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En s’amusant avec la figure de Dr Jekyll et Mr Hyde, Serge Bozon marque son retour avec une nouvelle comédie complètement absurde. Derrière les blagues cependant, Madame Hyde s’avère être un film très touchant sur l’éducation au travers d’une relation professeur/élève.

La banlieue. L’éducation. À première vue, on se trouve dans les sentiers balisés du bon petit drame français. Sauf qu’on est ici chez Serge Bozon, et que forcément si on a déjà vu des œuvres du bonhomme, on sait très bien qu’on va assister à quelques chose de spécial. Déjà, le titre met bien sur la voie. Madame Hyde est une variation autour de l’une des nouvelles fantastiques les plus reconnues de la littérature anglophone, L’Étrange Cas du Dr Jekyll et Mr Hyde de Robert Louis Stevenson. Tout le monde connait évidemment l’histoire de ce scientifique se transformant en un être monstrueux. Une figure victorienne qui aura inspiré un nombre incalculable de films d’horreur du cinéma muet jusqu’à l’essai peu fructueux de Dark Universe entrepris par la Warner. Chez Serge Bozon, Docteur Jekyll est en fait le professeur Marie Géquil, professeur de physique très timide dans un lycée technique de banlieue. Forcément, la pauvre Isabelle Huppert n’en mène pas large face à ses élèves et connait d’importants soucis de pédagogie. Tout cela va changer une nuit, lorsqu’au cours d’une expérience, elle se fait foudroyer et va se retrouver métamorphosée.

Le personnage de Mister Hyde a toujours été une personnification de la part d’ombre qui est tapis dans chaque être humain et qui finit par prendre l’ascendant, se livrant alors à des pulsions jusqu’ici refrénées. Dans Madame Hyde, le sujet n’est pas du tout le même. Ce qui intéresse particulièrement Serge Bozon est ce changement radical de personnalité. Dès les premiers instants du film, le personnage d’Isabelle Huppert apparaît comme faible. Elle a du mal à s’imposer, se fait mener en bateau par ses élèves, se laisse attendrir par Malik, un élève perturbateur, et surtout, n’arrive pas à transmettre son savoir. Une fois sa « transformation » effectuée, le personnage change du tout au tout. Elle développe alors des méthodes pédagogiques assez inhabituelles, gagne  rapidement le respect du staff de l’école, et notamment du principal campé par un Romain Duris dans un contre-emploi hilarant. Elle arrive à mettre en œuvre des projets pour sa classe et surtout commence à créer un lien spécial avec Malik.

Parce que le sujet principal de Madame Hyde, c’est bien évidemment l’éducation. À la manière d’un Good Will Hunting passé à la moulinette du burlesque de Bruno Dumont, Madame Hyde met en avant une relation particulière entre un enseignant et un élève. En plaçant son histoire dans un lycée de banlieue, Serge Bozon qui a un passé de professeur sait très bien dans quel milieu il met les pieds. La difficulté de l’enseignement dans des zones prioritaires est un fait connu, et elle s’exprime bien évidemment des deux côtés. D’une part des élèves qui pensent ne pas être dans leur élément, pensant que l’école n’est pas faite pour eux et de l’autre des professeurs ayant du mal à communiquer leur savoir, souffrant d’un manque de pédagogie qui peut être dû à un manque d’expériences (ce qui aboutit à une blague particulièrement savoureuse du personnage de José Garcia). C’est ce que montre dès le départ Serge Bozon. Les deux délégués de la classe se plaignant de l’inefficacité de leur professeur pour leur donner envie de d’apprendre. De l’autre, Madame Géquil a du mal à garder la main mise sur une classe qui se dissipe très facilement, lui en faisant voir de toutes les couleurs.

La transformation ne va pas donc pas s’opérer uniquement du côté de la professeur mais également de Malik, jeune élève handicapé rêvant devant les joutes de rap des habitants de la cité.  Au contact de la nouvelle Madame Géquil, Malik va développer une nouvelle vision de l’éducation. Il va apprendre à mettre en place une certaine réflexion, et va s’épanouir au sein du labo de Madame Géquil. Il va comme il le dit lui-même, s’ouvrir à un nouveau monde. Une sorte de relation mentor/disciple naît alors. Ce discours sur l’éducation s’avère au final très touchant et d’une certaine justesse. Bozon arrive à capter avec sincérité les problèmes inhérents à ce genre de cas. Bien évidemment, il fait également passer son message au travers de son humour souvent incongru, pouvant déstabiliser. Les dialogues regorgent alors de petites pépites à l’humour parfois très mordant, comme la ligne du proviseur faisant référence aux nombreuses dépressions dans l’équipe.

Et puis bien sûr, il y a quand même ce fantastique qui émerge par moment de façon inattendue, surtout cette première apparition de cette Isabelle Huppert en feu, avec cet effet d’inversion chromatique. Certainement le moment où Bozon se rapproche le plus d’une certaine horreur développée par la nouvelle de Stevenson. Pour revenir d’ailleurs à la nouvelle de Stevenson, il est intéressant d’observer que le décalage comique du film se transmet également par le fait que chaque acteur joue un peu son Hyde. On a bien sûr Isabelle Huppert, habituée à des personnages dominants qui se retrouve ici dans une position de soumise. Romain Duris, qu’on aura jamais connu aussi drôle, avec ses costumes bariolés à la Lagaf et sa mèche, et à l’inverse, José Garcia beaucoup plus dans la retenue et apportant quant à lui une touche un peu plus mélancolique à l’histoire. Toutes ces petites trouvailles font de Madame Hyde, une œuvre des plus singulières. Serge Bozon dose à merveille son côté complètement décalé avec une certaine poésie, l’occasion d’offrir un film politique tout en travaillant son univers délirant.

Madame Hyde – Bande Annonce

Madame Hyde – Fiche Technique

Réalisation : Serge Bozon
Scénario : Serge Bozon et Axelle Ropert d’après l’oeuvre de Robert Louis Stevenson
Interprétation : Isabelle Huppert, Romain Duris, José Garcia, Adda Senani
Directeur de la photographie : Céline Bozon
Musique : Benjamin Esdraffo
Producteur(s) : David Thion, Phillipe Martin
Société de production : Les Films Pelléas, Arte France Cinema
Distributeur : Haut et Court
Durée : 95 minutes
Genre : comédie, fantastique
Date de sortie : 28 mars 2018

France – 2018

C’est avec beaucoup d’intelligence et de justesse que Vent du Nord, le premier long métrage du cinéaste tunisien Walid Mattar, pose les questions liées au travail dans un monde sans frontières.

Une usine qui délocalise. Des ouvriers qui manifestent et prennent leur patron en otage. Des CRS qui chargent. Des fumigènes d’un côté contre des gaz lacrymogènes de l’autre. Et finalement des machines-outils qui partent dans des camions, laissant les locaux de l’usine désespérément vides. Le cinéaste tunisien Walid Mattar, dont Vent du Nord est le premier long métrage, joue habilement sur des images déjà vues et revues, synonymes de détresse sociale.

Mais son film, justement, ne sombre pas dans la détresse. Comme Hervé, cet ouvrier du Nord qui a accepté un plan de départ volontaire contre une certaine somme d’argent (30 000 Euros pour 32 ans de carrière : comme il le dit, « ça fait pas cher l’année »). Hervé, il a une idée derrière la tête : avec cet argent, il achète un petit bateau et va concrétiser ce que l’on devine être un rêve déjà ancien : devenir pêcheur. Faire de sa passion pour la pêche une activité professionnelle.

Mais tout le monde n’a pas forcément un projet comme le sien. Et c’est avec beaucoup de justesse que Walid Mattar nous montre les ouvriers déchirés entre les fatalistes qui acceptent ce qui se passe et ceux qui veulent se battre pour préserver leur emploi, même si le combat est perdu d’avance. Et c’est toute la place du travail qui est posée ici, une question qui traversera tout le film. Le travail occupe une position paradoxale, à la fois indispensable et secondaire. Indispensable pour espérer vivre décemment, mais, lorsque l’on a un travail, il est de bon ton de s’en plaindre, de le dénigrer, comme ce patron de bistrot qui en a « plein les bottes ». Il faut avoir un travail pour ne pas s’en inquiéter. Et le film de nous interroger sur la place que nous accordons au travail, le nôtre bien, sûr, mais aussi celui des autres.

Car nous allons suivre le conteneur qui emmène les machines de l’usine délocalisée vers la Tunisie, où elle trouve un nouvel emplacement. Il ne s’agit bien entendu pas ici d’opposer les travailleurs français aux travailleurs tunisiens. Au contraire, en quelques plans, Walid Mattar nous place aux côtés de Foued, l’ouvrier qui occupe le poste qu’avait Hervé. Très vite nous sympathisons avec lui, personnage un peu rêveur (car amoureux de la belle Karima), pas toujours motivé, mais qui a besoin du travail pour soigner sa mère malade.

Le spectateur comprend vite ce qui sera le ressort scénaristique principal de Vent du Nord : la trajectoire parallèle des deux ouvriers, de chaque côté de la Méditerranée. Hervé et Foued vont avoir un parcours identique. Ils vont avoir des espoirs en même temps. Ils vont avoir des doutes, et même des déceptions. Tout cela, par un habile jeu de construction, se déroulera en même temps.

La réalisation va aussi créer des effets miroirs entre les deux lieux où se déroulent le film : présence de la mer, la plage, le poisson, les bateaux, la pêche, autant de détails qui vont tisser des liens et densifier le parallèle entre les deux personnages.

Sous bien des aspects, Vent du Nord est un digne descendant des films de Ken Loach. Ne sombrant jamais dans le misérabilisme, le film n’hésite pas cependant à observer à la loupe les obstacles qui se mettent sur le chemin de ses personnages. Et, ce faisant, il en profite pour décrire avec justesse les conditions de travail dans un monde sans frontières.

Car l’image des frontières, des clôtures, est très importante dans le film. Les barrières qui clôturent l’usine, les portes que ferment les ouvriers pour empêcher leur patron de sortir, le fils d’Hervé qui va s’enfermer volontairement derrière les grilles militaires : d’un certain côté, ces différentes représentations de la fermeture profitent aux ouvriers, elles sont des protections, elles rassurent. Face à cela, il y a l’ouverture des frontières. Une ouverture qui permet les délocalisation, qui met en concurrence les ouvriers, qui sert d’excuse au patronat pour augmenter ses bénéfices. Mais une ouverture qui permet aussi de faire voyager les personnes, légalement ou illégalement.

Ainsi, petit à petit, le film va développer d’autres thèmes secondaires : le tourisme comme nouvelle forme de colonialisme ; le rôle du libéralisme dans l’immigration clandestine ; les obstacles administratifs qui s’opposent à l’initiative personnelle. Finalement, Walid Mattar nous décrit un système qui pousse à agir en marge de la légalité. « Tu te crèves pour rien, il n’y a rien de mieux que la débrouille », dira Chiheb à Foued. Là aussi, on se retrouve devant un thème typiquement loachien.

Pour son premier long métrage, Walid Mattar signe un beau film. Les personnages sont attachants, la construction en allers-retours des deux côtés de la Méditerranée est parfaitement maîtrisée et le scénario nous incite à réfléchir sur notre perception du travail, non pas en nous donnant des réponses toutes faites mais en nous mettant face à des questions. Un bon film politique qui sait éviter les grands débats stériles pour se concentrer sur l’essentiel : l’humain.

Synopsis : ouvrier dans une usine de chaussures dans le Nord, Hervé accepte de partir contre une somme versée par la direction, ce qui provoque la colère de ses collègues. Malgré l’opposition des syndicats, l’usine est délocalisée en Tunisie, où le jeune Foued reprend le poste de Hervé. Il espère ainsi pouvoir soigner sa mère et conquérir le cœur de la belle Karima.

Vent du Nord : bande-annonce

Vent du Nord : fiche technique

Réalisateur : Walid Mattar
Scénario : Leyla Bouzid, Claude Le Pape, Walid Mattar
Interprétation : Philippe Rebbot (Hervé), Mohamed Amine Hamzaoui (Foued), Corinne Masiero (Véronique), Abir Bennani (Karima)
Photographie : Martin Rit
Montage : Lilian Corbeille
Musique : Malek Saïed
Production : Saïd Hamich
Sociétés de production : Barney Production, Hélicotronc
Sociétés de distribution : KMBO
Genre : drame social
Durée : 91 minutes
Date de sortie : 28 mars 2018

France-Tunisie- 2018

S’il n’y a rien d’original à adapter l’épisode biblique de la Passion du Christ, dont les versions toujours polémiques pullulent au cinéma, le défi pour chaque nouveau réalisateur qui s’y frotte réside dans le traitement qu’il fera de cette histoire déjà connue de tous. Marie Madeleine, au carrefour d’influences cinématographiques marquées, parvient en ce sens à tracer sa propre voie.

Synopsis : Marie Madeleine est un portrait authentique et humaniste de l’un des personnages religieux les plus énigmatiques et incompris de l’histoire. Ce biopic biblique raconte l’histoire de Marie, une jeune femme en quête d’un nouveau chemin de vie. Soumise aux mœurs de l’époque, Marie défie les traditions de sa famille pour rejoindre un nouveau mouvement social mené par le charismatique Jésus de Nazareth. Elle trouve rapidement sa place au cœur d’un voyage qui va les conduire à Jérusalem.

Après avoir réalisé Lion l’an dernier, son premier film, Garth Davis change totalement de registre et part à l’assaut d’un biopic bien plus dangereux. En effet, il est périlleux de parler d’événements bibliques en tant qu’ils mêlent toujours mythe et réalité historique. Dès lors, les questions de la fidélité religieuse et de l’interprétation de l’épisode mis en scène passent avant toute performance cinématographique, pouvant jusqu’à condamner un film à elles seules. Malgré les dangers d’une telle entreprise, Garth Davis décide d’inscrire son récit dans une réflexion à deux niveaux : explicitement religieuse et intemporelle, implicitement féministe et moderne.

La première question que l’on se pose, avant même d’entrer en profondeur dans le film, concerne le choix de Marie comme prisme pour raconter l’histoire de Jésus : cela apporte-t-il quelque chose ? Déjà, il faut savoir que Marie Madeleine est un personnage historique polémique et problématique : longtemps assimilée à une pécheresse, voire à une prostituée possédée par des démons, elle fut finalement réhabilitée avec le temps. Elle incarne une figure de femme émancipée, libérée des codes sociaux et religieux de son époque, qui refuse que sa vie soit dictée par les hommes, responsable de sa propre volonté et de ses choix. Le film propose donc une réflexion qui dépasse le simple récit biblique en s’inscrivant dans des questionnements sociaux actuels qui en aucun cas ne contredisent la réalité historique ni ne sombrent dans le piège de l’anachronisme. Un équilibre délicat mais réussi qui devient une force évidente du métrage.

Marie Madeleine est une longue errance métaphysique et contemplative, narrée par une voix off qui chuchote ses questionnements à l’oreille d’un spectateur directement impliqué. En cela, le film est éminemment « malickien » dans sa forme ; un choix qui divisera d’emblée, à n’en pas douter. Autre influence visible, le questionnement sur Dieu qui se rapproche de celui développé par Scorsese dans Silence (2017) : les personnages s’interrogent sur comment connaître Dieu, comment sentir sa présence et comment entendre sa Parole. Ils sont hantés par la peur d’une foi qui ne serait qu’apparence et illusion, cachée derrière des rites, cérémonies, sacrifices et prières qui détournent de la pure et simple contemplation de Dieu. Dans ce monde où les pièces d’or achètent le pardon, dans ce monde où tout ce décorum superfétatoire est de plus en plus bruyant, Marie Madeleine prône le retour au silence et à l’écoute de Dieu, incarnant une forme de pureté spirituelle et de dépouillement en adéquation avec la parole du Christ.

Pour mettre en scène ces réflexions, Garth Davis propose une réalisation intelligente et la plupart du temps symbolique. Les gros plans sur les visages sont omniprésents, souvent filmés par une caméra-épaule tremblante, avec une mise au point telle que les arrières-plans deviennent flous et indiscernables : on illustre ainsi la perte de repères des personnages, l’informité et l’opacité de leur esprit en plein doute, en plein vertige métaphysique. D’ailleurs, les personnages déambulent continuellement dans de grandes plaines désertiques, nature vide et immobile qui représente le désert spirituel qu’ils traversent en eux-mêmes, à la recherche d’un signe ou d’un guide. Cette recherche d’une lueur divine au milieu de ces terres désolées est accentuée par le travail important sur la lumière, dont les sources sont toujours très faibles et vacillantes (d’une bougie à un timide rayon de soleil perçant, en passant par un feu de camp) comme pour souligner que la foi véritable est une flamme fragile à préserver, perdue au milieu d’une religion de la mise en scène et du spectacle, froide et inerte.
Marie Madeleine est un film organique, à la fois sain et malade. Se dégage d’un côté la pureté de Marie, sa blancheur, sa quiétude méditative ; et de l’autre la souffrance des vieillards, la saleté des misérables, la faim des enfants, les cris glaçants des femmes déchirant le silence. La mort, la violence et la désolation sont partout et accentuent le questionnement sur le Bien et le Mal, sur cette fin des temps annoncée qui semblent enfin approcher.

L’ambiance sonore est également réussie, avec un essoufflement constant des personnages, une respiration anarchique qui appuie les mouvements frénétiques d’une caméra qui parfois s’emballe. La musique lancinante accompagne l’errance, tout comme le bruit constant des vagues et du vent qui peut là encore symboliser une forme d’ébranlement spirituel. Grâce à cette réalisation perfectionniste, le film prend vie et devient la mise en abîme formelle de son propre contenu, de ses propres thématiques. En cela, le spectateur est plongé  au cœur d’une expérience extatique déroutante.

Mais ce qui d’un côté fascine peut de l’autre ennuyer. La lenteur et l’hermétisme volontairement exacerbés ont de quoi rebuter si l’on n’entre pas entièrement dans le récit. Là où Silence parvenait à maintenir un questionnement perpétuel chez le spectateur, Marie Madeleine se perd parfois dans ses divagations religieuses : on ne comprend pas toujours ce que veulent les personnages, ce qui les motivent à agir de telle ou telle façon. Si le film flirte souvent avec les frontières de l’ennui, il est sauvé par de nombreuses scènes marquantes et un casting convaincant : Joaquin Phoenix en Jésus de Nazareth est aussi impénétrable qu’hypnotique, et Rooney Mara semble décidément faite pour ce genre de films (cf Song to Song, A Ghost Story) où son regard et sa prestance suffisent à nous ensorceler. Les scènes finales prouvent combien les performances d’acteur sont remarquables, l’entièreté des sentiments ineffables trouvant son mode d’expression dans leurs seuls yeux, à la fois point d’orgue, de rencontre et de séparation.

Marie Madeleine est une expérience difficile à évaluer, capable d’ennuyer comme de fasciner sans que l’on sache jamais vraiment de quel côté on se trouve. Ce qui est sûr, c’est que ces deux heures poussent à la réflexion, à l’implication totale du spectateur, et en cela c’est une proposition de cinéma réussie. Visuellement époustouflant, porté par des acteurs impériaux, Marie Madeleine divisera assurément, de par l’austérité radicale de sa forme et l’opacité de son propos, et ce malgré des échos aux enjeux sociaux d’aujourd’hui dont on ne peut que saluer le traitement. Autrement dit, un film qui sera admiré comme détesté pour des raisons valables d’un côté comme de l’autre : à vous de vous abandonner ou non à ce long pèlerinage contemplatif qui, finalement, se vit plus qu’il ne s’explique.

Bande-annonce : Marie Madeleine

https://youtu.be/eadeEXie810

Fiche technique : Marie Madeleine

Titre original : Mary Magdalene
Réalisation : Garth Davis
Scénario : Helen Edmundson, Philippa Goslett
Interprétation : Rooney Mara, Joaquin Phoenix, Tahar Rahim, Chiwetel Ejiofor
Durée : 120 minutes
Genre : Biopic, historique
Date de sortie : 28 mars 2018

États-Unis – 2018