement remarquable, mais qui se trouve parasité par le pathos qui surnage tout du long et par un chapitrage qui casse le rythme. Le second film présenté en compétition tient toutefois ses promesses si l’on s’arrête à ses honnêtes reconstitutions documentaires, dénonçant et nuançant ainsi la violence humaine au-delà de nos frontières.

The Strangers’ Case est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Brandt Andersen
Année : 2024
Durée : 1h37
Avec : Yasmine Al Massri, Yahya Mahayni, Omar Sy, Ziad Bakri, Constantine Markoulakis, Jason Beghe
Nationalité : États-Unis

La Compétition du Festival de Deauville 2024 s’est ouverte hier matin avec Sing Sing, un drame chargé d’émotions mettant en lumière les programmes de réinsertion par l’art. Inspiré d’une histoire vraie, le film expose des détenus qui retrouvent, grâce à des ateliers de théâtre, leur humanité en exprimant leurs émotions et en tissant des liens fraternels. Plus œuvre théâtrale que huis clos carcéral, Sing Sing, très incarné, relève le défi de l’authenticité mais n’échappe pas à quelques lourdeurs.

Synopsis : Incar­cé­ré à la pri­son de Sing Sing pour un crime qu’il n’a pas com­mis, Divine G se consacre corps et âme à l’atelier théâtre réser­vé aux déte­nus. À la sur­prise géné­rale, l’un des caïds du péni­ten­cier, Divine Eye se pré­sente aux auditions… 

Greg Kwedar avait déjà foulé les Planches de Deauville en 2016 avec son premier-long métrage, Transpecos, un thriller narrant la descente aux enfers de trois agents de la police aux frontières en plein désert. Huit ans plus tard, et selon ses dires, plus mature et assagi, il présente au Festival son deuxième film, lui aussi farouchement ancré dans la réalité mais dont la violence, principalement hors champ, cède la place à l’humour et à la sensibilité.

Rire ou pleurer, telle est la question

C’est au cœur des murs de la prison de Sing Sing, dans le village d’Ossining au sud de l’Etat de New-York, que Greg Kwedar a décidé de composer la scène de son drame. Cet établissement, assez célèbre, n’a pas été choisi au hasard. Lors de la session de Q&A, le réalisateur américain a en effet précisé que le projet du film a débuté il y a huit ans, lors du tournage d’un documentaire dans une maison correctionnelle du Texas. Après avoir aperçu, enfermé dans une cellule, un détenu accompagné d’un chien, Greg Kwedar s’est lancé dans des recherches approfondies sur les programmes de réinsertion, en particulier le Rehab Threw Art (RTA), qui existe à New-York depuis 1986. Il tombe alors sur des articles relatifs à la création d’une pièce comique se déroulant à l’époque de l’Antiquité égyptienne. Ce singulier fait divers lui a inspiré l’idée de Sing Sing, qu’il a ensuite approfondie avec son coscénariste en partant enseigner dans plusieurs centres pénitentiaires.

Le film retrace ainsi le quotidien d’un petit groupe de détenus, différents par leurs histoires et leurs personnalités, qui suivent un atelier théâtre animé par un professeur aussi truculent qu’engagé. Il s’intéresse particulièrement à la relation d’amitié entre Divine G, acteur fétiche au sein des prisonniers, et Divine Eye, un caïd d’apparence menaçante qui intègre la troupe. Cette bande de détenus, joyeux lurons très comparses lorsqu’ils jouent, n’oublient que le temps d’une session la dureté de leurs conditions.

Le théâtre apparaît alors comme un refuge, une bulle de bonheur et de liberté à laquelle chacun essaie tant bien que mal de se raccrocher. Sing Sing oppose donc les rires et le réconfort des répétitions face à l’univers restrictif de la prison. Car derrière le lâcher prise, et malgré une touche d’humour savamment dosée, la tragédie des situations personnelles n’est jamais loin. Des prisonniers coupés du monde, qui ne voient pas leurs enfants grandir et guettent sans fin l’acceptation de leurs demandes de libération conditionnelle, regagnent le cadre dès la porte de l’atelier close. Apprendre à assurer, à se soutenir malgré la souffrance, sans céder à la dépression et au désespoir, tel est le combat de ces hommes emmurés.

Presque apparenté à un documentaire, dont il aurait d’ailleurs pu faire l’objet, le film conserve une approche résolument réaliste. A ce titre, hormis Colman Domingo, acteur professionnel connu pour ses rôles dans Lincoln, La Couleur Pourpre et Fear the Walking Dead, les interprètes sont tous des prisonniers incarcérés aux Etats-Unis pour des peines de longue durée. Clarence Maclin, alias « Divine Eye » signe une performance impressionnante et pourrait même se voir offrir une nomination aux Oscars. Le tournage du film dans les couloirs et cellules de véritables prisons, sans utilisation de décor factice, renforce également l’authenticité du récit.

Si le thème de la reconstruction et de la réinsertion des détenus a déjà été abordé récemment dans Je verrai toujours vos visages, Sing Sing se rapproche davantage de la comédie dramatique Un Triomphe d’Emmanuel Courcol, aussi inspirée d’une histoire vraie, dans laquelle un acteur qui peine à joindre les deux bouts décide d’organiser un atelier théâtre dans une prison. Malgré son monde froid et hostile, le milieu carcéral devient dans ces deux longs-métrages un lieu où la joie supplante la violence.

La prison, théâtre de jeux

A travers la conception d’une pièce de théâtre, écrite sur-mesure pour eux par l’animateur, les détenus, relativement calmes et disciplinés, s’adonnent à une sorte de rébellion artistique. En choisissant un rôle, ils retrouvent la liberté d’être qui ils veulent, de s’habiller comme ils veulent, loin de l’étiquette de « gangster » que la société leur a farouchement accolée. Divine G entre ainsi dans un jeu subtil de manipulation afin d’influencer, mais surtout d’aider, ses camarades interprètes, au point que les juges eux-mêmes questionnent sa sincérité.

Bien loin des huis clos tels qu’Un Prophète, ou plus récemment, Sons, Sing Sing ne parvient cependant pas à nous plonger dans l’horreur des conditions de détention. Outre les décors, certes réels du film, l’atmosphère tendue du centre correctionnel s’instaure par de très fines touches, comme les insultes d’un maton et les fouilles. Malgré l’évocation d’un établissement de haute sécurité, les individus semblent d’ailleurs pouvoir se rendre presque où ils souhaitent, de leurs cellules agrémentées de livres ou de boîtes de conserve aux salles de l’atelier, et même en dehors des bâtiments. Au final, la prison n’apparaît pas véritablement comme un cadre hostile, mais plus comme une cage psychique conditionnant l’esprit des protagonistes.

La douleur exprimée par les prisonniers s’appréhende donc moins facilement, d’autant plus que Greg Kwedar tire beaucoup, et sûrement un peu trop, sur la corde d’un pathos américain exacerbé par une bande-originale triste et lancinante. Symbole fort, Sing Sing a été projeté dans la prison même où il a trouvé son origine. En dépit de ses imperfections, le film conserve une belle énergie qui aspire à changer le regard que l’on peut porter sur les criminels incarcérés.

Sing Sing est présenté en Compétition au Festival de Deauville 2024.

Fiche technique

De : Greg Kwedar
Année : 2024
Durée : 1h46
Avec : Colman Domingo, Clarence “Divine Eye” Maclin, Sean San Jose, Paul Raci, David “Dap” Giraudy, Patrick “Preme” Griffin, Mosi Eagle
Nationalité : États-Unis