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Voir Sátántangó, c’est plus que simplement voir un film. L’œuvre maîtresse du cinéaste hongrois Béla Tarr est une immersion sensorielle et émotionnelle unique, qui joue à la fois sur une expression particulière du temps et du rythme, sur la figure du cercle, sur les dialogues et les paroles, sur un noir et blanc exceptionnel et de légendaires plans-séquences, enfin sur une construction complexe et rigoureuse du scénario, pour dresser le portrait d’une communauté oubliée de tous dans une ferme collective à l’abandon, au fin fond de la Hongrie.

En quelques décennies, le cinéaste hongrois Béla Tarr s’est acquis une réputation d’auteur singulier et exigeant, maître du plan séquence, du noir et blanc et de la description d’un monde poisseux. Si certains n’adhèrent pas à son esthétique si particulière et sa conception personnelle du rythme, d’autres (comme Martin Scorsese, par exemple) voient en lui un des cinéastes les plus importants actuellement.
L’œuvre maîtresse de Béla Tarr est, incontestablement, Sátántangó, son septième long métrage.

Sátántangó est un film qui impressionne.
D’abord, par les chiffres qui le concernent : la durée du film dépasse les 7 heures, le tournage a duré deux ans, idem pour le montage, et la conception du film, de façon générale, s’est étendue sur neuf années. Béla Tarr a commencé à travailler au scénario dès la sortie du roman, en 1985, en collaboration avec le romancier Laszlo Krasznahorkai. Le film est sorti en 1994. Entre le début du travail sur le film et sa fin, le régime communiste s’est effondré et, politiquement, socialement, économiquement, la Hongrie est un pays tout autre ; il s’agit d’ailleurs d’une des lectures possibles du film…
Sátántangó impressionne aussi par sa réputation. Le film est présenté, à juste titre, comme un des monuments du cinéma contemporain. Son esthétique, mais surtout sa manière d’aborder le temps, la complexité de son scénario (qui offre de nombreuses grilles de lecture possibles), sa façon de gérer les points de vue (quitte à répéter plusieurs fois la même scène, vue par des personnages différents), tous les aspects du films relèvent de la modernité cinématographique.
Ainsi, il est possible de dire que Sátántangó n’a pas de narration au sens classique du terme. Le film ne raconte pas vraiment d’histoire. “Les habitants d’une ferme collective à l’abandon sont bouleversés par l’annonce du retour de deux hommes qu’ils croyaient morts” : en une ligne et demie, on peut résumer cinq heures de film, et ne rien en dire du tout. Car l’intérêt de Sátántangó ne réside aucunement dans ce qu’il raconte, mais dans ce qu’il fait vivre. Béla Tarr crée une expérience d’immersion sensorielle rare. Dès le premier plan (qui fait environ sept minutes et qui révèle une construction rigoureuse, comme chaque plan du film), nous sommes plongés dans ce monde boueux, froid et gris, cet univers où l’horizon disparaît derrière un rideau de pluie, noyant les chemins et coupant toute possibilité de fuite. Un plan qui nous montre un monde à l’abandon, des maisons en voie de délabrement, des animaux qui semblent errer en toute liberté, et aucun humain : nous sommes donc tout de suite dans un univers, dans une atmosphère, avec la présence d’éléments qui se révéleront centraux dans le film (le rapport à l’animalité et à la terre, la question du rythme, le mouvement qui ne va nulle part et semble n’être guidé par rien ni personne).
Ce monde, c’est le noyau du film. Tout se déterminera par rapport à lui : les personnages ressembleront à ces bâtiments en délabrement, et la question de rester ou partir de ce lieu sera centrale. Dès le début, des personnages (Futaki et les Schimdt) chercheront à se partager de l’argent, dans le but de partir et mener leur vie ailleurs. Constamment, il sera question de partir, mais tous les départs seront avortés ou illusoires.

C’est là que la figure du cercle est cruciale dans le film. Tout, dans Sátántangó, est circulaire, à commencer par les plans eux-mêmes. Souvent, la caméra tourne lentement autour des bâtiments et/ou des personnages. Certaines scènes sont répétées deux fois. Le dernier chapitre du film s’intitule “Le Cercle se referme”. Enfin, lors de la scène finale, le personnage du médecin s’enferme chez lui et commence à raconter l’histoire que nous venons de voir (ce qui se rapproche, par exemple, de la fin de La Recherche du temps perdu, de Proust). Ainsi, cette fin incite à recommencer le film, le relancer à nouveau, sans fin, dans une ronde éternelle.
C’est cet enfermement qui est l’idée force de Sátántangó. Les personnages sont emprisonnés dans ce monde à l’arrêt. Il est impossible de déterminer une époque particulière où se situe l’action, puisque ici le temps ne semble pas exister. Nous avons une administration qui ressemble à la bureaucratie communiste, et en même temps un personnage ne cesse de sonner l’alerte pour prévenir de l’arrivée imminente des Turcs. Nous sommes de toutes les époques, donc d’aucune époque en particulier, comme si cette ferme à l’abandon échappait au temps.
La réalisation si particulière de Béla Tarr permet de nous faire sentir ce temps qui ne s’écoule pas. Au lieu de nous dire que les personnages sont enfermés, Tarr nous enferme avec eux dans ce temps perdu. C’est là le rôle de la circularité. Abandonné des hommes et de l’État, cette ferme collective délabrée est aussi abandonnée des dieux.
Cet emprisonnement se montre aussi par les déplacements des personnages. D’une façon qui peut sembler paradoxale, les personnages de Sátántangó marchent beaucoup mais ne vont nulle part. La plaine infinie de la Hongrie est un lieu idéal pour cela : nous suivons les personnages dans leurs marches interminables sur des chemins boueux, mais le décor ne change jamais, ce qui renforce l’impression d’un interminable sur-place.
Le point culminant de tout cela se situe dans ce “tango de Satan”, très longue scène située au centre du film. Cette danse se fait sans rythme, sans grâce, avec des êtres qui bougent dans tous les sens de façon aléatoire. Des gens qui bougent mais n’avancent pas. Et à la fin de la danse, il ne reste que des épaves échouées un peu partout dans le bistrot crasseux, des êtres perdus depuis si longtemps que les araignées ont même eu le temps de tisser leur toile.
Ce lieu, la réalisation de Béla Tarr en fait un cercle de l’enfer, dont on ne peut s’évader…

C’est dans ce contexte qu’apparaissent Irimias et Petrina, précédés par l’improbable son d’une cloche qu’entend Futaki (son de cloche dont le final offrira une explication possible, terriblement ironique : le mystique de la cloche s’effondre dans la folie, fort symbole du film dans son ensemble).
Irimias et Petrina, que tout le monde croyait morts depuis plus d’un an, sont donc de retour.
C’est là que le jeu des points de vue va paraître avec le plus d’évidence. Pour les uns, Irimias est un prophète. Pour d’autres (le patron du bistrot, par exemple), c’est un petit arnaqueur. Pour l’administration, c’est un malfrat qui, visiblement, vient d’être libéré de prison.
Irimias lui-même est conscient de cette ambiguïté et va en jouer. Il est difficile, voire impossible de connaître les véritables pensées du personnage, tant il semble jouer un rôle à chacune de ses apparitions : humble truand repenti auprès de la bureaucratie, meneur d’hommes visionnaire auprès des fermiers. Son allure, avec les cheveux longs et la barbe, lui donne un air christique, et il s’en amuse, par exemple en s’agenouillant face au manoir qui se révèle à travers la brume.
Pour les fermiers, Irimias est une source d’espoir et l’origine d’un mouvement. Il leur fait miroiter la possibilité de sortir de leur enfer immobile, de se mettre en route vers une destination et un avenir. Son discours, qui ouvre la troisième partie, ressemble beaucoup aux nombreux discours prononcés par les libéraux à la Chute du Mur : prendre ses responsabilités, prendre sa vie en mains, se sortir de la déchéance…
Évidemment, faire de Sátántangó une allégorie sombre et désenchantée de la sortie du communisme et du passage à l’économie de marché est une tentation d’autant plus forte que le film est concomitant des faits. Il s’agit, bien entendu, d’une grille de lecture pertinente et importante, mais pas exclusive. Cet aspect politique est encore renforcé par l’importance accordée aux paroles. Le discours d’Irimias est évidemment politique, au point d’enfiler comme des perles les propos stéréotypés creux (voir, par exemple, cette scène où il évoque “l’enthousiasme” de la population devant des êtres qui ressemblent à des morts-vivants).
Le langage est un élément important du film puisqu’il renforce les sensations mises en place par la mise en scène. Irimias se distingue d’une population fermière en étant le seul à maîtriser le langage sous ses différents niveaux, depuis le soutenu jusqu’au vulgaire. Mais surtout, chez tous les personnages, le langage est comme l’action, il ne mène nulle part, il ne fait rien avancer, il ne provoque jamais un passage à l’acte. Ainsi, dans la scène centrale du bistrot, un personnage, Kelemen, raconte ad libitum sa rencontre avec Irimias, répétant sans cesse les mêmes propos, en boucle. Mais surtout, ces propos sont bientôt comme “dématérialisés”, réduits à une succession de sons plus ou moins indistincts qui rythment la scène. Et le phénomène se répète plusieurs fois dans le film, la parole agissant finalement comme les mouvements des personnages : elle ne mène nulle part, ne sert à rien, sinon peut-être à tenter en vain de combler le vide.

Comme tous les chef d’œuvres, Sátántangó est un film complexe qui possède de nombreuses grilles de lecture possibles. Dans le complément de programme, Damien Marguet, maître de conférence au département de cinéma de l’université Paris-8, en propose quelques unes (y compris une lecture autobiographique). Mais le mieux, c’est encore de voir et revoir soi-même ce film profond et remarquable, de se laisser bercer par ce rythme, de s’emprisonner volontairement dans cet enfer de boue et de pluie. Sátántangó est un de ces films infinis que l’on redécouvre à chaque vision.

Caractéristiques du coffret Blu-ray :
2 Blu-ray
Master Haute Définition
1080/23.98 p
Encodage AVC
Version originale DTS-HD
Master Audio 1.0
Sous-titres français
Format 1.66 respecté
Noir et Blanc
440 minutes

Caractéristiques du coffret DVD :
3 DVD
Nouveau Master restauré
PAL
Encodage MPEG-2
Version originale Dolby Digital 1.0
Sous-titres français
Format 1.66 respecté
16/9 compatible 4/3
Noir et blanc
421 minutes

Compléments de programme :
3 préfaces de Damien Marguet
Entrez dans la danse, par Damien Marguet
Bande annonce 2020.

Sátántangó : bande annonce

Retour sur Microhabitat de Jeon Go-woon et son édition Blu-ray soignée par Spectrum Films : une errance en douceur et en amertume au cœur d’une Séoul normative et sur-exigeante envers ses citoyens.

Synopsis : Mi-So, 31 ans, vivant simplement de son petit salaire de femme de ménage, adore savourer un whisky et fumer des cigarettes en rentrant chez elle le soir. À la nouvelle année 2014, suite à l’augmentation des cigarettes et plutôt que se priver de ses petits plaisirs, elle préfère quitter son logement et aller dormir sur le canapé de ses amis dispersés dans tout Séoul.

Microhabitat : rester singulier au cœur d’une société normative

Catégorisé en tant que drame, Microhabitat se révèle être un feel good movie bienvenu dont la franche réussite réside dans la rencontre entre les spectateurs et son personnage principal, merveilleusement interprété par l’actrice et modèle, Esom. En effet, Mi-So est un de ces personnages qu’on n’oublie pas. Fagotée dans plusieurs manteaux et vestons, ancienne chanteuse d’un groupe depuis longtemps dissous, la jeune femme, dont la bienveillance d’un sourire léger soutient les cœurs meurtris, tient à trois choses : son whisky, ses cigarettes et son petit-ami. Tout ce pour quoi elle travaille, économise et lutte au quotidien. Comme l’expose le film et comme l’explique la réalisatrice dans son entretien présent dans l’édition, Séoul, capitale de la Corée du Sud, exige énormément de ses citoyens. C’est même certainement la ville la plus chère du pays : loyers, objets de consommations… Même un petit logement mal isolé a son prix. Idem pour le pire des trous à louer. Quand ça n’est pas le loyer qui est cher, c’est la caution de plusieurs milliers ou voire dizaines de milliers de dollars qui vaut une fortune.

Mi-So, dont le prénom signifie « micro » et « sourire », ne manque cependant pas de joie de vivre et de pragmatisme. Tout ce qu’elle désire au quotidien, c’est son alcool, ses clopes et son petit copain endetté à cause de ses études qui ne l’ont conduit qu’à pouvoir loger dans un pensionnaire de garçons. La jeune femme travaille, fait ses ménages pour de maigres salaires, en demande de nouveaux et cherche des solutions pour payer son loyer et ses consommations qui subissent l’inflation. Et ce, jusqu’au jour où elle décide de se passer de loyer pour profiter et mettre assez d’argent de côté pour un foyer correct pour elle et son petit-ami. Rien de bien audacieux, peut-on penser. Sauf que Mi-So désire peu dans une ville qui exige beaucoup trop.

Mi-So entreprend de renouer avec les anciens membres de son groupe de musique. Son parcours teinté de nostalgie va l’amener à reconsidérer sa position sociale d’ailleurs parfois critiquée par le regard embourgeoisé de vieux amis. De la même manière que Bill Murray dans Broken Flowers, Mi-So connait plusieurs étapes au fur et à mesure des amis musiciens qu’elle retrouve. Certaines sont emplies de tristesse évidente ou de chagrin caché, d’autres de honte ou d’absurdité virant à la situation humoristique. Toutefois, Mi-So saura apporter un peu de lumière à chacun de ses anciens camarades. Travailleuse et bienveillante sans le sou ou presque, le personnage va aussi, à travers ce parcours qui se révélera être initiatique, définitivement se comprendre et s’accepter comme un être singulier – cessant par exemple de prendre son traitement empêchant ses cheveux de devenir complètement blancs – et modeste, une outsider dans un cosmos économique et social dangereusement normatif et capitaliste incarné ici par Séoul, cette ville dans laquelle elle tiendra toujours à goûter son verre de whisky choc et fumer ses cigarettes chics.

Microhabitat : sur l’édition Blu-ray signée Spectrum Films

L’édition Blu-ray + DVD de Microhabitat – unique au monde – est une franche réussite. Spectrum Films propose le film avec une présentation vidéo formidable tout en nuances colorimétriques et lumineuses ainsi qu’en précision. Pas de grain puisque filmé numériquement, le master ici encodé est continuellement formidable. On retiendra un très discret bruit sur quelques plans ainsi qu’un étrange halo survenu à la fin d’un plan de ville nocturne. Rien à redire du côté la bande sonore stéréo elle aussi nuancée et chaleureuse.

L’expérience du film est excellemment complétée par ses bonus. On a bien sûr la présence de la bande-annonce. Surtout, on trouve une (très longue) présentation du long métrage par Antoine Coppola, professeur de cinéma à l’université de Séoul, spécialiste du cinéma coréen et réalisateur de documentaires. Ce dernier revient avec une passion tranquille – le temps d’une cinquantaine de minutes – sur les rapports que la fiction filmique entretient avec la réalité de Séoul, sur la conception du film ainsi que sur la réalisatrice. Enfin, l’éditeur a complété l’ensemble avec la présentation de deux courts-métrages de la réalisatrice : Bad Scene (2012 – présenté en 1080p HD) et Too Bitter To Love (2008 – en 1080i, peut-être un upscale d’un format plus petit). Les deux courts métrages s’intéressent à la place de la femme dans une société patriarcale. Le premier met en scène une actrice déjà trop vieille pour des rôles de jeune star. Celle-ci va devoir affronter l’idée de tourner une scène de sexe en tant que rôle mineur. Elle y arrivera en s’acceptant, en assumant d’être une jeune femme de presque trente ans, cessant de se cacher derrière des corsets de gros scotch pour tenter de répondre aux canons féminins installés et recherchés par le marché répondant à la gente masculine. À l’inverse, la protagoniste de Too Bitter To Love ne pourra assumer l’épouvante qui la consume. Peu après avoir fait l’amour pour la première fois avec un jeune homme à l’écoute, elle est violée par son plus vieux voisin alors que le premier, sur le retour d’une course, n’intervient pas. Le court métrage se termine en silence, la jeune fille ne pouvant rien expliquer à ses parents, et attendant des nouvelles du garçon. Réalisés en 2008 et 2012, les deux courts métrages et le long métrage Microhabitat – pour rappel, réalisé en 2017 – mettent ainsi en exergue un usage du cinéma par Jeon Go-woon comme un outil narratif d’expression contre les cadres socio-économiques qui soumettent les individus et personnages qui, pour leur part, ne doivent rien lâcher.

Microhabitat de Jeon Go-woon – Bande-annonce

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

BD50 – 1080p HD – Encodage AVC – 1.85:1 – Version originale coréenne DTS-HD Master Audio 2.0 – Sous-titres français – Édition Spectrum Films – Corée du Sud – 2017 – Drame/Comédie dramatique – Durée : 104 min

COMPLÉMENTS

Présentation du film par Antoine Coppola (53 min)

Interview de la réalisatrice (7 min)

Courts-métrages de Jeon Go-woon: Bad Scene (18 min) et Too Bitter To Love (22 min)

Bande-annonce du film

Sortie en juillet 2020 – prix indicatif public : 25€

Avec son long-métrage Un divan à Tunis, la réalisatrice franco-tunisienne Manele Labidi cherche à nous montrer à quel point l’importance du besoin de parler de soi existe dans toutes les sociétés, y compris ici dans la Tunisie post-révolution. Exprimer ses émotions n’est pas accessoire, ni un luxe, comme le pense Selma, ex-psychanalyste à Paris qui a choisi de s’installer à nouveau à Tunis pour y exercer son métier et y être utile. C’est avec un mépris de façade que ses compatriotes commencent par lui répondre, et pourtant, dès l’ouverture du cabinet, celui-ci ne désemplit pas. Tout le monde a quelque chose à partager. Sortie DVD le 25 août 2020.

Une société aux problèmes concrets

La première force d’Un divan à Tunis est le contraste fort que la réalisatrice donne à voir dès le début du film, qui va forcément interpeller le spectateur. Selma (Golshifteh Farahani) est une psychanalyste tunisienne arrivée en France à l’âge de dix ans. Après avoir exercé à Paris, elle fait le choix questionnable – par les spectateurs, mais aussi et surtout par les personnages tunisiens – de quitter la France et retourner vivre à Tunis pour y exercer la psychanalyse. Dès le début, les moqueries dédaigneuses sont les seules réponses qu’elle reçoit à l’annonce de son projet : qui à Tunis a du temps et de l’argent à perdre pour parler de soi ? Que vont retirer les clients – les patients –  d’une séance avec Selma ? lui demande-t-on. Forcément, le spectateur se pose la même question et se demande si dans cette société post-révolution, en construction comme en destruction, où le quotidien semble être une lutte administrative, les Tunisiens auront ce besoin d’entamer une psychanalyse.
C’est ainsi que le spectateur est pris d’intérêt pour l’histoire et conserve sa curiosité malgré un démarrage plutôt lent et un tantinet laborieux ; qui énonce beaucoup sans qu’il se passe grand-chose et qui ne permet pas de s’attacher au personnage principal, distante. En effet, Selma n’est qu’un support pour l’histoire, on ne sait et on ne saura rien d’elle.

Un film qui amuse autant qu’il donne à réfléchir 

Cette comédie dramatique n’a pas de ton franc : on y rit comme on y réfléchit, touché par la société et ses habitants, qui vivent ce que tous les êtres humains ont un jour ressenti, ce vide, ce désarroi de l’existence qui nous submerge sans crier gare.
Le mélange est pourtant équilibré, le film ne tombe jamais ni dans la caricature, ni dans le mélodrame et parvient à montrer les personnages comme des personnes humaines, qui rient autant qu’elles pleurent. Avec une grande subtilité, simplement en écoutant et en observant les patients de Selma, Manele Labidi témoigne de ce sentiment universel qu’est la mélancolie passagère et la question du sens de la vie, mais aussi la fragilité humaine, les rêves et les désirs plus forts que soi. Les personnages qui sont heureux par intérim, qui affichent une stabilité de façade, sont, comme nous tous, marqués par leurs petites souffrances dont ils n’ont pas conscience et que Selma les aidera à mieux appréhender.
Et très rapidement, sans que cette morale ne soit forcée, le spectateur comprendra à quel point le but de la psychanalyste était logique : plus une société est en difficulté, plus parler de soi, s’exprimer et extérioriser devient nécessaire. « La France », comme ils surnomment au début Selma, devient peu à peu leur confidente, celle qui leur permet d’évacuer enfin tout ce que la vie leur a fait subir, sinon simplement d’en prendre conscience. Car la prise de conscience est déjà le premier pas vers la guérison.

Quelques failles qui bloquent un peu le propos 

Malgré tout, Un divan à Tunis souffre de quelques défauts qui peuvent rendre son déroulement laborieux, et faire décrocher le spectateur car il sort du film pour se poser des questions.
Le premier est un changement brutal de registre vers la comédie potache lors de la séquence de l’alcootest qui n’a pas la même finesse que les autres moments comiques du film dans lesquels Selma est confrontée au chaos qui règne à Tunis. Par exemple lorsqu’elle cherche à acheter une voiture ou, bien sûr, lors de ses incursions dans l’administration.
Un passage rêvé ou fantastique – l’incompréhension demeure – avec l’apparition de Freud pourra aussi perturber le spectateur qui ne comprend pas ce qui se passe et comment une situation concrète (une panne au milieu de nulle part) est résolue par un personnage qui n’existe manifestement pas, sans qu’aucune autre explication possible ne soit proposée.
Enfin, le scénario peut parfois s’affiner jusqu’à presque disparaître, et ce pendant la première moitié du film, où les successions de patients de Selma donnent davantage l’impression de regarder une série de sketchs qu’une véritable intrigue menant quelque part. La résolution des problèmes à la fin paraît aussi tirée du chapeau : l’autorisation d’exercer obtenue soudainement, les patients névrosés qui tout à coup vont mieux, etc.

Un divan à Tunis est donc un long-métrage intéressant parce qu’il traite de son sujet en majeure partie avec finesse et rappelle qu’en se préoccupant des problèmes concrets, on s’oublie souvent, mais aussi parce que – et c’est remarquable – son sujet passe avant son personnage. Le choix de Tunis pourrait être arbitraire tant les questions soulevées sont universelles, comme le démontre le fait que Selma vienne de Paris. 

Un divan à Tunis : bande-annonce 

Fiche technique :

Réalisatrice : Manele Labidi
Scénaristes : Manele Labidi, Maud Ameline
Musique : Fleming Nordkrog
Casting : Golshifteh Farahani, Majd Mastoura, Aïcha Ben Miled
Sortie : 2020
Pays : France
Version originale : français
Genre :  comédie dramatique
Durée : 89 minutes

Retour sur l’édition Blu-ray + DVD du troisième long métrage de Ann Hui, The Story of Woo Viet, qui propose aussi de (re)découvrir en HD, Boat People, dernier long métrage de sa trilogie sur les réfugiés vietnamiens.

The Story of Woo Viet – synopsis : Wu Yuet (Chow Yun-Fat) un jeune réfugié vietnamien, quitte Saigon sur un bateau de fortune en direction de Hong-Kong, sa porte d’entrée pour les États-Unis. Sa fuite tourne vite au drame lorsque la jeune femme qu’il rencontre dans le camp de réfugiés est kidnappée par un proxénète philippin. Woo Viet se tourne alors vers un destin de tueur à gages.

Boat People – synopsis : En 1978, trois ans après la chute de Saigon, Akutagawa, un grand reporter japonais, revient au Sud Viêtnam pour faire un reportage sur les enfants de la jeune République Socialiste. Pris en main par le service des Relations Culturelles, il réalise, à la suite d’incidents apparemment insignifiants, qu’on s’efforce de lui cacher les vrais problèmes économiques et politiques de la cité. Il commence à comprendre pourquoi certains Vietnamiens choisissent l’exil au péril de leur vie…

Ann Hui et le point de vue

De la même manière que l’édition DVD de Boat People permettait de (re)découvrir deux volets de sa trilogie sur les réfugiés vietnamiens grâce à la présence en complément de deux de ses téléfilms dont The Boy from Vietnam, premier volet de la dite trilogie, l’intérêt de cette édition est de proposer pour la première fois en Haute Définition deux des œuvres maîtresse de la filmographie d’Ann Hui, soit The Story of Woo Viet (1981) et Boat People (1982), de nouveau, qui constituent notamment les deux volets cinématographiques de sa trilogie vietnamienne. Deux volets pour deux approches sur un même phénomène. The Story of Woo Viet tient du récit de genre dans lequel un réfugié et ex-soldat va virer tueur à gages afin de sauver celle qu’il aime. Le deuxième, Boat People est un drame au récit journalistique dans lequel un étranger ouvert à la révolution vietnamienne va justement en découvrir les nombreux travers.

Surtout, le fait de d’abord présenter dans le menu The Story of Woo Viet puis Boat People est malin. Même si son introduction a de quoi refroidir tant la représentation de ces fuites en bateau est terrifiante, le premier va davantage traiter ce sujet en toile de fond du récit de gangster du personnage de Wu Yuet. Ce qui peut se révéler être une excellente entrée en matière avant de (re)découvrir Boat People et son approche parfois documentaire et surtout sans concession face aux nombreuses violences sur lesquelles reposent le nouveau régime communiste vietnamien d’après-guerre.

The Story of Woo Viet embrasse tant bien que mal de nombreux codes du genre – du patron auquel on est endetté au destin sans espoir – avec quelques combats manquant de soin et une fin trop vite balancée en plus d’être attendue. Toutefois, à travers son spectacle de genre majoritairement convaincant, le film n’oublie jamais d’explorer les conditions de (sur)vie de ses personnages et réussit aussi à transmettre leurs expériences émotionnelles, aboutissant ainsi à un intriguant film hybride loin d’être aussi partagé par ses enjeux que The Filmtalker – présent dans les bonus – et d’autres le présentent.

Le récit journalistique du personnage japonais de Akutagawa donne à Boat People trois aspects, un quasi-documentaire où l’on se trouve au coeur d’événements qui ne semblent pas mis en scène tant ils sont formidablement menés, un autre d’enquête intrinsèquement lié à son récit, qui va amener le journaliste à découvrir de sombres vérités, et enfin une tendance dramatique voire romanesque, emplie de bons et justes sentiments ainsi que de confusion  face aux injustices-surprises croisées ici et là sur son parcours. Ces trois caractéristiques font du film une pure expérience de cinéma qui croise la fiction, la réalité et le regard du spectateur avec celui de son protagoniste qui va justement devoir dépasser ses fantasmes révolutionnaires pour découvrir une vérité tout en nuances malgré une forme de constat pessimiste.

Bande-annonce – The Story of Woo Viet

Sur l’édition Blu-ray signée Spectrum Films

La présentation des films partage. Oui, il y a de quoi être ravis que de (re)découvrir pour la première fois ces films en HD. Notons d’ailleurs que The Story of Woo Viet était jusqu’alors totalement inédit en France. Cependant les deux métrages, comme The Saviour, ne sont pas présentés avec la bonne cadence d’image – 25 et non 24 -, ni en format progressif. Leurs masters encodés en 1080i semblent datés. La précision n’est pas toujours au rendez-vous, de même que la stabilité du grain et/ou du bruit ainsi que de la colorimétrie, surtout pour le film star de l’édition, The Story of Woo Viet. Si l’image s’avère relativement correcte malgré des artefacts liés à l’encodage, on note aussi hélas des altérations numériques. Filtres anti-grain, DNR et autres outils digitaux ont été utilisés. Boat People s’en sort mieux avec une présentation bien plus uniforme malgré la présence d’altérations relativement visibles selon les séquences. Du côté du son, les pistes originales ont tendance à saturer facilement, notamment lorsque la musique s’emballe.

La présence des deux films en HD sur un même disque tend à relativiser les défauts qui les travaillent. Les autres compléments permettent aussi de se réjouir de l’existence de cette édition. En effet, Spectrum Films nous régale de bonus exclusifs dont un entretien de treize minutes avec Ann Hui qui revient sur son parcours, évoquant notamment ses débuts avec le grand King Hu jusqu’à ses premiers pas à la télévision puis sa trilogie vietnamienne. Un deuxième entretien, ici avec le producteur Teddy Robin Kwan, permet de revenir sur la conception et la production du film, du contentieux rapidement réglé entre Chow Yun-Fat et une chaîne de télévision avec qui il avait un contrat, au savoir-faire de Ann Hui qui maîtrisait pleinement son sujet. On trouve ensuite une présentation des films de dix minutes par l’habituel médiateur de Spectrum, Arnaud Lanuque, qui revient sur la réalisatrice, son inscription dans la Nouvelle Vague Hongkongaise ou encore le rapport des citoyens hongkongais au sujet qui fonde sa trilogie vietnamienne. Enfin l’éditeur a fait l’étrange choix d’intégrer deux critiques exclusives de The Filmtalker dans son édition. Le Youtuber revient sur les deux films, répétant de nombreux éléments des modules précédemment cités, et proposant des analyses qui n’en sont pas vraiment tant elles ne dépassent jamais le simple constat ou la répétition. Notre Filmtalker semble loin d’être à l’aise dans ses deux modules – de huit minutes – finalement peu enthousiasmants, surtout après avoir goûté aux podcasts Stéroïds spécialement conçus pour The Saviour et Full Alert.

Bande-annonce – Boat People

CARACTÉRISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray

BD50 – 1080 25i – 1.85 – 16/9 – Son : DTS HD Master Audio 2.0 Cantonais – Sous-titres français – Durée : 90 et 109 minutes – Spectrum Films

COMPLÉMENTS

Le film Boat People pour la 1^ère fois en HD

Interview exclusive de Ann Hui (13 min)

Interview exclusive de Teddy Robin Kwan (10 min)

Presentations de The Story of Woo Viet et Boat People par Arnaud Lanuque (10 min)

Critique des deux films par The Filmtalker (2 x 8 min)

Bande-annonce

Sortie en décembre 2018 – prix indicatif public : 19€

Pema Tseden, réalisateur emblématique du tout jeune cinéma tibétain s’est inspiré d’une de ses propres nouvelles pour écrire Tharlo : l’histoire d’un berger un peu sauvage qui se rend pour la première fois en ville. L’occasion pour le réalisateur de montrer un Tibet différent des représentations habituelles et d’affirmer une écriture cinématographique très personnelle. Un film remarqué en 2015 à la Mostra de Venise, que les éditions Arcadès sortent en DVD, conjointement à Jinpa, signé également du metteur en scène tibétain.

Un mouton à la ville

Le film s’ouvre sur un long plan séquence dans un commissariat d’une petite ville. On y découvre Tharlo récitant l’intégralité d’un discours de Mao appris quand il était jeune. « A l’école, explique-t-il au brigadier ébahi, on avait remarqué que j’avais une excellente mémoire. L’instit avait dit qu’avec ça je ferais un bon berger ». De fait, Tharlo connaît par cœur le nombre de ses moutons et leurs caractéristiques. Il faut dire que c’est l’essentiel de sa vie, lui qui n’est jamais descendu en ville avant qu’on ne lui demande une carte d’identité. Confronté pour la première fois à ce qui s’apparente à des épreuves – se faire couper les cheveux, poser pour une photo d’identité, parler avec une femme -, Tharlo n’a qu’une hâte, retrouver sa montagne et ses moutons. Sauf qu’il rencontre Yangtso, une jeune femme « moderne » qui l’invite à une sortie karaoké…

Une mise en scène ascétique

Pema Tseden prend ostensiblement son temps pour poser les enjeux de son histoire. Particulièrement dans la première partie où il semble important pour le réalisateur de montrer à quel point Tharlo est éloigné du monde urbain. Du point de vue de la photographie, le résultat est superbe avec ce noir et blanc rugueux qui colle aussi bien à la grisaille de la ville qu’à l’austérité des montagnes. La deuxième partie, quasi documentaire, replace le berger de retour de la ville, dans son univers habituel. Le pastoralisme avec ses moments de plénitude et ses vicissitudes. Le contraste entre la ville et la montagne est remarquablement bien rendu par un travail sur la bande-son. D’un côté les rues saturées de bruits, de l’autre les silences des pâturages ; ici karaokés et rap tibétain, là, une vieille radio fatiguée dans l’antre du berger.

Un regard pessimiste

Pema Tseden dessine en creux le tableau d’un Tibet sous tutelle. De fait, entre la Chine et le Tibet les différences sont structurelles, ce que le réalisateur s’attache à montrer avec subtilité. Ainsi, la langue locale, celle de la région de l’Amdo, s’oppose-t-elle au chinois de l’administration. Une normalisation  à laquelle le berger oppose une forme de résistance pacifique. Il arbore au début du film une chevelure toute en mèches rebelles. « Mon prénom, dit-il à un moment donné, signifie « Petite-Natte » en tibétain ». Lorsqu’il se laisse raser la tête dans la dernière partie du film, Tharlo renonce symboliquement à son identité. Une perte sans nul doute plus grave que celle de sa maigre fortune ou de son histoire d’amour en trompe-l’œil. Tondu comme un mouton, le berger de l’Amdo n’est plus que l’ombre de lui-même.

Un constat sombre pour un film tout en nuances.

Bande annonce :

Fiche technique :

• Titre français : Tharlo
• Réalisation : Pema Tseden
• Scénario :Pema Tseden
• Acteurs : Shide Nyima, Tso Yangshik, Tsemdo Thar
• Pays d’origine : Chine
• Format : Noir et blanc – 35 mm – 1,85:1
• Genre : drame
• Durée : 123 minutes
• Date de sortie :
  • Italie : 4 septembre 2015 (Mostra de Venise)
  • France : 3 janvier 2018

Contenu :

• Un DVD (Tharlo, le berger tibétain)

Bonus :

• Grassland, un court métrage de Pema Tseden (21 min 23)
• Clip de rap tibétain. Dekyi Tsering (3min03)
• Interview de Françoise Robin, spécialiste du Tibet à l’INALCO (39 min 36)
• Bandes-annonces

Retour sur Les Révoltés de l’an 2000 (¿Quién puede matar a un niño?) de Narciso Ibáñez Serrador – ou « Chicho » Serrador – ainsi que sur sa solide édition Blu-ray signée Carlotta Films.

Synopsis : Un couple d’Anglais, Tom et Evelyn, débarque dans la station balnéaire de Benavis pendant les festivités d’été. Préférant fuir la foule, ils prévoient de partir le lendemain pour la petite île d’Almanzora. Dans ce lieu ignoré des touristes, les Anglais auront tout à loisir de se reposer pendant leurs deux semaines de vacances, en particulier Evelyn qui est enceinte. Mais à leur arrivée, ils découvrent un village totalement abandonné de ses habitants. Bientôt, des enfants au comportement étrange font leur apparition. Et s’ils avaient quelque chose à voir avec la disparition de la population adulte ?

Qui peut tuer un enfant ?

Le titre original du film de 1976, ¿Quién puede matar a un niño?, fait bien plus sens que le titre français des Révoltés de l’an 2000. En effet, qui peut tuer un enfant ? Une question légitime à laquelle le cinéaste confronte des images d’enfances meurtries, détruites au fur et à mesure de conflits d’adultes qui ont engendré des chiffres effrayants de décès et de blessés tant en nombre de personnes qu’en nombre d’enfants. « Les enfants sont toujours ceux qui souffrent » explique au duo principal de touristes anglais un marchand de matériel photographique. De l’amoralité de ce qu’ont vécu de nombreux enfants par-delà le monde depuis un siècle, « Chicho » Serrador en tire une fable perverse.

Comme l’explique justement Guillermo Del Toro dans le complément dédié au cinéaste, la perversion tient du fait de détourner, pervertir un élément et ses usage et sens premiers. Serrador va pervertir l’amoralité de ces situations d’infanticides en amenant les touristes sur une île où les jeunots n’ont pas juste pris le pouvoir, mais annihilé toute existence adulte. Ainsi nos deux protagonistes vont devoir survivre à un jeu d’enfants virant à une violence sans recul moral. Un jeu collectif qui, comme l’exposent plusieurs scènes du film et sa fin, tend à prendre une ampleur continentale et, qui sait, internationale. Le Village des damnés, Les Oiseaux ou La Nuit des Morts-Vivants ont clairement inspiré le cinéaste espagnol qui livre ici une relecture de Sa majesté des mouches fun et percutante. À noter que le roman dont le film est l’adaptation a en réalité été publié après la fin de l’écriture du scénario. Ainsi beaucoup d’éléments diffèrent entre les deux, comme l’explique le réalisateur dans un document bonus, seule l’idée des enfants s’alliant contre les adultes a été gardée.

Même si l’écriture et l’interprétation du duo de touristes anglais manque légèrement de logique survivaliste et d’un traitement un poil moins outré, Les Révoltés de l’an 2000 constitue un sommet d’épouvante ainsi qu’un triomphe du cinéma espagnol, un métrage formidable d’efficacité et visuellement soigné, une merveilleuse photographie ensoleillée qu’on vous encourage à (re)découvrir en Blu-ray.

Les Révoltés de l’an 2000 en Blu-ray

Le film de Serrador est à (re)voir dans une édition Blu-ray solide. Du côté du film, le master 4K utilisé est formidablement soigné. On retiendra une relative instabilité plus ou moins visible, quelques plans au contraste et à la saturation dégradés ainsi qu’une tendance à faire rougir la peau de nos deux touristes anglais à relativiser du fait que les interprètes avaient dû attraper quelques coups de soleil sur le tournage. Un peu de poussière est notable de temps à autre. À part cela, ¿Quién puede matar a un niño? est probablement présenté dans sa meilleure version à ce jour et possiblement, selon l’état et les conditions de conservation du négatif utilisé pour le master – précédemment édité chez Mondo Macabro – et des autres sources pellicules disponibles, son ultime version. Il y a peu à redire au niveau sonore si ce n’est que la version originale anglo-espagnole – pour la première fois disponible en France – qui respecte les différences linguistiques entre les personnages, tend parfois à être un poil trop percutante au niveau de quelques dialogues et de passages musicaux. La version intégrale espagnole est plus étouffée et manque d’énergie tandis que la VF est la moins intéressante des pistes sonores. On retrouve cette différence d’intensité entre les voix et les effets sonores et musicaux, et ce, alors que les dialogues souffrent aussi d’une forme d’étouffement.

Du côté des compléments, Carlotta a repris les modules présents sur l’édition DVD de Wild Side sortie en 2008. Les compléments ont été upscalés en 1080i et non 1080p. Leur présentation reste propre. Qui peut tirer sur un enfant ? est un entretien avec le directeur de la photographie du film dont on retiendra notamment les formidables anecdotes sur le travail d’uniformisation de la lumière et de la couleur loin d’être évident du fait des différents décors extérieurs et intérieurs servant à concevoir l’île du film. Le Metteur en scène des enfants est un autre entretien filmé, cette fois-ci avec le réalisateur du long métrage qui revient notamment sur la genèse du projet, sa conception, ses souvenirs plus ou moins positifs de son travail avec le duo de protagonistes principaux. On trouve ensuite avec Narciso Ibanez Serrador vu par… un ensemble d’entretiens avec d’importants cinéastes espagnols sinon hispaniques comprenant Guillermo Del Toro, Juan Antonio Bayona, Paco Plaza et Jaume Balaguero. Ces grands noms du cinéma de genre reviennent sur l’influence de « Chicho » Serrador sur leur cinéphilie, leurs films, tant du côté de l’importante carrière télévisuelle de Serrador (programmateur et présentateur de films de genre pour la télévision, concepteur et réalisateur de séries d’épouvante, entre autres) que de sa très courte filmographie cinématographique (deux films en tout). Histoires du cinéma fantastique espagnol croise le point de vue d’Emmanuel Vincenot, historien spécialiste du cinéma hispanique avec ceux de grands cinéastes (espagnols) du genre tels que Jésus Franco et Jorge Grau. Les différents interviewés retracent en un peu moins de trente minutes l’histoire du cinéma fantastique espagnol. Enfin, en plus de la présence en HD de la bande-annonce 2020, Carlotta Films a ajouté un complément exclusif, une présentation du film par Fabrice Du Welz d’une durée un peu courte de cinq minutes. Tout en passion et en poésie, le cinéaste belge revient sur son rapport au film de Serrador et notamment sur le fait qu’il a tenté de le remaker.

Ainsi Carlotta Films délivre une excellente édition Blu-ray pour Les Révoltés de l’an 2000 / ¿Quién puede matar a un niño?, partagée entre une présentation filmique exemplaire et de formidables compléments. On pourrait toutefois ajouter qu’il aurait été intéressant d’avoir davantage de nouveaux compléments, sachant que l’édition américaine de mai 2018 signée Mondo Macabro propose une scène d’ouverture alternative, un documentaire inédit sur le film nommé Version espanola, et d’autres modules avec des critiques et spécialistes US.

Bande-annonce – Les Révoltés de l’an 2000 / ¿Quién puede matar a un niño?

CARACTERISTIQUES TECHNIQUES Blu-ray – Steelbook

BD50 – MASTER HAUTE DEFINITION – 1080p HD – 1.85 :1 – Encodage AVC – Son : DTS-HD Master Audio 1.0 Anglo-Espagnol, Espagnol & Français – Sous-titres : français – Couleurs et Noir & Blanc – Thriller – Espagne – Durée : 111 min

COMPLÉMENTS

Présentation du film par Fabrice Du Welz (5 mn – HD)

Qui peut tirer sur un enfant ? (16 min – 1080i – upscale HD)

Le Metteur en scène des enfants (9 min – 1080i – upscale HD)

Narciso Ibanez Serrador vu par… (27 min – 1080i – upscale HD)

Histoires du cinéma fantastique espagnol (28 min – 1080i – upscale HD)

Bande-annonce 2020 (HD)

Sortie le 16 septembre 2020 – Prix indicatif public : 25€

Regarder le cinéma de Pema Tseden, c’est se plonger dans la culture tibétaine, loin des simplifications et des lieux communs que l’on pourrait trouver ailleurs sur ce sujet. Pema Tseden cherche, depuis des années, à façonner un septième art typiquement tibétain qui refléterait la culture de son pays. C’est le cas de son sixième film, Jinpa, un conte tibétain, qui nous entraîne entre onirisme et réalisme social. Le film est à découvrir en DVD chez ED Distribution.

Amateurs d’un cinéma exotique, amoureux de films provenants de pays que l’on voit rarement sur nos écrans, Jinpa, un conte tibétain est pour vous : nous voici dans un film tibétain. L’occasion est suffisamment rare pour avoir envie de sauter sur le cinéma de Pema Tseden, dont ED Distribution édite plusieurs films : non pas un film qui présentera un Tibet vu de l’extérieur, avec les habituels lieux communs sur le sujet, mais bel et bien la vision d’un cinéaste tibétain sur son pays.
N’ayons pas peur de l’admettre : à moins d’être un spécialiste de la culture tibétaine, bien des aspects de Jinpa, un conte tibétain nous sembleront obscurs. On sent bien qu’ici ou là, il y a un symbole important, peut-être une allusion sociale ou mythologique qui nous échappe. Mais en aucun cas cela n’est un frein pour savourer le film.
Si l’on pouvait situer Jinpa par rapport à des cinéastes que l’on connaît mieux, il serait possible de le placer entre Abbas Kiarostami et Apichatpong Weerasethakul. Le film tibétain possède à la fois l’aspect de réalisme social du premier et le côté spirituel du second.
L’histoire est celle d’un voyage et d’une rencontre (canevas hautement mythologique s’il en est). Le protagoniste est un camionneur qui parcourt une route dans le haut plateau du Kekexili, au Nord-Ouest du Tibet. Cela permet au réalisateur de planter son film dans un décor réel, un lieu désertique battu par les vents, et en même temps de lui donner une atmosphère irréelle grâce à la mise en scène. Souvent, le décor lui-même semble disparaître, et le camion paraît avancer au milieu du vide. Les changements météorologiques eux-mêmes se font de façon tellement abrupte, passant sans prévenir d’un monde de tempête à un décor éblouissant de soleil, que cela contribue également à cette atmosphère étrange.
Et voilà que, dans un moment d’inattention, le routier écrase un mouton dont la présence ici paraît hautement improbable. En effet, à perte de vue, pas le moindre troupeau. Ce mouton sera comme une obsession pendant la première partie du film. Il sera presque constamment à l’écran, comme un personnage à part entière. Quelquefois, la caméra adoptera même le point du vue du mouton mort.

Dans ce monde de silence (les premiers mots prononcés arriveront autour de la quinzième minute seulement) et de vide, les moindres détails se parent tout de suite d’une importance capitale. Le moindre oiseau qui s’envole retient l’attention. Quant à l’apparition soudaine d’un homme marchant sur la route, elle interpelle immédiatement (d’autant plus que, là aussi, la quasi disparition du décor confère à cette apparition une aura mystique).
Accompagnant notre camionneur, ce vagabond avoue très vite qu’il s’en va dans un village “voisin” (voisinage tout relatif dans une région où les zones d’habitations sont aussi dispersées) assassiner un homme. Un meurtre d’honneur pour se venger de celui qu’il tient pour responsable de la mort de son père et qu’il a cherché pendant dix ans.
Cette rencontre va être marquée par la mort, et par l’identification des deux personnages. Cette identification commence par les prénoms, puisque le routier et le vagabond s’appellent tous les deux Jinpa. Elle se poursuivra, au fil du film (surtout dans sa seconde moitié) dans le monde onirique, le routier étant petit à petit envahi par les images spirituelles du vagabond.
La mort aussi est présente, très vite. Elle est dans les propos du vagabond, mais aussi dans la façon de filmer leur rencontre, le cadavre du mouton se plaçant constamment entre les deux hommes.
Une fois de plus, c’est la réalisation qui apporte au film un surplus de signification et de symbolisme. Cela n’empêche pas le film de dresser aussi un portrait social du Tibet (nous suivrons notre routier dans différentes communautés, depuis le monastère jusqu’à la taverne). L’importance de la religion et des monastères, un rapport différent entre l’homme et la nature, l’existence de différentes tribus et de divers rapports avec les traditions (le routier étant résolument moderne, avec ses lunettes de soleil et sa veste en cuir, là où le vagabond semble au contraire plus respectueux des traditions), de nombreux sujets sont abordés.
Enfin le rythme du film, très lent et contemplatif, favorise ce mélange entre description sociale et ouverture à l’onirisme.

Le principal complément de programme présenté avec l’édition DVD est des plus intéressants. Il s’agit d’un entretien avec le réalisateur Pema Tseden, à l’occasion du 25ème festival international des cinémas d’Asie de Vesoul, en février 2019. Le réalisateur y revient sur sa carrière : d’abord instituteur, puis traducteur tibétain-chinois, puis enfin écrivain et cinéaste (il est l’auteur d’une des deux nouvelles qui ont servi de matériaux de base pour le scénario de Jinpa). Mais il parle surtout du cinéma tibétain, une industrie quasi inexistante dont il est l’un des pionniers. Il explique à quel point il est difficile de devenir cinéaste lorsque l’on est Tibétain, puis il raconte les obstacles auxquels sont confrontés les courageux Tibétains qui veulent faire des films chez eux : quasi-absence de techniciens, difficulté à trouver des financements, etc.

“Le cinéma, ça n’existe pas dans la culture tibétaine. Il n’y a pas de marché ni d’industrie du film (…). Chercher des financements pour du cinéma au Tibet, réaliser des films de qualité au Tibet, c’est très difficile.”

Même s’il ne parle pas du film Jinpa en particulier, cet entretien d’une demi-heure est passionnant car il offre une vision unique sur un sujet dont on parle peu.
Les deux autres compléments sont plus classiques : il y a le clip de la chanson du film, A Butcher on the praying wheel path, du groupe Tibetan patients (clip réalisé avec des images du film) et les bandes annonces de trois films parus récemment chez Ed Distribution : Tharlo, le berger Tibétain (de Pema Tseden), Le Labyrinthe des rêves, du Japonais Sogo Ishii, et Pursuit of loneliness, de Laurence Thrush.

Caractéristiques du DVD :
Durée : 86 minutes
Langue : tibétain
Sous-titres français
Format 16/9 compatible 4/3
Son stéréo 5.1
Compléments de programme :
Interview du réalisateur, Pema Tseden par Phurwatsering Jakri (33 minutes)
Clip de la chanson A Butcher on the praying wheel path, du groupe Tibetan Patients
Bandes annonces

Jinpa, un conte tibétain : bande annonce