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Avec M is for Monster, Talia Dutton redonne vie au mythe de Frankenstein à travers une fable intime et sensorielle sur la perte, l’identité et la tolérance. Publié aux éditions Delcourt dans la collection « Waves », ce roman graphique de 224 pages aborde la science comme un langage de l’amour et du deuil, et rappelle que le véritable miracle n’est pas tant de recréer la vie mais plutôt d’accepter ce qu’elle devient.

Frances et Maura sont jumelles, miroirs l’une de l’autre, deux esprits unis par la passion des sciences. Jusqu’au jour où une expérience tourne mal : Maura meurt, laissant Frances seule face à l’inimaginable. Alors la scientifique se transforme en démiurge. Dans son laboratoire, elle s’acharne à recréer sa sœur. Et un jour, l’impossible se produit : Maura se réveille. Ou plutôt… quelque chose qui lui ressemble.

Ce n’est pas tant la scène de résurrection qui fascine ici – nous la connaissons depuis Mary Shelley, et même Tim Burton l’a revisitée – que ce qui vient après : la lente et douloureuse prise de conscience que la créature n’est pas l’original. Ce que Frances a ramené, c’est M : un être neuf, désorienté, en quête de repères dans un corps et un rôle qui ne lui appartiennent pas. Le spectre de la vraie Maura, apparaissant parfois dans un miroir, l’aide à composer, à tricher, à imiter. Mais plus M tente de ressembler à son modèle, plus elle s’éloigne d’elle-même. Elle est sur une corde raide, hésitant entre authenticité et conformité aux attentes.

Talia Dutton, avec une grande finesse, déplace le centre de gravité du mythe : ici, le monstre n’est plus une créature maudite, mais une personne qui cherche simplement à être aimée pour ce qu’elle est, et non pour ce qu’on attend d’elle. M is for Monster devient alors une allégorie de toutes les identités contrariées, de tous les êtres qui doivent se recomposer pour survivre au regard d’autrui. En cela, l’ouvrage s’inscrit dans la lignée des réinterprétations contemporaines du mythe – nombreuses ces derniers mois – qui déplacent la question de la monstruosité vers celle de la différence, voire de la tolérance.

Le trait de Dutton, épuré et organique, use d’une palette restreinte : des verts délavés, des gris profonds, des blancs laiteux qui semblent flotter dans une atmosphère électrique. Cette gamme chromatique, presque monochrome, évoque à la fois la froideur des laboratoires et la moiteur des cauchemars. Les coutures qui parcourent le corps de M sont quant à elles plus que de simples stigmates : elles deviennent la métaphore, le signe distinctif des liens qui contraignent, des identités qu’on assemble tant bien que mal pour paraître “entière”. 

Mais au-delà de la maîtrise visuelle, ce qui touche, c’est la dimension profondément humaine du récit. Frances, plus proche de la sœur endeuillée que du savant fou, incarne cette part de nous qui voudrait figer l’amour dans la permanence. Son obsession tient à un refus : celui qu’elle exprime face à la mort et au changement. En face, M s’émancipe lentement, à la fois par instinct de survie et par désir d’exister pour elle-même. Ce face-à-face – celui de la créatrice et de la recréée – finit par ressembler à une conversation entre deux parts d’un même être : celle qui s’accroche au passé et celle qui accepte, parce qu’elle la campe, la métamorphose.

En revisitant avec talent Frankenstein, Talia Dutton accomplit ce que Shelley elle-même entrevoyait : que le véritable monstre naît moins de la science que de l’incapacité à aimer. Sa créature, elle, ne réclame pas vengeance mais reconnaissance. Et tout l’ouvrage va s’articuler autour de cela, peut-être même de façon un peu trop convenue. C’est le principal reproche que l’on fera à M is for Monster.

M is for Monster, Talia Dutton
Delcourt, 22 octobre 2025, 224 pages

Dans ce deuxième tome de La Mécanique, Kevan Stevens et Jef continuent de faire grincer les rouages d’un monde à bout de souffle. Le Major perd pied, les Invisibles affrontent la secte de Ganz, Saphir pactise avec les triades et Vananka est hanté par la disparition d’Isabelle. Tout s’emballe, tout s’épuise. La Mécanique, comme son titre l’indique, ne tourne plus rond.

La cité étouffe sous un soleil toxique, les ruelles grouillent de trafics et de milices improvisées, et la frontière entre ordre et désordre est plus poreuse que jamais. Le maire, figure autoritaire et corrompue, déclenche une vaste opération de « nettoyage » urbain pour éradiquer la nouvelle drogue de synthèse qui ravage la population. En parallèle, sa fille Saphir cherche désespérément son frère disparu, déclenchant une traque où les sentiments n’ont plus cours.

Partant, dans ce tome 2, on continue d’explorer la désintégration du lien social à travers des personnages en perdition, prisonniers d’une société mécanique où la violence est devenue réflexe. Vananka, silhouette tourmentée, erre dans ce cauchemar futuriste à la recherche d’une vérité qui se dérobe sans cesse. L’amour, la foi, même la simple survie constituent rien de plus que des fragments épars dans un système déjà en ruine.

La dystopie est ici une matière vivante, mouvante, presque organique. La ville imaginée par Jef semble respirer par ses égouts et ses néons, suinter par ses façades lépreuses. Ses dessins atteignent un équilibre rare : à la fois d’une précision clinique et d’une brutalité crasse. On pense à Blade Runner pour la densité visuelle, à 1984 pour la paranoïa rampante, à Métal Hurlant pour la rage graphique – mais Jef impose désormais une signature qui lui appartient. Ses planches incarnent la folie du monde qu’elles représentent.

Kevan Stevens, de son côté, complexifie la narration. Les intrigues s’entrecroisent, se télescopent, parfois au risque de perdre le lecteur. Les ellipses, souvent abruptes, participent de ce vertige narratif : dans La Mécanique, la cohérence s’effrite comme les certitudes des personnages. Sous la fureur se creuse un sillon plus intime, presque métaphysique. Chaque personnage cherche une échappatoire, à la drogue, au pouvoir, à la mémoire, mais se heurte à la même impasse : un monde sans tendresse, presque éteint, où même la révolte semble codée d’avance. La Mécanique tourne, indifférente, et broie les êtres.

Ce deuxième tome confirme que Stevens et Jef maîtrisent parfaitement leur vision : une fresque nihiliste, dense et viscérale, qui réinvente à sa manière le cyberpunk à la française. Il faudra sans doute relire l’ensemble une fois la série achevée, pour en mesurer toute la cohérence souterraine. En attendant, La Mécanique reste ce qu’elle promettait d’être : un OVNI graphique et narratif, une plongée sans oxygène dans les entrailles d’un futur qui, hélas, ressemble déjà trop au nôtre.

La Mécanique : Chamka, Kevan Stevens et Jef
Soleil, octobre 2025, 80 pages

Sous le vernis d’une aventure souterraine inspirée de Jules Verne, Satanie (rééditée chez Soleil dans la somptueuse collection Métamorphose) se révèle bien davantage qu’un simple voyage au centre de la Terre. Fabien Vehlmann et Kerascoët y creusent le mythe de l’enfer, mais surtout celui de l’âme humaine, dans une odyssée onirique et charnelle où la couleur devient langage et le vertige, une forme de révélation. 

Il y a dans Satanie quelque chose qui tient de la fable inversée, un Orphée de l’abîme qui ne remonte pas vers la lumière mais s’abandonne aux ténèbres pour y chercher la vérité. Charlie s’y jette corps et âme, littéralement, à la poursuite de son frère disparu. Ce dernier, prénommé Constantin, est un spéléologue quelque peu illuminé désireux de prouver que l’Enfer n’est pas une invention métaphorique, mais bel et bien une réalité tangible : une humanité parallèle, née sous terre, descendante mutée de nos ancêtres préhistoriques. L’idée, follement darwinienne, pourrait faire sourire si elle ne débouchait pas sur une aventure haletante.

Car très vite, l’expédition se transforme en épreuve. Piégée par la crue, la petite troupe s’enfonce toujours plus bas, au propre comme au figuré. Dans ce gouffre sans retour, la foi s’effrite, la raison vacille, les corps et les esprits tendent à se déliter. Ce que Fabien Vehlmann met en scène, ce n’est pas seulement un périple scientifique, mais aussi une traversée intérieure, de nature à mettre à nu la psyché des protagonistes. Charlie affronte à ses propres démons : ceux de la perte, de la culpabilité, de la fascination fraternelle. Parallèlement, l’abbé Montsouris, compagnon d’infortune relativement paradoxal, tente de baptiser les ténèbres au nom de Dieu.

On pense à Dante, bien sûr, mais aussi à The Descent pour sa tension claustrophobe. Fabien Vehlmann, lui, tisse son enfer à la croisée du mythe, de la science et du rêve. Il y a de la philosophie sous cette aventure en apnée, une réflexion ironique sur la foi, l’évolution et les monstres que l’on enfante quand on cherche trop obstinément la vérité. Mais ce vertige serait lettre morte sans le travail graphique des Kerascoët (Marie Pommepuy et Sébastien Cosset), dont l’art donne ici sa pleine mesure. Leur dessin s’ouvre peu à peu sur des visions d’une ampleur hallucinée. Les formes se gonflent, se métamorphosent, et la couleur devient le véritable habit de la narration. Tout est organique, mouvant, presque sensuel : les créatures aux allures de démons cornus, les prairies souterraines, les bestiaires improbables…

L’album parvient à concilier les contraires – horreur et émerveillement, philosophie et aventure pulp, humour et tragédie. La tension narrative ne faiblit pas : le lecteur va de découverte en découverte, et lorsque vient la dernière planche, tout paraît à la fois accompli et suspendu.

Rééditée dans un format intégral de 128 pages, Satanie confirme la pertinence de la collection « Métamorphose » de Soleil, qui se plaît à accueillir des œuvres hybrides, à la fois exigeantes et sensorielles. C’est un album sur la quête, sur le lien fraternel, sur la tentation de sonder ce qui se cache sous la surface (de la terre comme du cœur humain). Une œuvre totale, hypnotique, imparfaite, mais qui laisse le lecteur ébloui.

Satanie, Fabien Vehlmann et Kerascoët 
Soleil, octobre 2025, 128 pages

À mesure que Ruri découvre de nouveaux pouvoirs, elle se heurte à d’autres formes de turbulence : non plus celles, spectaculaires, de la métamorphose, mais celles, plus subtiles, des liens humains. Ce second volume de Ruridragon confirme la force tranquille d’un récit d’apprentissage où l’extraordinaire sert avant tout de loupe au quotidien. 

Il fallait s’y attendre : après les cornes et le feu vient l’électricité. En plein cours, Ruri déclenche involontairement une décharge, un nouveau signe de son héritage draconique. Mais là où d’autres mangas en profiteraient pour embrayer sur l’action ou le spectaculaire, Masaoki Shindo poursuit son exploration du banal habité par le fantastique. Ruri n’apprend pas à se battre : elle apprend à se connaître. À apprivoiser son corps, ses réactions, ses maladresses. Le dragon est ainsi avant tout une figure d’éveil.

Dans ce deuxième tome, la jeune héroïne s’exerce à dompter ses pouvoirs comme on apprivoise une émotion : avec hésitation, parfois avec peur, souvent avec lassitude. Les cornes, le feu, l’électricité deviennent autant de langages intérieurs, d’expressions involontaires d’une personnalité en formation. Et si ses camarades oscillent entre fascination et moquerie, c’est surtout le miroir de l’adolescence ordinaire : ce moment de la vie où tout le monde change, mais où chacun croit être le seul à le faire – et se croit autorisé à commenter la mue des autres.

L’intrigue s’attarde cette fois sur un détail à première vue anodin : une camarade de classe qui l’évite. Le malentendu est révélateur : ce n’est pas la différence de Ruri qui dérange, mais son indifférence. Elle ne retient pas les visages, ni les prénoms, non par mépris mais par distraction, enfermée dans son propre monde. Shindo capte ici une vérité fine : la différence n’isole pas toujours par rejet, parfois simplement par manque d’attention.

La relation entre Ruri et sa mère gagne quant à elle en relief. Ce lien, déjà singulier dans le premier tome, s’approfondit autour d’une complicité maladroite mais sincère. La mère n’enseigne pas seulement la maîtrise des pouvoirs, mais un certain rapport à soi : une pédagogie douce, presque stoïque, qui refuse la dramatisation devant ce nouveau statut de créature hybride un peu déconcertant. Dans cette économie d’effets, l’auteur excelle : une conversation de cuisine, un geste tendre suffisent à dire ce que bien des récits crieraient.

Ce deuxième tome confirme la promesse du premier : Ruridragon est moins une série fantastique qu’un portrait d’adolescente à fleur de peau, où le surnaturel sert d’éclairage discret à l’apprentissage du monde et des autres. Une œuvre d’une grande pudeur, qui murmure plutôt qu’elle ne rugit – et c’est à souligner quand il s’agit de… dragon.

Ruridragon (T02), Masaoki Shindo
Glénat, 22 octobre 2025, 192 pages

En passant de Neptune, la géante des confins à Vénus, la fournaise acide, la collection « Système solaire » des éditions Glénat poursuit son voyage d’une planète à l’autre. Sous la plume de Bruno Lecigne, secondé par Federico Dallocchio, Afif Khaled et Xavier Dujardin, cette épopée graphique transforme la vulgarisation scientifique en odyssée métaphysique. Deux tomes, deux mondes : l’un bleu de froid, l’autre jaune de brûlure – et, entre les deux, le même vertige de l’esprit humain face à l’univers.

Depuis le premier volume, Système solaire ne cesse de décrire les planètes. Mieux : de les habiter par la pensée. À bord d’un vaisseau où se mêlent scientifiques terrestres et explorateurs extraterrestres, chaque album déploie une mission comme un chapitre de l’aventure humaine elle-même : celle de la connaissance, de la mesure, du sens. Bruno Lecigne a le talent rare de faire parler la science sans l’assécher, de faire sentir la logique des chiffres et des lois physiques dans un même souffle narratif.

Avec Neptune et Vénus, la collection atteint une forme de symétrie parfaite : deux extrêmes du spectre solaire. Neptune, reine des confins, planète du vent et du bleu spectral. Vénus, sœur infernale de la Terre, planète de soufre. Deux faces d’une même question : qu’est-ce qu’un monde possible ?

Neptune

Le tome Neptune glisse vers une contemplation presque méditative : à 4,5 milliards de kilomètres du Soleil, la huitième planète semble n’être plus qu’un battement d’atmosphère. On y apprend que Neptune, géante d’hydrogène, d’hélium et de méthane, abrite les vents les plus rapides du système solaire – plus de 2 000 km/h –, et qu’elle tourne sur elle-même en 16 heures seulement.
Son climat est un tumulte de tempêtes sombres, de grands vortex éphémères que les sondes Voyager et Hubble ont surpris comme des visages mouvants.
Sous cette enveloppe se cache un monde violent et paradoxal : le manteau de glaces chaudes et d’hydrocarbures s’y tord sous des pressions monstrueuses, et le champ magnétique, incliné de 46°, semble danser sur un axe fou.

Vénus

Avec Vénus, la série quitte les ténèbres glacées pour plonger dans la lumière la plus crue. Deuxième planète à partir du Soleil, jumelle de la Terre par sa taille (95 % de son diamètre, 80 % de sa masse), Vénus incarne un paradoxe : celle qui aurait pu être une autre Terre est devenue l’enfer du système solaire.

Les auteurs nous guident à travers une atmosphère 93 fois plus dense que la nôtre, écrasée par une pression équivalente à celle des abysses, et saturée de dioxyde de carbone (96,5 %), de soufre et de nuages d’acide sulfurique.
Sous ce couvercle d’or et de feu, la surface brûle à 460 °C.
La lumière solaire, presque entièrement réfléchie (seuls 5 % des rayons atteignent le sol), baigne un paysage désertique de roches noircies, de plaines jeunes et de volcans géants – 167 dépassant les 100 km de diamètre.

Et pourtant, Vénus fut peut-être un jour hospitalière. Des études récentes évoquées dans la BD rappellent que son atmosphère primitive aurait pu contenir de l’eau, avant qu’un effet de serre incontrôlable ne la condamne. Cette bascule d’un monde vivant à une planète morte donne au récit une gravité quasi tragique. On comprend alors ce que veut dire un des personnages : « Quand on voit Vénus, on se dit qu’il suffit d’un rien pour qu’une planète habitable se transforme en enfer. »

Science et sens : deux langages en harmonie

Les dialogues et les cartouches traduisent la précision du savoir sans jamais l’alourdir, car l’ensemble passe à la moulinette de la narration fictionnelle. Visuellement, Dallocchio, Khaled et Dujardin réussissent à rendre visible l’invisible. Le bleu de Neptune y a la densité d’un rêve sous-marin ; le jaune acide de Vénus, la chaleur suffocante d’un four céleste.

La force de « Système solaire » tient dans sa capacité à faire dialoguer la science contemporaine avec le récit d’exploration. Chaque volume est autonome mais s’emboîte dans une architecture encyclopédique où les mondes s’éclairent les uns les autres. On sort de ces lectures avec un double sentiment : celui d’avoir appris et celui d’avoir regardé plus loin – avec la possibilité, en sus, d’en apprendre davantage dans les dossiers didactiques de fin d’album.

Tome 5 : Neptune, la géante des confins, Bruno Lecigne et Federico Dallocchio
Glénat, 22 octobre 2025, 64 pages

Tome 6 : Vénus, la fournaise acide, Bruno Lecigne, Afif Khaled et Xavier Dujardin
Glénat, 22 octobre 2025, 64 pages

Dans ce préquel de sa série culte, Lapuss’ remonte aux origines du mal, c’est-à-dire au moment précis où un chat a ouvert les yeux sur le monde, s’est rendu compte que sa mère était « une vraie mocheté », et que l’humanité tout entière méritait d’être dominée. Avec son humour féroce et sa tendresse vacharde, Putain de chat rejoue la création du monde version litière et sarcasme.

Le trait est noir, rond, minimaliste. Mais sous cette simplicité s’abrite une comédie féroce de la cohabitation. Lapuss’ a le don de rendre philosophiques les trivialités félines. Ses chats parlent cru, pensent fort et se prennent, comme tout bon animal domestique, pour le nombril du monde. C’est d’ailleurs la grande révélation du livre : on ne vit pas avec son chat, on vit chez son chat. Tout le reste découle de ce renversement fondamental de la hiérarchie des espèces.

Dans ce préquel, on découvre Moustique, chaton noir au regard de plomb et à la langue bien pendue, qui commente tout, observe tout, juge tout – surtout les humains. D’entrée de jeu, Lapuss’ frappe fort : « Bon bah, premier constat : ma mère est une vraie mocheté. » La tendresse, ici, se dit dans le rejet. C’est la loi du chat : mépriser d’abord, aimer ensuite, mais de façon discrète et conditionnelle.

À travers ces petits dialogues ciselés, Lapuss’ invente une métaphysique du quotidien. Le rire jaillit de la disproportion entre la petitesse des situations et la gravité du ton. Qu’un chat découvre la défécation, et c’est une révélation cosmique : « J’ai découvert un truc ! Quand je me concentre et que je pousse fort, il se passe quelque chose que je comprends pas… » – avant qu’un autre, plus pragmatique, s’écrie : « Mec, t’es un putain de distributeur de friandises !!! » Ce mélange d’émerveillement naïf et de vulgarité assumée résume parfaitement l’esprit Lapuss’ : le comique naît du contraste entre l’innocence animale et la bêtise humaine.

Les scènes s’enchaînent, chacune comme une bulle de vérité sur la cohabitation forcée. Dans l’appartement, tout devient territoire, enjeu, bastion : le canapé, la boîte en carton, la baignoire, le lit. Rien n’échappe à la loi féline. Quand l’humain croit posséder un objet, le chat, lui, le revendique aussitôt : « Ouais, il m’appartient maintenant. Ainsi que les draps, la couette et le tapis. » Le comique vient de cette guerre d’usure permanente entre la logique du confort humain et celle du chaos félin.

Mais sous le sarcasme, Lapuss’ distille une vraie tendresse. Moustique n’est pas qu’un râleur ; il incarne aussi cette mélancolie du chat, être libre condamné à la captivité. « J’ai des sentiments un peu contradictoires avec mon humaine », confie-t-il à un congénère dodu nommé Chamallou. « D’un côté, j’ai envie de lui dévisser la tête et m’en servir comme pot à vomi. Mais elle s’occupe bien de moi, alors je me sens un peu coupable. » On ne saurait mieux résumer la condition de tout animal de compagnie, et peut-être même celle de l’amour moderne : un mélange d’agacement, de dépendance et de remords.

L’humour de Lapuss’ tient aussi à sa langue. Les jurons fusent comme des miaulements, jamais gratuits, toujours justes. Il y a dans ce « putain de chat » quelque chose qui relève de la tendresse blasphématoire qu’on réserve aux êtres qu’on adore malgré soi. Et quand un chat déclare, l’air grave : « Je peux venir dormir aussi ? » avant de se faire rembarrer par un compère – « Barre-toi, boloss ! Tu vois bien que l’Airbnb est complet ! » –, c’est tout le génie de l’auteur qui éclate : un humour contemporain, ultra-vivant, qui parle autant à ceux qui ont un chat qu’à ceux qui en ont été victimes.

Graphiquement, le noir et blanc renforce la mécanique du gag : pas d’artifice, juste des formes épurées, un humour rythmé comme un strip américain et dialogué à la Audiard. Chaque case est une mini-pièce de théâtre, chaque bulle un aphorisme de mauvaise foi. Sous ses airs de cartoon simple, Putain de chat est un traité d’observation comportementale : Lapuss’ capte le moindre tic, le moindre non-sens de la vie domestique, et les transforme en scènes d’une lucidité hilarante.

Et puis, il y a ce ton si rare : le désespoir doux, l’absurde tendre. Quand deux chats se demandent pourquoi leur espèce n’a pas encore pris le pouvoir sur Terre, la réponse fuse, définitive : « Giga flemme. » 

Ce préquel n’a rien d’un simple retour aux origines. C’est une redécouverte du monde à hauteur de moustaches. En lisant Putain de chat, on rit, bien sûr, mais on se reconnaît aussi dans cette humanité qui croit domestiquer, alors qu’elle ne fait que… servir.

Putain de chat, Lapuss’ et Tartuff
Éditions Marabulles (Marabout), octobre 2025, 64 pages

On croyait tout connaître du monde cubique de Minecraft : ses blocs, ses biomes, ses dragons, ses créatures hostiles… jusqu’à ce que MOBS vienne, album après album, en renverser la perspective. Sous la plume complice de Frigiel et Piratesourcil, et le trait facétieux de Pierre Waltch, les monstres, ces silhouettes que l’on massacre distraitement à coups d’épée, se découvrent une vie intérieure, un humour, et même un cœur…

Ici, les Endermen se rêvent poètes, jardiniers ou éducateurs, quitte à transformer l’End en garderie dimensionnelle incontrôlable. Les Zombies, eux, se découvrent un goût pour la convivialité ou la bataille de boules de neige (jusqu’à ce que l’un d’eux prenne la chose trop à cœur). Même le Dragon de l’End, monstre suprême du jeu, fait l’objet d’une attention florale et délicieusement ridicule : il fallait oser le gag du cracheur de feu rentrant dans son antre pour découvrir son territoire « décoré » maladroitement.

Chaque planche se présente comme une petite fable autonome – un rire par situation, un retournement par page – mais l’ensemble compose un tableau drolatique du quotidien des créatures. MOBS n’imite pas Minecraft : l’univers carré du jeu devient le miroir facétieux de nos petites vanités modernes : quête de sens, désir de reconnaissance, peur de l’ennui ou de la routine.

Pierre Waltch conjugue parfaitement lisibilité et expressivité : ses personnages, pourtant réduits à quelques cubes articulés, explosent de mouvement. Les expressions passent par un simple pli du rectangle, un effet de vitesse ou un silence parfaitement cadré. Le dessin évoque parfois l’esprit des Looney Tunes ou du Petit Spirou, mais transposé dans un monde de texture 8-bit. On retrouve le rythme millimétré de la BD d’humour franco-belge : chute, silence, rebond, avec cette teinte numérique qui en modernise le souffle.

Et dans cette orchestration de gags, Frigiel et Piratesourcil jouent de la connivence : on rit parce qu’on connaît les mécaniques du jeu, mais aussi parce qu’on y reconnaît quelque chose de nous. Un Enderman qui se plaint de sa hiérarchie, un Zombie qui découvre la téléportation comme gadget pratique, un aventurier malmené par sa propre curiosité… autant de situations qui empruntent à la fois à la comédie de bureau, au burlesque et au cartoon.

Sous l’humour, il y a autre chose. Quelque chose de cette mélancolie propre aux créatures secondaires, à ces existences codées pour n’être qu’obstacles et qui, ici, deviennent protagonistes. Dans cette idée, qu’un monstre puisse rêver, échouer, ou simplement vouloir un peu de beauté, MOBS trouve une grâce singulière, sans prétention, mais efficace.

Avec déjà quatre tomes derrière lui, l’univers de MOBS a gagné en maîtrise et en densité. Ce cinquième volume s’adresse autant aux jeunes lecteurs qu’aux adultes qui y décèlent, derrière les cubes et les rires, une vraie intelligence comique. Le ton reste léger, mais jamais simpliste. L’humour y côtoie la satire douce, et les situations absurdes cachent souvent une tendresse sincère pour ces monstres mal-aimés. Pas si mal pour une série vite qualifiée d’enfantine. 

MOBS (tome 5), Frigiel, Piratesourcil et Pierre Waltch
Glénat, octobre 2025, 48 pages

Avec ce onzième tome haut en couleurs de Dragon Ball SD, les éditions Glénat nous replongent dans l’un des arcs les plus fascinants et inquiétants de la saga : celui des cyborgs. À travers le regard espiègle et condensé de Naho Ohishi, l’œuvre originelle d’Akira Toriyama revit ici sous une forme ludique mais non moins dense, où la menace du futur s’invite brutalement dans le présent. L’arrivée de Trunks, la maladie de Goku, le réveil du docteur Géro : tout concourt à faire basculer Dragon Ball dans une tonalité plus sombre, presque dystopique.

Après la conclusion passionnante – la meilleure de la saga, selon l’auteur de ces lignes – de l’arc de Namek, on aurait pu croire que l’univers de Dragon Ball se tournerait vers quelque chose de plus léger. Les héros sont revenus, la Terre respire de nouveau, Goku est devenu le Super Saiyan dont Végéta a tant parlé. Et pourtant, à peine Freezer refroidi, un vent de désolation souffle à nouveau sur la planète bleue. 

L’apparition de Trunks, aussi tranchante que son épée, marque en effet un tournant. Il vient du futur, mais d’un futur que personne ne voudrait connaître. Car dans quelques années, le monde ne sera plus qu’un champ de ruines, ravagé par deux cyborgs à la cruauté mécanique. L’intelligence froide de la science dévoyée remplacera alors les monstres extraterrestres. Avec cette annonce, Toriyama (et Ohishi, ici, qui la met en scène avec une certaine fraîcheur graphique) introduit un nouveau type de peur, celle du progrès devenu incontrôlable.

Lorsque les cyborgs 19 et 20 apparaissent, la tension est encore mesurée. Les héros, confiants, s’élancent vers ce nouveau combat avec l’assurance des vainqueurs de Namek. On croit à une menace gérable, presque classique. Mais déjà, des failles se dessinent. Goku, frappé d’un mal inconnu (un virus cardiaque) s’effondre en plein combat. Cette fragilité du héros, si inattendue, confère à l’arc une gravité rare dans la série : le sauveur du monde n’est plus infaillible. La Terre doit faire face sans lui, et l’ennemi, cette fois, ne se limite pas à un seul adversaire identifiable.

Car pendant que Vegeta goûte pour la première fois à l’ivresse du Super Saiyan, le docteur Géro s’échappe. Vieillard à la silhouette famélique coiffé d’un bonnet d’ingénieur fou, il transporte avec lui la menace d’un cauchemar encore plus profond. C’est dans son laboratoire caché que sommeillent les véritables cyborgs, ceux dont Trunks avait parlé : C-17 et C-18. Ce moment, magistral dans sa tension, marque la bascule définitive : le futur annoncé s’incarne dans le présent, et plus rien ne pourra l’arrêter.

Dans Dragon Ball SD – Tome 11, cette séquence prend une saveur particulière. Le format condensé, plus humoristique, n’enlève rien à la gravité du propos. Au contraire : l’écart entre le ton plus léger de SD et le drame sous-jacent crée un effet saisissant. Ce début d’ère “cyborg” est plus qu’un simple enchaînement de combats. C’est une mutation dans la structure même de Dragon Ball. Après les dieux et les démons, Toriyama explore la peur de l’homme face à ses propres créations, la violence née du progrès et l’incertitude du destin…