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Il ne reste plus que quelques jours de compétition à l’Étrange Festival, mais la programmation continue à réserver chaque jour son petit lot de films étonnants :

The Sion Sono, La Dernière Vague, Détour et Where Horses go to Die

Plongée passionnante dans le travail et la vie du cinéaste Sono Sion, The Sion Sono de Arata Oshima est un documentaire unique et précieux qui permet de faire découvrir un artiste iconoclaste, prolifique mais au final assez mystérieux. Qu’on le voit en pleine conception de son travail soit pour un film ou dans ses peintures, on se fascine pour la réflexion brillante de l’homme qui arrive à réaliser pas moins de 4 films en un an. Mais ce qui intéresse le plus ici, c’est son intime. Son rapport avec le cinéma des autres, ses racines et sa femme. On est confronté à sa façon extrême de pousser ses acteurs mais aussi à ses réflexions sur la vie et sur son pays après le drame de Fukushima. Bien fait, débordant de passion et d’humour, le documentaire plaira assurément aux fans du cinéaste mais devrait aussi intéressé ceux qui s’intéresse en cinéma. Par contre, ce n’est pas cette exploration de sa vie qui devrait réconcilier ses détracteurs avec son cinéma.

On a aujourd’hui tendance à oublier que Peter Weir (Le cercle des poètes disparus, The Truman Show…) a fait ses premières armes dans le domaine du fantastique, mais heureusement le rockeur Jaz Coleman a profité de la Carte blanche que lui a accordé l’Etrange Festival pour nous faire redécouvrir un sommet du cinéma de genre australien : La dernière vague. En se voulant à la fois un thriller juridique et une initiation au mysticisme tribal, le scénario s’aligne parfaitement sur le double niveau de perception des aborigènes tel qu’il est décrit dans le film, c’est-à-dire via l’existence d’une dimension spirituelle parallèle à notre monde matérialiste, et ce pour mieux étudier la place de ces natifs dans l’Australie contemporaine. On suit, à travers les yeux du personnage d’avocat brillamment interprété par Richard Chamberlain (qui tenait là son meilleur rôle), toute une interrogation sur la négation de la culture ancestrale de ces indigènes locaux par la bien-pensance moderniste ainsi que sur la condescendance avec laquelle ils sont traités, en premier lieu par sa propre femme. De plus, en ne chargeant pas la dimension fantastique de son film en effets spéciaux tape-à-l’œil, Weir s’est assuré de signer l’une des œuvres du genre qui a le moins vieilli ainsi qu’un discours universel sur le besoin de se pencher sur les acquis de nos aïeux pour éviter le pire de ce qui est à venir.

Christopher Smith est un cinéaste qui a déjà une certaine réputation, et il vient ici définitivement l’asseoir avec son Detour. Le film est un leçon de cinéma en ce qui concerne le montage et la mise en scène, tout transpire la virtuosité pour venir mettre en image à la fois un road trip prenant et en parallèle un huit clos sous tension. Déconstruisant son récit avec brio, Smith s’amuse de la linéarité de l’ensemble et à brouiller les pistes dans un jeu incontrôlable qui montre comment une journée peu très mal tourner. Confrontation des points vues, utilisation intelligente des splits screen etc. Tout ça vient brouiller la perception du spectateur pour mieux le prendre par surprise. Malheureusement c’est aussi là que l’oeuvre trouvera une certaine limite, car si le tout marche très bien pour le premier twist, il faut reconnaître que la sauce prend plus difficilement par la suite. La deuxième partie du récit tombe dans quelques facilités et peine à se renouveler. Mais l’écriture reste malgré tout impeccable, arrivant à rendre son trio principal vraiment attachant, surtout qu’ils sont interprétés à la perfection notamment Tye Sheridan qui signe son meilleur rôle. Detour est une réflexion habile sur le meurtre, que ce soit à travers ses justifications et ses conséquences, il est mis en scène avec minutie et il se doit assurément d’être vu car il est un indispensable pour tout amateur de cinéma et de grand divertissement.

Parce que l’Etrange Festival n’a jamais eu peur de s’aventurer dans le domaine du cinéma estampillé « LGBT militant » ou « queer », l’une des réalisations les plus frapadingues de cette compétition nous vient de Where Horses go to Die, signé par le jeune Antony Hickling, dont le pape du genre Bruce LaBruce avait salué le précédent film, le moins barré mais aussi poétique Little Gay Boy. Cette fois-ci le cinéaste nous fait vivre de l’intérieur les divagations fantasmatiques d’un homme qui a encore du mal à assumer son homosexualité mais qui va se décoincer au contacter de personnages haut en couleurs. Le film sombre vite dans un certain onirisme très sexué, jouant tout autant sur ses ambiances monochromatiques que sur la sublimation des corps. Ces envolées lyriques, qui peuvent être très drôles, nous invitent évidemment à profiter des délices de la chair mais aussi à ne pas avoir peur de ce formatage moral et esthétique prôné par le cinéma mainstream et dont Hickling s’affranchit avec brio. Parce qu’il ne dure pas longtemps, le film ne sombre pas, comme beaucoup, dans la surenchère graphique et nous laisse sur le souvenir d’une œuvre aussi libertaire que bien inspirée.

Huitième jour de Festival au Forum des Images. La programmation hétérogène nous fait enchainer les  séances et les rencontres qui nous rappellent que -en bien ou en mal- le cinéma sait être radical dans ses propositions artistiques:

Le Baron de Crac, Bad Cat, Officer Downe, Alipato

Dans le cadre de sa carte blanche, le graphiste Stéphane Blanquet a fait profiter aux festivaliers de la version restaurée d’une variation audacieuse des aventures du Baron de Münchausen. Si ce nom est bien connu des cinéphiles, c’est grâce aux adaptations faites par Georges Meliès en 1911 ou par Terry Gilliam en 1988, des romans de  Rudolf Erich Raspe au 18^ème siècle qui popularisèrent ce célèbre et fantasque mercenaire allemand et ses affabulations rocambolesques. C’est sous son surnom de Baron de Crac (« baron des mensonges »), que le tchécoslovaque Karel Zeman a bâti, en 1962, un travail visuel foisonnant qui est celui des 3 films les plus populaires dédiés au personnage qui a le mieux vieilli. Sur une narration qui donne une place importante au cosmonaute, le réalisateur donne de plus un sous-texte, qui prend sens à son époque marquée par la course à l’exploration spaciale entre les deux blocs de la Guerre Froide, rappelant que la magie n’est pas à aller sur la lune mais bien sur Terre. Faisant preuve d’une ingéniosité sans borne, ce maitre de l’animation de l’Europe de l’Est accumule, de scène en scène les trouvailles pour donner vie aux exubérances de son récit. Mélange habile d’images live et de décors picturaux animés, son ouvrage est un magnifique ouvrage graphique teinté d’onirisme intemporel.

Dans le cinéma turc, les films d’animation sont assez rares pour mériter d’être remarqués, et quand, de plus, il possède un fort potentiel irrévérencieux, il aurait été dommage que l’Etrange Festival passe à côté. Imaginez un lointain cousin de Garfield aussi vulgaire que l’ourson Ted, dans un film qui soit un mélange entre Comme des Bêtes et Affreux, sales et méchants. C’est exactement ce qu’est  rôle-titre de Bad Cat, le chat Shero, dont les échanges avec ses deux amis (une mouette et un rat) sont lourdement chargés en grossièreté. Tout l’humour de ce scénario repose donc dans ces dialogues corrosifs, alors que l’intrigue va se montrer incapable de tirer profit de son histoire de retrouvailles avec un fils illégitime et même du sous-texte politique qu’aurait pu engendrer le décalage social entre l’extravagant Shero et la chatte angora dont il va tomber amoureux. Au lieu de ça, le scénario va préférer un récit aussi grand-guignolesque qu’immature de méchant zombie qui reviendra chaque fois essayer de le tuer. Fort heureusement la fluidité de l’animation et le rythme survolté font de ce dessin-animé un  divertissement réjouissant ainsi qu’un souffle d’air frais sur l’industrie cinématographique turque.

Avant d’être le réalisateur de Officer Downe, Shawn Crahan est avant tout le créateur et le percussionniste du groupe de métal Slipknot. Autant dire que l’on était assez curieux de voir ce qu’il peut donner devant un caméra, si, à l’instar de Rob Zombie -un autre musicien/réalisateur-, il allait se lancer une filmographie intéressante. Il ne faudra pas longtemps après l’intro plutôt jolie, faite de dessins et avec une voix-off bien badass, pour savoir que l’on va assister à une catastrophe industrielle. La première scène est un moment de sexe qui a le bon goût d’avoir un compteur d’orgasme pour montrer à quelle point le héros est un homme, un vrai. On enchaîne, sans cohérence aucune, une scène d’action mal filmée et indigeste pour ensuite nous présenter un petit nouveau qui rentre dans la police et qui sera le vrai personnage principal. Où est passé la voix off d’Officer Downe qui doit nous raconter son histoire comme il l’a promis ?  En moins de dix minutes, le film a déjà démontré qu’il ne savait pas faire le moindre choix de narration et cela va continuer pendant presque 1h30 qui semblera une éternité. Le scénario est catastrophique, l’histoire est inexistante, les personnages sont mal présentés, l’ensemble est caricatural… et évoquera à peine un casting extrêmement mauvais, en se demandant pourquoi Kim Coates s’est retrouvé dans cette purge! On priera surtout pour que Shawn Crahan ne se retrouve plus jamais avec une caméra dans les mains tellement son travail sent l’amateurisme et que son Officer Downe ressemble à un mauvais clip tourné dans un garage.

Alipato est le syndrome même du réalisateur qui se regarde filmer. Lorsqu’une séquence de trois minutes consiste juste à suivre un homme marcher avec pour seul bruit sonore ses pas, on se dit bien que l’expérience va être difficile. Le procédé est intéressant pourtant, suivre l’évolution d’un gang durant toute leur existence de manière allégorique aurait pu donner quelque chose de vraiment tétanisant mais sur un long métrage, la sauce ne prend pas. La mise en scène suit toujours le même procédé, celui de suivre un personnage rentrer dans une pièce, faire un mouvement circulaire dans la pièce pour étudier chaque actions, puis quitter la pièce. Ou encore mettre un remix de musique classique puis faire un arrêt sur image pour présenter chaque personnages et couper la scènes par des cut sur des pierres tombales. C’est la même chose encore et encore pendant plus d’une heure de film au point que ça en soit éreintant et que cela paraisse interminable. Alipato est très clairement une expérience douloureuse et qui, en dehors de son aspect visuel -très beau, il faut bien le dire, grâce à une gestion de la lumière splendide-, n’a rien à offrir.

Déjà une semaine que l’Étrange Festival a commencé et la compétition bât son plein! A côté, les sélections parallèles continuent de faire découvrir de nouveaux talents prometteurs ou de redécouvrir des films qui méritent de ne pas sombrer dans l’oubli:

Buongiorno Notte, Under The Shadow, Psiconautas  et Headshot

Dans la catégorie « La liberté ou la mort », plusieurs films traitent des années des Plomb dans leur pays respectif, c’est le cas de La Bande à Bader (Uli Edel, 2008) pour l’Allemagne, d’United Red Army (Kōji Wakamatsu, 2007) pour le Japon et de Buongiorno, Notte pour l’Italie. Ce dernier, contrairement aux autre susnommés, ne revient pas sur l’avènement des groupuscules communistes, mais s’attache au plus retentissant des crimes commis par les Brigades Rouges, puisqu’il a fait vaciller l’échiquier du pouvoir transalpin : L’enlèvement et le meurtre d’Aldo Moro en 1978. Réalisé en 2003 par Marco Bellochio, bien connu pour ses « films coups de poing », cette reconstitution est la première à s’intéresser frontalement à cette page d’histoire sensible, et il le fait sans se soucier des tenants et aboutissants politiques de ce sordide fait divers, mais uniquement de sa dimension humaine. Il y adopte le point de vue d’un de ses personnages, Chiara, seule femme de la cellule révolutionnaire et qui est en fait l’avatar d’Anna Laura Braghetti, l’ex-terroriste qui a écrit le livre dont le scénario est tiré. A travers les yeux de cette communiste, on partage, dans des scènes de huis-clos oppressantes, un profond désenchantement face à la décision de ses camarades de tuer leur otage. Il est alors difficile de saisir quel positionnement prend Bellochio vis-à-vis de l’affaire, puisqu’il n’hésite pas à la fois à sacraliser les utopies révolutionnaires dans une superbe scène chantée, et à faire un parallèle entre les méthodes des B.R. et celles des fascistes. Une absence de jugement qui rend plus pertinente cette analyse des dernières heures du combat d’une génération.

Under the Shadow hésite bien longtemps entre être un drame ou un pur film d’horreur et lorsqu’il décide de prendre enfin une direction, il ne prend pas forcément la plus intéressante. Babak Anvari a une mise en scène très minutieuse quand il s’agit de poser une ambiance et ses personnages, les deux premiers tiers de son récit sont un régal jouant habilement avec la gestion de l’espace -le film est quasiment un huit-clos- et ayant l’intelligence d’user brillamment du contexte de l’histoire. Ici l’horreur se trouve à la fois au sein de l’appartement mais aussi à l’extérieur, en Iran n’ayant pas le droit de se déplacer dehors comme elle l’entend surtout durant cette période troublée. Comment échapper à une situation horrifique alors que même dehors en public, le personnage n’est pas à l’abri ? L’horreur se transforme alors en drame, celui de la place de la femme dans une société patriarcale et totalitaire où elle n’est pas libre de ce qu’elle veut, professionnellement et personnellement. Elle ne peut compter sur aucune aide, et devra protéger sa fille à tout prix. Dommage par contre que le film soit trop classique dans son traitement, qu’il néglige l’intelligence de ses personnages au profit des effets horrifiques et qui tombe dans les jumpscares putassiers lors du dernier acte. Même s’il apparaît comme un drame intéressant et avec un vrai propos, il faut reconnaître que Under the Shadow est un film d’horreur décevant et qui ne fera certainement pas date.

Psiconautas est un film d’animation fascinant. Prenant la forme d’un récit choral, il va étudier avec une extrême finesse la déliquescence d’un monde. Faisant écho avec notre société, où les personnages sans avenir dans un univers qui stagne décide de s’évader la pression sociale et de la tyrannie de l’autorité. Les personnages refusent que leurs chemins soient tout tracés, mais l’oeuvre, plus cruelle, montre la dure réalité de la vie et bouleverse. Muni d’une direction artistique brillante et d’une animation somptueuse, le tout se mue en conte funèbre et magnifique qui distille une amère mélancolie chez le spectateur tout en sachant se montrer vraiment mignon et drôle. Peut-être que parfois les intrigues s’entrechoquent maladroitement mais c’est une oeuvre qui foisonne de bonnes idées de la part de Pedro Rivero et d’Alberto Vasquez, et qui malgré de très légères maladresses, s’impose comme un des gros coups de cœur de ce festival.

Un amnésique laissé pour mort par ceux-là qui ont fait de lui une machine à tuer et un héros que seule sa cicatrice au front rattache à son passé… non, il s’agit pas de Jason Bourne et Harry Potter mais bien de Abdi et Ishmael. Deux noms pour un même personnage, incarné par Iko Uwais, intronisé star de la castagne par le dytique The Raid. Alors que les films de Gareth Evans limitaient son personnage à statut de combattant increvable, Headshot lui propose, derrière son scénario certes convenu, de donner un minimum d’enjeu émotionnel à son rôle. L’acteur n’est pas venu seul puisque deux acteurs présents dans The Raid 2 sont aussi de la partie : Julie Estelle et Very Tri Yulisman, même si il parait évident que le scénario peine à leur donner une place. Mais le plus impressionnant est sans conteste l’aisance avec laquelle la mise en scène des Mo’ brothers, un peu plate dans les scènes « calmes », parvient à s’ajuster sur les chorégraphies des bastons, augmentant ainsi leur fluidité et faisant de chaque coup porté une véritable claque à l’égard du spectateur. Il faut reconnaître, c’est du brutal !