Des hommes et des dieux

Dans une vallée reculée de l’Algérie, près du désert, une petite école est dressée, là, résistant au vide qui se fait autour d’elle. A l’intérieur Daru (Viggo Mortensen), instituteur, fait la classe, en français. Il tente de retrouver, avec ses élèves, la date à laquelle on fait commencer communément l’Histoire. Quelques mains hésitantes se lèvent, et après une mauvaise réponse, l’un d’entre eux trouve : c’est l’écriture, sa découverte qui marque la naissance de l’Histoire, notre histoire, nos histoires. En bref, la naissance de la civilisation. C’est que cet instituteur, aussi étranger qu’algérien, sorte de citoyen du monde jamais à sa place nulle part, ne fait qu’apprendre à écrire à des enfants alors que les adultes tentent de prendre leur indépendance. Son enseignement est-il une résistance ou une colonisation ? Que dit-il vraiment à ces enfants ? On n’aura pas le temps de le savoir puisque des hommes armés débarquent dans l’école, non pas pour blesser Daru, mais pour le prévenir : la guerre est là, tout près. Plus tard, la paisible vie de l’instituteur se trouve bouleversée quand on lui confie Mohamed (Reda Kateb), un prisonnier qu’il se refuse à conduire « vers la mort ». Ce prisonnier-là a pourtant tué son cousin et devra le payer par la loi du sang. Cette loi que Daru ne cessera de remettre en question, et qui dit, en substance : « tu as tué l’un des miens, demain l’un des tiens mourra de mes mains » et ainsi de suite jusqu’à ce que tous soient morts. Le cycle sans fin est alors brisé. Si Daru refuse d’abord de conduire Mohamed, la mort d’une bête, qui s’effondre doucement, finira de le convaincre d’avancer, tout simplement. Chacun d’abord se méfie, se replie sur lui-même, prie pour rester en vie. Deux religions, deux identités, une seule maison et une marche commune. Dans une mise en scène sobre mais efficace d’abord, David Oelhoffen met ces deux hommes sur un même pied d’égalité. Daru offre à Mohamed son nécessaire, et veut le laisser fuir. Pourtant, Mohamed se résigne, sans courage, simplement, il accepte de mourir pour briser la loi. C’est presque un western avec son désert, son prisonnier, sa quête, sa colonisation. Voilà qu’il faut désobéir à la loi. Le réalisateur filme une violence sourde, jamais obscène,qui se retourne contre toute une civilisation à travers deux personnages : un pacifiste et un homme déchu.

« Deux hommes proches de la mort trouvent le chemin de la lumière »

La marche des deux hommes est une résistance sourde car elle n’est jamais violente par choix, car ni Daru, ni Mohamed ne souhaitent se confronter, ils veulent simplement ne pas choisir un camp, ne pas décider, mettre fin. Le film, au-delà des choix politiques, est une rencontre, un long échange de regards. Viggo Mortensen comme Reda Kateb offrent toute la force et la pudeur nécessaire à ces deux personnages. Bien sûr, l’instituteur ne choisit pas, ne décide pas. Il résiste par l’école alors même que c’est trop tard, comme lui fait comprendre un autre personnage : « il ne s’agit plus d’apprendre à écrire, on vous fout dehors ». Après un premier film (Nos retrouvailles) sur la paternité, David Oelhoffen nous sert un film sur la fraternité. Son titre « Loin des hommes », parle de destin, de fuite : partir, quitter le sentier tout tracé, fuir la barbarie, en cela il est le chemin qui mène loin de la civilisation mais c’est aussi un film profondément humain. Peu bavard, il guette tout se qui afflut sur le visage de Daru et de Mohamed : la peur, un sourire, mais aussi un regard de connivence pudique à la sortie d’un bordel. Si le grand héros avec un cœur « gros comme ça », c’est lui, Daru, qu’on suit dans le bordel où il part retrouver la paix charnelle, la force du film est de donner toute sa place à Mohamed. Une force qui le distingue magnifiquement de la nouvelle de Camus qu’il adapte L’hôte. Là, les deux hommes ont autant d’importance, quand Daru donne, quand Daru tue, quand Daru apprend, c’est pour et avec Mohamed. Il aurait pu être avec lui comme avec ses élèves, mais ce mutisme doux qui habite Mohamed, sa détermination vers la mort, déstabilise le dogmatisme de Daru. Même quand il exhorte Mohamed à vivre, ce dernier le renvoie à son impuissance. La liberté que veut transmettre Daru ne s’acquiert pas aussi facilement que dans les livres et c’est cela que montre David Oelhoffen, ce long chemin vers la lumière, sans rédemption. Tous deux le savent, la route est sans retour possible.

Et à la fin, la petite école est toujours là, plantée sur sa colline. Entre ces deux images d’école paisible, le film nous a maintenu dans une forme d‘inquiétude permanente quand au destin des deux hommes. Le rythme est lent, percé par de grands moments de rupture qui confrontent les deux hommes, et Daru surtout, à leurs croyances. Français, Algériens, leur engagement est là, il est total et ne peut se résoudre que dans la mort de l’autre camp. Ceux d’en face répondent aux ordres, Daru à ses convictions. Pourtant, au milieu, Mohamed veut toujours briser la loi. Qu’est-ce alors que cet engagement politique ? Plusieurs religions se côtoient ici, plusieurs hommes. Mais le film n’est pas plus sur la guerre d’Algérie qu’autre chose. Il prend cette partie de l’histoire comme toile de fond pour confronter des langues (Viggo Mortensen parle arabe et français dans un même souffle), des frères devenus ennemis, des idées. Le film ne décide pas qui a raison, qui a tort, il rend un hommage magnifique à cette rencontre, simple et puissante à la fois de deux hommes, deux grands acteurs qui regardent l’horizon et s’exilent enfin, loin des hommes, pour briser nos mythes fondateurs. Vivre, voilà simplement ce que décide Daru, même exilé, même meurtri. Et la lumière, comme la musique, (magnifiquement composée par Warren Ellis et Nick Cave, soient les compositeurs des films suivants :  L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford de Andrew Dominik et The Proposition de John Hillcoat) du film, le lui rendent bien. Mais le roi doit quitter son royaume.

Synopsis : 1954. Alors que la rébellion gronde dans la vallée, deux hommes sont contraints de fuir à travers les crêtes de l’Atlas algérien. Au cœur d’un hiver glacial, Daru, instituteur reclus, doit escorter Mohamed, un paysan accusé du meurtre de son cousin. Poursuivis par des villageois réclamant la loi du sang et par des colons revanchards, les deux hommes se révoltent. Ensemble, ils vont lutter pour retrouver leur liberté.

Loin des hommes – Bande-annonce 

Fiche Technique – Loin des hommes 

France – 2014
Réalisation: David Oelhoffen
Scénario: David Oelhoffen
Interprétation: Viggo Mortensen (Daru), Reda Kateb (Mohamed), Djemel Barek (Slimane)
Image: Guillaume Deffontaines
Durée : 1h37 – Date de sortie : 14 janvier 2015
Genre : Drame
Décor:  Stéphane Taillasson
Costume: Khadija Zeggaï
Montage:  Juliette Welfling
Musique: Nick Cave, Warren Ellis

 [Critique] Qu’Allah bénisse la France 

Synopsis : Le parcours de Régis, un enfant d’immigrés congolais et élevé par sa mère catholique avec ses deux frères dans une cité strasbourgeoise. A travers la lecture, l’école, le hip-hop, l’islam puis l’amour, il va s’éloigner de l’influence néfaste de ses amis et de la violence urbaine, pour devenir un rappeur célèbre.

Un essai intimiste sur l’émancipation et la tolérance

Dix ans après la sortie de son roman autobiographique, le rappeur Abd Al Malik a réuni un budget conséquent et une équipe technique solide (avec notamment Pierre Aïm, le chef opérateur de La haine notamment, qui reproduit ici un splendide noir et blanc), afin d’adapter au cinéma cette chronique personnelle, dont l’intrigue se veut a contrario universaliste.

Rimes en Noirs et Blancs

La première spécificité du long-métrage est de se situer dans la cité du Neuhof, à Strasbourg, une ville éloignée des stéréotypes limitant les enjeux liés à l’immigration aux banlieues parisiennes ou marseillaises. Le contexte est modernisé, n’ayant pas lieu dans les années 80 durant lesquelles a grandi le réalisateur, mais bien de nos jours. Le quotidien, au cœur de ces cités HLM, du jeune Régis, est partagé entre sa scolarité (où il apparaît comme non seulement comme le seul noir, mais aussi comme un surdoué) et la petite délinquance. Sans vouloir rentrer dans le statut de révolté irréfléchi qui caractérise son frère ni, encore moins, de toxicomane, Régis est présenté comme un spécialiste du vol à la tire et du trafic de marijuana, cherchant malgré tout à se rattacher à des valeurs morales qu’auraient abandonnées ses amis. Une exposition qui, à trop vouloir donner une bonne image de son héros, en vient à stigmatiser son entourage, au point de sembler illustrative des arguments d’un élu FN local.

Heureusement, plutôt que de continuer à offrir un état des lieux alarmiste de la cité où il a grandi, Abd Al Malik a préféré concentrer la dramaturgie de la première partie de son scénario sur l’évolution individuelle de son alter-ego. Celle-ci passe par l’antagonisme entre les influences de ses amis et de son frère, et celles de trois femmes : sa mère, une catholique pratiquante dévouée au bien-être de ses fils, sa professeure de lettres qui lui apporte culture et confiance en soi, et sa voisine Nawel dont il est éperdument amoureux. La volonté de monter un groupe de rap apparait de plus comme l’unique moteur de son émancipation.

Le point de bascule scénaristique se fait lors de la confession du héros à l’islam, qui va dès lors devenir son principal vecteur psychologique. Cependant, celle-ci est mal amenée car peu justifiée. On voit Régis décider d’effectuer son rituel initiatique suite à la mort de l’un de ses amis d’enfance. Or, celui-ci ayant été caractérisé plus tôt comme un traître à qui Régis ne fait plus confiance, la scène de l’enterrement se voit affubler d’une surdose tragique en annonçant le sort funeste et prochain de plusieurs de ses participants. Plus que le deuil et le traumatisme de voir ses amis d’enfance tomber l’un après l’autre, l’influence de Nawel, au centre de la motivation de Régis de se trouver dans la pratique du soufisme une nouvelle identité spirituelle, aurait mérité un meilleur traitement.

Dès lors, la seconde moitié est plus axée sur les affres de la création artistique et la recherche de reconnaissance. Les obstacles que rencontrera Régis, qui se fait à présent appeler Abd Al Malik, et son groupe, seront essentiellement leur absence de moyens financiers et de la frilosité des majors, mais aussi l’islamophobie des médias de masse, la difficulté de mêler dévotion religieuse et ambition professionnelle (la question de la place de la musique dans l’islam, selon l’interprétation faite du Coran, sera d’ailleurs posée par son meilleur ami), mais aussi la résurgence d’anciennes affaires criminelles.

Voir ainsi Abd Al Malik être le seul parmi ses amis à éviter toutes ces embuches du destin pour atteindre le statut de star n’a pas du plaire à l’ancien groupe NAP, grâce à qui le rappeur s’est fait connaitre, bien avant de se lancer dans une carrière solo.

Au-delà de cet écart par rapport à la réalité, qui frôle le nombrilisme, la conclusion parvenue et son message prônant l’intégration républicaine et pluriethnique semblent être le summum de l’écriture terriblement littéraire et démagogique qui caractérise l’ensemble du scénario. Ponctué par des touches de poésie, via les paroles des chansons mais aussi par une voix-off pesante, le script est en effet tiraillé entre une volonté de sincérité touchante et un classicisme académique flagrant. Le résultat est une narration trop linéaire (hormis le premier plan) et un moralisme dénué de subtilité.

Ce que l’on retiendra finalement de meilleur dans l’écriture de Qu’Allah bénisse la France, est sans nul doute la prose avec laquelle Abd Al Malik écrit ses chansons mêlant argot local et références littéraires. Le film redonne ses lettres de noblesse à cet art en voie de disparition qu’est le rap conscient (les posters d’Assassin et de Raekwon aperçus dans la chambre de Régis lui font d’ailleurs un bel hommage).

D’un point de vue purement formel, on saluera la façon dont les images sont magnifiées par un noir et blanc de toute beauté, source de mélancolie et de délicatesse romantique. On ne s’étonne néanmoins pas de constater que la mise en scène du réalisateur soit parfois approximative, et que les cadrages, d’une maladresse qui prouve un certain amateurisme. Le couple d’acteurs, le jeune Marc Zinga (vu cette année dans Les Rayures du zèbre) et la rayonnante Sabrina Ouazani (aperçue dans Le passé d’Asghar Farhadi), comme tous les interprètes du film, majoritairement non-professionnels, réussissent à être parfaitement convaincants.

On ressort de ce film avec la tête pleine de bon sentiments et de tolérance mais aussi la certitude d’avoir assisté à une première expérience cinématographique d’un artiste qui n’en maîtrise pas le potentiel suggestif, et a signé par défaut, un pamphlet qui traite frontalement chacun des thèmes qu’il aborde. Du fait de la vacuité actuelle du marché français de films socialement engagés, Qu’Allah bénisse la France de par son traitement intimiste de l’islamisation des jeunes, devient, malgré ses maladresses, une œuvre singulière qui espérons-le, inspirera de jeunes cinéastes, de tous horizons, pour s’élever contre les propos racistes qui gangrènent de plus en plus notre pays.

Qu’Allah bénisse la France : Bande Annonce

Qu’Allah bénisse la France: Fiche technique

Réalisateur : Abd Al Malik
Interprètes : Marc Zinga (Régis / Abd Al Malik), Sabrina Ouazani (Sabrina Ouazani), Larouci Didi (Samir)
Scénario : Abd Al Malik
Photographie : Pierre Aïm
Montage : Kako Kelber
Musique : Abd Al Malik
Sociétés de production : G!braltar Films, Ad Vitam, France 2 Cinéma
Durée : 96 minutes
Genre : Chronique sociale
Date de sortie : 10 décembre 2014

France – 2014

God Help the Girl, une mélodie twee pop douce et naïve qui rend heureux

Synopsis : la jeune Eve écrit des chansons en rêvant de les entendre un jour à la radio. À l’issue d’un concert, elle rencontre James, musicien timide et romantique qui donne des cours de guitare à Cassie, une fille des quartiers chics. Dans un Glasgow pop et étudiant, ils entreprennent bientôt de monter leur propre groupe. Un film musical de Stuart Murdoch, leader du groupe Belle & Sebastian.

God Help the girl nous désarçonne, en mélangeant le genre musical au genre narratif, tout en se démarquant des comédies musicales classiques. Certes, l’oeuvre s’inspire des classiques comme Grease et La Mélodie du Bonheur, mais l’interprète de manière moderne. Le terme moderne est important ici, indiquant un re-nouveau. Car cette comédie musicale est unique, ce film étant l’adaptation d’un album concept « God Help the Girl » (2009), créé par le leader du groupe écossais de swee pop des années 90, « Belle et Sebastian ».

Une idée de film originale, qui se transforme en pari risqué pour Stuart Murdoch. Sans l’incroyable participation financière des fans grâce à un site de Kickstarter, mais aussi l’aide du producteur Barry Mendel (connu pour avoir produit des films de Wes Anderson et Night Shyamalan), God Help the girl aurait pu ne jamais voir le jour.

Ce film-clip musical dépeint la dépression d’une jeune adolescente, Eve, qui fuit la réalité de sa maladie dans la musique et le Glasgow des années 90. Emily Browning interprète très pudiquement ce personnage hors nome, sachant montrer sa fragilité, mais aussi sa persévérance à accomplir son rêve. L’actrice nous berce de sa voix d’ange et on reconnait ici ses talents musicaux, qui avaient déjà été remarqués dans Sucker Punch de Snyder. Pourtant, la personnalité ambiguë d’Eve fait plutôt penser à son personnage d’Anna dans le film d’horreur Les Intrus de Charles et Thomas Guard : de la même manière, le spectateur se fit aveuglement au point de vue de l’héroïne, alors qu’un doute s’installe sur sa santé mentale tout au long du film.

A ces cotés, James (Olly Alexander) et Cassie (Hannah Murray), l’aident à s’intégrer dans un groupe et composer ses propres chansons. Le personnage très farfelu de Cassie, rappelle son homonyme de Skins. De nombreuses scènes l’évoquent : son choix de s’échapper par la fenêtre au lieu de passer tout simplement par la porte, ou encore son cornet de glace jeté à la va-vite pour courir rejoindre Eve.

Le réalisateur se reflète dans le personnage de James, en jeune guitariste gentil et un peu timide, qui fait tout pour aider Eve à réaliser son rêve. De la même manière qu’il a soutenu les chanteuses du groupe « God Help the Girl » à sortir leur propres chansons. Stuart s’est d’ailleurs beaucoup inspiré des histoires et expériences vécues avec le groupe « Belle et Sebastien ». Mais James tombe malgré lui sous son charme, et s’en mord les doigts. Car la belle, à l’image de l’héroïne Anna Karenine, est déjà éprise du mauvais garçon, Anton (Pierre Boulanger). Pourra t’elle s’en rendre compte avant qu’il ne soit trop tard et faire le bon choix?

Une certaine influence d’autres réalisateurs de comédies musicales se perçoit à travers les scènes musicales, mais pas seulement. L’esthétique colorée, le style vestimentaire des personnages, et même ces figures d’enfants/adultes rappellent l’univers de Wes Anderson (Moonrise Kingdom, The Grand Budapest Hotel, etc). Si le réalisateur nie toute influence de Jacques Demy, ( » Je n’ai vu aucun des ses fims. (…) Je n’aime pas les films musicaux. Ce qui est ironique, bien sur venant de quelqu’un dont le premier film est une comédie musicale »), il y a pourtant une ressemblance dans la chorégraphie synchrone, les décors en accord avec les costumes, et ces dialogues chantés qui nous font oublier presque que God Help the girl est un film. Des passages du sépia, aux filtres colorés puis aux négatifs et surimpressions, tout y passe pour rendre les scènes musicales très fantaisistes et irréelles. Ces moments où Emily Browning chante en regardant la caméra, nous ramènent à cette univers musical très décalé, qui heureusement, ne dure pas tout le film : ces séquences sont certes appréciables, mais parfois déstabilisantes pour le spectateur.

Les voix des acteurs ont parfois été mal synchronisées. Certes, ils n’étaient pas les chanteurs d’origine. Le liping (synchronisation du mouvement des lèvres avec l’image) parait décalé par moment, ce qui est une erreur frappante pour une comédie musicale. Puis la caméra qui voltige, toise les acteurs dans leur chorégraphie, en diagonale, puis en verticale, donne presque le vertige. Enfin, ce montage qui imite le clip musical et mélange les genres, donne une fois encore une dimension trop décalée par rapport au récit.

La B.O. du film est bien sur centrale, puisqu’il s’agit ici d’un film adapté d’un album concept, les paroles relatent les petites aventures d’Eve. Afin de mieux appréhender le film et son univers, il est indispensable d’apprécier ce style musical de vocal girls très mélancolique. Voici quelques extraits :

– The Psychiatric Is In

– If you could speak

– I’ll have to Dance with Cassie

Bien qu’étant assez abstrait et lyrique, le problème de dépression d’Eve est abordé avec finesse, et sans tomber dans le pathétique : God Help the girl garde le ton léger de la comédie tout de long. En contraste, l’histoire parvient à traiter sérieusement le problème d’Eve qui doit arrêter de fuir, accepter de se faire soigner, pour enfin devenir la chanteuse qu’elle veut être. Un combat qui se manifeste dans sa passion pour la musique et le chant. En toile de fond, c’est la situation des jeunes de Glasgow qui est dépeinte, tout en opposant l’univers rock à la pop, les neds aux jeepsters. Des univers et des époques qui se mélangent et créent cette esthétique typique des films anglais.

Fiche Technique – God Help the girl

Réalisateur : Stuart Murdoch
Producteur : Barry Mendel
Scenariste : Stuart Murch
Casting : Emily Browning (Eve); Olly Alexander ( James); Hannah Murray (Cassie), Pierre Boulanger (Anton)
Durée : 111 minutes
Origine : Grande Bretagne
Date de sortie (FR) : 03/12/2014

Critique du film, Le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées

Synopsis : Atteignant enfin la Montagne Solitaire, Thorïn et les Nains, aidés par Bilbon, ont réussi à récupérer leur royaume et leur trésor. Mais ils ont également réveillé le dragon Smaug qui déchaîne désormais sa colère sur les habitants de Lacville. A présent, les Nains, les Elfes, les Humains mais aussi les Wrags et les Orques menés par le Nécromancien, convoitent les richesses de la Montagne Solitaire. La bataille des cinq armées est imminente et Bilbon est le seul à pouvoir unir ses amis contre les puissances obscures…

Un adieu à la Terre du Milieu assez décevant

Les aventures du Hobbit arrivent à leur terme, après que Peter Jackson ait laissé monter la pression par le biais d’un second opus qui se terminait d’une certaine manière à la limite du sadisme. Un troisième et ultime opus qui vient clore une trilogie qui aura su faire couler beaucoup d’encre parmi les spectateurs, certains ayant été aux anges jusque-là, d’autres n’étant toujours pas convaincus par l’entreprise d’adapter un livre de 300 pages (environ) en trois longs films. Si ce dernier argument n’était qu’une question de point de vue, il va pourtant se révéler être unanime aux yeux de tous, cette fameuse Bataille des Cinq Armées se présentant comme l’épisode le moins réussi de la saga (Le Seigneur des Anneaux y compris).

Comparer Le Hobbit avec l’autre trilogie a toujours été une réaction absurde. Certes, Peter Jackson a réalisé l’intégralité des films en reprenant la même équipe de tournage et des décors similaires. Mais les deux histoires de base étaient en tout point différentes : Bilbo le Hobbit se présentait sous la forme d’un conte pour enfants (d’où la légèreté de l’ensemble et quelques chansons rigolotes), Le Seigneur des Anneaux se montrait plus mature, plus violent (l’atmosphère y était beaucoup plus sombre). Que la saga du Hobbit n’ait rien à voir avec la première, c’est normal voire fidèle aux œuvres elles-mêmes. Seulement, avec ce film, Peter Jackson devait à tout prix établir la connexion avec Le Seigneur des Anneaux, faisant de cette comparaison une évidence qui va lui être fatale.

Non pas que le long-métrage soit mauvais, loin de là. Avec ce troisième opus, Peter Jackson a voulu se montrer généreux niveau spectacle, le changement de titre (Histoire d’un aller et retour à La Bataille des Cinq Armées) représentant parfaitement cette ambition. Du coup, le film démarre aussitôt là où le précédent avait laissé le spectateur (l’attaque de Lacville par Smaug), pour continuer sur la préparation de ladite bataille qui va occuper une place importante dans cet épisode (soit 75% de son contenu) jusqu’au dénouement tant attendu. Et question action et autres moments héroïques, le film n’en manque aucunement. Peter Jackson prouve une fois de plus qu’il est passé maître dans l’art du divertissement en arrivant à proposer des séquences sur le papier invraisemblables (dont les cabrioles de Legolas) tout bonnement récréatives et jouissives. Le tout servi par de bons acteurs qui rendent leur personnage respectif attachant (la mort de certains vous toucheront), des effets spéciaux de qualité et une bande son exceptionnelle. D’autant plus que Jackson s’est (encore) permis quelques libertés avec le livre pour, justement, renforcer l’intérêt du spectateur vis-à-vis de l’histoire : le travail scénaristique des personnages (Thorïn, Bard, Tauriel…), la modification de certaines séquences pour les rendre plus palpitantes à l’écran… En somme, tous les ingrédients qui font un blockbuster de qualité sachant divertir !

Malheureusement, cette bataille va en décevoir plus d’un, à cause du scénario qui montre qu’adapter Bilbo le Hobbit en trois films n’était pas la meilleure des idées. Le Retour du Roi (la comparaison rentre en scène !) proposait une bataille somptueuse, celle-ci étant découpée de moments parallèles bien écrits et puissants, qui renforçaient le côté spectaculaire de l’ensemble. La Bataille des Cinq Armées, c’est un affrontement qui s’éternise avec de simples duels (dont Thorïn face à Azog) prenant le pas sur la bataille principale (Peter Jackson ne semblant s’intéresser qu’à eux) et qui semblent avoir été ajoutés pour meubler le film (ce dernier n’ayant pas grand-chose à raconter), pour lui permettre d’atteindre une durée « rachitique » (par rapport aux films précédents) de 2h30 et se clôturer sur un dénouement expédié à la va-vite. En somme, La Bataille des Cinq Armées est un divertissement qui part dans tous les sens pour pas grand-chose et pour moins spectaculaire. La faute également aux effets numériques, toujours aussi beaux, mais qui atteignent ici leur limite : s’ils apportaient du charme et un côté enfantin aux deux premiers opus, ils rendent la fameuse bataille moins crédible et donc moins palpitante qu’annoncée. Le long-métrage est peut-être devenu un peu plus sombre pour ce rapprocher du Seigneur des Anneaux, il ne lui arrive pourtant pas à la cheville, manquant singulièrement de souffle. Ni même à celle des séquences des autres opus, comme la dernière demi-heure de La Désolation de Smaug.

Le fait qu’il s’agisse de la version cinéma (la longue, qui proposera 30 minutes supplémentaires, devrait débarquer dans les bacs en novembre 2015) mais aussi de l’épisode le plus court renforce également le côté décousu et brouillon du film. En plus de s’éterniser sur la bataille, cette version balance aux spectateurs des invraisemblances qui seront (sans doute) corrigées dans la longue : le sauvetage de Gandalf à Dol Guldur, Thranduil envoyant son fils Legolas à la rencontre d’Arathorn, l’intervention des Aigles chevauchés par Radagast et Beorn, le fait que Bilbon rentre chez lui avec un coffre… Tous les films de la saga se sont présentés ainsi, mais jamais cela ne se voyait autant : les coupures sont visibles comme le nez au milieu de la figure, donnant l’impression d’avoir une version incomplète au possible.

Le film est beau et remplit son cahier des charges avec savoir-faire. Peter Jackson, en tant que créateur de divertissements, n’a plus rien à prouver, sans l’ombre d’un doute ! Mais contre toute attente, La Bataille des Cinq Armées n’est pas la conclusion que le spectateur était en droit d’attendre. Au lieu d’avoir le graal en matière d’heroic fantasy, il se retrouve avec un film bancal et pas aussi généreux qu’il prétendait l’être. Un adieu à la Terre du Milieu assez décevant, qui peut encore se rattraper avec sa version longue. Mais à cause de cet opus, il est enfin clair que la trilogie du Hobbit n’a pas su rivaliser avec celle du Seigneur des Anneaux, et c’est fort dommage. Peut-être que l’attente était un peu trop forte. Il n’empêche que le résultat est là…

Le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées – Bande-annonce

Fiche technique – Le Hobbit : la Bataille des Cinq Armées

Titre original : The Hobbit : The Battle of the Five Armies
États-Unis, Nouvelle-Zélande – 2014
Réalisation : Peter Jackson
Scénario : Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens et Guillermo del Toro, d’après l’oeuvre de J.R.R. Tolkien
Interprétation : Martin Freeman (Bilbon Sacquet), Ian McKellen (Gandalf), Richard Armitage (Thorïn), Luke Evans (Bard), Evangeline Lilly (Tauriel), Lee Pace (Thranduil), Orlando Bloom (Legolas), Cate Blanchett (Galadriel)…
Date de sortie : 10 décembre 2014
Durée : 2h36
Genres : Fantastique, aventure
Image : Andrew Lesnie
Décors : Simon Bright
Costumes : Ann Maskrey et Richard Taylor
Montage : Jabez Olssen
Musique : Howard Shore
Budget :  250 M$
Producteurs : Peter Jackson, Fran Walsh, Carolynne Cunningham et Zane Weiner
Productions : New Line Cinema, Metro Goldwyn Mayer, WingNut Films et 3Foot7
Distributeur : Warner Bros. France