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Un virus transforme les gays en hétérosexuels dans Jim Queen. Le premier long-métrage de Bobbypills, hilarant, décomplexé et étonnamment touchant, est une bombe d’animation queer présentée en Séance de Minuit à Cannes 2026.

Dans un Paris uchronique, l’homosexualité est la norme. On y trouve Jim Parfait, influenceur musclé, icône des réseaux, roi du booty workout, qui voit sa vie s’effondrer le jour où il contracte l’hétérose, une IST qui transforme ses victimes en hétérosexuels monogames, fans de football et porteurs de doudoune sans manche. L’enfer absolu. Pour se sauver, et sauver avec lui toute la communauté gay de l’extinction, Jim devra traverser Paris aux côtés de Lucien, son dernier follower, un jeune homme qui peine à assumer sa propre homosexualité face à sa mère, Christine Bayer, ministre de la santé, homophobe assumée, et référence à peine voilée à Christine Boutin et aux laboratoires Bayer du scandale du sang contaminé. Marco Nguyen et Nicolas Athané signent là leur premier long-métrage, et c’est une réussite, généreuse et libératrice.

Portrait acide d’une communauté qui s’aime avec ses défauts

Ce qui frappe d’emblée, c’est la précision du regard porté sur la communauté gay, de l’intérieur, sans condescendance ni prosélytisme. Jim n’est pas seulement une icône, c’est aussi un miroir grossissant des injonctions qui traversent le monde queer : le culte du physique, la hiérarchie silencieuse entre les membres du Gym Queens, les twinks qui sont plus minces, les bears pour leur pilosité excessive, et les drags pour leur transformation extravagante. Il y a une valeur sociale de l’esthétique corporelle qui est présentée avec un certain amusement, même si elle est aussi vectrice de conflit. Mais quand l’hétérose fait perdre à Jim ses abdos un par un, c’est toute son identité sociale qui se dérobe et pas seulement son orientation. Le film déconstruit ainsi brillamment la figure de l’influenceur, dont le pouvoir repose moins sur ce qu’il est que sur ce qu’il exhibe. Face à lui, Lucien incarne le contrepoint parfait. Il est invisibilisé, marginalisé jusque dans sa propre communauté et ne rentre dans aucune case valorisée. Et c’est précisément dans la relation entre ces deux-là, le surhomme qui dégonfle et le jeune homme qui s’assume de plus en plus, que se niche toute l’émotion du film. La « gaystapo », figure absurde et jouissive, pousse la logique encore plus loin : même au sein d’une communauté opprimée, les mécanismes d’exclusion et de conformité reprennent leurs droits. C’est méchant, c’est juste et c’est hilarant.

Narrativement, Jim Queen structure sa quête comme un conte d’aventure picaresque. Jim et Lucien progressent de rencontre en rencontre, chaque personnage-relais constituant un sketch autonome avant de céder la place au suivant. C’est exactement l’ADN de Bobbypills, forgé sur Les Kassos, appliqué au format long avec une cohérence parfaite. Le burlesque trash, le politiquement incorrect, la cassure franche dans le geste animé, tout ça fonctionne et on ne s’en lasse pas. L’animation, avec ses aplats criards et ses mouvements délibérément saccadés, oscille quelque part entre Rick et Morty et les fanzines queer des années 90, convoquant en chemin une comédie musicale façon Disney et une scène de power-up directement inspirée de Dragon Ball Z. Ces références ne s’entrechoquent pas, chaque code étant immédiatement retourné et dévoyé pour servir le gag. Les blagues s’appuient sur une langue française savoureuse : « solution fionale », « Chloroqueer ». Inévitablement, elles perdront de leur brio pour les publics anglophones. Mais l’animation est suffisamment inventive pour que le plaisir reste intact.

Jim Queen sort en salles le 17 juin, et avec Lesbian Space Princess qui arrive en VOD, 2026 s’annonce comme un cru béni pour le cinéma d’animation queer décomplexé. Deux films, un seul mot d’ordre : rigoler fort, sans demander pardon.

Ce film est présenté en Séance de Minuit au Festival de Cannes 2026.

Jim Queen – bande-annonce

Jim Queen – fiche technique

Réalisation : Marco Nguyen, Nicolas Athané
Scénario : Simon Balteaux, Marco Nguyen, Nicolas Athané, Brice Chevillard
Interprètes (voix) : Alex Ramires, Jérémy Gillet, Shirley Souagnon
Animation : Stefan Thaler, Julien Licata, Estelle Antonini
Décors : Éléonore Ware, Matthieu Saghezchi, Laurent Maillot, Bertrand Piocelle
Montage : Ivy Buirette
Musique : Mathieu Rosenzweig, Benjamin Nakache
Producteurs : David Alric, Arthur Delabays
Sociétés de production : Bobbypills, uMedia
Pays de production : France
Société de distribution France : The Jokers Films
Durée : 1h25
Genre : Animation, Comédie
Date de sortie : 17 juin 2026

Présenté en Compétition officielle à Cannes 2026, Notre Salut d’Emmanuel Marre s’attaque à la collaboration depuis l’intérieur des ministères de Vichy, avec un dispositif formel audacieux et un Swann Arlaud habité. Intellectuellement fascinant, esthétiquement bluffant, le film peine pourtant à tenir sa promesse sur la durée.

Il y a des films qu’on admire davantage qu’on ne les aime. Notre Salut est de ceux-là. Emmanuel Marre plonge dans les archives de sa propre famille, plus précisément de son arrière-grand-père, fonctionnaire au service du régime de Vichy. Ses lettres à son épouse forment la colonne vertébrale du récit pour livrer quelque chose d’hybride et d’ambitieux, car ce n’est ni une fresque historique, ni un documentaire, ni une pure fiction. Henri Marre arrive donc à Vichy en 1940, fauché, l’égo abîmé, une mallette sous le bras et un traité de management qu’il a rédigé l’été précédent. Il croit tenir sa revanche, mais il ne voit pas encore l’escalier qu’il descend marche après marche, chaque pas semblant raisonnable pris séparément. Swann Arlaud le joue avec une juste fragilité, toujours à mi-chemin entre la lucidité et l’aveuglement consenti, sans forcer le trait. La violence ne sera jamais frontale, elle se négocie en réunion, se noie dans des colonnes de chiffres, dans des litres de carburant comptés pour acheminer des « produits » vers leur mort. C’est précisément là que réside la force du projet, dans la représentation du mal, banalisé par le management et l’administration, comme on a pu le constater dans La Zone d’intérêt, de Jonathan Glazer.

La réussite de Vichy

Après l’hôtesse de l’air de Rien à foutre, engloutie par la logique froide du low cost, Marre confirme son obsession pour celles et ceux qui se laissent happer par un système sans jamais vraiment le choisir. Mais le vrai coup d’audace du réalisateur français, c’est son dispositif. La caméra à l’épaule laisse volontairement apparaître les reflets dans les objectifs, les ombres portées par les lumières de tournage, des zooms qui hésitent comme une main qui tremble. Ce ne sont pas des maladresses, ce sont des aveux. La caméra ne disparaît pas dans le récit, elle s’atteste, elle témoigne. Nous ne sommes pas en train de regarder l’Histoire dans un musée, c’est plutôt comme l’avoir sous la main. Et puis survient la chanson Life is Life, plaquée sur des images d’archives de foule en délire devant un Pétain qui copine avec le Führer, ou Sounds Like A Melody d’Alphaville lors d’une soirée mondaine où les corps dansent et l’absurde devient un geste de cinéma. Ces interludes anachroniques ne ridiculisent pas l’époque, ils la contaminent avec la nôtre, rappelant que l’enthousiasme populaire est une constante humaine, disponible pour n’importe quelle cause.

Reste que ce même dispositif finit par se retourner contre lui. Ce mockumentaire tient à une condition : qu’une tension souterraine maintienne l’attention même quand rien d’apparent ne se passe. Or Notre Salut s’étire, et certaines séquences probablement improvisées ne trouvent pas toujours leur densité. On reste parfois en surface et on observe l’écran sans être vraiment happé, et la rupture avec le procédé finit par s’installer durablement. Une voix off épistolaire plombe également le rythme. Dans une Compétition cannoise surchargée d’émotions et de sujets pesants, Notre Salut est peut-être le genre de film où l’on décroche involontairement. Non pas par ennui profond, mais par saturation d’un rythme qui refuse de s’emballer. On ne peut qu’applaudir cet opus pour ses intentions et on aura raison. Mais on rentrera aussi peut-être chez soi avec l’impression d’avoir davantage pensé le film que de l’avoir vécu.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026.

Notre salut – fiche technique

Titre international : A Man of His Time
Réalisation : Emmanuel Marre
Scénario : Emmanuel Marre
Interprètes : Swann Arlaud, Sandrine Blancke, Jean-Baptiste Marre
Photographie : Olivier Boonjing
Décors : Anna Falguères
Son : Antoine Bailly
Montage : Nicolas Rumpl
Sociétés de production : Kidam, Michigan Films
Pays de production : France, Belgique
Société de distribution France : Condor
Durée : 2h35
Genre : Drame, Historique
Date de sortie : 30 septembre 2026

Présenté à Un Certain Regard 2026, Le Corset est le film d’animation le plus personnel de Louis Clichy et une comédie dramatique familiale portée par l’aquarelle, la musique et une sincérité bouleversante dans la campagne française.

Coécrit avec Franck Salomé, Louis Clichy redoutait, en amont de la projection, de ne pas avoir sa place au Festival de Cannes. Il prouve le contraire avec Le Corset, une comédie dramatique familiale qui navigue entre agriculture et adolescence, et qui s’impose comme l’une des belles surprises de cette sélection Un Certain Regard.

Grandir de travers

Après avoir redonné un second souffle aux célèbres Gaulois au cinéma, aux côtés d’Alexandre Astier (Astérix : Le Domaine des dieux et Astérix : Le Secret de la potion magique), Clichy revient à un cinéma d’animation plus traditionnel, en remplaçant la 3D par l’aquarelle, avec des coups de pinceau lisibles, des couleurs aux belles nuances. Lui et son équipe donnent vie à Christophe, onze ans, adolescent turbulent qui a un handicap : il penche sur la gauche. Pour redresser sa colonne vertébrale et son rapport d’opposition avec son père, il doit porter un corset. Mais au cœur d’une vie de ferme en Beauce dans les années 1980, entouré d’un grand frère qui a renoncé aux études pour l’entreprise familiale et d’une petite sœur qui n’aspire qu’à s’amuser, l’avenir de Christophe semble déjà tout tracé. Ses parents, comme tant d’agriculteurs de l’époque, font face à une situation économique précaire, en s’improvisant céréaliers. Tout pousse Christophe vers les champs, quand lui se découvre un talent naturel pour l’orgue dans son église locale, une passion qui prendrait trop de place dans son quotidien, malgré le soutien silencieux de sa mère.

Porter un corset ne semble pas non plus arranger les choses, mais cela lui a néanmoins permis de se rapprocher de Clara, une fille légèrement mystérieuse et kleptomane. Ensemble, ils s’évadent et se découvrent un peu plus. On reste surtout derrière Christophe, qui doit composer avec la crise de la prochaine récolte et les répétitions pour son envol en solo. Face à l’orgue, du clavier aux pédales en passant par les pistons, il est aux commandes et ne reçoit d’ordre de personne. C’est là que le film trouve l’une de ses plus belles idées, en confrontant deux regards, deux formes d’autorité, celle du père et celle de l’instrument, pour mieux montrer où Christophe choisit de se redresser.

On sent à chaque plan combien ce film est personnel. Avoir situé l’histoire en Beauce, ce paysage plat de fermes et de coopératives où Clichy a grandi, c’est y mettre de l’amour et de la nostalgie. Le style aquarelle n’est pas un simple choix esthétique, car ses nuances douces et ses contours esquissés épousent parfaitement cette mémoire d’enfance, à la fois nette et légèrement floue. Le corset de Christophe devient aussi une passerelle vers l’imaginaire, quelque chose de l’ordre d’un ouragan de folie, de révolte, mais toujours amené avec une puissance émotionnelle qui grimpe avec sensibilité et une énergie authentique. Puis, c’est finalement la musique qui métamorphose les personnages, et qui fait de Le Corset un film d’animation capable d’émouvoir autant les petits que les grands.

Ce film est présenté en sélection Un Certain Regard au Festival de Cannes 2026

Le Corset – fiche technique

Titre international : Iron Boy
Réalisation : Louis Clichy
Scénario : Louis Clichy, Franck Salomé
Interprètes (voix) : Gary Clichy, Rod Paradot, Brune Moulin, Dimitri Colas, Aurélie Vassort, Alexandre Astier, Jean-Pascal Zadi
Storyboard : Cédric Guarneri, Nils Balleydier
Design des personnages et décors : Louis Clichy
Animation : Chloë Aubert
Montage : Vincent Tricon
Étalonnage : David Chantoiseau
Producteurs : Céline Vanlint, Nicolas de Rosanbo
Studios d’animation : Eddy Studio, Caribara, Les Astronautes, Amopix, L’Enclume
Pays de production : France, Belgique
Société de distribution France : KMBO
Durée : 1h39
Genre : Animation, Famille, Comédie
Date de sortie : 14 octobre 2026

Nouveau long-métrage de Nicolas Winding Refn depuis The Neon Demon, Her Private Hell était l’un des événements attendus du festival de Cannes 2026. Le résultat, présenté hors compétition dans une séance de minuit, est une déception totale : film prétentieux, visuellement creux et profondément misogyne, il confirme la longue dégringolade d’un cinéaste définitivement perdu dans son propre miroir.

Le festival cachait un blockbuster dans la compétition avec Hope, mais hors compétition, personne ne pouvait anticiper qu’un film aussi malaimable oserait se présenter aussi frontalement. Après la trilogie Pusher, qui avait imposé son audace visuelle et narrative, puis Drive, qui avait fait de lui un faiseur d’images léchées, adulé par le public et la presse, Nicolas Winding Refn a entamé une lente et inexorable descente aux enfers hollywoodiens. Et toujours pas de signe de parachute dans Her Private Hell. C’est au contraire la confirmation d’une chute libre, une bouse cosmique livrée avec la prétention d’un artiste convaincu de son génie, dans un univers à la fois futuriste, onirique et prétendument spirituel, dont la bêtise n’a d’égale que la suffisance.

L’art du vide viriliste

Dix ans sans tourner de long métrage, et Refn revient l’air de rien avec une proposition aussi douteuse que détestable. On reconnaît immédiatement l’homme de la publicité, car la maîtrise formelle est là, convenable, efficace à ce format promotionnel. Sauf qu’ici, on ne vend pas de produit, ou plutôt si, on en vend un seul : un désir viriliste emballé dans du cuir et du néon. Sophie Thatcher, Kristine Frøseth et Havana Rose Liu servent autant de décor que les espaces faussement luxueux qu’elles traversent avec un désintérêt total. Elles ne sont là que pour satisfaire le regard voyeuriste d’un cinéaste qui les rend complices d’une misogynie ambiante, sans que jamais le film ne semble en avoir conscience, ce qui est précisément le problème. Alors de quoi parle Her Private Hell, au fond ? On pourrait croire à une représentation de la psyché de personnages gravitant autour de Johnny Thunders, playboy revêtu de cuir et aux intentions démoniaques. Il est une figure paternelle et maléfique. Mais il n’y a pas d’histoire à proprement parler. On suit essentiellement Elle, qui cherche à s’émanciper de Johnny en « Enfer » et à résoudre un conflit avec sa belle-mère Dominique, du même âge qu’elle, dans une scène d’étouffement érotico-morbide à l’aide d’une culotte souillée. Celle-ci résume à elle seule le niveau de provocation du film : gratuite, vide, et fière de l’être. Les dialogues sont sans cohérence et la narration est sans cap, si bien qu’on finit par craquer et rire jaune devant cet ovni aussi indigeste que l’était Megalopolis de Francis Ford Coppola. On traverse des décors de néo-Tokyo envahis d’une épaisse brume numérique, où chaque plan est renforcé par des effets poussés à un tel niveau de lissage qu’on pourrait les confondre avec des images générées par intelligence artificielle.

En parallèle de cette pittoresque vie de famille qui lorgne aussi vers Star Trek dans un élan burlesque assumé, le soldat américain, Private K, erre dans les ruelles nimbées de néon à la recherche de sa fille. Si Only God Forgives était imparfait dans ce qu’il racontait, si lent et si stylisé qu’il en devenait éprouvant, il possédait au moins une beauté plastique indéniable. Rien ne sauve Her Private Hell. Les deux récits finissent bien par se croiser, mais la mise en scène demeure un obstacle constant au visionnage, avec pour seul objectif d’exciter la rétine, surtout celle des hommes, au mépris absolu des personnages féminins.

Her Private Hell n’a même pas la décence d’être un nanar que l’on savoure avec le recul plaisant du film de série Z. Il est simplement gênant, profondément misogyne, et vain. Certainement le pire film de cette édition du festival, et sans doute de toute la carrière de son réalisateur. Dix ans d’absence pour en arriver là… Refn ne s’est pas réinventé, il s’est autoparodié.

Ce film est présenté en Hors Compétition au Festival de Cannes 2026.

Her Private Hell – bande-annonce

Her Private Hell – fiche technique

Réalisation : Nicolas Winding Refn
Scénario : Esti Giordani, Nicolas Winding Refn
Interprètes : Charles Melton, Sophie Thatcher, Kristine Frøseth
Photographie : Magnus Jønck
Musique : Pino Donaggio
Producteur : Nicolas Winding Refn
Production déléguée : Lene Borglum, Christina Erritzøe, Takuma Takasaki, Kimberly Willming
Sociétés de production : Neon, byNWR
Pays de production : États-Unis, Danemark
Société de distribution : The Jokers Films
Durée : 1h49
Genre : Thriller

Dans Garance, Adèle Exarchopoulos incarne une actrice alcoolique un peu perdue, qui enchaîne les petits rôles, les rencontres et les soirées bien arrosées. Un portrait de femme plein de douceur et de sensibilité signé Jeanne Herry.

La réalisatrice française aime ancrer ses films dans la réalité. Elle se renseigne toujours sur le terrain pour garantir l’exactitude de ses récits et de ses personnages. Après Pupille, puis Je verrai toujours vos visages, qui a valu à Adèle Exarchopoulos le César de la Meilleure actrice dans un second rôle, Jeanne Herry intègre pour la première fois la sélection cannoise. Comme La Vie d’une femme, également en Compétition, Garance s’attache au quotidien d’un personnage féminin dans la tourmente. Pour le caractériser, la cinéaste s’est inspirée du parcours d’une jeune alcoolique qu’elle a rencontrée, mais aussi de sa propre expérience de comédienne. En narrant une tranche de vie de cette actrice désorientée, elle compose un drame attachant sur la quête de soi et la guérison.

La fureur de boire

Garance, jeune comédienne dans une petite troupe soudée, enchaîne les castings pour décrocher des rôles. Entre espoirs et désillusions, elle peine à gérer son addiction à l’alcool, qui l’éloigne peu à peu de ses proches et la prive d’emploi. Gueules de bois et déménagements s’ensuivent, jusqu’à ce que Garance rencontre Pauline, interprétée par Sara Giraudeau. En centrant son film sur un personnage, défini par son alcoolisme et ses relations aux autres, Jeanne Herry raconte une histoire de quête de soi, de transformation personnelle, à la fois professionnelle et intime, qui passe autant par l’amour de l’autre que par l’autodestruction. L’ennemi, c’est l’alcool, toujours présent discrètement à l’écran. Un verre de vin blanc dans la main, une barrique ou une bouteille cachée dans un coin. Pour Garance, cette situation est devenue une norme, une fatalité qu’elle ne peut plus combattre. C’est simplement « comme ça« . L’occasion pour Jeanne Herry de mettre en garde contre la banalisation d’une consommation excessive d’alcool et de ses risques.

Décomposé sur plusieurs années, avec des ellipses, le récit relate les hauts et les bas de la vie de cette comédienne, mais ne décolle jamais vraiment. Il manque un peu d’émotion et joue habilement sur l’humour pour désamorcer le drame. Cependant, Garance démontre justement toute l’importance de l’émotivité. La jeune actrice rappelle ainsi aux enfants que « la fragilité et la sensibilité valent de l’or« . Cette affectivité, essentielle aux comédiens, est parfaitement exprimée par Adèle Exarchopoulos, qui pourrait bien repartir avec un prix d’interprétation samedi soir.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026.

Garance – fiche technique

Réalisation : Jeanne Herry
Scénario : Jeanne Herry
Interprètes : Adèle Exarchopoulos, Sara Giraudeau, Sarajeanne Drillaud, Anne Suarez
Photographie : Antoine Cormier
Décors : Nicolas de Boiscuillé
Costumes : Ariane Daurat
Maquillage : Christophe Oliveira
Montage : Laurence Briaud
Producteurs : Alain Attal, Nicolas Dumont, Philippe Logie, Solveig Rawas, Hugo Sélignac
Sociétés de production : Trésor Films, Chi-Fou-Mi Productions
Coproduction : Artémis Productions
Pays de production : France
Société de distribution : StudioCanal
Durée : 1h45
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 23 septembre 2026

La guerre ne se réduit pas aux champs de bataille et aux lignes de front. Dans Minotaure, Andreï Zviaguintsev choisit d’aborder l’envahissement de l’Ukraine par le prisme d’une société fragmentée et d’un couple qui se délite. Une manière subtile de dénoncer le conflit politique, toujours présent en arrière-plan, en montrant ses conséquences sur le quotidien des individus. Un drame marquant, dont le message partisan pourrait lui rapporter un prix en ces temps de crise.

Andreï Zviaguintsev, invité de marque connu pour Le Bannissement, puis Faute d’amour, Prix du jury à Cannes, fait son grand retour sur la Croisette. Après la figure du serpent de mer, utilisée dans Léviathan, le réalisateur russe s’attaque dans Minotaure à un nouveau monstre mythologique. Dans le contexte troublé de la guerre en Ukraine, cette créature fantastique à corps d’homme et à tête de taureau représente les démons intérieurs qui s’emparent de l’être humain et l’enferment dans un labyrinthe inextricable. En traitant d’un conflit politique à travers la sphère intime, le réalisateur russe signe une œuvre frappante et engagée.

Guerre intérieure

Gleb, chef d’une petite entreprise d’import-export, vit avec sa femme, Galina, et son fils dans une province russe. L’existence confortable de la famille bourgeoise est bouleversée par l’arrivée de la guerre en Ukraine. Le gouvernement impose des quotas et mobilise pour l’exécution de « l’opération militaire spéciale », contraignant Gleb à se séparer de ses employés. Le conflit fracture vite toute la société et chacun doit choisir entre « des vacances » loin du pays, la fuite vers la Géorgie, l’endoctrinement dans l’armée, désiré ou forcé, et la poursuite du travail. Lorsqu’il découvre que sa femme le trompe, sa situation professionnelle et personnelle extrêmement tendue achève de faire craquer Gleb, qui libère brusquement toutes ses pulsions. Quant à Galina, elle peine à s’affirmer dans l’ombre de son mari et ne vit que dans les bras de son amant. En s’inspirant de La Femme infidèle de Claude Chabrol, le réalisateur russe insuffle à son drame un aspect policier, qui lui permet de brosser les rapports de pouvoir entre politique et forces de l’ordre.

Andreï Zviaguintsev, qui s’est toujours opposé à la guerre, traite l’invasion de l’Ukraine comme un catalyseur de la bête tapie au fond de nous, un révélateur de nos instincts les plus sombres. Minotaure exprime donc un affrontement essentiellement intérieur, le conflit armé ne pénétrant l’écran que par le biais d’affiches de propagande, de soldats marchant dans les rues ou de tanks circulant sur la route. Sous la forme d’une tragédie grecque, il place ses personnages dans le dédale d’un système qu’ils servent mais qui les dévore. À l’instar du minotaure, qui se nourrit d’hommes, Gleb sacrifie en effet ses salariés pour alimenter la machine soviétique. Dans une dernière scène aussi magnifique qu’effroyable, Andreï Zviaguintsev donne à voir un monde crépusculaire, dont l’avenir chargé de nuages nous enveloppe dangereusement. Réfugié en France, le réalisateur russe pourrait bien remporter sa première Palme d’or avec cette œuvre d’une grande portée politique, dans laquelle la société engendre des monstres.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026.

Minotaure – fiche technique

Titre original : Minotaur
Réalisation : Andreï Zviaguintsev
Scénario : Andreï Zviaguintsev et Simon Liachenko, d’après le film « LA FEMME INFIDÈLE » écrit et réalisé par CLAUDE CHABROL
Interprètes : Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Boris Kudrin
Photographie : Mikhail Kritchman
Son : Andreï Dergatchev
Décors : Masha Slavina, Andreï Ponkratov
Costumes : Ouliana Polianskaïa
Montage : Andreï Zviaguintsev
Musique : Evgueni et Sacha Galperine
Mixage : Andreï Dergatchev
Producteurs : Charles Gillibert, Nathanaël Karmitz, Marco Perego
Sociétés de production : MK Productions, CG Cinema Avec Forma Pro Films / Razor Film
Pays de production : France, Lettonie, Allemagne
Société de distribution France : Les Films du Losange
Durée : 2h20
Genre : Drame
Date de sortie : 14 octobre 2026

Blockbuster de science-fiction coréen présenté en compétition officielle à Cannes 2026, Hope est la proposition la plus improbable et la plus jouissive de ce festival. Un film bourrin, imparfait, épuisant et pourtant irrésistible.

On s’avance vers Hope dans un mélange d’impatience et de grande confusion. Après l’uppercut viscéral de The Chaser, la noirceur de The Murderer et l’horreur rurale foudroyante de The Strangers, que pouvait bien nous réserver Na Hong-jin après dix ans d’absence ? La réponse est à la fois simple et vertigineuse : un blockbuster d’action baigné dans une sauce science-fictionnelle d’une ampleur qu’on n’attendait pas, déversé sans prévenir sur la compétition officielle de la Croisette.

Cache-toi si tu peux

Le réalisateur retrouve sa ruralité vieillissante familière, ce calme provincial instantanément fracassé par l’irruption d’une créature féroce aux abords de la zone démilitarisée. Les quarante-cinq premières minutes sont dédiées à sa traque survoltée, à travers le regard de Beom-seok, officier de police aussi froussard que ses équipiers sont bras cassés. Il a beau suivre les hurlements, les coups de feu et les cadavres laissés sur le passage de la « bête », il a constamment un train de retard, et c’est là tout le sel du dispositif. La menace reste invisible, la caméra enchaîne les travellings rapides sur de longues distances, et une légèreté pince-sans-rire, limite adolescente, vient digérer la montée d’adrénaline. On pense au diptyque Alienoid : Les protecteurs du futur et Alienoid : L’affrontement, à ce plaisir régressif presque enfantin que le film revendique sans complexe. Soit on accepte le contrat, soit on se fait éjecter. C’est la seule exigence de Hope et c’est une exigence honnête.

Na Hong-jin s’emploie formellement à capter le chaos avec une rigueur inattendue. Le décor rappelle une zone de guerre ou le résultat d’une catastrophe naturelle. La gestion de la tension dans les petits espaces est aussi millimétrée, toujours ludique, et quelques personnages secondaires, à commencer par Seong-ae, l’adjointe de Beom-seok, immédiatement badass, font leur entrée avec beaucoup d’allure. Hélas, ils restent à peine caractérisés par la suite, et c’est l’un des vrais problèmes d’un scénario qui accumule les belles intentions sans toujours les tenir. Une fois la mythologie extraterrestre dévoilée, le film plonge dans un long ventre mou, le temps d’une digression forestière tournée dans un parc national roumain qui ressemble davantage à une pause qu’à une relance. Et quand les courses-poursuites continuent, on pense alors à ce que le manga L’Attaque des Titans aurait pu être en live-action, avec des morts violentes, cartoonesque par moment, et à un Predator revisité quand la chasse s’inverse dans les bois. Mais c’est aussi là que la bouillie numérique prend le dessus, car les créatures manquent de masse, les déplacements sonnent souvent faux, et le maquillage numérique de Michael Fassbender et Alicia Vikander rappelle douloureusement une ébauche du premier Avatar. Forcément, tout ce qui touche au scénario frise le ridicule. Mais on s’en fiche un peu et c’est peut-être ça, la vraie réussite du film.

Car il y a quelque chose de magique, entre la fatigue et l’excitation propres au festival, dans la capacité de Hope à maintenir le taux d’adrénaline sans jamais le laisser retomber vraiment. C’est bourrin, épuisant et souvent absurde. Mais la promesse de l’action est tenue, et on se languit déjà de découvrir la suite. Il s’agit là du premier volet d’une trilogie qui s’annonce aussi ultra généreuse que Mad Max : Fury Road, mais avec les codes du blockbuster coréen comme on l’a aperçu plus tôt dans Colony.

Au milieu de films marqués par des notes d’intention très politiques ou très personnelles, Hope est, comme son titre l’indique, un petit espoir : celui que la compétition ne devienne pas exclusivement le terrain de jeu d’œuvres dont on devine tous les gimmicks d’auteurs. Que le festival ait osé le sélectionner ici plutôt qu’en séance de minuit, c’est en soi un geste courageux. Et ça mérite le respect.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026.

Hope – bande-annonce

Hope – fiche technique

Titre original : 호프
Réalisation : Na Hong-jin
Scénario : Na Hong-jin
Interprètes : Jung-Min Hwang, In-sung Zo, Jung Ho-Yeon
Photographie : Hong Kyung-pyo
Animation : Hanjoon Kim
Décors : Hwokyoung Lee
Son : Changsub Kim
Montage : Sunmin Kim
Musique : Michael Abels
Producteurs : Chae Ji-woong, Kim Sae-mi, Na Hong-jin
Sociétés de production : FORGED FILMS CO., LTD., PLUS M ENTERTAINMENT, WESTWORLD
Pays de production : Corée du Sud
Durée : 2h40
Genre : Action, Science-fiction, Thriller

En compétition à Cannes 2026, L’Inconnue, le troisième film d’Arthur Harari, repose sur un pitch fascinant, un homme piégé dans le corps d’une femme, pour livrer une œuvre longuement attendue et rapidement décevante, trop longue, trop froide, et finalement creuse.

Il faut reconnaître à Arthur Harari une certaine audace. Adapter Le Cas David Zimmerman, la bande dessinée qu’il a coécrite avec son frère Lucas, c’était prendre le risque de se confronter à un matériau riche, psychologiquement dense, dont la force tenait précisément à l’intériorité de son personnage. On attendait que le cinéma fasse ce que la BD ne pouvait pas faire, comme incarner cette bascule vertigineuse, ce moment où un homme se réveille dans un corps qui n’est pas le sien et doit recomposer son identité de l’intérieur. L’idée est de questionner le rapport à son propre corps, à l’enveloppe charnelle que l’on habite ou que l’on s’approprie, à la frontière fragile entre soi et l’autre. Mais L’Inconnue rate cette promesse avec une régularité décourageante.

Dans la peau de moi-même

Le film débute avec l’énergie d’une malédiction à la It Follows. David Zimmerman, photographe solitaire et anxieux de 40 ans, se retrouve projeté dans le corps de la femme qu’il a suivie. La mécanique narrative est posée, le trouble installé. Puis, très vite, l’enquête est abandonnée. Ce qui aurait pu devenir un thriller métaphysique sur l’identité et la dépossession de soi glisse vers une sorte de buddy movie maladroit, sans jamais aboutir franchement à quoi que ce soit. L’Inconnue n’est ni la comédie romantique et poétique que le genre du body switch autorisait, à l’instar de Your Name, ni le drame de la transidentité qu’il effleure sans jamais s’y engager, ni même le film de genre décomplexé qu’on pouvait espérer. Harari semble avoir voulu tout cela à la fois, et n’a finalement pas d’identité à défendre. On traverse des banlieues, dans une photographie granuleuse, sans vraiment les investir, et on suit David sans jamais entrer en lui.

C’est là le paradoxe douloureux du film : Niels Schneider est méconnaissable, métamorphosé physiquement comme Christian Bale dans The Machinist, et cette intention impressionne. Mais derrière ce corps squelettique, on ne traite pas beaucoup de l’anxiété sociale du personnage, ni de ce que ce changement, dans un corps peut-être plus désirable et plus regardé, change ou ne change finalement pas sa condition intérieure. La tragédie psychologique est esquissée, jamais creusée. Léa Seydoux, de son côté, porte une présence indéniable, mais son jeu semble lui aussi flotter dans un récit qui ne lui offre pas beaucoup d’options, contrairement à Gentle Monster, où on la sent libérée et authentique. Il reste une réflexion à demi-formulée sur le corps et le regard que l’on porte sur le corps des autres, notamment à travers la caméra de David, mais elle n’atteint jamais la force d’un vrai propos. Ce n’est pas non plus un culte de la beauté déconstruit comme dans Jim Queen, c’est simplement une mise en scène trop hitchcockienne pour un film qui ne se donne pas les moyens de l’investir.

Aussi, L’Inconnue est bien trop long pour ce qu’il veut raconter. Ce qui aurait tenu en une heure trente, avec un montage plus rythmé, s’étire sur 2h20 dans un visionnage qui devient pénible, puis franchement ennuyeux. L’idée d’une impasse psychique forte, d’un homme prisonnier d’une enveloppe qui n’est pas la sienne, ne transparaît jamais vraiment à l’écran. Et il ne reste qu’une belle idée, un beau titre, et le sentiment amer qu’Onoda, plus maîtrisé, plus sensoriel, plus émotionnel, mieux écrit et beau à regarder, n’a pas eu la lumière qu’il méritait, et que ce film en compétition ressemble, hélas, à un désir de réparer une injustice.

Ce film est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2026.

L’Inconnue – fiche technique

Titre international : The Unknown
Réalisation : Arthur Harari
Scénario : Arthur Harari, Lucas Harari, Vincent Poymiro
Interprètes : Léa Seydoux, Niels Schneider, Victoire Du Bois
Photographie : Tom Harari
Décors : Emmanuelle Duplay
Costumes : Isabelle Pannetier
Montage : Laurent Sénéchal
Musique : Andrea Poggio, Enrico Gabrielli, Tommaso Colliva
Producteurs : Nicolas Anthomé, Lionel Guedj
Sociétés de production : To Be Continued, Bathysphère
Coproduction : Pathé, France 2 Cinéma, Logical Content Ventures, Ascent Film, Rai Cinema
Pays de production : France
Société de distribution France : Pathé Films
Durée : 2h20
Genre : Drame, Thriller
Date de sortie : 26 août 2026