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Joyeuse Fête des Mères, un film de Garry Marshall : Critique

Alexandre Léaud
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Synopsis : Chaque année, des millions de familles se retrouvent lors de cette occasion spéciale qu’est la fête des mères. Ce jour-là, les routes de plusieurs personnes vont se croiser…

Bienvenue au pays du kitsch

Après le film sur la Saint-Valentin (Valentine’s Day), le film sur le Jour de l’An (Happy New Year), que manquait-il comme journée spéciale à célébrer ? Noël étant le centre de moults histoires, le réalisateur Gary Marshall, après deux long-métrages choraux (et un Pretty Woman il y a fort longtemps), enchaîne avec son troisième sur le thème de la Fête des Mères. Un sujet fédérateur donc, puisque comme chacun le sait, tout le monde a une maman. Le but ici n’étant bien sûr pas de faire un film de cinéma mais plutôt de ratisser large car la figure de la mère sera déclinée dans toutes ses variables possibles. Après tout, qu’elle soit divorcée, décédée, adoptée ou raciste, on aime tous notre maman. Mais comme ça ne suffit pas, il faut bien sûr rajouter quelques intrigues amoureuses ici et là pour être sûr de n’oublier personne (parce que oui, avant d’être maman, il faut être en couple). Ce n’est pas le sujet principal du film, qui prendra une demi-heure en plus pour conclure toutes ces sous-intrigues qui sont là plus par convention qu’autre chose.

Qui dit film choral dit acteurs connus et la communication du film repose là-dessus. Ainsi, c’est Jennifer Aniston qui tient ce qui pourrait être le rôle principal de cette maman divorcée fantasque, jalouse de la nouvelle belle-mère de ses fils. Jason Sudeikis, lui, est un papa veuf et ne sait pas s’y prendre avec ses deux filles autant dire la figure du papa pas dégourdi déjà essorée à l’extrême. La présence de Julia Roberts est quant à elle totalement injustifiable. Affublée d’une perruque absolument affreuse, elle n’a aucune histoire ou intrigue valable, en bref aucun rôle, n’en déplaise à son toujours éblouissant sourire. Seule Kate Hudson surprend, avec une intrigue qui aurait pu être intéressante. Elle joue Jesse, dont la sœur est homosexuelle et dont les parents sont de parfaits américains attardés et puritains (comprendre par là racistes et homophobes), alors qu’elle-même est mariée à un Indien. Les deux frangines n’ont pas vu leurs géniteurs depuis plusieurs années et cachent ce que sont leurs vies aujourd’hui, jusqu’à ce que les parents débarquent et découvrent la vérité. Oh, mais on assisterait presque à un regard critique sur les Etats-Unis ? Non, il faut être fédérateur, et la grande famille va se recomposer sans aucune raison, puisque c’est bien connu, l’amour n’a ni couleur ni orientation sexuelle. Les motivations haineuses des parents sont balayées en un rien de temps, comme quoi dans la vie tout est simple parfois. Bref Joyeuse Fête des Mères, est lisse, propre, simple et kitsch. Une petite mention à l’actrice Britt Robertson qui sort un peu du lot mais dont l’histoire s’embourbe dans l’inintérêt le plus total.

Il s’agissait aussi d’un film comique. Toutes les blagues sont d’une facilité déconcertante. Ce n’est pas là nécessairement la faute du scénario et des comédiens, mais également de la mise en scène. Il n’y a aucune inventivité, aucune subtilité, la caméra est descriptive et se trouve surplombée d’une musique omniprésente et dégoulinante, bref, tout ce qu’il y a de plus ennuyant. Joyeuse Fêtes des Mères s’inscrit dans cette lignée de films américains sans aucune maîtrise de la mise en scène comme pourrait le faire un Edgar Wright (Shaun of The Dead, Le Dernier Pub avant la fin du monde). Autre chose à reprocher au long métrage enfin, son culturalisme marqué. C’est tout le modèle de vie WASP qui est décrit ici, avec notamment l’élévation de la Fête des Mères au rang de fête majeure et extrêmement commerciale (pour preuve, la sortie du film est décalée en France et aux Etats-Unis, la semaine juste avant ladite fête. L’enjeu marketing en devient évident et nauséabond). A force d’exporter des films américains pour les américains, on viendrait presque à perdre nos spécificités européennes et françaises, au profit d’une mondialisation affreuse. L’évocation par exemple de Liberace* ne dit rien à personne dans la salle et fait tomber à l’eau la vanne et sa chute, laissant un silence de mort régner dans la salle. Joyeuse Fêtes des Mères n’est pas un échec. C’est une franche réussite de ce qui a toujours été son but, faire plaisir. Ça ne marchera qu’avec certains.

Sans intérêt.

*Liberace est un musicien des années 50, connu pour son homosexualité qu’il a toujours caché. Voir le film de Steven Soderbergh Ma vie avec Liberace avec Michael Douglas et Matt Damon. N.A.

Joyeuse Fête des Mères : Bande-annonce

Joyeuse Fête des Mères : Fiche Technique

Réalisation : Garry Marshall
Scénario : Tom Hines, Lily Hollander, Anya Kochoff et Matthew Walker
Interprétation: Jennifer Aniston (Sandy), Julia Roberts (Miranda), Kate Hudson (Jesse), Jason Sudeikis (Bradleyà, Timothy Oliphant (Henry), Britt Robertson (Kristin), Sarah Chalke (Gabi), Shay Mitchell (Tina)…
Image : Charles Minsky
Montage : Bruce Green et Robert Malina
Musique: John Debney
Costumes : Marilyn Vance et Beverly Woods
Décor : Bob Kensinger
Producteur : Brandt Andersen, Howard Burd, Daniel Diamond, Mark DiSalle, Mike Karz, Wayne Allan Rice
Société de production : Rice Films, Gulfstream Pictures
Distributeur : UGC Distribution
Durée : 118 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 25 mai 2016

Etats-Unis – 2016

Grey’s Anatomy Saison 12, une série de Shonda Rhimes : Critique

Maxime Kasparian
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Le départ de Sandra Oh après dix ans de bons et loyaux services annonçait la fin d’une époque. L’année suivante, la mort du premier rôle masculin joué par Patrick Dempsey, et l’arrivée des personnages de Maggie et d’Amélia permirent une transition. Ainsi, une nouvelle ère commence dans Grey’s Anatomy saison 12.

Synopsis : Un an après la mort de son mari, Meredith revient à Seattle, vivre dans son ancienne maison avec ses enfants, et « ses deux sœurs » Maggie et Amélia. April, de son côté, cherche à reconquérir Jackson, alors que Bailey espère obtenir le poste de chef du service de Chirurgie…

Le début d’une nouvelle ère…

Après How To Get Away With Murder et Scandal, la troisième série du #TGIT Thanks God It’s Thursday s’est terminée le 19 mai.
Finalement, la question est de savoir si la série continue de tenir la route sans son couple mythique.
Revenons à présent sur les éléments qui prouvent que Shonda Rhimes n’a pas encore dit son dernier mot à travers des storylines de qualité où les spectateurs découvrent la nouvelle vie de Meredith.
Ce début de saison est assez classique avec des épisodes traditionnels sans gros rebondissements. La saison 12 se lance dans diverses intrigues plus ou moins bien écrites à partir des épisodes 5 et 6.

L’arrivée de Penny Blake ramène l’ombre de Derek au cœur de la saison. Nous pensons d’abord que l’entrée en scène de la femme responsable de la disparition du Dr Mamour à Seattle est exagérée, surtout qu’il s’agit du nouvel intérêt amoureux de Callie. Le drama pourrait sembler lassant et répétitif mais ce n’est pas le cas, car nous suivons une histoire passionnante et intelligente pour Meredith. Elle se montre forte et sage en décidant de prendre sous son aile cette résidente et en lui apprenant ses méthodes de chirurgie. Cette saison, nous découvrons une Meredith à l’écoute des autres, pour Penny, pour Alex, mais aussi pour les internes, en leur donnant des cours de médecine.
Le personnage de Penny n’a pas su trouver sa place au sein du public, mais il aura au moins l’intérêt de faire évoluer Meredith et d’apporter une storyline permettant, en fin de saison, de remettre en avant l’ancien couple Arizona/Callie autrement que sous l’angle romantique. En effet, Callie, qui veut partir avec Penny à New York, veut emmener sa fille, entrainant un conflit entre les deux mères prêtes à tout pour obtenir la garde, jusqu’au procès où Arizona réussira à récupérer Sofia.

Le personnage de Nathan Riggs arrivé en début de saison, interprété par Martin Henderson, apporte la nouvelle touche séduction en l’absence de Patrick Dempsey. D’abord pressenti par tous les fans comme le nouveau prétendant de notre héroïne, il dispose surtout de nouvelles informations sur le passé d’Owen, cachant toutes ces années l’existence d’une sœur décédée, la femme de Nathan.
Cependant cette histoire est mal amenée et trop étendue dans le temps pour que l’on reste accroché. Owen accepte mal la présence de son ancien ami à l’hôpital, responsable de la mort de sa soeur, nous rappelant (un peu trop) l’ancienne rivalité de Derek et Mark Sloan au début de la série. Heureusement, Nathan est un personnage qui se suffit à lui-même et qui devrait plaire aux spectateurs.
Enfin, le dernier personnage, et non des moindres, qui intègre la distribution est le petit Andrew Deluca, le nouvel interne, permettant d’apporter beaucoup d’humour et de légèreté pour contre balancer tous ces drames, notamment à travers sa relation secrète avec Maggie, dévoilant de nouvelles facettes plus romantiques de son personnage.

L’autre intrigue forte de la saison, en parallèle des histoires de Meredith et ses soeurs, est celle de Jackson et April.
Alors qu’elle est revenue dans l’espoir de recoller les morceaux avec son mari, ce dernier veut absolument être libre et demande le divorce. Nous avons « un avant et un après » dans leur dynamique. D’abord April qui tente comme elle peut de se faire pardonner jusqu’à l’épisode 11 consacré à leur couple et tout ce qu’ils ont vécu avant qu’elle accède à la requête de Jackson en signant les papiers du divorce. Seulement Shonda Rhimes réussit une nouvelle fois à faire vibrer le coeur des fans en laissant un espoir de voir les deux personnages se remettre ensemble avec la nouvelle grossesse surprise d’April. Ainsi, la seconde moitié de la saison nous montre le couple, tentant de communiquer, de trouver un terrain d’entente, pour le bien être de leur futur bébé.

Cette seconde moitié de saison est un tournant pour leur couple qui laisse espérer les fans de les voir se remettre ensemble, mais c’est aussi un tournant pour le personnage de Meredith qui présente aussi un « avant et un après ». D’abord en tant que femme qui essaye de se reconstruire sans l’homme de sa vie, malgré la présence de Penny. Les épisodes 9 et 10 clôturent le deuil de Meredith, laissant la femme vivre et espérer, un jour, retrouver l’amour. Ce 10ème épisode, premier épisode après la pause hivernale, à la reprise de janvier, sera probablement l’un des meilleurs de la saison d’un point de vue technique, réalisé par le célèbre Denzel Washington. Meredith, en froid avec sa sœur Amélia lui rappelant constamment l’absence de Derek, se fait violemment attaquer par un patient en état de choc. La rééducation de Meredith est autant physique que morale : elle se pardonne de continuer son chemin sans son mari et accepte de ne plus l’avoir auprès d’elle.
Par conséquent, à travers la saison 12, nous pouvons voir Meredith comme l’héroïne principale, ce qui nous avait manqué depuis longtemps. Le départ de Patrick Dempsey, bien qu’on le regrette, n’est pas un frein dans l’évolution des personnages et la bonne continuité de la série.

Néanmoins, la saison n’est pas sans défauts. Alors que certains protagonistes comme Meredith, Amélia, Maggie, Andrew, Nathan, Owen, Jackson et April, nous offrent de bonnes histoires, le reste du casting est assez secondaire, ce qui est désolant surtout pour Alex. Son couple n’évolue pas, il est insignifiant. Alors qu’on nous avait habitué à une certaine grandeur dans l’interprétation de Justin Chambers lors des premières saisons, depuis deux, trois ans, nous regrettons énormément le manque d’investissement de son personnage dans la série. Sa relation avec Jo (personnage assez détestable), n’évolue pas et tourne en rond, n’arrivant pas à nous interpeller ou nous intriguer. Nous trouvons le même problème avec Stephanie qui a le mérite d’avoir des storylines professionnelles intéressantes depuis l’année dernière. Mais elle ne développe pas de relations suffisamment fortes avec d’autres personnages pour que l’on veuille suivre son parcours avec celui de sa meilleure amie Jo.

Le final de la saison 12 résout l’ensemble des storylines lancées en septembre dernier. Amélia, qui a eu beaucoup de problèmes avec Meredith, semble avoir enfin trouvé le soutien de sa belle-sœur et l’amour d’Owen en l’épousant. April et Jackson ont eu leur bébé, laissant supposer un potentiel retour du couple pour la saison 13 et, Bailey semble refaire confiance à son mari pour opérer après ses erreurs lors du double-épisode-événement de mars dernier. Nous sommes attristés de voir partir Callie pour New York après une saison où elle était clairement en retrait par rapport au reste du casting, alors qu’il était prévu de retrouver un jour son couple formé avec Arizona.
Pour terminer, même si on apprécie le parcours de Meredith, on a du mal à comprendre la relation « des sœurs » Meredith/Amelia/Maggie qui est très inégale à cause du perpétuel conflit Amélia/Meredith avec toujours la même raison à l’origine de leur rivalité : la mort de Derek, seul point commun qui semble les réunir. Maintenant que les deux ont fait la paix, nous regrettons de voir une nouvelle querelle l’année prochaine entre Meredith et son autre sœur Maggie à cause d’un triangle amoureux.
En effet, la surprise de cette fin de saison (qui n’en est pas vraiment une) fut le rapprochement entre Meredith et Nathan qui ont beaucoup en commun à cause de leur perte respective. Seulement, Maggie semble aussi avoir le béguin pour le chirurgien cardio thoracique, laissant présager un conflit à venir entre les deux filles d’Elise Grey.

Conclusion ? Le pari est réussi, la saison 12 de Grey’s Anatomy parvient à se renouveler dans l’ensemble. Par contre, le départ surprise de Sara Ramirez, qui interprète Callie depuis plus de dix ans, personnage fort apprécié des spectateurs, nous prouve que la série se rapproche doucement de la fin. Il ne reste désormais que quatre acteurs de la distribution d’origine, nous restons curieux de voir jusqu’où comptent aller Shonda Rhimes et Ellen Pompeo pour faire durer la série au-delà de la prochaine saison 13.

La douzième saison de Grey’s Anatomy a réuni, en moyenne, 8 millions de téléspectateurs et un taux de 2,22 sur les 18/49 ans.
La série reviendra en septembre pour une saison 13 sur ABC.

Grey’s Anatomy Saison 12 : Bande-annonce

Grey’s Anatomy Saison 12 : Fiche Technique

Créateur : Shonda Rhimes
Scénario : Shonda Rhimes
Acteurs principaux : Ellen Pompeo, Justin Chambers, Chandra Wilson, James Pickens Jr, Sara Ramirez, Kevin Mckidd, Jessica Capshaw, Jesse Williams, Sarah Drew, Camilla Luddington, Jerrika Hinton, Caterina Scorsone, Kelly McCreary, Jason George, Giaccomo Gianniotti, Martin Henderson
Producteurs : Shonda Rhimes, Betsy Beers, Mark Gordon, James D. Parriott, Tony Phelan
Sociétés de production : ABC Studios, ShondaLand
Format : 24 épisodes de 42 minutes
Diffusion : ABC
Genres : dramatique, médicale
Etats-Unis – 2005

Cannes 2016 : Interview de Paul Lê pour La Vie Rêvée de David L (Marché du Film)

Benjamin Deneuféglise
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Cannes 2016 : Interview de Paul Lê pour La Vie Rêvée de David L (Marché du Film)

La richesse de Cannes n’est pas juste économique, elle est culturelle et artistique. De la sélection officielle à la semaine de la critique, le baroudeur peut faire un certain nombre de rencontres et de découvertes. Ce qu’a fait lemagduciné au Marché du Film du festival.

Nous avons rencontré Paul Lê, le co-réalisateur, coscénariste et coproducteur via Transkom de La Vie Rêvée de David L, un film qui conte l’arrivée d’un étudiant en droit dans une faculté d’arts, inspiré et même imprégné par les thèmes, des (morceaux de) récits, des éléments de l’œuvre cinématographique et picturale de David Lynch, ainsi que de sa jeunesse. Entre beauté pure de bien des images, poésie, sensualité et pittoresque des corps, mystère et tension, et humour absurde, La Vie Rêvée de David L est un beau premier film, récit initiatique d’un jeune homme à travers la vie universitaire, et de manière métafilmique, le témoin du début de deux cinéastes inspirés, passionnés et ne manquant pas de talents.

Le long métrage multi-récompensé de Paul Lê et Julien Pichard est l’un des nombreux films indépendants qui viennent ici chercher des distributeurs, c’est-à-dire des sociétés qui feront rentrer leur film sur l’un des circuits de diffusion : projection en cinéma ; VOD et site de streaming légal comme Netflix ; diffusion par la vente de dvd et autres supports…

Interview de Paul Lê, co-réalisateur de La Vie Rêvée de David L en hommage à David Lynch

Le film parle de Lynch, ou plutôt s’en inspire pour servir le récit d’un nouvel étudiant dans une fac ?

C’est une vraie fiction dont le point de départ a été Lynch, mais au-delà de ça, c’est vraiment le parcours d’un étudiant en art avec ce qui peut lui arriver. (…) D’ailleurs, le film a été projeté à Paris à des étudiants en arts (…) et on nous a même dit : « vous pouvez pas savoir à quel point vous êtes justes ! ».

Pouvez-nous parler de « l’aventure » du film ?

On fait le film, on prend le temps de le boucler, on a un prix en 2014 (…) mais la production est de 2015 (…) À Santa Monica, on a le prix du jury (…) On va alors à Beverly Hills, on sonne à la port de la maison de Lynch, qui est celle de Lost Highway, on sonne, on nous répond, on se présente : « notre film parle de la jeunesse de David Lynch, venez on a une projection et on a eu le prix ». On a eu le prix le plus important à Las Vegas aussi. (…) Mais le truc le plus zinzin : une rétrospective de son œuvre est organisée à l’université où il a fait ses études… L’école d’art veut notre film, et veut le projeter ! C’était un truc fou… On s’est dit : « La boucle est bouclée » et bien non… Pas encore. Il y a trois semaines de ça, David Lynch est à Paris pour faire quelques plans pour Twin Peaks (NDLR, la saison 3) et pour une exposition. On y va et on le rencontre ! On lui dit : « Nous avons réalisé un film sur vous, votre jeunesse ». Il répond : « Oui oui je sais ». On lui dit : « On vous a envoyé le film, est-ce que vous l’avez reçu ? », et il nous répond – attention, c’est David Lynch qui parle, de manière très spontanée, simple, et directe : « Je l’ai reçu, je l’ai vu, and I liked it ! ». C’est fou non ?! Puis il nous a dit « Good Luck for you ! ». C’était incroyable, d’avoir son approbation… C’était fou. Julien (NDLR, le co-réalisateur Julien Pichard) est aussi tombé sur Lynch.

Comment avez-vous financé le film ?

On a fait du crownfunding, puis on y a mis notre argent, on a eu de l’argent de la famille et des amis… Et on a réussi à payer tout le monde pour le premier long métrage !

Ça a dû surprendre ?

Complètement !

Concernant le tournage ? Combien de temps a-t-il duré ?

On a eu un tournage de trois semaines dont deux à l’école des beaux-arts de Bourge qui nous a très gentiment prêté ses espaces…

Vous avez réussi à trouver un distributeur ici ?

Truc totalement zinzin, je suis avec un distributeur américain, il me dit qu’il est intéressé par le film, il est surpris et intrigué parce qu’on a eu des prix… Mais en France, on (NDLR, un distributeur) nous dit étonné « Vous n’avez pas de distributeur ?! » alors qu’on a fait un long-métrage… Les français ne percutent pas. (…) Quand vous arrivez là avec long-métrage fait en dehors de tout ça, vous êtes quelqu’un de bizarre ! (…) Et là l’américain me parle, intéressé, et à l’écran à côté on voit l’acteur fou, le père (NDLR, interprété par Ray Wise) dans Twin Peaks ! (…) Vous voyez tout semble connecté. (…) On est sur un deuxième (long-métrage), mais on veut lui donner sa chance, et là, on veut rentrer dans le système. (…) On recherche soit un distributeur international, soit un réseau de salles. Et on acceptera toutes les salles de cinéma.

Justement, comment avez-vous réussi à réaliser un tel projet en dehors du système ?

C’est venu comma ça, totalement fou. (…) C’est un mélange de bol, d’abnégation, et ça correspond à la manière dont on veut faire du cinéma, dont on veut faire des films. (…) Attention, si on veut Le Seigneur des Anneaux, il faut de l’argent ! (…) En tout cas, ce qui est important, c’est de l’avoir fait à deux.

Et vous voilà au Marché du Film du festival de Cannes.

Oui, ce qui est génial avec la France, c’est que le festival est le plus grand marché du monde.

Nous remercions Paul Lê pour cet entretien. N’hésitez pas à contacter l’équipe du film pour avoir d’autres informations ou bien même la possibilité de le voir, ou encore si vous pouvez et voulez le faire projeter dans une salle de cinéma avec laquelle vous êtes lié(e)s… En effet, après ce formidable parcours qu’a connu l’équipe du film – on pense particulièrement aux auteurs cinéastes –, on aurait pu croire qu’ils seraient moins accessibles, mais la réalité est restée telle quelle. Paul Lê est modeste, passionné, tout à fait abordable. Enfin, nous n’avons pas fini d’entendre parler de lui et de son collègue Julien Pichard.

La Vie Rêvée de David L : Bande-annonce

Les films cultes ont enfin leur festival à Trouville-sur-Mer

Gabriel M.
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Le Festival International du Film Culte de Trouville se déroulera du 16 au 19 juin 2016.

Lancé par l’animateur Karl Zéro, cette manifestation culturelle risque très vite de devenir culte et de se pérenniser dans la région qui offre déjà un bel écrin au septième art avec le Festival de Cabourg (8-12 juin 2016) et le Festival du Film Américain de Deauville (2-11 Septembre 2016) malgré l’arrêt du Festival du Film Asiatique de Deauville en 2014.

Le Festival International du Film Culte présentera sept longs-métrages inédits en compétition. Deux prix seront décernés en clôture de festival par le Jury : le Grand Prix du Film Culte de l’Année 2016 et le prix « Aldo Maccione » du Meilleur Réalisateur. Le « Prix Georges Marchais » sera également remis en hommage au plus grand acteur comique français du vingtième siècle.

Une large part du Festival sera consacrée à des rétrospectives et des reprises pour le plus grand bonheur des spectateurs. Tous les amoureux du cinéma participant au Festival pourront se replonger dans sept films inoubliables. 

Un dispositif de vote en ligne sur le site officiel de la manifestation et sur les réseaux sociaux a été mis en place  afin de décerner le Prix du Public du Film Culte Vintage parmi cette liste de trente longs-métrages :

L’Aventure c’est l’Aventure / Battle Royal / The Big Lebowski / C’est Arrivé Près de Chez Vous / La Cité de la Peur /  Citizen Kane / Les Demoiselles de Rochefort / Elephant Man / Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain / Festen / Fight Club / Forest Gump / Freaks / Les Galettes de Pont-Aven / Le Gendarme de St-Tropez / La Haine / Massacre à  la Tronçonneuse / Matrix / La Nuit des Morts Vivants / Old Boy / Le Père Noël est une ordure / Projet Blair Witch / Psychose / Pulp Fiction /  Scarface / Le Silence des Agneaux / Tenacious D  / Les Tontons Flingueurs / Usual Suspect / Le Voyage de Chihiro

Un événement à ne pas manquer pour tous les cinéphiles désireux de vivre une expérience mémorable dans les salles obscures à travers cette rétrospective et la sélection de films inédits en compétition. Des animations sont prévues en marge de ces trois jours cultes : des conférences, des rencontres, des expositions et des concerts (musiques de films par le Quator Playmobil).

« Un film devient culte lorsque le public le désigne comme tel. Le culte, c’est le trait d’union entre le populaire et le visionnaire. Notre ambition est d’installer de façon pérenne ce nouveau rendez-vous pour permettre de mettre en lumière davantage de talents, d’audaces, de tons, d’univers dans autant de films sélectionnés parce qu’ils sont inattendus et originaux. » Karl Zéro

Festival International du Film Culte
Trouville-sur-Mer
Du 16 au 19 Juin 2016
Les projections et les séances se dérouleront au Salon des gouverneurs du Casino de Trouville
Place Foch, 14360 Trouville-sur-Mer
Tarif des séances : 4 euros

 

Fargo: Ewan McGregor rejoint le casting de la Saison 3

Gabriel M.
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Ewan McGregor sera présent au générique de la nouvelle saison de Fargo dans le rôle de deux personnages.

C’est officiel ! L’acteur écossais Ewan McGregor incarnera deux frères que tout oppose : Emmit et Ray Stussy.

Fargo fera son retour sur la chaîne américaine FX en 2017. La série télévisée, directement inspirée par le film culte et éponyme des frères Coen de 1996, une comédie policière à l’humour noir, a été renouvelée pour une troisième saison. L’intrigue se déroule quatre ans après les événements de la première saison. John Landgraf, à la tête de FX, et Noah Hawley, producteur exécutif du programme, ont fait quelques révélations qui vont ravir les fans de la première heure. Il sera possible de voir certains personnages de la première saison faire une apparition remarquée aux côtés d’Ewan McGregor pour ces nouveaux épisodes en 2017.

Ewan McGregor va marquer la saison 3 de son empreinte et endosser les rôles titres de deux frères ennemis. Le premier, Emmit Stussy, est l’archétype du rêve américain. Un self-made-man qui a réussi à bâtir son empire et faire fortune en investissant dans les parkings dans l’Etat du Minnessota. Son frère cadet, Ray Stussy, atteint de calvitie et bedonnant, ne connaît pas la même réussite sociale et financière. La haine et la jalousie, véritables moteurs de Ray, alimentent sa rancœur envers son frère aîné, Emmit, qu’il tient pour principal responsable de tous les maux de son existence.

Le tournage de la nouvelle saison de Fargo devrait débuter à la fin de l’année 2016 pour une diffusion sur les antennes américaines courant 2017.

De quoi faire patienter les cinéphiles impatients de voir Ewan McGregor endosser à nouveau le rôle culte de Mark Renton pour de nouvelles aventures déjantées dans Trainspotting 2.

American Hero, un film de Nick Love : Critique

Zoran Paquot
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Synopsis : Melvin est super-héros malgré lui. La trentaine bien entamée, il habite encore chez sa mère et ne vit que pour la fête, les femmes et la drogue. Jusqu’au jour où il réalise que la seule façon pour lui de revoir son fils, que la justice lui interdit d’approcher, c’est d’accepter son destin, et d’exploiter ses super pouvoirs pour lutter contre le crime.

La forme du nouveau film de Nick Love peut repousser autant qu’elle peut intriguer tant elle est singulière. En effet, American Hero s’offre aux spectateurs comme un faux documentaire durant lequel on suit Melvin, père désabusé privé de la garde de son fils, qu’il tente par tous les moyens de retrouver. Tout au long du métrage, les protagonistes s’adressent aux spectateurs et n’hésitent pas à transgresser les « règles » cinématographiques en effectuant de nombreux regards caméra qui en déstabiliseront plus d’un. Il s’agit ici d’un parti pris technique et esthétique auquel on adhère, ou non. La mise en scène, sous des airs simplistes, et travaillée et réfléchie, les acteurs jouent avec la caméra et sont parfaitement dirigés.
Aussi, d’un point de vue technique, on ne peut que penser à Birdman d’Alejandro Iñárritu car de la caméra disparait. A de nombreuses reprises, les jeux visuels avec les miroirs sont tellement bien truqués que s’en est déstabilisant. La caméra est comme un repère pour le spectateur, et la voir s’évaporer de l’image de fait qu’accentuer le fait que les personnages s’adressent directement au spectateur.
Leurs pérégrinations des deux hommes travers la ville tournent en rond, mais elles ne sont que le reflet du quotidien de deux grands ados, potes depuis un bon bout de temps et qui refusent de grandir.
Fêtes, alcool et drogues a outrances sont des faits anodins pour eux mais sont aussi de réelles échappatoires pour ne plus être confrontés à leur quotidien. Alors que Melvin traverse une passe difficile d’un point de vue familial, Lucille se remet difficile de ses blessures de guerre qui l’ont cloué dans un fauteuil roulant. Car hormis les excès et les pouvoirs de Melvin, qui pourraient rappeler Hancock, American Hero s’intéresse à des faits ayant marqué l’histoire des Etats-Unis, tout cela en lien avec l’histoire de Melvin, bien évidemment. Nick Love n’hésite donc pas à critiquer ouvertement Bush et ses stratégies concernant les entrées en guerre des États-Unis, mais aborde aussi les ravages engendrés par l’ouragan Katrina, un des ouragans les plus puissants de l’histoire des États-Unis, ayant coûté la vie à plus de 1 800 personnes et ayant causé d’importants dégâts matériels, comme en témoigne une des personnages du film, nous montrant l’ampleur des dégâts.

Toutefois, on pourra regretter un scénario un peu simple. Beaucoup d’idées foisonnent mais peu aboutissent, la durée du film donne presque l’impression d’être une contrainte que Nick Love s’est imposée. Le propos du père cherchant son fils se mêle de manière avec l’univers de super-héros, même s’il s’agit là d’un univers modéré tant les frasques héroïques sont assez rares. Le réalisateur joue avec nombre de lieux-communs, car derrière cette trame principale se pose aussi les questions du rapport familial compliqué avec un adulte vivant toujours chez sa mère, ou encore les règlements de compte liés à la drogue. Cependant, ces derniers donnent naissance à de très bonnes scènes, tantôt palpitantes, tantôt très drôles, desquelles on tire entière satisfaction. Mais tous ces petits bémols se font vite oubliés grâce à l’interprétation de Stephen Dorff qui est au maximum et qui nous fait part d’une folie qu’il est bon de voir. L’acteur américain se lâche et nous offre des scènes jouissives qui ne peuvent que donner le sourire, comme celle du Gospel. Qu’il est bon de voir des acteurs prendre autant de plaisir à jouer et à prendre des libertés que certains jugeraient indécentes. Eddie Griffin est lui aussi très bon, son personnage étant plus perspicace sur sa situation, du à son fauteuil roulant. Émane des deux acteurs une réelle complicité et un plaisir de jeu réjouissant.

Si quelques imperfections scénaristiques viennent un peu noircir l’ensemble, American Hero séduit par des acteurs au mieux de leur forme, une mise en scène murement réfléchie et des effets spéciaux réussis. Il faudra que le spectateur s’adapte à la structure narrative choisie par Nick Love, mais une fois accommodé, impossible de ne pas prendre un certain plaisir devant le film.

American Hero : Bande-annonce

American Hero : Fiche Technique

Réalisateur : Nick Love
Scénario : Nick Love
Interprétation : Stephen Dorff, Eddie Griffin, Luis Da Silva Jr., Christopher Berry, Yohance Myles, Andrea Cohen, Raeden Greer…
Photographie : Simon Dennis
Montage : Richard Graham
Musique : Lorne Balfe
Direction artistique : Forest Fagan
Producteurs : Allan Nilbo, James Richardson, Nick Love
Sociétés de production : Vertigo Films
Distribution (France) : Chrysalis Films
Durée : 88 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 8 juin 2016

France – 2016

Cannes 2016 : Interview de Paul Schrader (Dog Eat Dog, Taxi Driver)

Benjamin Deneuféglise
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Cannes 2016 : Interview de Paul Schrader (Dog Eat Dog, Taxi Driver)

Interview Paul Schrader : le grand cinéaste s’est prêté au jeu des questions-réponses pour LeMagduCiné

Le scénariste-réalisateur Paul Schrader est venu à Cannes présenter son film Dog Eat Dog, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs. CineSeriesMag a réussi à obtenir une interview exclusive du Roi Schrader, l’auteur de Taxi Driver, Raging Bull, La Dernière Tentation du Christ, entre autres, réalisateur et scénariste de Blue Collar (1978), d’Hardcore (1979), American Gigolo (1980), La féline (1982), d’Affliction (1998), ou encore du récent The Canyons (2014) qu’il a réalisé sans en avoir écrit le scénario.

Merci pour ce film. Hier, après la projection, vous avez dit que ce film était une « blague », une farce…

Eh bien… Je suppose que si on doit raconter une blague, ça n’est pas très drôle, non ?! Vous savez… Il n’est pas à prendre au sérieux… C’est très difficile de prendre ce film au sérieux. J’ai essayé de faire une « crime-comedy », pour… vous savez… Cette  époque particulière et difficile que nous vivons, et il me semblait que c’était le genre de film que nous devions faire.

Dans ce film, il y a des éléments difficiles, durs, il y a les policiers qui tuent des innocents… C’est un film très critique contre l’Amérique, ses armes, non ?

Oui, je le pense, mais je pense qu’il serait faux de le prendre comme un film sur l’état. Évidemment nos films, nos vies sont quelque part politiques (…) mais c’est plus un film à propos des films que sur la société.

À propos de l’utilisation de la couleur, hier vous avez dit vouloir faire quelque chose de différent des autres films mais au début du film vous utilisez la couleur de manière homogène…

Oui ! Il y a la pièce rose et la salle de bain bleue. Puis ça vient au noir et blanc. Et à la fin du film, c’est à nouveau complètement une couleur fantaisiste.

Mais pourquoi êtes-vous revenu à une utilisation de la couleur plus réaliste dans la majorité du film ?

Je ne sais pas, je veux dire… J’ai juste essayé de faire quelque chose d’intéressant… Je ne sais pas… Peut-être que j’ai fait ça pour proposer autre chose !

Je ne sais pas si je peux vous poser cette question, mais allons-y : Quel a été le budget du film ?

Eh bien ! C’est une question difficile parce que dans le monde d’aujourd’hui, les banques s’effondrent… Donc certaines personnes vous diront que le budget était de sept millions, mais c’était probablement plus bas (…) mais le film a coûté sept millions.

C’est un budget très bas.

 Oui, c’était le pari, nous avons tourné le film en vingt-trois jours.

C’est un film très indépendant.

Oui en effet !

Nicolas Cage devait jouer le personnage fou.

Oui, je veux dire… La première fois que j’ai terminé le script, j’ai dû lui envoyer, je pensais qu’il allait vouloir jouer Mad Dog mais il voulait jouer Troy. Alors Willem a dû jouer Mad Dog.

Et avec Willem Dafoe, comment cela s’est-il passé ?

Eh bien j’ai fait un certain nombre de films avec lui, et je le connais. Nous sommes amis. Alors… Donc… Je l’ai envoyé à Nic’ parce que je voulais retravailler avec lui après la mauvaise expérience que nous avons eu (NDRL : la dépossession de leur film The Dying of the Light – La sentinelle –, par les studios en 2014), puis j’avais besoin d’un second acteur. Une combinaison de Nic’ et Willem me paraissait être bonne.

Quand vous faites un long-métrage, vous réalisez toujours un film de genre, un thriller, un film policier… Je pense à Affliction, à The Canyons… Mais derrière le genre, il y a un discours sur les fantasmes de l’Amérique.

Oui, je veux dire… L’Amérique, de manière extraordinaire, a construit un bloc après la deuxième guerre mondiale parce qu’il était vraiment le seul pays qui s’est tenu debout après la guerre. Nous avions tout l’argent, nous avions toutes les industries, nous avions toutes les machines, et on est juste passé au-dessus du monde. Et beaucoup de gens pensaient que c’était parce que nous étions meilleurs mais ça n’était pas la raison, c’était juste que tous les autres attendaient leur tour. Quand les autres pays se sont relancés, l’Amérique a juste laissé tomber. Les gens ont commencé à se mettre en colère, les gens pensaient que c’était la faute de quelqu’un.

Vous avez dit faire un film sur le cinéma. The Canyons en parlait aussi. Quel est votre but ? De détruire le fantasme du cinéma et de nous ramener à sa réalité ?

Je ne suis pas sûr que ce soit dans cet esprit. Évidemment, je fais des films à propos des films, à propos de ma propre vie, et c’est difficile pour moi de faire un film en oubliant les références, de voir un film sans me mettre à penser à d’autres. (…) Mais The Canyons a été un film sur «l’après-cinéma». Il était pensé pour l’Internet, c’est pourquoi nous avons eu des cinémas vides. Et les créanciers ont juste dit que c’était là que le film n’allait pas être montré. Donc, c’est pourquoi il y avait de ça dans le film.

Vous allez faire un nouveau film avec Nicolas Cage ?

Non non non, je ne pense pas. Le prochain avec qui je veux travailler est Ethan Hawke.

Ce sera un thriller ?

Non, ce sera un film à l’opposé de celui-là (NDLR, Dog Eat Dog), ce sera un film très introspectif, un film silencieux. Ce sera un film du genre de Birdman. Nous allons complètement dans une autre direction.

Pour revenir à Dog Eat Dog, vous vouliez faire une comédie ?

Eh bien je ne pensais pas aller jusque là. C’est devenu de plus en plus exagéré. Je ne l’avais pas écrit comme une comédie. C’est marrant vous voyez… Ces gars…

Vous avez été complètement libres à la réalisation, au montage aussi, vous avez fait tout cela avec votre instinct, votre instinct de folie mais vous avez dû le réfléchir aussi.

Eh bien, vous devez planifier, vous ne pouvez évidemment pas faire un film spontanément. Vous devez construire des décors, vous devrez trouver des lieux… Mais j’ai réuni une jeune équipe de nouveaux dans le cinéma, afin d’avoir cette sorte de sensibilité autour de moi.

Après avoir présenté le film, vous nous avez paru complètement libre, déchaîné !

Oui, vous ne savez certainement pas combien de « bottages de cul » ont été commis !

Et vous revoilà à Cannes, quarante après Taxi Driver…

Oui ça fait du bien, d’avoir cette grande rédemption après cette mauvaise expérience (NDLR, The Dying of the Light), et c’est agréable d’être ici, vous savez.

Et maintenant ?

Après ces derniers jours, je serais content de ne rien faire ! Si on m’y autorise.

Alors merci à vous !

Merci à vous !

         Notre entretien avec le Roi Paul Schrader prit fin sur ces remerciements réciproques. Aussi, si vous ne connaissez pas beaucoup ce génial cinéaste, nous vous conseillons de vite de le découvrir.

Mais qu’Avez-vous fait à Solange ? : un 3ème remake de film d’horreur pour Refn

Kristell Guerveno
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Avec Mais qu’Avez-vous fait à Solange ?  Refn crée un trio de remakes de films d’horreur !

Passionné de séries B, Nicolas Winding Refn vient d’ajouter un troisième film d’horreur à sa liste de remakes : Mais qu’Avez-vous fait à Solange ?  rejoint ses productions Maniac Cop et Witchfinder General.

Après, Maniac Cop et Witchfinder General, le réalisateur de The Neon Demon vient de signer la production du remake de Massimo Dallamano Mais qu’Avez-vous fait à Solange ? Ce film de 1972 est un grand classique du genre giallo, un thriller à l’italienne, à la croisée du policier et du slasher avec une touche d’érotisme (en italien « giallo » signifie jaune, en référence à la couleur des couvertures des romans policiers). Le célèbre Psychose d’Alfred Hitchcock constitua l’une des principales sources d’inspiration de ce genre très prisé entre 70′ et 80′. On citera pour exemples les films de Lucio Fulci comme L’Emmurée Vivante, La Longue Nuit de l’exorcisme ou Les Salopes vont en enfer ainsi que de nombreuses réalisations de Dario Argento tels que Ténèbres et Les Frissons de l’angoisse.

Basé sur le roman d’Edgar Wallace Les Deux Épingles (The Clue of the New Pin), Mais qu’Avez-vous fait à Solange ? est l’un des meilleures films du genre giallo connu pour sa bande-originale par Ennio Morricone qui a aussi créé la musique des Salopes vont en enfer. Refn décrit le film de Massimo Dallamano comme « un giallo italien absolument incroyable. Un des grands, grands films d’horreur de l’époque. »

Mais qu’Avez-vous fait à Solange ? décrit l’enquête sur le meurtre d’une jeune étudiante d’un lycée catholique de Londres. La victime a été violée et sauvagement mutilée, un long couteau enfoncé dans le vagin. Scotland Yard suspecte alors Enrico, un professeur italien qui a une liaison avec une élève…

Féru de giallo et de séries B, Nicolas Winding Refn a compilé 10 000 affiches de films de ce cinéma typique des années 70′ dans son ouvrage intitulé « L’art du regard ».

Mais qu’avez-vous fait à Solange ? : Bande-annonce

Cannes 2016 : Elle, de Paul Verhoeven (Compétition Officielle)

Benjamin Deneuféglise
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Cannes 2016 : Elle, de Paul Verhoeven (Compétition Officielle)

Notre Review cannoise d’Elle :

Le nouveau film de « l’hollandais violent » Paul Verhoeven, Elle, vient avec le Client terminer la programmation du festival. Au programme : des français, de la violence, de la perversité, de la manipulation, et beaucoup d’humour.

Synopsis : Michèle fait partie de ces femmes que rien ne semble atteindre. À la tête d’une grande entreprise de jeux vidéo, elle gère ses affaires comme sa vie sentimentale : d’une main de fer. Sa vie bascule lorsqu’elle est agressée chez elle par un mystérieux inconnu. Inébranlable, Michèle se met à le traquer en retour. Un jeu étrange s’installe alors entre eux. Un jeu qui, à tout instant, peut dégénérer.

            On aurait pu craindre ce nouveau film de Verhoeven, notamment parce qu’il a été réalisé et produit en France avec des acteurs français (belge concernant Virginie Efira). On pouvait avoir peur d’un manque de talent et d’argent, de moyens qui ne soit pas à la hauteur d’un tel réalisateur. Mais bien au contraire, Verhoeven signe l’un de ses meilleurs films.

            Le cinéaste n’a pas perdu de son humour. Si le long métrage est l’adaptation d’un roman  de Philippe Djian, et si le scénario est signé par David Birke, Verhoeven, comme à son habitude, est bien l’auteur du film. On retrouve ici son humour grinçant, ironique et parfois absurde qu’on pouvait trouver par exemple dans Starship Troopers (1997). On retrouve notamment la présence de figures archétypales et toutes extrêmes dans leur caractérisation plus que de personnages psychologiquement subtils et complexes. L’un ne cesse d’être jaloux et de vouloir coucher avec le personnage d’Isabelle Huppert, Michèle ; une autre, Josie (interprétée par Alice Isaaz) est hystérique et rarement calme avec le fils de Michèle, Vincent (joué par Jonas Bloquet), qui ne cesse de se mentir à lui-même et d’être enfermé dans ses fantasmes. Par exemple, il ne cessera de dire que le fils accouché par Josie est le sien, alors que l’enfant n’a clairement pas la même couleur de peau, de cheveux, ni aucun traits. Les médias, comme dans le film de science-fiction cité plus haut, ou encore dans RoboCop (1987) et Total Recall (1990), en prennent toujours autant pour leur grade, de manière tantôt sérieuse tantôt amusante et grinçante.

            Cette réalité assez absurde pourrait probablement en surprendre plus d’un, mais est un régal pour les fans de Verhoeven. En effet, ce traitement à coup d’humour et de violence, voire des deux en même temps, peut choquer, notamment lors des scènes de viol. Si la toute première scène est évidemment tragique, les flashbacks seront teintés d’un humour noir et viscéral, de même pour d’autres scènes sexuelles et violentes. Cet équilibre dangereux est ce qui fait le charme du film, aussi il n’est pas gratuit. C’est le personnage d’Huppert, antipathique, brutal, drôle et manipulateur, qui participe à faire de ces scènes un jeu. Car il s’agit bien de jeu dans ce film, et même d’un double jeu : celui de Michèle avec les hommes et même les femmes pour arriver à ses fins, et le jeu des regards qui réfléchit notamment la place du spectateur.

           La première scène de viol, entendue en off pendant un long plan noir, puis surveillée par un chat très calme, dérange. Ce plan sur le chat (présent sur le photogramme ci à droite), première image du film, situe déjà la place du spectateur Verhoeven-ien, plus voyeur que témoin. Une autre scène poursuit cette réflexion : Michèle se masturbe en surveillant depuis derrière la fenêtre de sa chambre, avec des jumelles, son voisin, Patrick, en train de porter des statues. Ces deux scènes, entre bien d’autres, tendent à réfléchir l’ambiguïté de notre position, voyeur sexualisé et/ou excité plus que témoin. À noter que les flashbacks réinventés par Michèle, qui mêle à cet événement de l’humour même dans l’acte d’exploser un crâne, explicitent bien la position ambiguë du spectateur, pervers et complice et non simple observateur.

          On a pu lire que Elle dérange, mais là est justement le plaisir, dans ce travail de Verhoeven si particulier, ambigu, violent, drôle et tragique. Et pour ceux qui ne cherchent pas à penser le cinéma, les regards, le spectateur, ou les sujets et thèmes très forts mis en scène dans le film et donc réfléchis par celui-ci (tels quel le viol, la maternité, la sexualité déviante, la foi, le sexe, l’amour, et cetera), ou encore qui ne cherchent pas à voir un film du grand Paul Verhoeven, car ils ne se seraient pas cinéphiles ou n’en tiendraient pas compte, ils trouveront un thriller efficace, surprenant, et parfaitement maîtrisé. 

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Elle

Un film de Paul Verhoeven
Avec  Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Virginie Efira, Anne Consigny…
Distribution : SBS
Durée : 130 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie : 25 juin 2016

France – 2016

Elle : Bande-annonce

Cannes 2016 : Palme d’Or pour Moi Daniel Blake, Xavier Dolan également distingué

Kévin List
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Cannes 2016 : Palme d’Or pour Moi Daniel Blake, Xavier Dolan également distingué

Cannes 2016 : Palme d’Or pour Moi Daniel Blake, Dolan et Assayas distingués au palmarès

Après un joli hommage de Laurent Laffite au Septième Art, le Jury présidé par George Miller et composé de Arnaud Desplechin, Kirsten Dunst, Valéria Golino, Mads Mikkelsen, Lazlo Nemes, Vanessa Paradis, Katayoun Shahabi et Donald Sutherland, n’a pas tardé à livrer le palmarès du 69ème Festival de Cannes. Mais avant, la Caméra d’Or a été remise par la présidente du Jury Catherine Corsini à Divines de Houda Benyamina, pour son propos politique et engagé. Cette dernière a livré un discours fort et militant qui revendique la place des femmes dans le cinéma, remerciant tout ceux qui l’ont accompagné dans la douleur du projet. La cérémonie s’est enchaîne sur un formidable hommage du Festival et d’Arnaud Desplechin à Jean-Pierre Léaud, honoré d’une Palme d’or d’honneur. Aparté musical avec Ibrahim Maalouf, en hommage aux films titulaires d’une Palme d’Or. Et puis vint le moment tant-attendu de la remise des prix.

Au terme d’une compétition qui aura accumulé les réceptions extrêmes, de l’enthousiasme de Toni Erdmann aux huées unanimes pour The Last Face de Sean Penn, le Jury a attribué la Palme d’Or à Moi Daniel Blake de Ken Loach (obtenant une seconde Palme après Le Vent se Lève) et récompensé l’audace insolente de Xavier Dolan, le film bourré de révoltes d’Andrea Arnold (troisième Prix du Jury qu’elle obtient), la performance des acteurs (et pays) peu reconnus avec la philippine Jaclyn Jose dans Ma’ Rosa et l’iranien Shahab Hosseini dans Le Client, la mise en scène d’Olivier Assayas et Cristian Mungiu et le scénario d’Asghar Farhadi. Un palmarès exclusivement lourd et dramatique qui n’a laissé aucune chance à The Neon Demon, Elle, Mademoiselle ou le déjà incontournable Toni Erdmann.

Le Palmarès du Festival de Cannes 2016 :

Palme d’Or : Moi Daniel Blake de Ken Loach

Grand Prix du Jury : Juste la fin du monde de Xavier Dolan

Prix du Jury : American Honey de Andrea Arnold

Prix de la Mise en Scène : Bacalaureat de Cristian Mungiu et Personnal Shopper d’Olivier Assayas

Prix du Scénario : Le Client de Asghar Farhadi

Prix d’Interprétation Féminine : Jaclyn Jose pour Ma’ Rosa de Brillante Mendoza

Prix d’Interprétation Masculine : Shahab Hosseini pour Le Client d’Asghar Farhadi

Palme d’or d’honneur : Jean-Pierre Léaud, pour l’ensemble de sa carrière.

Caméra d’Or : Divines de Houda Benyamina

Palme d’Or du Court Métrage : Timecode de Juanjo Gimenez

Mention Spéciale du Court Métrage : La Fille qui dansait avec le diable de João Paulo Miranda Maria

Les autres palmarès : Un Certain Regard, La Semaine de la Critique et la Quinzaine des Réalisateurs

Cannes 2016 : Nous nous sommes tant aimés d’Ettore Scola, (Cinéma de la Plage)

Benjamin Deneuféglise
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Cannes 2016 : Nous nous sommes tant aimés d’Ettore Scola, (Cinéma de la Plage)

Ce samedi 22 mai, alors que la fin du festival est au seuil de la croisette, les projections Cinéma de la Plage qui, comme l’indique le nom, ont lieu sur la plage de la croisette, se sont terminé hier avec la projection de Nous nous sommes tant aimés (C’eravamo tanto amati), la formidable comédie à l’italienne du regretté Ettore Scola, décédé en Janvier 2016. Réalisé en 1974, le film suit la rencontre de trois personnages, Gianni, Nicola et Antonio en 1944 dans les combats contre les forces nazis, puis leurs retrouvailles et séparations au fur et à mesure de années. Durant ces différentes décennies, chacun va connaître une relation avec Luciana, jeune et belle italienne rêvant d’être actrice de cinéma et qui finira par épouser l’un d’entre eux.

En suivant ces trois personnages à partir de la fin de la guerre, le film retrace l’histoire de l’Italie, depuis la fin du fascisme aux tourments politiques qui l’ont divisé, à l’image des films du néo-réalisme italien qui filmaient des personnages vivant et traversant la guerre, et surtout l’après-guerre. On peut citer Païsa (1946) et Allemagne Année Zéro (1948) de Roberto Rossellini, ainsi que Le Voleur de Bicyclette (De Sica, 1948)… L’un des personnages, Nicola, interprété par Stefano Satta Flores, est d’ailleurs un connaisseur absolu du renouveau du cinéma italien, à tel point qu’il devra répondre à des questions sur ce thème lors d’un jeu télévisé. Ettore Scola a d’ailleurs dédié son film à Vittorio De Sica. Il s’agit donc d’un hommage double, puisque De Sica est à la fois l’un des pères du néo-réalisme, mais aussi l’un des grands noms, si ce n’est le plus grand, de la comédie à l’italienne : on peut vous conseiller Mariage à l’Italienne (1964, toutefois plus dramatique que drôle), ou encore le génial Hier, aujourd’hui et demain (1963), tous deux avec les sublimes et talentueux Marcello Mastroianni et Sophia Loren. Ce genre s’impose dans les années 50 et 60, et poursuit les héritages du néo-réalisme, on pense ici particulièrement au traitement de l’Italie, de ses individus, de leur vie, leur quotidien, et des problèmes sociaux, économiques et politiques du pays. Cette pratique se fait désormais avec humour, même si le drame est bel et bien là. Ce genre a quelque chose de très particulier, son équilibre étrange, formidable et même miraculeux entre drame, humour du vivant, et comédie cinématographique (burlesque, ou encore via les dialogues parfois succession de punchlines). Scola ne s’arrête pas là dans son voyage dans le cinéma italien, puisqu’il va jusqu’à nous faire vivre la séquence de répétition sur le tournage d’une des plus grandes scènes du cinéma : celle de Marcello Mastroianni et Anita Ekberg à la fontaine de Trevi, dans La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini. À noter que Mastroianni et Fellini ont joué leur propre rôle pour cette reconstitution (voir photographies à droite).

Sur la plage, le public était au rendez-vous, l’émotion aussi. Rire, effroi, « oh… » ou bien même des « Oh ! » pouvaient se faire entendre dans les rangs des spectateurs. Flores, Nino Manfredi, et Vittorio Gassman sont toujours aussi vivants. Le film a été projeté dans sa version restaurée, formidable au passage, qui expose à quel point l’œuvre de Scola semble avoir la capacité de traverser les âges, sans freins, avec ses élans de vies inarrêtables. Le film a été salué par des applaudissements et des ovations. Et les spectateurs sont partis souriants, émus et sereins.

Nous nous sommes tant aimés : Bande-annonce originale

Cannes 2016 : Dog Eat Dog, de Paul Schrader (Quinzaine des Réalisateurs)

Benjamin Deneuféglise
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Cannes 2016 : Dog Eat Dog, de Paul Schrader (Quinzaine des Réalisateurs)

[Critique] Dog Eat Dog

Synopsis : Lorsque trois ex-détenus désespérés se voient offrir un boulot par un chef de la mafia mexicaine, ils savent qu’ils feraient mieux de refuser, mais l’appât du gain les empêche de tourner les talons. Tout ce qu’ils ont à faire est de kidnapper l’enfant d’un homme qui a une dette importante envers le boss mafieux. Le rapt tourne mal, et l’avenir du trio s’annonce.

Dog Eat Dog n’est pas juste le retour amplement réussi de Schrader à Cannes quarante ans après Taxi Driver, ni juste une grande surprise du Festival, il est le film fou, sale, déjanté, improbable et intelligent du Roi Paul Schrader.

            DOG. EAT. DOG EAT DOG, voit-on à l’écran, en grandes lettres blanches sur fond noir, avec une musique de course de chevaux ou d’autres jeux d’il y a bien longtemps, après une introduction cinglée et furieuse qui ne vous sera pas révélé ici. La couleur est déjà annoncée, ou plutôt les couleurs. Car le film joue sur une utilisation baroque de la couleur. Une pièce à vivre est complètement plongée dans un rose à rendre jaloux Barbie, la salle de bain dans le bleu, le club de strip-tease en gris, une route plongée dans une sorte de marron crépusculaire, et cetera. Aussi nous aurons le droit pendant une grande partie du long-métrage à une utilisation moins homogène de la couleur, c’est-à-dire qui se basera sur un travail de captation du réel. Pourquoi un tel usage? Probablement parce que les personnages sont dans des espaces qu’ils ne maîtrisent pas, et/ou qui sont dominés par d’autres.

            Certains de ces autres sont les policiers. D’un côté, Schrader les expose comme des gens faisant leur boulot, d’un autre comme des cinglés pratiquant leur propre justice, dépassant leurs droits. Le réalisateur va encore plus loin en les présentant comme des imbéciles incapables de réfléchir sur qui ils tirent, faisant alors feu dans le tas, ici sur des innocents à qui le bandit avait promis que ça allait bien se passer. Mais dès qu’il y a une arme à la portée d’un individu, tout semble partir en vrille. Au tout début du film, une émission télévisuelle nous est montrée. Un homme y fait la promotion de l’arme à feu et du droit de tout américain d’en avoir une et d’en porter une sur soi. La présentatrice lui demande si une dame âgée peut porter un fusil d’assaut AK-47. Bref, Schrader déploie déjà sa force grinçante contre l’Amérique obsédée des armes (ce qui était aussi montré, d’une autre manière, dans Hell or High Water dans un Texas où les héros cowboys-pistoléros ne sont quasiment plus que des fantasmes) et aussi par le cinéma.

            Troy, interprété par le génial Nicolas Cage (qui avait déjà travaillé avec Paul Schrader sur leur dépossédé The Dying of the Light), explique, au fil des dialogues, qu’un détenu lui a dit qu’il « avait quelque chose d’Humphrey Bogart », comme si Troy essayait d’hériter du personnage courageux, sérieux, avec une « gueule » plutôt bien taillée, qu’était Bogart. Le long métrage est à l’image de Troy, il exposera bien des citations afin de dire à quel point il est un héritier du cinéma de gangster, de polar, avec ses figures incarnées par Lee Marvin, Humphrey Bogart, Clint Eastwood, et cetera. Une œuvre consciente de son héritage et qui ne se prend pas au premier degré, pensant être un premier récit ou le premier film de tel ou tel genre ou cinéma, est salvateur. Mais la farce macabre, si tant est qu’elle soit consciente d’être, ne s’arrête pas là. Elle tend à détourner et réinventer les codes du genre. Lorsque les trois gangsters (voir photogramme ci-à gauche), Troy, Mad Dog (véritablement incarné par l’éternel talent Willem Dafoe), Diesel (joué par Christopher Matthew) ont lamentablement échoué à une mission très importante pour un mafieux tout aussi important, nous nous attendions à ce qu’ils en payent alors les conséquences. D’ailleurs avant cette mission, les trois gars disaient que si elle échouait, ce serait probablement la fin pour eux. Eh bien non, le tout va pour être arrangé… Mais le long-métrage revient tout de même vers ce modèle de fin de films de gangsters où ils sont poursuivis par la police, de manière tellement anodine que c’en est absurde et drôle. La vie est une farce dans ce polar, qui, nihiliste, ne tend jamais à croire en un quelconque sens de la vie. Ainsi Mad Dog, gentillet mais cinglé, tue son ex-copine par colère, et tuera devant nos yeux la fille de celle-ci, de deux balles en pleine tête. Chez Schrader, la folie et la violence ne touchent pas que les gangsters dont l’univers serait clos et isolé du reste du monde. Ce qu’on pouvait voir dans Le Parrain ou encore Scarface. Comme dans les Affranchis, entre autres : les gangsters sont connectés au monde. Et ce cosmos est entièrement touché par la violence, la folie, le chaos. Il ne s’agit pas d’un microcosme mafieux. Ainsi Troy sera torturé par des policiers, ou encore, des gens de la rue tireront sur les trois malfrats tout de même habillés en policiers. La violence n’est pas juste affaire d’agents précis tels que les gangsters, elle touche tous les individus, de différentes manières : certains la maîtrisent, d’autres sont victimes, et cetera.

            Paul Schrader a dit de Dog Eat Dog qu’il est une blague, une farce. Macabre, celle-ci n’est pas forcément à prendre au premier degré mais plutôt au second, car le film est véritablement drôle (on notera un point commun intéressant entre ce film et The Nice Guys de Shane Black, l’utilisation de flashbacks dans un but humoristique et de dévoilement du background du personnage), absurde, ironique, déjanté, tout en dressant le portrait d’une Amérique gangrénée par ses propres obsessions et paradoxes. Ce film de genre, indépendant et fait avec un budget dérisoire, conscient de son héritage et tentant tout de même des approches différentes, est à applaudir. Schrader, âgé de soixante-dix ans, n’a rien perdu de sa fougue, de sa furie, de sa drôlerie, de son regard si particulier sur les hommes et la société américaine, sur les fantasmes et Hollywood. Un petit film qui mérite le qualificatif de « grand », qui marque le retour du Roi Schrader. À noter la participation du réalisateur en tant qu’acteur (voir photogramme ci-dessus à droite), où il est tout aussi formidable. Ainsi il ne reste plus que quatre mots à dire et même à crier : « hail to the King ».

Dog Eat Dog : Bande-annonce

Dog Eat Dog : Fiche Technique

Réalisation : Paul Schrader
Scénario : Paul Schrader et Matthew Wilder, d’après le roman d’Edward Bunker
Interprétation : Nicolas Cage, Willem Dafoe, Christopher Matthew, Kayla Perkins, Omar J. Dorsey, Louisa Krause, Paul Schrader
Directeur de la Photographie : Alexander Dynan
Directeur artistique : Dins W.W. Danielsen
Décors : Grace Yun, Carmen Navis
Montage : Ben Rodriguez Jr.
Production : Blue Budgie Films Limited, Pure Dopamine
Distribution : Metropolitan Filmexport, Arclight Films
Genre : Policier
Durée : 99 minutes
Date de sortie France : 21 Avril 2017 (Direct-to-DVD-&-Blu-ray)

Etats-Unis – 2016

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