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La noblesse du cinéma de Clint Eastwood, peut malheureusement parfois rimer aussi avec paresse. Non pas que le cinéaste délivre une œuvre faite à la va-vite avec J. Edgar, car on sent tout l’investissement déployé, la fluidité habituelle du récit et la délicatesse mise en œuvre, mais toutes les caractéristiques du cinéaste, autant visuelles que thématiques, sont présentes dans J. Edgar. Le confort dans lequel s’est installé Eastwood incite donc à la remise en question de son écriture devenue fonctionnelle et schématique.

J. Edgar se veut être un biopic qui sorte un peu des sentiers battus, qui s’écarte des irrémédiables scènes Wikipedia de l’hagiographie pour comprendre et nous en apprendre plus sur les multiples facettes de J. Edgar Hoover, le fondateur du FBI. Sauf que le plus gros bémol du film, est d’amener de nombreuses pistes, tantôt sur le système sécuritaire américain, sur le totalitarisme et l’opportunisme du personnage, et surtout sur le secret de son homosexualité, mais jamais le cinéaste ne gratte sous le vernis, jamais il ne les amène à leur paroxysme idéologique. Il reste donc à la surface de sa démonstration et ne s’empare pas pleinement de l’ascendant viscéral du récit.

Comme à son habitude, le cinéaste s’attelle à vouloir construire et déconstruire le mythe américain, grâce à des figures qui ont forgé l’Amérique. C’est beau, par moments, de voir à quel point Clint Eastwood, s’identifie à J. Edgar, à cette Amérique qu’il connait et qu’il conçoit, une Amérique qui a dû batailler pour consolider sa stature. Mais cette identification, le réalisateur n’en fait rien: J. Edgar ne jumelle pas ses intrigues, l’envergue de l’histoire est trop didactique, à l’image de l’homosexualité de J. Edgar Hoover, présentée de manière très douce (ou difficile) mais démontrée de manière si sibylline qu’elle en a aucun apport sur le récit lui même. Jamais le film joue sur cette fantastique idée : celle de l’Homme qui garde un secret inavouable alors qu’il met sur écoute toute l’Amérique et qu’il pourrait faire chanter les plus grands.

Pourtant, J. Edgar reste tout de même le portrait intriguant et ambigu d’un homme aux pensées refoulées, assujetti à la domination d’une mère castratrice (magnifique dernière scène de « travestissement ») et dont l’ambition n’avait qu’un seul mot d’ordre: être la perfection que sa mère voulait. De cette perfection, fait naitre la profondeur disparate de J. Edgar, un homme qui calcule tout, du moindre fait et geste, sans compter, bien évidemment sur la classe légendaire et maladive de Leonardo DiCaprio qui arrive à donner de l’ampleur dramatique.

Certes, la pudeur des sentiments est de mise, le jeu sur la réalisation et les clairs/obscurs de la luminosité s’avèrent d’une élégante beauté, les non-dits sont dévoilés avec parcimonie, mais au final, le film se veut trop propre sur lui pour vraiment étayer ses enjeux dramatiques, à l’image de la folie autoritaire de son personnage, qui n’est quasiment peu ou pas contre-argumentée. Là où un cinéaste comme James Gray arrive à faire cohabiter élégance des traits et des effets avec la rugosité des tensions, Clint Eastwood est devenu un cinéaste un peu frileux, qui ne connait pas le contre pouvoir des idées et insère son cinéma dans une aspiration « naphtaline » qui n’est pas des plus probantes. Nous avons un peu perdu de vue, le cinéaste qui arrivait à égratigner et à salir l’humanité dans Mystic River ou à faire éclore les balbutiements de l’amour dans Sur la route de Madison.

Bande Annonce – J. Edgar

Fiche Technique – J. Edgar

Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Dustin Lance Black
Musique : Clint Eastwood
Photographie : Tom Stern
Décors : James J. Murakami
Montage : Joel Cox
Sociétés de distribution : Warner Bros. France
Durée : 135 minutes
Genre : Drame Biopic
Dates de sortie : 11 janvier 2012 (FR)

Après 3 films clairement axés drame (Lettres d’Iwo Jima, L’Echange & Gran Torino), Clint Eastwood avait surpris son monde en signant Invictus, bêtement annoncé comme une banale hagiographie de l’accès au pouvoir de Nelson Mandela. A l’arrivée, il délivre pourtant un film totalement en phase avec son œuvre puisqu’incarnant le parfait réceptacle aux velléités de tolérance, d’humanité & de rédemption de son cinéma !

La force tranquille 

A l’origine, Invictus est un poème du 19ème siècle qui évoque la résilience, l’invincibilité, et en somme une certaine idée du stoïcisme. Ce qui est loin d’être étonnant quand l’on sait que l’on doit sa paternité à William Ernest Henley, un écrivain qui accouchera de ces quelques lignes sur un lit d’hôpital, après l’amputation de son pied. La constance à travers la douleur autrement dit. Dès lors, il n’est pas difficile de comprendre pourquoi ce texte fut l’un des préférés de feu Nelson Mandela, qui en aura longuement usé pendant ses 27 années de captivité sur l’ilot de Robben Island. Ce texte invite en effet à asseoir ses convictions, à les imposer, à résister, coute que coute et finalement à demeurer inébranlable. Comme Mandela, qui après 27 ans de prison, n’aura pas succombé à une basse vengeance (comme l’espérait ses geôliers afrikaners) mais plutôt au pardon, quitte à l’ériger, à peine 3 ans plus tard, à la plus haute marche du pays : la présidence. En cela, Mandela est devenu bien malgré lui, un personnage typiquement eastwoodien, une âme seule, imperturbable, qui résiste, qui s’impose et qui finalement assoit sa domination via des sentiments et une candeur indescriptibles. Voir alors, le vrai Clint Eastwood s’emparer de cette histoire avait tout d’une évidence, et ce surtout quand le combat mené par le personnage – ici Nelson Mandela- n’est pas une vengeance mue par des intérêts personnels. Non, ici, ce qui motive l’avocat sud-africain, c’est la nation arc-en-ciel. Ses compatriotes. A la tête d’une nation divisée et morcelée par un Apartheid officiellement éradiqué mais qui sommeille encore durablement dans les mentalités, il va tenter un pari fou : celui de croire en la personne humaine. De croire à la petite parcelle de bon contenue en chacun, et de l’exalter via quelque chose d’insensé : le sport. Et plus précisément le rugby.

Le sport comme exutoire 

C’est là que le film d’Eastwood démarre. Par une tragédie. Discrète, presque invisible certes mais une tragédie quand même. Car tout personnage de Clint Eastwood s’embarque dans une odyssée à la suite d’un évènement brutal, incertain, dangereux. Ici, la division de la nation et cette impossible réconciliation que Mandela cherche à obtenir. Lui galère en politique intérieure, cherche ses marques, affiche une candeur presque anormale mais ses yeux fatigués, ses rides tirées trahissent une certaine peur, celle de devoir se confronter à une mission éminemment périlleuse. En face, voire même en parallèle, on voit l’équipe de rugby des Springboks. Malmenée, mal préparée, elle doit accueillir la Coupe du Monde dans moins d’un an et autant dire que c’est la déroute assurée. Pourtant, quelqu’un regarde, avec distance au début certes, mais il regarde : cette personne, c’est Nelson Mandela. Au mépris de tous, il commence à défendre cette équipe, dernier jalon, dernier vestige de la période afrikaners où les blancs avaient nommé l’équipe au nom des Springboks. Le besoin de garder ce nom, d’unifier le pays sous cet arc-en-ciel, sera sa première bataille. Au gré du film, on assiste alors à un président, qui ignore la politique internationale, qui n’a que faire des traités et autres rencontres avec d’autres présidents et qui se focalise uniquement sur un ballon.

Car il a compris que dans un an, le monde entier verrait son équipe, ses joueurs arborer la pelouse et progresser autant en 80 minutes que lui en vaines palabres de politiciens. Via cette approche, on sent déjà les talents de conteurs d’Eastwood, qui préfère raconter l’Histoire via la petite histoire, en dépassant le sens de l’anecdote avec personnages célèbres pour se hisser au stade de l’universel, avec un sens des dialogues et de l’unité d’action digne des plus grandes tragédies. Le geste est pur, l’exécution l’est tout autant, ce qui permet de bien dégager le message du film. On y célèbre l’espoir, le petit grain de folie qui fait la différence. On y montre également que les grands gestes peuvent s’appuyer sur un brin de naïveté ou de folie. Que la foi, inébranlable, chevillée au réel, peut être une stratégie.  En ça, le film en devient universel. Et point question d’y voir un sens de l’impérialisme puisque Eastwood se pare des mêmes oripeaux que sur Lettres d’Iwo Jima où il avait embrassé la culture nippone pour en sublimer toute la richesse. Ici, le maillot vert et or des Springboks est célébré, tout en se dotant d’un sens de l’humanisme qui n’appartient qu’aux grands artistes, loin du populisme et de l’opportunisme des politiques adeptes de l’ « identité nationale ». Ici, les différences sont mises en avant, on y pointe du doigt l’inutilité de la vengeance et on déploie une sorte de candeur. A l’image de son capitaine de rugby campé par un Matt Damon au charisme délirant, on sent toute la simplicité qui émane des images. Sur le plan stylistique, c’est comme assister à une épure filmique, au croisement du classicisme d’un John Ford et du minimalisme d’un Robert Altman. Et à l’arrivée, on sent la grandeur, on sent une sorte de force tranquille qui habite l’ensemble, et dont l’emprise traverse Morgan Freeman de part en part pour le transformer en un roc, un menhir blindé d’espoir, de folie et de malice. Si bien que rarement, Morgan Freeman, pourtant acteur parmi les plus charismatiques du monde, n’aura eu besoin de forcer pour nous faire décrocher un sourire, verser une larme ou même claquer des mains. Et ça, c’est le talent. Ça c’est la maitrise. La marque des grands films. Tout simplement.

Sous couvert de narrer l’accès au pouvoir de Nelson Mandela, Clint Eastwood préfère avec Invictus de parler de résilience, de foi, d’espoir et d’un homme dont la malice et la folie auront changé l’avenir de son pays. On a vu pire comme film ! 

Bande-annonce Invictus :

Fiche Technique : Invictus 

Réalisation : Clint Eastwood
Interprétation: Morgan Freeman (Nelson Mandela), Matt Damon (Francois Pienaar), Scott Eastwood (Joel Stransky), Tony Kgoroge (Jason Tshabalala)
Scénario : Anthony Peckham,
Musique : Kyle Eastwood
Photographie : Tom Stern
Montage : Joel Cox & Gary D Roach
Producteur : Clint Eastwood, Robert Lorenz, Lori McCreary, Mace Neufeld

Sociétés de production : Warner Bros

Etats-Unis- 2009

Alors qu’il était dans sa soixante-dix-huitième année, Clint Eastwood embrasse avec maestria un rôle qui devait être le dernier, dans son Gran Torino, un film époustouflant de vérité, grave et drôle à la fois, tendre et dur en même temps. Une totale réussite.

Synopsis : Walt Kowalski est un ancien de la guerre de Corée, un homme inflexible, amer et pétri de préjugés surannés. Après des années de travail à la chaîne, il vit replié sur lui-même, occupant ses journées à bricoler, traînasser et siroter des bières. Avant de mourir, sa femme exprima le voeu qu’il aille à confesse, mais Walt n’a rien à avouer, ni personne à qui parler.

Pale rider

Encensé lors de sa sortie comme étant le meilleur de sa carrière – et de fait, il tient encore parfaitement haut la barre au regard des Sully et autres  Le 15h17 de Paris, deux des films que Clint Eastwood a réalisés depuis, Gran Torino est sans doute l’un de ses métrages le plus proche de l’autodérision, de la vérité profonde du cinéaste. Toutes ses mimiques du passé, aussi bien du temps du western que celui de l’inspecteur Harry sont reprises ici avec une charge quasi-caricaturale.

Adoptant le personnage de Walt Kowalski, un vétéran de la guerre de Corée, bougon, misanthrope, raciste, Clint Eastwood réalise un grand film à la fois malade et apaisé. L’histoire est simple et prévisible, celle d’un homme qui habite un quartier populaire ayant des chinois comme voisins. Walt perd une épouse visiblement très aimée au début du film, et l’homme se serait renfermé sur une vie devenue vide de sens et emplie de bières, si ce n’était la haine qu’il semble d’abord vouer à ses « bridés » de voisins, commuée en une relation de moins en moins de politesse et de plus en plus d’amitié vraie et d’humanité sincère. Il se rapproche notamment de  Thao, le (très jeune) « homme de la maison » de la famille Vang Lor, d’origine Hmong, un garçon extrêmement timide et peu sûr de lui qu’il va emmener à une vraie affirmation de soi et au sens du courage et de l’action, des valeurs portées au pinacle par Walt. Il faut bien dire que le cinéaste porte ce film à lui tout seul, les autres acteurs étant assez quelconques et au-delà. Certains sont même des non-professionnels, et leurs personnages sont très peu caractérisés. En revanche, ce que Clint Eastwood a à faire, il le fait merveilleusement bien. Walt est un vieil homme du plus pur jus badass, mitraillant ses voisins de « niakoués » de « têtes de nems » et de « faces de citron » au kilomètre. Il jure et grogne à longueur de journée, déteste ses enfants et petits-enfants jusqu’à confesser cela comme étant sa plus grande faute auprès du prêtre de sa paroisse, ou plutôt de celle de son épouse défunte, la religion et lui faisant deux. A l’enterrement de sa femme, la séquence qui ouvre le film, il les fusillera tous d’un regard mêlant mépris et exaspération.

Écrit par Nick Schenk, qui lui a également offert le tout nouveau film La Mule en cet hiver de 2019, Gran Torino est presque un recueil de punchlines assez drôles finalement, qui font mouche, tant on croit reconnaître l’acteur derrière le personnage. Et pourtant, ces saillies sont assez loin du citoyen qu’il est : il est contre les guerres et la guerre de Corée en son temps (il a déclaré son film American Sniper comme étant le film le plus anti-militariste qui soit), il est contre les saillies racistes de Donald Trump qu’il traite de stupide. Et il est pour la régulation du port d’armes et contre les armes d’assaut. Et ces contrepieds rendent le film d’autant plus savoureux.

Filmant de manière assez classique son Gran Torino, le cinéaste montre cependant une grande maîtrise derrière la caméra. Ses scènes sont assez sèches et d’une efficacité redoutable, les messages véhiculés livrés sans détour. La culpabilité, la rédemption, le sacrifice, ce sont là des thèmes robustes qui ne sont pas faciles à mettre en œuvre sans en rajouter des tonnes, mais Clint Eastwood y arrive très bien en choisissant toujours le bon angle.

Pour ce qui devait alors être sa dernière apparition en tant qu’acteur, Clint Eastwood, un chantre du western et des films policiers à grand renfort d’armes à feu, se choisit comme personnage un homme qui fera un pied de nez à son image. « I am at peace » dira-t-il au prêtre qu’il est allé voir pour une confession. On entendait presque la voix de l’acteur et plus du tout celle de Walt. Gran Torino, comme la voiture éponyme que Walt a contribué à construire chez Ford, dans ce Midwest américain, est un film qui tire sa force de sa beauté tranquille (la voiture restera dans l’allée de Walt pendant presque tout le film). Une réussite que Clint Eastwood n’a peut-être jamais égalée avec aucun autre de ses films.

Gran Torino – Bande annonce

Gran Torino – Fiche technique

Titre original : Gran Torino
Réalisateur : Clint Eastwood
Scénario : Nick Schenk, d’après une histoire de Dave Johannson et de Nick Schenk
Interprétation : Clint Eastwood (Walt Kowalski), Christopher Carley (père Janovich), Bee Vang (Thao), Ahney Her (Sue), Brian Haley (Mitch Kowalski), Geraldine Hughes (Karen Kowalski), Dreama Walker (Ashley Kowalski), Brian Howe (Steve Kowalski), John Carroll Lynch (le barbier Martin), Brooke Chia Thao (Vu), Chee Thao (Grand-mère), Choua Kue (Youa)
Photographie : Tom Stern
Montage : Joel Cox, Gary Roach
Musique : Kyle Eastwood, Michael Stevens
Producteurs : Rob Lorenz, Billy Gerber, Clint Eastwood
Maisons de production : Warner Bros. , Double Nickel Entertainment, Gerber Pictures, Malpaso Productions, Media Magik Entertainment, Village Roadshow Studios
Distribution (France) : Warner Bros.  France
Budget :33 000 000 USD
Durée : 116 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 25 Février 2009

USA – 2008

Million Dollar Baby, ce film aux 4 Oscars et 2 Golden Globes que toute l’Amérique clame comme étant l’un des plus grands films de Clint Eastwood n’est pourtant pas sa création la plus réussie. Pourtant, l’intelligence dont fait preuve le cinéaste pour construire son récit fascine.

Comme souvent dans le cinéma de Clint Eastwood, les héros sont des durs à cuire avec une grande force mentale. Mais derrière chaque homme solide, le cinéaste fait toujours ressortir sa sensibilité, son cœur. Dans l’histoire du cinéma, on a rarement vu aussi doué que ce réalisateur américain pour montrer l’humanité de ses personnages à travers leur dureté, surtout dernièrement avec Sully et American Sniper où Bradley Cooper et Tom Hanks jouaient les héros de l’Amérique. Avec des personnages aux failles cachées mais bien ouvertes, Eastwood sait remettre en cause tous les clichés qui pèsent sur la gent masculine.

« Certains disaient que le plus important chez un boxeur, c’est le cœur. Franck disait « Le boxeur qui n’a qu’un cœur est un homme qui veut perdre »

C’est dans cette phrase que repose toute la bascule permanente que propose ce film ou du moins le départ des métamorphoses de Franck. Le juste milieu entre la force et la douceur, comment être courageux sans être insensible. C’est à travers le personnage joué par Clint Eastwood lui même que le spectateur peut s’interroger. Million Dollar Baby n’offre pas le meilleur rôle à son acteur/réalisateur qui est un peu trop distant de son personnage mais propose une oeuvre tout en pudeur, que l’on associe directement à celle de son créateur et de son héros, intimement liés. Secondé par un Morgan Freeman, dont la présence à l’écran ne laisse jamais impassible, Clint Eastwood tente de s’approprier les blessures de Franck sans réellement les faire vivre. Tout en calme et discrétion, le film livre son discours malgré les coups, malgré les chocs, et reste délicat. Comment un homme refusant d’entraîner une femme va faire naître de cette opposition qui relève presque de l’instinct, une affection paternelle ? En remplaçant « papa » par « boss » et en exploitant la culpabilité d’un homme capable de se remettre en question. S’il y a bien une qualité admirable dans l’écriture cinématographique de Clint Eastwood c’est la manière dont il parvient à construire ses personnages. Le film offre au public une seconde chose importante à retenir : le jeu de Hilary Swank qui lui a valu un Oscar et un Golden Globes pour elle seule tant sa présence scénique est incroyable. Gants à la main, écorchures sur le visage, on croit très facilement à sa volonté de devenir une vraie reine des rings, et l’on se bat avec elle quitte à prendre aussi les coups, comme Franck derrière le filet. Ce n’est jamais un film sur la boxe mais sur le parcours d’une combattante qui s’entraîne dur et refuse de subir même sa propre mort qu’elle décidera elle même.

Les tons verts omniprésents créent ce climat de peur constant, que le boss fait ressentir au public par son inquiétude au sujet des combats de Maggie. À la manière d’un Molière sur scène, Maggie finit par prendre le coup ultime pour livrer le dialogue aussi déchirant que rempli de pathos sur le lit d’hôpital. Million Dollar Baby est belle et bien une des œuvres majeures de son réalisateur mais loin d’être celle la plus aboutie et réussie. Malgré l’histoire touchante et l’encensement général sur ce film, Million Dollar Baby n’est pas le chef d’œuvre tant clamé de son réalisateur.

Million Dollar Baby : Bande Annonce

Million Dollar Baby : Fiche Technique

Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Paul Haggis, d’après l’oeuvre de F.X. Toole
Interprétation ou doublage : Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman
Producteur(s): Clint Eastwood, Paul Haggis, Tom Rosenberg, Albert S.Ruddy
Société de production: Warner Bros., Lakeshore Entertainment, Malpaso Productions
Distributeur: Mars Films
Budget  : 30 000 000 $
Récompenses  : Oscar du meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur actrice, meilleur acteur dans un second rôle, 2 Golden Globes
Durée : 2H12
Genre : drame
États-Unis – 2004

Mystic River de Clint Eastwood convoque les fantômes du passé et regarde les reflets d’une Amérique qui s’est créée sous les traits de la violence. Un film où la simplicité du cadre mythologique se marie à la perfection avec la fluidité de la mise en scène et la complexité des êtres qu’il convoque. Un grand polar, pessimiste et ténébreux.

A l’aube d’une histoire de meurtre, tout un quartier est ébranlé et voit une famille sous le joug de la décrépitude. Mais cet acte meurtrier, qui voit la mort d’une adolescente de 19 ans, va réunir trois anciens amis d’enfance, ravivant les souvenirs douloureux d’une innocence disparue aux abords d’une partie de hockey dans les ruelles d’un quartier qui a vu rugir « les loups ». Clint Eastwood, dans sa meilleur forme, donne naissance à un film magistral. Une leçon de cinéma, autant par la structure progressive de son drame dont le champ d’application ne cessera de s’élargir au fil des minutes, que par le biais de la puissance fondatrice de son environnement. Un grand film sur l’Amérique, une Amérique de la classe moyenne et son avenir en pointillé, qui voit les destins s’effriter au fur à mesure.

Alors qu’il dissèque le bien du mal, le faux du vrai, le cinéaste fait de Mystic River une interrogation perpétuelle et dramatique sur les choix de l’Homme et leur rôle dans la construction du parcours de chacun. Chaque personnage est comblé de remords, de douleurs, avec l’unique et même question : « et si c’était moi qui était monté dans la voiture ce jour là ? », interrogation qui fait de Mystic River une oeuvre passionnante sur la culpabilité et l’inévitabilité du destin qui se répercute tôt ou tard. Eastwood évite une nouvelle fois toute forme de moralité, même s’il s’avère parfois cinglant et symbolique sur l’origine et le traumatisme fait aux enfants. La justice est une nouvelle fois une institution, qui éclaire sur la véracité des faits mais n’est en aucun cas un outil pour sauver des traumas. Et c’est là tout l’enjeu du film: nos stigmates, nos secrets, nos peurs.

C’est très impressionnant de voir comment le film arrive à retrancher les personnages dans leur propre solitude, où le pessimisme devient roi et le suspense dévastateur. Malgré ce climat de portrait familial, les protagonistes se retrouvent chacun face à leur propre miroir et leur propre doute. Mystic River décrit parfaitement cette notion de mauvais choix, qui n’est jamais sans aucune réponse, mais au contraire, entraîne lui-même d’autres choix encore plus néfastes. L’accalmie n’existe jamais, ni dans la justesse personnelle, ni dans la vengeance sanguinolente, c’est un inépuisable trou sans fond, qui voit les ténèbres s’approcher. C’est alors que l’on retrouve également toute la noblesse du cinéma d’Eastwood: cette mise en scène élégante, invisible dont la principale volonté est de décrire l’humanité ou ce qu’il en reste tout du moins. La violence ne résout jamais rien et pourtant, l’Amérique continue à écrire son Histoire sur ce sol jonché de sang.

Dans cette Amérique des bas quartiers,  où la loi du silence est de mise, habitée par d’innombrables âmes en peine qui tentent désespérément de partir vers un avenir meilleur, Clint Eastwood construit ses grandes figures du monde contemporain, incarné incroyablement par ce trio d’acteur, des personnages à l’ampleur autant intime qu’universelle où le mal ne se dessine pas seulement au travers des actes, aussi violents qu’ils soient, mais plus par la lecture des cicatrices qui circulent dans le passé et l’inconscient de chacun.

Bande Annonce – Mystic River

Synopsis: Jimmy Markum, Dave Boyle et Sean Devine ont grandi ensemble dans les rues de Boston. Rien ne semblait devoir altérer le cours de leur amitié jusqu’au jour où Dave se fit enlever par un inconnu sous les yeux de ses amis. Leur complicité juvénile ne résista pas à un tel événement et leurs chemins se séparèrent inéluctablement.
Jimmy sombra pendant quelque temps dans la délinquance, Sean s’engagea dans la police, Dave se replia sur lui-même, se contenta de petits boulots et vécut durant plusieurs années avec sa mère avant d’épouser Celeste.
Une nouvelle tragédie rapproche soudain les trois hommes : Katie, la fille de Jimmy, est retrouvée morte au fond d’un fossé. Le père endeuillé ne rêve plus que d’une chose : se venger. Et Sean, affecté à l’enquête, croit connaître le coupable : Dave Boyle…

Fiche Technique – Mystic River

Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Brian Helgeland
Musique : Clint Eastwood
Photographie : Tom Stern
Décors : Henry Bumstead
Montage : Joel Cox
Sociétés de production : Warner Bros. et Malpaso Productions
Durée : 137 minutes
Genre : Drame Polar
Dates de sortie : 15 octobre 2003 (FR)

S’il y a bien une chose dont Clint Eastwood n’a jamais rien eu à faire, c’est bien d’aménager son cinéma pour ses détracteurs. Un état d’esprit que le réalisateur n’a jamais sacrifié au statut qui est le sien aujourd’hui de légende culturellement anoblie. Mais il faut bien admettre qu’à l’exception d’American Sniper, Clint ne pousse plus les potins comme à la grande époque. L’âge peut-être, mais aussi sans doute le sentiment d’avoir tiré le rideau avec Le Maître de guerre, paroxysme de mythologie eastwoodienne injustement dévalué dans sa filmographie.

Synopsis : Tom Highway, un brillant sergent qui ne supporte pas le temps de paix, rejoint un régiment de reconnaissance des Marines pour y former les jeunes recrues. Il se trouve confronté à une garnison qui se laisse aller, encadrée par des officiers ambitieux ou inefficaces

Qui m’aime me suive

Il serait presque trop facile d’inventorier les raisons pour lesquelles un film comme Le Maître de guerre serait difficile à concevoir de nos jours. Difficile pourtant de résister à la tentation de se laisser aller à songer aux dramas que provoqueraient les saillies verbales du sergent Thomas Highway sur la petite susceptibilité des croisés modernes du moralisme progressiste. Peut-être arrive t-il lui à Eastwood lui-même d’y penser, avec ce sourire du coin des lèvres qui caractérise l’homme de Malpaso depuis maintenant 50 ans.

Pourtant, le monsieur avait déjà de quoi s’occuper à la sortie du film. Pas encore intronisé grand cinéaste, Eastwood continuait d’être perçu comme le chantre d’un cinéma de droite emballant son idéologie crypto-fasciste dans la vulgarité populaire de son imagerie. Bref, un homme « bon à marier » dans un Hollywood qui n’aime rien tant que promouvoir sa bienpensance satisfaite. Si les relations du milieu avec Eastwood ont d’ailleurs longtemps été celles d’un mariage de raison (on dédaigne ses opinions, mais on regarde ailleurs comme il rapporte du pognon), on se doute que le Maitre de guerre n’a pas dû arranger la vie mondaine du réalisateur.

Dans ce superbe hommage au cinéma de Samuel Fuller et Robert Aldrich (sans oublier Sergent la Terreur de Richard Brooks, dont il reprend une partie de l’intrigue), Eastwood semble prendre un malin plaisir à titiller les tétons de ses détracteurs. Comme s’il voulait éliminer les allergiques à la nuance et réserver la richesse de son propos aux autres. Éloge de la camaraderie virile forgée au front, punchlines en rafale qui mitraillent le politiquement correct à vue, personnage de mâle alpha teigneux mais craint et admiré par tous les autres personnages… C’est peu dire que Le Maitre de guerre ne fait pas de prisonnier. Encore aujourd’hui, il est probable que ceux qui ont appris à aimer son travail avec Sur la route de Madison restent sur le bas-côté de la route. Les autres continuent de jouir de bonheur en se ressassant quelques-uns des instants devenus mythiques dans le « motherfucking Eastwood » patrimoine (même en VF).

Nous étions soldats

Bien évidemment, Le Maître de guerre ne saurait se résumer à sa façade viriliste, aussi jubilatoire soit-elle. C’est justement parce que ce n’est que le sommet de l’iceberg d’un film constamment animé d’un traumatisme sourd que les scènes « Clint friendly » se révèlent aussi salvatrices. Ainsi, Le maître de guerre célèbre avec emphase son archétype triomphant pour mieux en faire peser le poids sur les épaules de l’individu l’ayant endossé. Une dimension qui s’inscrit d’abord dans l’écriture du personnage. Loin d’avoir le militarisme triomphant, Tom Highway est présenté comme un paria de l’armée, légende embarrassante qui ne veut pas raccrocher les gants quand on le presse de le faire avec insistance (ses supérieurs, son ex-femme, ses élèves). Dans un premier temps, le film ainsi raccroche les wagons avec les habitudes eastwoodiennes du maverick en guerre contre le monde, qui prend plaisir à sa propre irascibilité. Mais surtout, cela permet à Eastwood d’entamer la confrontation d’un personnage avec une époque dans laquelle il n’a plus sa place.

Finalement, personne ne veut d’Highway, anachronisme vivant qui revient sur sa base pour reprendre le cours d’une vie qui lui a filé entre les doigts depuis bien longtemps. Son ex a refait sa vie, le monde n’est plus le même et l’armée a évolué sans lui demander l’autorisation. Seuls son ancien compagnon d’armes et la tenancière du bar dans lequel il loge lui ménagent un semblant d’accueil. Derrière l’ambiance de vestiaire revendiquée, Le maître de guerre est empli d’une tristesse qui ne fait que croître à mesure que le héros ressent l’écart se creuser entre lui et ses contemporains, qui voit l’horizon d’une retraite solitaire se profiler. C’est l’histoire d’un retour dont personne ne veut et d’un départ imminent. Tom Highway est un revenant non désiré.

Ghost Story

Un constat d’autant plus fort que le terme de revenant est, comme de coutume chez le réalisateur, à prendre dans les deux sens. Bien qu’il se soit attelé à tous les genres dans sa riche carrière, Eastwood n’a jamais fait que mettre en scène des films fantastiques. Allons plus loin : toute sa carrière peut se voir comme une exploration de la figure du fantôme, dont l’une des plus belles itérations reste sans doute le magnifique personnage de Tim Robbins dans Mystic River,  un autre (très très) grand film sur un retour impossible.

Dans Le maître de guerre, ça commence dès une introduction où après un générique composé d’images d’archives, la voix d’Eastwood résonne en voix-off sur des plans en noirs et blancs. A mesure que l’on découvre le personnage qui tient ce monologue la couleur fait son entrée. Le propos est limpide : Highway est bien le fantôme d’un autre temps à qui le monde moderne reproche de ne pas y être resté. Par la suite, Eastwood n’aura de cesse de dessiner cette mélancolie par nuances, culminant dans  cette scène bouleversante où son ex-femme vide son sac devant Highway en le soignant après une bagarre de bistrot. Le marivaudage de l’homme bourru et de la femme farouche auquel se livraient les personnages, comme pour dissimuler leur blessure derrière les apparences d’une comédie sociale, prend fin. Les masques tombent alors qu’Eastwood tourne le dos à la caméra, pendant que sa femme le confronte aux années noires de leur mariage. Rarement un acteur a su aussi bien jouer de dos que Clint Eastwood, et rarement réalisateur a su aussi bien le filmer que lui-même. Chez lui, on ne se livre jamais au grand jour et on se détourne pour pleurer : la pudeur des classiques n’est jamais aussi belle que lorsque le héros révèle sa vérité dos à l’objectif.

Sacerdoce du mythe

Comme le soulignait Benjamin Deneuféglise, le cinéma d’Eastwood peut se lire à l’aune des opinions politiques libertaire, doctrine impliquant notamment qu’aucune restriction ne doit-être posé à la liberté dont doit disposer l’individu quant à son devenir. Or, les individus ne sont pas libres chez Eastwood, ils sont enchaînés à leur archétypes et esclaves des attentes mythologiques et sociales qui pèsent sur eux. Soit l’inverse d’un Sylvester Stallone, qui possède une sensibilité classique similaire mais pour qui l’homme rachète sa condition en se transcendant dans la légende. Le Maitre de guerre, comme American Sniper 30 ans plus tard, met en scène la légende pour éclairer le traumatisme induit sur l’homme, et sa place dans une Amérique dépendante de sa tragédie, et condamnée à répéter sans fin le cycle de la violence.

Après l’opération sur l’île de Grenade, Tom Highway se détourne de la parade organisée pour fêter le retour des marines victorieux, laissant les jeunes prendre leur place dans un rituel auquel il a trop donné. Le Chris Kyle d’American Sniper pourrait-être l’un d’eux : le film s’achevait sur les images de la procession donnée en son honneur, comme une rémanence funèbre de la fin du Maître de guerre. Le cycle, encore et encore.

Bande-annonce : Le maître de guerre

Fiche Technique : Le maître de guerre

Titre original : Heartbreak Ridge
Réalisation : Clint Eastwood
Interprétation: Clint Eastwood (Sergent artilleur Tom Highway), Mario Van Peebles (Caporal « Stitch » Jones), Everett McGill (Major Malcolm A. Powers), Moses Gunn  (Sergent d’état-major Webster), Eileen Heckart (Little Mary), Bo Svenson (Roy Jennings, le propriétaire du Palace)
Scénario : James Carabastsos, avec la participation non créditée de Dennis Hackin et Joseph Stinson
Musique : Lennie Niehaus
Photographie : Jack Green
Montage : Joel Cox
Casting : Phyllis Huffman
Concepteurs des décors : Edward C. Carfagno
Décors : Robert R. Benton
Producteur : Clint Eastwood
Producteur délégué : Fritz Manes
Sociétés de production : Jay Weston Productions

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