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La Review Cannoise de Paterson, film agréable et poétique, méritant sa place dans la compétition officielle du festival de Cannes

Synopsis : Paterson vit dans la ville des poètes : Paterson, dans le New Jersey. Âme de poète et chauffeur de bus de profession, nous suivons son quotidien bien rangé, accompagné de sa femme Laura, et de leur chien Marvin…

Paterson est indirectement un poème qui raconte la vie banale d’Adam Driver, qui nous offre une nouvelle fois une très belle performance comme on a l’habitude de voir depuis quelque temps.

Le long-métrage suit le quotidien de Paterson et de sa petite vie tranquille tout le long d’une semaine. On pourrait reprocher au réalisateur de ne pas sortir du simple déroulement de la journée du personnage – réveil, travail, maison, promenade, bar – mais surtout de risquer d’ennuyer le spectateur en suivant ces activités qui se répètent chaque jour sans vrais rebondissements.
Mais le pari est réussi, on suit une banalité sur un ton décalé, rempli d’humour et de légèreté. Les trois personnages feront sourire le public, ils sont tous développés au même niveau, y compris le petit chien Marvin, attendrissant, drôle, humain dans ses gestes et ses actions, comme un vrai membre de cette famille.

Le long-métrage est d’autant plus profond à travers les poèmes de Paterson, qui accompagnent notre visionnage. Ce personnage simple, qui se refuse de s’ancrer dans notre société actuelle, réussie à nous émouvoir derrière son côté presque naïf qui contrebalance la folie de sa femme Laura, toujours en tête de se découvrir de nouveaux hobbies.
Ce qui est surprenant, c’est la simplicité des poèmes, sans rimes, sans rythme, presque fades, et qui pourtant arrivent à nous attraper, tout en découvrant la ville de Paterson qui est aussi un personnage à part entière.

Ainsi, notre héros semble s’inspirer de sa ville pour écrire sa poésie, trouver son inspiration, nous suivons un être pensif, très intérieur ne s’exprimant pas totalement face à l’extravagance de sa femme, mais qui reste touchant, et nous rappelle que l’on peut être heureux dans une vie simple et sans artifice.

Nous pourrions regretter la quasi-absence de scénario, car le récit, presque burlesque par moment, se construit uniquement dans le cheminement répétitif de Paterson qui arrive à se contenter de ce qu’il a, en recherchant le sens profond de sa vie d’artiste, et reprend fidèlement l’âme du poète : posé, réfléchi, en décalage par rapport aux autres.

Paterson est surprenant car ils nous interpelle sans que l’on sache vraiment pourquoi, prouvant qu’il a sa place parmi la sélection officielle du festival de Cannes 2016.

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Paterson

Un film de Jim Jarmush
Avec Adam Driver, Golshifteh Farahani, Trevor Parham, Kara Hayward
Distribution (France) Le Pacte
Durée : 115 minutes
Genre : drame
Date de sortie : indéterminée

Paterson : Extrait

Cannes 2016 : Remise des prix à la Semaine de la Critique et la Quinzaine des Réalisateurs

Le Festival touchant à sa fin, les premiers prix sont décernés.  La Semaine de la Critique est une sélection de films de jeunes talents internationaux que le jury récompense par un prix et une dotation financière, pour que ces nouveaux cinéastes persistent à s’engager dans la création cinématographique. Le Prix France 4 récompense d’ailleurs le premier ou second long métrage d’un cinéaste.

Ainsi au terme d’une dizaine de jours de projections, le jury présidé par Valérie Donzelli a liivré son palmarès. Ce dernier semble récompenser un cinéma oriental bienvenu, également salué par la presse, sur lequel on peut compter à l’avenir

Grand Prix Nespresso : Mimosas de Oliver Laxe (Esagne, Maroc, France, Qatar )

Prix Révélation France 4 : Album de Famille (Albüm) de Mehmet Can Mertoğlu (Turquie, France, Roumanie)

Prix Découverte Leica Cine du court métrage



 : Prenjak de Wregas Bhanuteja (Indonésie)

Les partenaires de la Semaine de la Critique ont également remis quelques prix : Prix Fondation Gan à la Diffusion


 pour One Week and a Day (Shavua Veyom) de Asaph Polonsky, Prix SACD pour Diamond Island de Davy Chou et le Prix Canal + du Court Métrage pour L’Enfance d’un Chef de Antoine de Bary. A savoir que dans la sélection de la Semaine de la Critique, Grave de Julie Decournau a obtenu le Prix FIPRESCI de la sélection, soit la récompense de toute la presse internationale.

Pour plus d’informations : http://www.semainedelacritique.com/

Quant à la Quinzaine des Réalisateurs, ce n’est pas une section compétitive. Néanmoins les partenaires de la sélection peuvent remettre des prix. Ainsi dans une sélection qui aura moins marqué les esprits que l’an passé (avec Trois souvenirs de ma jeunesse d’Arnaud Desplechin et Cemetery of Splendour de Apichatpong Weerasethakul ), c’est la regrettée Solveig Anspach (décédé en août dernier) qui a reçu un honorable prix pour son ultime film, L’Effet Aquatique. Le cinéma de femmes a également récompensé par le très-remarqué Divines de Houda Benyanima qui reçoit une Mention Spéciale. A noter que la France est extrêmement présente dans ce palmarès.

Prix SACD : L’Effet Aquatique de Solveig Anspach (France, Islande)

Mention Spéciale  : Divines de Houda Benyanima (France)

Label Europa Cinema : Mercenaires de Sacha Wolff (France)

Prix Art Cinema Award : Wolf and Sheep de Shahrbanoo Sadat (Danemark)

Prix Illy du court métrage : Chasse Royale de Lise Akoka et Romane Gueret (France)

Plus d’informations : http://www.quinzaine-realisateurs.com/

Cannes 2016 : Le Jury Un Certain Regard récompense la Finlande

Le Jury Un Certain Regard présidé par la grande Marthe Keller a récompensé un pays dont on connaît trop peu la production, la Finlande à travers The Happiest Day in the Life of Olli Mäki, le premier long métrage de Juho Kuosmanen.

Entièrement en noir et blanc, le film revient sur l’histoire vraie d’Olli Mäki, un boxeur finlandais qui prétend au titre de champion du monde poids plume. Mais son amour pour une fille de son entourage va le faire dévier de son objectif initial. La Présidente Marthe Keller a déclaré à propos du film qu’il est « d’une grâce infinie, d’une originalité incroyable […] C’est un film qui a un regard certain sur ce qui concerne le bonheur, selon lequel on n’a pas nécessairement besoin de l’argent, de la réussite et de la compétition ». Comme c’est un premier film, il concourt également pour la Caméra d’Or qui récompense les premiers longs métrages et sera remise dimanche soir.

Quatre autres prix ont également été décernés par le jury. Harmonium (Fuchi Ni Tatsu) de Fukada Kôji a obtenu le Prix du Jury, Captain Fantastic de Matt Ross s’est vu remettre le Prix de la Mise en Scène, les sœurs Delphine et Muriel Coulin pour Voir du Pays ont été récompensées par le Prix du Scénario et enfin, un Prix Spécial a été remis à La Tortue Rouge de Michael Dudok de Wit. Toujours dans la catégorie Un Certain Regard, le Prix FIPRESCI a été remis à Dogs de Bogdan Mirica par un jury composé de 300 journalistes internationaux.

Rendez-vous dimanche soir pour le palmarès tant-attendu de la compétition internationale, soumis au  jury de George Miller.

Cannes 2016 : Les premiers prix décernés

Alors que le palmarès cannois se fait plus que désirer et qu’aucun pronostique ne permet à l’heure actuelle de donner un véritable favori pour la Palme d’Or, plusieurs prix viennent déjà d’être remis. Outre les palmarès d’un Certain Regard et de la Semaine de la Critique, les prix FIPRESCI et du jury œcuménique viennent tout juste d’être décernés

Le Grand Prix FIPRESCI est un prix de la presse internationale, composé d’environ 300 critiques à travers le monde. Cette année, ils ont récompensé l’hilarant Toni Erdmann de Maren Ade. Dans la sélection Un Certain Regard, c’est le roumain Bogdan Mirica qui a été honoré du prix pour son Dogs. tandis que Grave de Julia Ducournau a également reçu cette belle récompense dans la section Semaine de la Critique. Ces deux cinéastes réalisaient leur premier long métrage et peuvent encore prétendre demain à la prestigieuse Caméra d’Or.

Malgré les retours mitigés de son dernier film, le jury œcuménique a tenu à récompenser Juste la fin du monde de Xavier Dolan, ce dernier se disant très surpris. Pour rappel le jury œcuménique est composé de chrétiens engagés dans le monde du cinéma (journalistes, réalisateurs, enseignants). Le jury a également décerné deux mentions, l’une pour American Honey d’Andrea Arnold, l’autre à Ken Loach pour son Moi Daniel Blake.

La Queer Palm quant à elle a récompensé le documentaire Les Vies de Thérèse de Sébastien Lifshitz et le court métrage Gabber Lover d’Anne Cazenave-Gambet. Plus anecdotique, la désormais très célèbre Palme Dog a été décerné au chien Nellie, pour sa performance canine dans Paterson de Jim Jarmusch.

Peut-être que demain soir, certains de ses titres de la compétition se retrouveront aussi dans le palmarès du jury présidé par George Miller.

[Critique] Baccalauréat

Synopsis : Eliza est une jeune lycéenne en train de passer le bac avant de partir l’année suivante pour l’Angleterre. Après avoir été agressée un matin en allant à l’école, son père essaye de l’aider à surmonter ce traumatisme pour qu’elle obtienne de bons résultats aux derniers examens afin d’obtenir sa bourse…

Un père désespéré pour sauver sa fille

Baccalauréat, dernier film de Cristian Mungiu en compétition officielle au Festival de Cannes, est assez surprenant dans sa décision de traiter principalement du comportement du personnage de Romeo, interprété par Adrian Titieni. Alors que nous pensions suivre une relation père-fille, ou le parcours d’Eliza qui cherche à se relever après son agression, l’angle d’approche se place dans le devoir paternel de protéger sa fille, et de l’aider à obtenir son baccalauréat par tous les moyens.
Par conséquent, nous regrettons l’absence d’Eliza qui est un personnage pas assez développé; il aurait été tout aussi intéressant de voir de façon plus approfondie son  ressenti face à la situation.
En contrepartie, Romeo est le cœur du long-métrage, présent dans chaque séquence. On s’intéressera ainsi surtout à son évolution et les enjeux autour du personnage.

D’une certaine manière, le père d’Eliza sera probablement le personnage le plus intéressant mais aussi le plus détestable, à travers son dilemme sur ce qui est juste et ce qui doit être fait pour qu’Eliza obtienne son diplôme. Sa morale et toute son éducation seront remises en  cause.
C’est un père désemparé, assez antipathique dans sa vie privée, trompant sa femme et forçant sa fille à partir pour Cambridge. Romeo aime définitivement sa fille, il veut la protéger mais ne le montre pas de la bonne manière, il voit en cette dernière la victoire sur la vie qu’il n’a jamais connue avec sa femme.
En effet, au lieu de la soutenir après ce choc, il tient absolument à la convaincre d’avoir les meilleures notes pour obtenir la bourse dans le but de quitter la Roumanie.
De ce fait, le discours de ce film en est presque immoral avec un père prêt à tout, même à risquer une fraude, que sa fille triche pour l’obtenir. Il finit par en oublier les principes qu’il lui a transmis, laissant son enfant déchirée entre ce qu’elle croit et ce que son père veut qu’elle fasse lors des examens.

Adrian Titieni montre ses fêlures, s’ouvre complètement, mais nous avons du mal à voir où le réalisateur veut aller avec ce personnage. D’un côté il pourrait se sacrifier pour sa fille comme tout parent, nous ressentons son amour et sa peine dus au traumatisme. Mais dans un second temps, il se perd complètement jusqu’à la fin de Baccalauréat où on comprend qu’il s’assimile à sa fille, comme si c’était son rêve de partir, avec sa liaison qu’il entretient depuis plus d’un an; au fond de lui il montre sa vie comme un échec qu’il cherche à fuir.

En dehors de ce rôle assez complexe, mais bien écrit, il est navrant de voir un développement quasi inexistant des autres personnages, que ce soit dans leur évolution ou dans leur aboutissement trop simpliste. Une fois encore, nous regrettons le manque d’intérêt pour le personnage d’Eliza, qui n’est qu’un prétexte pour révéler les failles de son père, alors que Cristian Mungiu aurait pu montrer un peu plus du caractère d’Eliza et comment elle s’est sentie après l’agression. La mère d’Eliza aurait pu avoir un traitement au moins égal à celui de Roméo, elle se montre très  inférieure en ne se mettant pas face aux manipulations de son mari. De plus il est assez difficile de comprendre les rôles de la maîtresse et de la mère de Romeo qui gravitent uniquement autour du personnage de Titieni.

Au lieu de laisser une conclusion plutôt  amère, nous sentons qu’Eliza pardonne, ou serait sur le point de pardonner, son père qui lui a mis beaucoup plus de pression que de  soutien suite au choc qu’elle a vécu.
Le scénario, qui proposait des réflexions intéressantes, perd en intensité et en crédibilité à cause de la résolution simplifiée de son intrigue et de cette famille qui se déchire n’apportant pas de vraies réponses quant à leur destin.

Baccalauréat : Bande-annonce

Baccalauréat : Fiche Technique

Titre d’origine : Bacalaureat
Réalisation : Cristian Mungiu
Scénario : Cristian Mungiu
Interprétation : Maria Drägus (Eliza), Adrian Titieni (Romeo), Lia Bugnar (Magda), Mälina Manovici (Sandra), Vlad Ivanov (l’inspecteur), Gelu Colceag (le président du Comité d’examen), Rares Andrici (Marius), Eniko Benczo (Mme Mariana)
Photographie : Tudor Vladimir Panduru
Montage : Mircea Olteanu
Producteurs : Cristian Mungiu, Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne, Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat, Jean Labadie, Vincent Maraval, Tudor Reu
Sociétés de production : Mobra Films Productions, Why Not Productions, Les Films du fleuve, Le Pacte
Pays d’origine : Roumanie
Durée : 127 minutes
Genre : Drame

Roumanie – 2016

Le Client (Forushande) d’Asghar Farhadi : un film qui fait beaucoup de bien au festival, notamment en compétition officielle, et au-delà de l’événement, au cinéma.

Synopsis : Contraints de quitter leur appartement du centre de Téhéran en raison d’importants travaux menaçant l’immeuble, Emad et Rana emménagent dans un nouveau logement. Un incident en rapport avec l’ancienne locataire va bouleverser la vie du jeune couple.

Notre Review cannoise d’une nouvelle pépite cinématographique bienvenue.

            Le Client est l’une des dernières surprises de la compétition officielle. Le film d’Asghar Farhadi est un drame qui tend au film policier, et inversement. En effet, l’une des forces du film d’Asghar Farhadi que nous avons notées est sa capacité à créer un équilibre entre le polar et le drame ; et même un film hybridant ces genres ; ou encore une œuvre dramatique filmant la vie dans laquelle le spectateur retrouve des éléments du film policier. Mais le public n’aurait pas tort, et alors nous non plus, d’y voir un polar. En effet, Asghar Farhadi a confirmé, comme pour ses précédents films, s’être dirigé vers ce genre. Il a notamment déclaré à la conférence de presse : «  Ceux qui veulent juste voir un film haletant (peuvent) ainsi le voir. » Ce respect de tous les publics fait du Client le long métrage le plus ouvert à tous, sans qu’il soit explicitement dans la drague de tous les spectateurs. Aucun twist n’est présent pour retenir l’attention du spectateur, ni aucune mise en place d’un  sombre passé qui viendrait à se révéler au fur et à mesure du film.

            Non, Le Client est humain, ni plus ni moins. Il s’agit de la vie d’un couple qui va être bouleversée d’une manière que d’autres ont connues et connaitront encore probablement : une agression sur la femme du couple, sans qu’on sache jamais si elle fut sexuelle ou non. On suit alors leur quotidien, qui sera de plus en plus difficile à partir de l’accident. Acteurs d’une pièce de théâtre, leurs jeux sont aussi touchés par l’agression. Et cet espace théâtral voit sa fiction contaminée par la réalité : ainsi Emad affrontera l’ami qui leur a prêté le logement sans avoir prévenu que la propriétaire était une prostituée ; Rana fondra en larmes à cause du regard d’un spectateur ; enfin le couple, maquillé de manière à passer pour plus âgés, restera finalement dans le silence, dans une confrontation des regards. La puissance dramatique mise en place par Asghar Farhadi mérite bien des compliments tant elle n’a pas besoin d’utiliser des effets, musicaux par exemple (aucune musique extradiégétique n’est utilisée dans l’ensemble du film), le silence, les respirations, les voix et les sons du monde s’entremêlent pour créer la symphonie de ce couple et de leurs perturbations, ainsi celle de leur place dans l’Iran urbanisé mais accidenté, silencieux et bruyant, reconstruit et pourtant déjà fini. Il s’agit ainsi de filmer un couple en transition dans un pays qui l’est tout autant.

           Ce moment de vie, mêlé au polar par on ne sait quelle génie de l’écriture, a été l’un des plus beaux et touchants temps de ce festival de Cannes, dont la sélection officielle des films compétition, qui était en demi-teinte, vient de retrouver la lumière.

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Le Client

Titre original Forushande

Un film de Asghar Farhadi
Avec Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi…
Genre : Drame (2h05min )
Nationalités : Iranien, Français
Distributeur : Memento Films Distribution
Sortie nationale : 2 novembre 2016

Le nouveau NWR, The Neon Demon, s’est dévoilé à Cannes: Une Expérience Unique de Cinéma.

Synopsis : Une jeune fille débarque à Los Angeles. Son rêve est de devenir mannequin. Son ascension fulgurante et sa pureté suscitent jalousies et convoitises. Certaines filles s’inclinent devant elle, d’autres sont prêtes à tout pour lui voler sa beauté.

Review Cannoise The Neon Demon de Nicolas Winding Refn

            The Neon Demon divise les spectateurs, journalistes et autres passants du festival de Cannes. « Vide » aura-t-on pu entendre d’un côté, « grandiose » de l’autre, ou encore ici sur la croisette, « Non merci » de la part d’une journaliste ayant quitté la séance. Il s’agira à travers ce très bref écrit non pas de brasser différentes lectures du film, ni même d’en commencer une, mais de tenter par le processus de l’écriture de digérer un peu plus vite l’expérience cinématographique vécue par CineSeriesMag.

            À coup d’obscurité et de lumières colorées, plus radicalement que dans Only God Forgives, le réalisateur dessine les espaces ou, au contraire, les efface. Ainsi l’espace tridimensionnel de travail du photographe est tellement blanc et lumineux qu’il disparaît dans une sorte d’informité, de vide, de cosmos blanc. Lorsque Jessie arrive au centre, elle apparaît comme un ovni dans cette homogénéité spatiale. Le personnage incarné par Elle Fanning est juste la perle rare. Elle n’est que « pure beauté », notamment parce qu’elle est « vraie », sans artificialisation de son corps de par des opérations chirurgicales.

            En effet, The Neon Demon traite beaucoup des images, notamment de la place de la femme dans les images médiatisées, plus précisément celle des modèles de mode. Femmes objets ou libérées, mannequins de chair et de sang (voir la photographie ci à droite),  ou corps reconstruits, êtres jetables après consommation avec une date d’obsolescence (on entendra différents âges dans le film), êtres déconnectés du commun des mortels, en quête de l’éternelle jeunesse, au point de vampiriser celle des autres en la dégustant… Refn établit une multitude de portraits et de voies de réflexions possibles sur ces « personnages ». L’utilisation du mot « personnages » n’est pas anodine, puisque ces corps sont fabriqués, construits, inventés, manipulés, tout comme leur parcours (l’âge de Jesse sera falsifié).

            Jesse, la perle, l’unique, l’élue, est pure et libre. Elle avance seule, cherchant à atteindre un état qui dépasse les statuts d’adolescente et de jeune femme (à gauche une image d’elle ayant atteint – d’une certaine manière dont nous laissons la découverte – une maturité), la grâce. Alors qu’elle progresse, son chemin se dessine à travers la pénombre avec l’apparition de formes colorées lumineuses. Elle arrive face à la forme qui l’obsède, pour en faire partie, et connaître alors une évolution. Mystifiée, hypnotisée, Jesse expérimente une ou plusieurs puissances incroyables, à notre image, hypnotisée et charmée par les forces mises en œuvres par Refn, voire libérée par son travail.

            Les espaces dessinés par Refn et aussi par la musique signée Cliff Martinez sont aussi – et la séquence stroboscopique en début du film l’explicite – des espaces à franchir par notre regard. Ces faisceaux et formes se reflètent sur nos yeux, pour s’y inscrire, et nous inviter, tel le monolithe de 2001 L’Odyssée de l’Espace, à franchir ces portes. Ainsi sommes-nous devenus des spectres grâce aux néons. Mais attention, les neon demons rodent. La projection touche à sa fin, et alors le périple Refn-ien jonché d’humour, de beauté, de poésie, de contemplation, de folie et d’horreur s’arrête ici, sur une image abstraite qui demandera probablement un effort de lecture. Plan final qui surprend, nihiliste, et qui avec sa soudaineté, amorcent un retour (trop ?) brutal à la réalité.

             Rappelons avant de nous lever des sièges de spectateurs et de quitter notre expérience imprimée sur nos rétines et même jusqu’à notre soi, qu’un tel film demandera un double effort au spectateur : se laisser aller, embarquer par Refn, et fournir un certain effort crânien pour une lecture du film plus optimale. Avec Refn, il ne s’agit pas d’aller consommer bêtement un film, d’aller superficiellement au cinéma, le réalisateur proposant notamment une expérience en cohérence avec les réflexions émises sur les êtres superficiels de la mode : nous ne sommes pas des mannequins tendant à copier l’élue Jessie. Comme l’a exposé la scène de torture d’Only God Forgives qui faisait l’autopsie d’un spectateur de cinéma (voir extrait ci-dessous), assis sur son siège, les bras posés, presque intégré au fauteuil, écoutant, regardant, Refn nous réfléchit comme des êtres actifs même dans la passivité de l’hypnose cinématographique, et croit en nous comme il croit en Jessie. Il a d’ailleurs déclaré à quelques journalistes, dont LeMagduCiné, qu’il n’était pas un génie, mais que le génie revenait au public. Nicolas Winding Refn veut nous faire toucher la grâce et plus que ça, nous la faire vivre.

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The Neon Demon

Un film de Nicolas Winding Refn
Scénario : Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Poly Stenham
Avec Elle Fanning, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Karl Glusman
Musique : Cliff Martinez
Distribution France : The Jokers / Le Pact
Genre : Drame / Épouvante
Durée : 1h57min
Sortie française : 8 Juin 2016

The Neon Demon de Nicolas Winding Refn

La Review Cannoise de Pericle Il Nero, film de gangster agréable mais banal, sans grands intérêts, et au final oubliable

Synopsis : Périclès travaille pour Don Luigi, le chef d’un clan napolitain qui tient le trafic de drogue et les réseaux de prostitution de Liège et blanchit ses profits grâce à ses nombreuses pizzerias. Périclès a pour mission de punir quiconque défie Don Luigi. Un jour, pendant une de ses missions, il tue par erreur une femme appartenant à une autre famille napolitaine. Il a signé son arrêt de mort. Périclès se réfugie en France. Il rencontre Natacha et espère construire avec elle une nouvelle vie. Mais Don Luigi l’a trahi. Il a promis sa tête au clan ennemi. Périclès retourne en Belgique pour prendre sa revanche.

            « Mon patron s’appelle Luigino Pizza, tout le monde l’appelle comme ça à cause de ses pizzerias. Moi, je m’appelle Périclès Scalzone, et mon métier est de sodomiser les gens » entend-on en voix-off au début du film. Comme Les Affranchis, le long métrage nous fait suivre le récit à travers le point de vue du personnage principal, Périclès. Comme dans bien des films de gangsters, le héros commet une erreur et/ou est trahi. Poursuivi par les ennemis (qui sont soit la famille mafieuse ennemie, supporté par ses anciens collègues et patron, soit directement ces derniers), il fuit. Il fait une rencontre qui le bouleverse (ici celle d’une femme Anastasia, et de ses deux enfants). Il doit alors les protéger contre les tueurs envoyés, et il s’est donné pour mission d’obtenir de l’argent pour aider Anastasia à ouvrir une boulangerie. Il décide enfin d’agir contre son ancienne « famille », avec une nouvelle mission liée au changement.

            Vous pensez à Drive, aux Affranchis, aux Sentiers de la Perdition, à Ghost Dog et donc au Samouraï… Rassurez-vous, vous pensez bien. Le récit du film n’a aucune originalité hormis le fait (qui est aussi une blague du film) que le héros menace et humilie en sodomisant les ennemis de son boss. D’ailleurs si le film contient un certain humour, on ne peut s’empêcher de conjecturer que la partie dramatique a été fortement inspirée par le travail des frères Dardenne, d’ailleurs coproducteurs du film. En réalité, on pense directement à Pusher pour la forme du film et de ses quelques morceaux de violence (et même pour certaines parties de l’histoire). D’un tout autre côté, nous avons des révélations clefs amenées comme un camion dans un magasin de porcelaine. Leurs présences sont injustifiées, elles contribuent à une sur-dramatisation visant à rendre original ou du moins différent un récit vu, déjà-vu, mâché et digéré mille fois.

            La projection est terminée. Un certain sentiment de plaisir se dilue rapidement au fur et à mesure de la sortie de la salle. Parce que Pericle Il Nero est trop banal pour marquer, pas assez puissant pour nous laisser ne serait-ce qu’un vrai souvenir. Ni un mauvais film, ni un grand film, le long métrage de Stefano Mordini est un film de genre agréable à suivre, pour au final nous faire ni chaud ni froid, et rejoindre la liste cannoise des futurs oubliés, peut-même déjà celle mondiale et immense des œuvres oubliées.

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Pericle Il Nero

Un film de Stefano Mordini
Scénario : Stefano Mordini, Valia Santella, Francesca Marciano, d’après l’oeuvre de Giuseppe Ferrandino
Avec Riccardo Scamarcio, Marina Foïs, Valentina Acca, Gigio Morra
Production : Les Films du Fleuve, Buena Onda, Les Productions du Trésor, Rai Cinéma
Genre : Film de Gangster
Date de sortie cinéma : Indéterminée