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Sixième jour à l’Etrange Festival, et les films se suivent, dans des genre divers et variés, mais toujours trop malsains pour espérer une exploitation commerciale :

Trash Fire, Wet Woman in the Wind, The Neighbor et We are the Flesh

Sélectionné à Sundance dans la catégorie Midnight, le troisième long métrage de Richard Bates Jr. est assurément l’un des outsiders pour figurer au palmarès de L’Étrange Festival. Sans compter qu’il a également été sélectionné à Neuchâtel (NIFFF) en juillet dernier, et sera bientôt à Strasbourg (FEFFS). Il faut dire que le cinéaste est déjà considéré comme l’un des représentants d’une nouvelle vague de talents émergents dans le milieu du cinéma indépendant fantastique. Les amateurs se rappelleront de son fascinant Excision (adapté de son propre court métrage), peut-être moins de Suburban Gothic. Cette fois-ci, s’il conserve toujours autant son amour pour les familles pas très normales, il aborde le sujet avec plus de cynisme, notamment dans sa vision du couple, mais toujours autant d’humour noir. On pourrait définir Trash Fire comme le croisement de Psychose et des films de Judd Appatow, le côté grinçant en plus. Surtout quand on sait que le film a été écrit lorsque le réalisateur était en pleine dépression, ce qui fait de la souffrance personnelle l’un de ses thèmes récurrents. Trash Fire est divisé en deux parties, la première nous présentant ce couple dysfonctionnel qui tente de redonner péniblement un souffle à leur amour et la deuxième qui envoie ce couple renouer avec la famille du conjoint, dont le passé complexe va être l’ultime épreuve pour ce couple au bord de la crise de folie. Mise en scène léchée mais jamais surfaite, Trash Fire arrive à nous offrir quelques bonnes scènes, notamment une dernière séquence absolument marquante. Le dernier né de l’esprit de Richard Bates Jr. est donc un bon film mais il n’atteint pas encore les sommets du genre, la faute à une mécanique qui tourne vite en rond et une tension qui a dû mal à décoller. Trash Fire réussit néanmoins à nous captiver et juste pour ça, on attend avec un vif intérêt quatrième film de son auteur.

Renouant avec ses pinku eigas à « gros » budgets des années 60-70, la Nikkatsu, principal studio japonais, a fait appel à l’un de ses réalisateurs les plus réputés du genre pour signer Wet Woman in the Wind, un nouveau roman porno dans la plus pure tradition. Akihiko Shiota, que l’on ne connait en Europe que pour son film fantastique Dororo (2007) réalise ainsi une comédie dramatique riche en scènes érotiques. Basé sur la relation entre Kosuke, un écrivain qui s’est exilé à la montagne, et Shiori une ravissante nymphomane, le scénario exploite la difficulté du jeune homme à réfréner ses pulsions sexuelles au contact de cette allumeuse qui lui tourne autour. En cela, on peut évoquer un récit féministe, mettant en avant la façon que peuvent avoir les femmes de jouer de leur physique pour prendre le dessus sur des mâles possédés malgré eux par leur libido. Et pourtant, le jeu de frustration ne va pas réussir à se maintenir pendant les 75 minutes, le scénario allant dès le second tiers se reporter sur des éléments plus comiques grâce à l’intervention d’une étonnante troupe de comédiens, créant ainsi un parallèle assez peu subtil entre le jeu d’acteurs et la sexualité. Mais c’est dans son dernier tiers que le film touche clairement ses limites, puisque les scènes de cul, jusque-là disséminées avec parcimonie, prennent alors toute la place centrale, et font des vingt dernières minutes une interminable succession de plans sur les fesses et des seins, et pas forcément excitants pour autant. Un problème de dosage qui nuit gravement tout autant au propos qu’à l’effet escompté… pour cela, on se reportera après coup sur un petit Jacquie et Michel.

Ayant travaillé sur les opus du 4 au 7 de la saga Saw et réalisateur du diptyque The Collection/The Collector (déjà présentés dans les éditions précédentes de L’Étrange Festival), Marcus Dunstan s’est rapidement imposé comme l’un des réalisateurs à suivre. Peu étonnant alors que l’Étrange Festival ait décidé de retrouver ce cinéaste désormais habitué de la boutique et d’intégrer The Neighbor dans la compétition internationale. Avec son nouveau film, il ne faut pas s’arrêter sur la trame simpliste (un livreur de drogues voit sa compagne portée disparue, il soupçonne alors son voisin) mais bel et bien approfondir son jugement et apprécier la manière dont Marcus Dunstan développe son intrigue, apporte les bonnes réactions à ses personnages dans les situations d’urgence et n’hésite pas à apporter un vent de fraîcheur sur le « thriller voisinal ». On lui reprochera quelques facilités rocambolesques, et une intrigue qui met longtemps à démarrer mais ce serait passer à côté de la dernière demi-heure aussi tendue que jouissive, et dont les rebondissements sont amenés avec une maîtrise modeste. Le réalisme est là, le montage est correct même si certains choix sont de mauvais goûts et les personnages développées dans un minimalisme assumé tiennent la route et montrent leur caractère dès lors que l’affrontement est inévitable. Le festival tient là un thriller des plus efficaces, sans originalité certes mais qui s’amuse à tordre quelques codes du genre pour livrer l’une des séances de l’Étrange Festival les plus jubilatoires. Un Prix du Public ne serait pas démérité.

Les idées de We Are the Flesh sont plutôt bonnes, mais c’est la manière dont Emiliano Rocha Minter les exploite qui peine à convaincre. Il arrive à créer un monde onirique et purement sensitif avec un certain brio, là où vont évoluer les personnages dans un univers à la lisière du fantasmagorique. C’est un véritable empire des sens, picturalement superbes et qui dispose de merveilleuses idées de mise en scène par moments. Mais Emiliano Rocha Minter a un style bien trop précieux, et on aura du mal de s’enlever l’image d’un cinéaste qui se papouille joyeusement son membre viril en ayant le sentiment d’être un petit génie. Surtout que finalement son oeuvre tourne très vite à vide, car sa réflexion de l’Homme enfermé dans les besoins de sa propre chair a suffisamment été exploitée pour ne plus rien apporter de neuf, et le film n’a rien d’autre pour justifier son existence. Après la recherche de la transcendance et de renaissance qui en découle distille ici et là quelques pistes intéressantes à explorer mais le tout est noyé dans une certaine prétention, notamment lors d’un final qui se veut bien plus malin qu’il ne l’est. We Are the Flesh est un film qui va avoir du mal à trouver son public, qui est répulsif sur bien des aspects mais qui n’est pas une oeuvre inintéressante pour autant. Il fait partie peut-être de ces OVNI trop conscients d’eux-mêmes pour échapper aux grosses maladresses mais qui par moments arrivent à toucher à quelque chose de très juste sur le genre humain.

Pour ce cinquième jour à l’Étrange Festival, on rigole enfin un peu avec trois films légers, mais pas dénué d’une certaine noirceur, et qui chacun relève bien de l’humour propre au pays d’où il est issu :

Jeeg Robot, War on Everyone et When Geek meets Serial-Killer.

Qui aurait pu croire qu’un film estampillé « super-héros » produit en Italie et réalisé par un jeune cinéaste encore inconnu aurait pu aboutir à une œuvre aussi maitrisée ? C’est pourtant la belle surprise de ce Jeeg Robot, qui, contrairement à ce que son titre semble indiquer, n’est aucunement une adaptation directe de la série animée de Masayuki Akihi datant des années 70. Mais, à côté de cette référence japonaise qui reste importante dans le parcours de son héros, le long-métrage digère habilement des influences locales (coté film de gangsters, on pense à du Matteo Garonne ou du Stefano Sollima, les deux maestros modernes) et américaines (des films de super-héros hors du carcan hollywoodien tels que Super ou Chronicles). Le résultat de ce mélange de genres aurait pu être un brun foutraque s’il s’était pris au sérieux, mais ici le tout est traité avec un humour ravageur qui en fait une redoutable comédie comme le cinéma italien ne nous en avait plus offert depuis longtemps. La carrière de Gabriele Mainetti est à présent à suivre de très près.

Après L’Irlandais et Calvary, le troisième long-métrage de John Michael McDonagh dénote complètement avec l’identité du cinéaste irlandais tel qu’on a pu la percevoir dans ses deux précédents films. Soit deux flics pourris jusqu’à l’os, amoraux et adeptes d’un humour noir grinçant, interprétés avec énergie par Michael Peña et Alexander Skarsgård dans une intrigue alambiquée au possible. Au-dessus de lois (War on Everyone) n’hésite pas à balancer à tout-va un flot incessants de punchlines sarcastiques et politiquement incorrects dans des situations absurdes. J.M. McDonagh porte un regard corrosif sur une Amérique empêtrée dans des controverses sans fin autour de l’éthique de sa police (le racisme au sein des unités, les meurtres contre les noirs, etc.). Si certaines critiques ont pu saluer l’impertinence de ce buddy movie regressif, on peut légitimement regretter le ton poussif qu’adopte le cinéaste, qui semble abandonner toute nuance et sensibilité en débarquant sur le territoire américain. Comme si le réalisateur britannique tentait de s’y faire accepter en essayant d’adopter le ton tout aussi cynique mais plus maîtrisé de son grand frère Martin McDonagh qui nous a offert les géniaux Bons Baisers de Bruges et Seven Psychopaths. Au-dessus des lois est loin d’être un mauvais film, il se regarde sans déplaisir mais il lui manque tout de même la flamme et une écriture plus développée pour faire partie des références du genre, à l’instar de L’Arme Fatale ou Starsky & Hutsch. On lui préférera dans le même registre Very Bad Cops ou The Nice Guys, le dernier né de l’esprit de Shane Black, l’incontestable spécialiste du buddy movie.

Pour la première fois, Eric Cheng voit une de ses bandes-dessinées adaptées en live, et ce dans le cadre d’une improbable coproduction sino-malaisienne. Il faut dire que, contrairement aux fables héroic-fantasy qui l’ont fait connaitre à Hong-Kong, Wolf & Mary (le comics dont est tiré When Geek Meets Serial Killer) est une histoire plus intimiste, aux inspirations personnelles évidentes, et surtout sur le ton de l’humour noir et burlesque le plus total. C’est dans ce sens que démarre d’ailleurs le film, nous plongeant dans l’imaginaire débridée de son héros, un jeune dessinateur introverti et dont nous partagerons les peurs et les divagations pendant près de la moitié de la diégèse, au cours de laquelle on le voit faire des pieds et des mains pour se débarrasser qu’un cadavre quelque peu encombrant. Cette première partie souffre surtout du peu d’empathie que suscite le personnage, une grossière caricature du « geek » si insupportable qu’on la croirait toute droit sortie de la variation asiatique de The Big Bang Theory. C’est dans la seconde partie, après que nous soit introduit l’autre rôle-titre –le serial-killer donc– que le rythme va s’accélérer, le scénario prenant alors la forme d’un petit jeu de massacre agréablement pervers. Trouver le sens de la vie en multipliant les meurtres, tel semble être la voie que va suivre le personnage, qui va sans surprise dépasser le maitre. Tourné en grande partie en huis-clos, ce vaudeville gentiment trash est le fruit d’un travail amateur, tant de la part de l’équipe technique que du casting, ce qui l’empêche de faire mouche avec le mordant qu’il aimerait avoir.

Après une journée de compétition en demi-teinte, l’Etrange Festival nous offre l’occasion de découvrir de sympathiques films de genre et des séances spéciales exceptionnelles.

Six ans après sa dernière intervention à l’Etrange Festival, Alejandro Jodorowsky nous a gratifiés d’une inoubliable intervention de « crypto-cinéma », au cours de laquelle il a mêlé deux de ses deux passions : Le 7^ème art et l’ésotérisme. Il nous a en effet offert une analyse très personnelle, mais ô combien pertinente, de l’un de ses films favoris, Le Magicien d’Oz (Victor Fleming, 1939), nous expliquant qu’il ne s’agit pas uniquement d’un conte pour enfants qui a révolutionné le cinéma avec son usage du Technicolor, mais avant tout d’un cumul de symboles mystiques. Cartes de tarot à l’appui, ses explications nous ont permis de comprendre que les personnages qui entourent Dorothy sont des métaphores de son âme, son esprit, son intellect, ses émotions, sa sexualité, son égo et son Dieu intérieur, et que leur parcours les mènent à une élévation spirituelle. Un éclairage qui donne envie de se replonger de ce classique, mais aussi qui offre des clefs pour (enfin) décrypter ses films les plus énigmatiques.

Après avoir fait sensation avec son Heli au Festival de Cannes 2013, où il avait remporté le prix de la mise en scène, Amat Escalante revient avec La región salvaje qui s’impose comme son film le plus étrange. Avec son atmosphère lourde et son rythme très lent -trop par moments d’ailleurs- le film se mue en véritable trip sensoriel aussi fascinant que hallucinatoire. A l’image des personnages, nous sommes plongés dans un véritable cauchemar/rêve (la limite est floue) éveillé. Il est passionnant de voir avec quelle grâce Escalante a été aussi loin dans son délire sans que son oeuvre perde en crédibilité, grâce à une mise en scène chirurgicale qui manie à merveille le hors champs et offre des plans d’une beauté sidérante. Réflexion sur l’effervescence des sens et la frustration sexuelle qui prennent ici forme de manière inattendue et très symbolique, l’oeuvre n’hésitant pas à se montrer exigeante envers son spectateur dans un traitement pour le moins original du désir et de ses conséquences. Après, certaines sous-intrigues peinent parfois à décoller ici, le film s’éparpillant sur trop de personnages et vient handicaper le cœur de son propos, les longueurs s’accumulant un peu trop lors du dernier tiers. La región salvaje reste un long métrage de très haute tenue qui mérite le coup d’œil à condition tout de même d’être un spectateur averti qui n’a pas peur de se lancer dans des expériences singulières.

Dans le cadre d’une Carte blanche laissée au graphziniste Stéphane Blanquet, l’artiste  plasticien a fait en sorte de nous concocté une sélection très proche de l’univers visuel qui est le sien. Celle-ci a débuté par le long-métrage L’Ange (Patrick Bokanowski, 1982), considéré par beaucoup comme une référence dans le domaine du cinéma expérimental. Il faut bien reconnaitre que, malgré l’absence de scénario, les 70 minutes passent très vite, tant on se laisse hypnotiser par la virtuosité musicale du montage et la splendeur des images jouant habilement sur les effets de lumière. La sélection s’est ensuite composée de courts-métrages tout aussi expérimentaux et non-narratifs, dont l’hallucinatoire Psychic Rallye In Heaven et des animations japonaises signées par Keiichi Tannami, comportant beaucoup de femmes nues et de phallus en érection. Un beau programme psychotrope et fortement déconseillé aux épileptiques.

Faisant parler de lui en festival depuis quelques mois, les taglines de la bande annonce de The Bodyguard évoquait sans modestie aucune « the best action movie of the last 20 years » et « the new Bruce Lee coming« . Forcément, l’attente n’en était que plus grande, qui plus est quand le réalisateur est également l’acteur principal et le propre maître de ses cascades. Déjà à l’origine du film The King of Streets, Yue Song est un sacré personnage, car si sa maîtrise dans les combats est exceptionnelle, son narcissisme l’est tout autant. Il n’hésite pas à surestimer grossièrement son film, surtout quand on a encore en tête le diptyque The Raid. Et on peut dire qu’elle est loin la réussite, la beauté et l’énergie des films de Gareth Evans qui vont encore rester un moment le modèle du film de combats du XXIème siècle, tandis que The Bodyguard se vautre lamentablement. Malgré les ridicules motivations du scénario, la trame narrative de The Bodyguard arrive tout même à tomber dans le rocambolesque. Rebondissements surréalistes, absence de psychologie des personnages, clichés à la pelle, autant d’erreurs d’écriture qui empêchent d’avoir une empathie pour l’histoire et pour le personnage incarné par Yue Song. Si au moins, les combats en valaient la peine. Mais le montage épileptique et agressif empêchent d’avoir une bonne lisibilité dans les séquences d’action, tandis que les effets spéciaux agacent l’œil (les orages dans le ciel, le loup en 3D, etc.). Et ce ne sont pas les ralentis utilisés à l’excès qui feront la différence. Il faut néanmoins reconnaître à Yue Song d’être un excellent chorégraphe (même si certains mouvements prêtent à sourire) et que son talent est là, non pas derrière la caméra. Sans compter que le cinéaste a jugé bon de souligner chaque séquence d’une musique lourde qui empêche le long métrage de bien utiliser les rares émotions qui se dégagent de l’intrigue. The Bodyguard est la preuve qu’un champion d’arts martiaux à la réalisation ne donnera pas forcément un bon film de kung-fu. Le long métrage, malgré lui, captive (et amuse) parce qu’il se noie dans la mélasse et les poncifs du genre. On lui sauvera tout de même certaines séquences de combat, notamment celles de fin dans l’entrepôt, plus maîtrisées et nettement plus impressionnantes. Au final, The Bodyguard est une déception, pire un très mauvais film. Mais le trop-plein de sérieux du cinéaste et son narcissisme en dehors du film en font un objet à part, surréaliste et involontairement drôle.

Michael O’Shea signe avec son Transfiguration la réflexion sur le symbole du vampires la plus intelligente depuis plusieurs années. L’approche se fait à contre-pied de tout ce que l’on peut en attendre et c’est ce qui perturbera sans doute le plus. Ses intentions sont très cachées et pourraient perdre le spectateur qui se retrouve non pas plongé dans un film fantastique mais dans un vrai drame social, qui se montre même assez poignant. L’approche et le regard que porte O’Shea sur son protagoniste est empathique et arrive à le rendre attachant malgré le mal très obscur qui le ronge. La partie romance est traitée avec tendresse et ne tombe jamais dans la niaiserie, le film trouve une justesse appréciable notamment dans le traitement très sobre de sa mise en scène. Par contre, on aura du mal à lui pardonner l’abattage incessant de ses références qui donne la sensation que le réalisateur fait son petit malin en citant ses inspirations mais qui limite systématiquement son film à la comparaison avec ces dernières. Retrouvez la critique complète ici.