Non content d’avoir imposé la vulgarité comme mètre-étalon du blockbuster moderne, Vin Diesel persiste et signe dans le divertissement décérébré pour livrer Fast and Furious 8, le 8ème volet de ses loustics camés à l’essence. Ceci dit, point de barons du crime à saper cette fois, mais une cyber-terroriste bien décidée à provoquer la Troisième Guerre Mondiale. Bref, autant dire une intrigue à la Mission Impossible, qui coupée à une massive dose d’impertinence font de ce film, l’opus le plus clivant de la saga, tiraillé entre bêtise (ultra) crasse et plaisir (très peu) régressif.
Cela semblait inévitable quand on y pense. Après avoir fait de Dubai, le lieu d’une de leur énième cascade mongoloïde et fait ses adieux à Paul Walker (ce qui n’aura pas manqué de faire pleurer dans les chaumières), le 7ème opus de la franchise avait tout des airs de fin. La voir donc revenir semblait à bien des égards, curieux. Et autant dire que passé le postulat de voir Diesel être passé du coté obscur, la curiosité a laissé place à bien pire : la déception…
Un monument de beauferie…
Car oui, ne tournons pas autour du pot plus longtemps : ce FF8 est une franche déception. Non pas que ses prédécesseurs aient tous demeurés des modèles de cinéma, mais ils avaient au moins le mérite de pouvoir compter sur une exécution solide et par dessus tout, une âme. Celle-ci évaporée à l’issue du final lacrymal du 7ème, on se demandait bien comment le patriarche Dom allait pouvoir ruser son monde et justifier la légitimité de cette nouvelle aventure. Sans surprise, il n’y arrive pas. La faute à plein d’éléments mais surtout un, souvent moqué dès lors qu’on cause F&F : le scénario. Incohérent et virant dans l’infâme soap-opera, (et encore on est gentils puisque les télénovelas semblent plus approprié ici), l’histoire plonge dans le paradoxe tellement elle se veut sérieuse quand sa résolution ne l’est pas. 
Entre un Dwayne Johnson devenu par la force des choses un bisounours tout juste bon à faire du lancer de torpilles et donner de gnons, un Vin Diesel aussi charismatique qu’une armoire Ikea et une ribambelle de personnages tous plus indigents les uns que les autres, c’est à se demander comment on a su s’attacher à toutes ces faces de gaufres. La palme revenant ainsi à Jason Statham, pourtant ici méchant qui parvient à s’arroger les meilleurs moments et punchlines du film, et le tout sans forcer. Ce qui fatalement amène la question que de se demander pourquoi la franchise, rompue à ces numéros d’équilibriste en est tombée au point de sacraliser et rendre plus charismatique, un méchant ? Le film n’aura pas le temps d’y répondre, sans doute trop occupé à se foutre de son spectateur. Et pour cause, car cette 8ème cuvée surfe sur une intrigue tellement paradoxale qu’elle n’hésite jamais à sacrifier ce sur quoi elle a bâti sa renommée : les caisses. C’est bien simple : sur 2h20 de métrage, on verra plus souvent le crew se pavaner dans des bureaux high-techs, des avions, ou même des prisons que derrière un volant. Et, si sur la forme, ça n’a l’air de rien, sur le papier, ça défriche tout un pan de la « mythologie » (bon sang, on écrit vraiment ce mot là, quel drame!) de la team à Baboulinet et consorts. Fini en effet ces jeunes paumés qui font péter la nitro dans leurs engins et place aux similis agents secrets, rompus à empêcher une Troisième Guerre Mondiale tout ça pour pouvoir scander en choeur à la fin : Viva la famille. C’est gros. C’est trop gros. Mais…
Un défouloir 100% azimuté
… On aurait tort de cracher sur cette franchise, car il faut bien avouer que dans le vivier des méga-productions US, Fast and Furious fait plus que jamais office d’anguille. Tour à tour remake de Point Break, défouloir motorisé, heist-movie et finalement ersatz de Mission Impossible 
coupé à la nitro, la franchise à Vin Diesel a fait crisser pas mal de dents (et de pneus) en course. Quitte à envoyer bouler le tout dans le mur de la bienséance ou de la logique pure. Et c’est bien pour ça, cette adaptabilité, que le chaland y a trouvé son compte depuis toutes ces années. En ce sens, difficile donc de faire la fine bouche devant cet opus, tant il prend un malin plaisir à condenser tous les poncifs de la saga, en l’occurrence mêler intrigue d’un Mission Impossible dans le carcan d’une famille ultra dys-fonctionnelle.. Et rien que pour ça, on en profite. Charlize Theron en méchante qui surnage, Statham qui fait office de caution cartoonesque de l’ensemble et Dwayne Johnson toujours là pour montrer les poings, bref, on assiste à un festival de mauvais gout ininterrompu. Mais, grâce du cinéma oblige, cet amas de beauferie se transforme alors en une sucrerie pop, infusée à la connerie, jamais absente dès lors qu’il est question de faire monter l’adrénaline. Résultat, on se prend au jeu de se passionner devant les aventures délirantes de Baboulinet qui passe du coté obscur, et se met en tête d’échapper à un sous-marin sur la banquise ; ou de survivre à une apocalypse de voitures zombies en plein New York. Bref, c’est gros là encore, c’est énorme mais force est de constater que ça fait du bien.
Avec Fast and Furious, tout est question de jugé et cet opus n’est pas différent en somme. Si les cavalcades glacées de Baboulinet vous font esquisser un sourire, nul doute que cet opus parviendra à vous satisfaire. De l’autre coté, si vous avez du mal à dégager du charisme de cette armoire Ikea monolithique qu’on appelle Vin Diesel, peut-être êtes vous trop vieux pour ces conneries.
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Fast and Furious 8 : Bande-Annonce
Synopsis : Quand une mystérieuse femme entraîne Dom dans le monde de la criminalité, ce dernier ne pourra éviter de trahir ses proches qui vont faire face à des épreuves qu’ils n’avaient jamais rencontrées jusqu’alors. Des rivages de Cuba aux rues de New York en passant par les plaines gelées de la mer arctique de Barrents, notre équipe va sillonner le globe pour tenter d’empêcher une anarchiste de déchaîner un chaos mondial et de ramener à la maison l’homme qui a fait d’eux une famille.
Fast and Furious 8 : Fiche Technique
Titre original : The Fate of the Furious
Réalisation : F. Gary Gray
Scénario : Chris Morgan, d’après les personnages créés par Gary Scott Thompson
Interprétation : Vin Diesel (Dominic Toretto), Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Jason Statham (Deckard Shaw), Michelle Rodríguez (Leticia Ortiz), Tyrese Gibson (Roman Pearce), Ludacris (Tej Parker), Nathalie Emmanuel (Ramsey), Kurt Russell (Frank Petty), Scott Eastwood (Eric Reisner), Charlize Theron (Cypher), Helen Mirren (Magdalene Shaw)…
Photographie : Stephen F. Windon
Direction artistique : Desma Murphy
Décors : Bill Brzeski
Montage : Paul Rubell et Christian Wagner
Musique : Brian Tyler
Production : Vin Diesel, Michael Fottrell, Neal H. Moritz
Coproducteur : Cliff Lanning
Producteur délégué : Chris Morgan
Sociétés de production : One Race Films et Original Film
Société de distribution : Universal Pictures
Budget : 230 000 000 $
Durée : 136 minutes
Genre : action
Dates de sortie : 12 avril 2017
États-Unis – 2017
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A l’origine, Message from the King est un scénario écrit par Oliver Butcher et Stephen Cornwell (le duo derrière Sans Identité et Riddick) qui tourne de mains en mains depuis de nombreuses années à Hollywood. Il fut notamment proposé à 
La La Land. Ici, on ne chante pas son bonheur, on se drogue, on se prostitue, et surtout on règle ses problèmes à grands coups de chaîne de vélo dans la gueule!
s’échanger les bourre-pifs est ce montage qui rend les bastons littéralement illisibles. Celles-ci ne sont que cinq au total. Trop peu diront certains, déjà trop diront d’autres. Evidemment, voir Chadwick Boseman distribuer les coups est jouissif, et le voir se faire, à son tour, passer à tabac nous rappelle que nous ne sommes pas devant un film de super-héros… encore que. Qu’il soit sévèrement marqué après une première dérouillée est ainsi cruellement réaliste, en revanche qu’il régénère aussi vite que Logan dans les dernières minutes l’est beaucoup moins. Une preuve de plus que Du Welz n’a pas su conserver jusqu’au bout le contrôle de son travail et s’est brûlé les ailes face à ses producteurs hollywoodiens tout puissants qui lui ont imposé, entre autres, une musique pompière et omniprésente, une relation pleine de bienveillance et un happy-end platement prévisible (hormis un twist qui, certes, n’apporte rien à l’intrigue mais alimente la mythologie autour du héros).
A Miracle donc, on retrouve Kevin Garvey qui est de nouveau chef de police. Kevin semble sincèrement heureux, riant à pleines dents, un visage lumineux, il plaisante avec son fils qui travaille désormais à ses côtés. Cela semble presque incongru de voir ces personnages d’habitude si tourmentés et détruits psychologiquement, si insoucieux et détendus.
Comme à son habitude, la série énigmatique amène de suite de nouveaux questionnements et garde cette ambiance lynchienne onirique si singulière et si dépaysante qui nous met dans le même état de confusion et d’alerte que les personnages. C’est à nouveau tout en métaphore que The Leftovers s’adresse à nous, nous poussant à nous questionner sur la mort, mais surtout la vie puisque la principale question, comme l’a si bien dit Max Richter (compositeur de la série), est “comment les personnages (autrement dit nous) parviennent à se lever et à continuer de vivre ?”. Usant de symboles et de métaphores, The Leftovers laisse alors au spectateur le choix, la liberté, d’interpréter les épisodes comme bon lui semble, selon ses croyances et sa vision personnelle du monde.
Très souvent un “yes man”, notamment dans le système de production américain, le réalisateur de série n’est que peu connu du grand public contrairement à certains de ces confrères au cinéma. Tim Van Patten (The Sopranos, Boardwalk Empire) avoue, dans le troisième épisode de cette série documentaire, s’être par moment senti comme un “professeur remplaçant”, débarquant dans une équipe dont il ne connaît pas les membres, exécutant un travail qu’on lui décrit sans pouvoir exprimer sa personnalité. Mais malgré des débuts difficiles sur fond de précarité financière, les réalisateurs présentés dans ses trois premiers épisodes, à force de persévérance, ont réussi à s’imposer dans la profession.
C’est le cas de Rosemary Rodriguez, qui a connu une vie compliquée et tumultueuse mais qui a eu par la suite, l’occasion de travailler sur des séries prestigieuses comme The Good Wife ou 
Au final, Charlotte Blum nous offre une série de portraits touchants et sincères de réalisateurs habités par leur profession et qui ne sont que rarement reconnu à leur juste valeur. En mettant en avant ce métier, souvent vu comme ingrat (embauché pour un épisode puis remplacé), ce documentaire arrive, en l’espace d’une heure et demie (pour la première partie), à faire rêver bon nombre de sériphiles/cinéphiles dans la salle grâce au regard passionné que ces professionnels portent sur leur travail. Une profession qui ne lassera jamais ses trois réalisateurs comme le confie Tim Van Patten, qui s’émerveille devant son insatiable goût pour l’apprentissage, ajoutant qu’il continuera d’apprendre jusqu’à son dernier jour de tournage.
Jamal Malik (Slumdog Millionaire) et Sheru (Lion) sont deux orphelins, miséreux de la vie qui s’offre à eux. Même si ce dernier possède toujours une mère, il est symboliquement, un enfant perdu au milieu de nulle part. Voici la triste réalité de ces drames loin de n’être qu’une simple fiction. Slumdog Millionaire et Lion sont des œuvres bouleversantes, qui dépeignent le quotidien de millions d’enfants dans le monde. Ils permettent une véritable prise de conscience, loin de notre confort privilégié, sur la misère qui peuple notre
Même si ces deux enfants, devenus des hommes, entretiennent une relation bien différente avec leur frère, tous deux restent véritablement attachés à ce lien du sang, celui qui les unit. D’un côté, nous avons l’histoire de Jamal Malik, protégé brutalement par l’image de son frère ainé. De l’autre nous avons celle de Sheru, bercée par les tendres souvenirs de l’existence fraternelle qu’il a connu. Entre ces deux histoires, une grande similitude : celle d’une union entre deux personnes ayant toutes deux connues l’indigence. En effet, ce n’est pas uniquement le lien familial qui les soude, c’est aussi le partage d’un 
Slumdog Millionaire et Lion apparaissent comme de douloureux romans d’apprentissage. Telle une leçon de vie, ces mélodrames de l’enfance parviennent à produire en nous une véritable prise de conscience à l’égard des classes pauvres. Nous comprenons que c’est à travers les épreuves que ces hommes parviennent à exaucer leur rêve.
La classicisme et la banalité de la mise en scène mettent en valeur le talent des acteurs, sublimes dans toute leur intensité. Si l’on croit au début qu’il s’agit d’un récit d’apprentissage sur l’émancipation féminine, le long métrage tourne rapidement au drame et à la tyrannie de l’amour sur la morale. Catherine prend le pouvoir et reproduit les mêmes ordres que son mari osait lui donner, sur la servante qui l’accompagne pour ensuite donner une leçon d’humanité qui, semble cacher beaucoup de secrets. Le féminisme du début du film laisse place à une ambiance glaçante et perturbante : la jeune femme qui ne demande que la liberté au début sera finalement prête à tout par amour. Presque une heure et demie à suivre ce changement radical de personnalité grâce à des silences, des respirations, et un jeu excellent de Florence Pugh qui frappe le spectateur dans un plan final incroyable, même si attendu. Le film connaît quelques longueurs et pourtant le temps passe vite et l’on ne s’ennuie pas bien que le rythme soit lent et répétitif. L’histoire s’achève sur un générique silencieux, à l’image de 
Le festival Séries Mania 2017 frappe donc très fort en nous offrant la première mondiale (les États-Unis n’acceptant que très rarement de donner l’exclusivité de leurs séries avant leur diffusion nationale) des deux premiers épisodes de The Leftovers. Une troisième saison qui s’annonce tout aussi énigmatique que les deux premières, les deux épisodes amenant leur lot de questions habituelles (on doute d’ailleurs que la série répondra à toutes les questions dans cette saison qui sera la dernière). On retrouve Kévin, toujours à la limite de la folie, apparemment pas remis de son retour à la vie et Nora au bord du craquage. L’intrigue devrait se passer au moins en partie en Australie, ce ne sont alors plus les chiens mais les kangourous qui vont devoir se méfier de la gâchette de Kévin.
médies sont vraiment drôles. *Rires* Aux États-Unis, je trouve que beaucoup de comédies ne sont pas drôles, en raison de leur scenario. Les scénaristes ont tendance à faire passer les blagues au-dessus de leurs personnages pour faire rire les gens. C’est le cas dans toutes les sitcoms, où les personnages ne représentent rien, ils sont là pour faire rire le spectateur par les dialogues. À mon avis, c’est le personnage même qui doit rendre les choses drôles par ses humeurs. C’est le personnage qui rend une blague drôle, et non l’inverse. J’espère que j’ai réussi à le prouver dans War on Everyone.
Starsky et Hutch. Je sais que si nous nous trouvions face à eux, nous les battrions sûrement et nous prendrions toute leur cocaïne parce qu’ils vivaient dans les années 80. Les années 80, c’était le paradis pour ceux qui voulaient prendre de la cocaïne! On se demande souvent comment Starsky et Hutch font pour être si rapides, mais en fait, ils peuvent remercier la cocaïne ! Ensuite, nous irions encore boire un verre avec eux. Sérieusement, je suis un fan de cette série télévisée et de ces gars. Mais attention, je ne parle pas du film avec Ben Stiller et Owen Wilson !
Alors que vaut cette suite ? Pas grand chose. Pour discuter de la qualité du film, il faut avant tout interroger sa raison d’être. Le premier opus faisait concluait l’histoire avec la famille heureuse telle qu’on la connaît dans la bande-dessinée. Le foyer bien installé, il n’y avait alors plus aucune raison de filmer la famille Roba. Les producteurs avaient donc deux solutions, soit développer l’aventure dans un autre milieu apportant ainsi de nouvelles thématiques, soit ne pas faire de suite afin de pas abîmer encore plus l’oeuvre originale. Si Boule et Bill 2 sort au cinéma, c’est qu’aucun de ces deux choix n’a été retenu. Les presque 2 millions d’entrées du premier film ont motivé un deuxième film, qui décide de placer son histoire dans une banlieue tranquille, ne s’éloignant que très peu de l’univers du premier film. De par ce postulat, Boule et Bill 2 est avant tout une comédie très ennuyeuse qui peine à offrir une intrigue intéressante. L’absence d’utilité d’un deuxième opus se dessine à travers une mise en abyme volontaire ou non.
Le film devient alors une succession de petits gags sans aucun lien narratif qui peine à attacher le spectateur à des enjeux ou personnages. Si la bande-dessinée n’était parfois constituée que de gags en quelques cases, il est une lapalissade de dire que la bande-dessinée et le cinéma sont deux arts différents, fonctionnant sur un schéma très distinct. Là où le film aurait pu puiser dans les longs albums d’aventure de Boule et Bill afin d’offrir une certaine consistance, il préfère se complaire dans les gags faciles et lourdingues. Et ici est souligné le principal problème des adaptations de bandes-dessinées. Ce qui marche dans les pages d’une BD ne fonctionne pas pour autant sur le grand écran. Un long-métrage ne peut se suffire d’être un défilé de courtes situations. Le problème de Boule et Bill 2 n’est pas d’être une mauvaise adaptation, mais de ne pas exister en tant que long-métrage cohérent. L’argument de » c’est un film pour enfants » est irrecevable. « Films pour enfants » n’est pas synonyme de films crétins ou de films inconsistants. Une oeuvre peut être légère et destinée aux enfants, sans complaire dans l’humour pipi caca. On peut néanmoins reconnaître certaines qualités à Boule et Bill 2. Les enfants se retrouvent bien plus convaincants que les adultes, mention spéciale au très bon Charlie Langendries (Boule). On retrouve une certaine sensibilité et nostalgie dans les amourettes et querelles de cour de récré.