LeMagduCiné

Wilfrid Lupano, l’un des scénaristes les plus réputés du moment (on lui doit notamment Un océan d’amour et la série Les vieux fourneaux), est ici associé au dessinateur Ohazar qui n’est autre que son frère Rodolphe, pour un album qui présente l’épopée des vikings sous un jour décalé.

L’album se présente sous la forme d’une succession d’épisodes sur une planche, parfois (souvent) découpés en deux parties, la deuxième apportant une sorte de chute humoristique, ou au moins ironique. Il ne s’agit pas d’une simple compilation permettant la parution d’un album de gags en une planche. En effet, organisées en chapitres, les planches respectent la chronologie d’une saison qui voit les vikings partir sur leur drakkar pour piller des contrées plus ou moins éloignées, avant de revenir chez eux. À vrai dire, les chutes de fin de page sont davantage amusantes que franchement hilarantes. Disons qu’elles sont à l’image de ces vikings, pas d’une finesse remarquable. D’ailleurs, le titre ne peut qu’évoquer celui du film : Gorilles dans la brume (Michael Apted, 1988) qui sous-entend le comportement peu civilisé de ces vikings (dans l’album, il est plutôt question de porcs).

Relations hommes-femmes

En effet, Wilfrid Lupano joue des clichés pour présenter ces vikings comme des brutes épaisses dont les femmes sont bien contentes de se débarrasser le temps d’une saison. Observer le comportement de ces vikings met en lumière les habitudes comportementales entre hommes et femmes, ce qui permet une petite évaluation de l’évolution des relations humaines (à faire par les lecteurs-lectrices). Ainsi, les hommes sont avant tout des guerriers qui ne pensent qu’à se battre pour piller les contrées qu’ils abordent et se satisfont de rapporter de leurs expéditions des objets censés plaire à leurs femmes. De leur côté les femmes remettent de l’ordre dans leurs foyers quand les hommes sont partis et elles déplorent le manque de finesse de ces hommes incapables de faire la distinction entre un objet de valeur (pour son esthétisme) et un autre complètement rafistolé, voire répugnant (pour diverses raisons). Par contre, des deux côtés, on commente pas mal tout ce qui se passe.

Les voyages forment la jeunesse

Du côté des hommes, le chef emmène son fils qui vit ici sa première expédition. Un peu naïf et pas vraiment taillé comme un guerrier, il comprend assez mal tout ce qui semble naturel à son père. Celui-ci justifie pas mal de choses par des références religieuses. Il jure souvent, en invoquant les nombreux dieux vénérés par son peuple (Thor, Odin, etc.) Les croyances religieuses sont assaisonnées d’une bonne dose de superstitions qui seront confrontées au christianisme émergeant pratiqué par les peuplades que ces vikings cherchent à piller. Le chef parviendra d’ailleurs à la conclusion que n’avoir qu’un seul dieu présente certains avantages.

Une vision moderne des vikings

L’album passe donc à la moulinette d’une vision moderne (l’album est conçu pour qu’on le sente pensé par des contemporains du XXIè siècle, même si on échappe aux trop classiques références du genre téléphone portable ou informatique), les comportements dans quelques situations typiques. Après la navigation, nous avons l’attaque d’un village, puis celle d’une place forte (avec scènes de combats), puis négociations. Les pratiques religieuses influent sur le mariage : pourquoi et dans quelles conditions le contracte-t-on ? Il n’est évidemment pas sans conséquences sur la vie des uns et des autres. L’album présente donc une sorte de choc de cultures que les auteurs s’amusent à mettre en scène à leur manière : rien ne se passe jamais comme cela devrait. Bien évidemment, en choisissant de l’évoquer sous la forme de scènes en une planche, l’album ne fait son tour de la question que de façon anecdotique. Il ne faut donc pas en attendre une étude poussée et ce, d’autant plus que les auteurs ne se prennent pas spécialement au sérieux, même s’ils font preuve de certaines connaissances.

Retour vers les années 60

Les amateurs de BD ne manqueront pas de faire le rapprochement avec l’incontournable Astérix et les Normands qui voit des vikings débarquer sur une plage non loin du village gaulois qui résiste encore et toujours à l’envahisseur. Bien entendu, l’approche est ici différente (les auteurs évitent intelligemment des situations qui soutiendraient difficilement la comparaison). Mais elle pourra décevoir les inconditionnels de l’humour de Goscinny et du trait d’Uderzo. En effet, le trait est ici assez grossier concernant les personnages (les paysages font nettement plus d’effet, notamment en mer) et surtout l’état d’esprit diffère sensiblement. Goscinny se délectait de jeux de mots (on se souvient des noms des normands, Grossebaf, Batdaf, Caraf, Epitaf, Bathyscaf, Bellegaf, Complètement paf, etc. dans la lignée de son génie) et de quelques situations dont il avait le secret, alors qu’ici le scénario mise surtout sur une sorte d’absurde de situation (tendance british), avec quelques effets répétitifs soulignant une certaine bêtise humaine. Ils ironisent beaucoup sur des stéréotypes de comportement, effet à double tranchant (agacement des féministes qui s’arrêteraient au premier degré, amusement de celles et ceux qui verront l’aspect ridicule de ces comportements). La comparaison des deux albums met en évidence la différence d’état d’esprit entre celui qui faisait mouche dans les années 60 (parution d’Astérix et les Normands dans Pilote, à partir d’avril 1966) et un exemple de celui d’aujourd’hui. Question : lira-t-on encore Vikings dans la brume dans un demi-siècle, sachant qu’Astérix reste un monument de la BD franco-belge ? Gageons que les frères Lupano ne voient pas si loin. Ce qui n’empêche pas de penser sur le (plus ou moins) long terme, puisque d’ores et déjà l’album est présenté comme n°1 d’une série dont l’avenir dira jusqu’à quel numéro elle ira.

Vikings dans la brume, Wilfrid Lupano et Ohazar
Dargaud, mars 2022

Préadolescente à la vie plutôt banale, Zoc présente quand même une vraie particularité, puisqu’elle attire l’eau avec ses cheveux. Qualité ou défaut ? Tout dépend du point de vue. Elle voudrait se rendre utile grâce à cette capacité.

Bien qu’elle ne cherche pas à le cacher, son don a tendance à l’encombrer plus qu’autre chose et Zoc s’agace d’entendre régulièrement le même genre de réflexions. Elle risquerait des ennuis de type scoliose à force de déplacer des quantités d’eau phénoménales. En effet, si elle met ses cheveux (qu’elle arrange sous la forme d’une queue de cheval) en contact avec de l’eau, elle peut traîner ensuite derrière elle quelque chose qui ressemble à une grosse flaque ou même une rivière. On se demande d’ailleurs comment c’est possible physiquement. À vrai dire, c’est le cadet des soucis de la dessinatrice Jade Khoo, qui ne pense pas en termes de crédibilité. Avec son idée, originale, elle présente sa situation de base et avance comme Zoc, son personnage dont la principale question reste : quoi faire de son don pour se rendre utile ?

Le travail de Jade Khoo

À la base, sa spécialité de layout artist est le cinéma d’animation. Son travail l’amène à transformer un storyboard en maquette animée, avec images et textes, objet qui sert en quelque sorte d’intermédiaire avant le film lui-même. Cela se sent sur cet album (son coup d’essai dans le domaine de la BD), qu’on imagine bien adapté ensuite en film d’animation (voir son trailer animé). D’ailleurs, Jade Khoo a participé, en tant que coréalisatrice, au court métrage d’animation Colza (2020). Pour son coup d’essai dans le domaine de la BD, elle montre une belle inspiration, ainsi qu’une qualité de dessins qui fait plaisir à voir : un trait tout en arrondis, qui délimite bien les formes sans trop insister sur les détails qui nuiraient à la clarté générale. Elle se permet notamment une bonne proportion de dessins pleine page qui donnent une vraie respiration à son album et justifient un total de 160 pages. Le texte n’étant pas spécialement envahissant, l’album peut s’apprécier sans qu’on y consacre de longues heures. Et puis, Jade Khoo fait des choix de couleurs toujours agréables, même si certaines de ses planches sont trop claires à mon goût, en particulier sur des représentations de paysages. Le classement en album jeunesse serait simpliste. Ceci dit, le scénario risque de laisser les lecteurs adultes sur leur faim.

Le monde de Zoc

Il me paraît clairement enfantin, avec cette capacité à faire dériver l’imagination vers une tendance au fantastique léger. Ainsi, Zoc fait une rencontre déterminante, en la personne d’un garçon qui émerge à un moment de la quantité d’eau qu’elle traîne derrière elle. Il y a trouvé refuge pour une raison bien personnelle et parfaitement logique dans ce monde. D’ailleurs, son physique nous donne une indication. En effet, ce garçon rappelle Le Petit Prince tel que le dessinait Antoine de Saint-Exupéry. Il ne faut donc pas s’étonner de bizarreries dans le monde de Zoc qui n’a rien de cartésien. Ainsi, dès le début Zoc évoque des châtelets et on se demande s’il s’agit de petits châteaux. Pas du tout, ce sont des personnages particuliers à ce monde imaginaire.

Choix d’une activité professionnelle

Par les thèmes qu’il aborde, l’album incite à la réflexion concernant l’avenir dans lequel un.e jeune lecteur.rice se projetterait. La bonne idée sous-jacente consiste à dédramatiser cette recherche, en la plaçant dans un monde décalé. Très naturellement, Zoc cherche avant tout à se rendre utile avec son don particulier, l’aspect financier restant particulièrement accessoire. La question est quand même posée : Zoc fera-t-elle cela toute sa vie ? Cela vaut pour une réflexion concernant différents critères, quand on se cherche un avenir. Est-ce que la question de la rémunération peut rester éternellement au second plan ? Quelles seront les conséquences d’un choix sur le plan physique ? Dans son monde, Zoc peut se moquer d’une éventuelle scoliose… mais dans la vie réelle ? Enfin, un choix d’activité professionnelle peut avoir des répercussions sur le plan social. On le sent avec Zoc qui risque de devoir assumer de nombreux déplacements. Sera-t-elle suffisamment solide psychologiquement pour le supporter sur le long terme ? Et sinon, aura-t-elle des possibilités de reconversion ? On remarque que Zoc est bien seule pour ce genre d’estimations, puisque son père se contente d’apprécier qu’elle ait trouvé le moyen de s’occuper selon ses aspirations. L’avantage, c’est qu’elle ne subit aucune pression. La question est aussi posée de savoir si elle ne ferait pas que transférer un souci d’un lieu à un autre, ce qui revient à évaluer le bien-fondé de son choix. On remarque, mais très tardivement, l’absence de la mère de Zoc : impossibilité d’un soutien naturel. On sent donc le père (l’homme) un peu désarçonné par l’originalité de sa fille et son besoin de se rendre utile avec un tel don. Pour lui, que Zoc veuille sortir longtemps de la maison dans ces conditions compense le fait que sa grande sœur, elle, soit casanière. On remarque que cette grande sœur gagne sa vie avec une activité bien plus classique et rassurante pour son père. Mais il existe semble-t-il une différence d’âge conséquente entre les deux sœurs (peu évidente sur les dessins). En gros, on sent qu’à son âge, Zoc peut encore se permettre de rêver, ce qui ne sera peut-être plus vrai dans quelques années. Heureuse période de la jeunesse insouciante et rêveuse ! Un point que l’album rend parfaitement.

Zoc, Jane Khoo
Dargaud, mars 2022

La collection « Octopus » des éditions Delcourt s’enrichit d’un nouveau titre intitulé Voyage au centre du microbiote. Comme ses prédécesseurs, et notamment celui s’étant récemment intéressé aux biais cognitifs, l’album fait état des connaissances actuelles portant sur son objet d’étude, le microbiote intestinal.

Peu de gens le savent : dans nos intestins résident 1000 milliards de micro-organismes et 200 millions de neurones. Ces champignons, bactéries, archées ou encore virus représentent en moyenne deux kilogrammes et constituent un second système nerveux, entérique celui-là. Fäst et Héloïse Chochois font état, avec force détails, de la manière dont le microbiote influe sur nos capacités physiques et mentales. Mais aussi, et c’est au cœur de l’intrigue de cet album, les enjeux que représente, pour la médecine, la découverte relativement récente de ce second « cerveau » et de ses effets considérables.

Certaines expressions nous mettent forcément la puce à l’oreille : avoir la rage au ventre, l’estomac noué ou une boule dans le corps. Plus que de simples images, elles verbalisent les interactions constantes entre notre environnement, notre psyché et notre état physique/intestinal. Voyage au centre du microbiote ne brille certes pas pour son récit fictif, prétexte commode à l’énonciation de faits scientifiques qui constituent en réalité l’essentiel de l’album. Fäst et Héloïse Chochois expliquent ainsi que le microbiote varie en fonction de nos origines et habitudes alimentaires – les Japonais ont de quoi digérer plus facilement les algues qu’ils ingèrent quotidiennement, par exemple. Plus loin, ils précisent en quoi le corps est un écosystème et le nerf vague un outil indispensable à sa régulation.

Pourra-t-on un jour prévenir plus avant la maladie d’Alzheimer ou de Parkinson grâce à l’analyse de la flore intestinale ? Comment le microbiote entre-t-il en relation avec les systèmes digestif, immunitaire, endocrinien et nerveux ? Qu’est-ce qu’un traitement symbiotique ? Nombreuses sont les questions traitées dans Voyage au centre du microbiote. Il y a fort à parier qu’elles constituent pour de nombreux lecteurs une forme d’initiation, puisque les micro-organismes intestinaux demeurent, dans une très large mesure, un impensé collectif. Des essais, tels que celui de l’émission radiophonique La Méthode scientifique sur France Culture, ont bien essayé de défricher le terrain, annonçant qu’« il y a un nouveau territoire, un continent qui s’ouvre à la microbiologie : celui du microbiote, cette population de bactéries qui vit en symbiose avec nos organes et qui influent sur notre santé physique et mentale de façon beaucoup plus essentielle que ce que l’on imaginait jusqu’alors ». Mais ces tentatives demeuraient jusqu’ici cantonnées à un public spécifique.

Avec leur album, Fäst et Héloïse Chochois entreprennent un important travail de vulgarisation. Ce dernier est à saluer, même s’il nous apparaît amoindri par une intrigue assez convenue et finalement peu intéressante. Heureusement, elle reste strictement fonctionnelle et n’enlève rien à la teneur didactique de l’ensemble. Avec, en creux, ce cri d’alarme : une baisse continue de la diversité alimentaire entraîne une perte de la biodiversité microbiotique, elle-même porteuse de possibles, et même probables, menaces sanitaires. À méditer.

Voyage au centre du microbiote, Fäst et Héloïse Chochois
Delcourt, avril 2022, 184 pages

Ed Gein, autopsie d’un tueur en série paraît aux éditions Delcourt. Le scénariste Harold Schechter et le dessinateur Eric Powell se basent sur des archives diverses – articles de presse, documents médico-légaux, rapports psychiatriques, témoignages, etc. – pour cette adaptation graphique sondant un serial killer qui a durablement traumatisé l’Amérique.

Ed Gein est une source d’inspiration inépuisable. Harold Schechter et Eric Powell ne s’y trompent pas en donnant la parole, dans les premières pages de leur album, à Alfred Hitchcock, qui s’appuya sur l’ouvrage Psycho de Robert Bloch pour marquer de son empreinte le cinéma au début des années 1960. Norman Bates n’est pas seulement l’un des méchants les plus célèbres du septième art : de ses passions taxidermistes à sa schizophrénie névrotique, il emprunte beaucoup à Ed Gein, le tueur en série autour duquel Robert Bloch a échafaudé le récit de Psycho. Un peu plus tard, ce sont Le Silence des agneaux, avec Buffalo Bill, et Massacre à la tronçonneuse, avec Leatherface, qui se sont tapissés de références au tueur en série du Wisconsin.

Le spécialiste des serial killers Harold Schechter invite le lecteur à une plongée au cœur de la psyché tourmentée d’Ed Gein. Pour ce faire, il remonte à l’origine de ses traumas. « Eddie » voit le jour dans une famille dysfonctionnelle, où un père « subordonné impuissant » finit par s’en prendre physiquement au « tyran domestique » qu’est sa mère Augusta. Cette dernière, mue par une ferveur religieuse mâtinée de psychorigidité, espérait d’abord avoir une fille, puis a malmené son fils en castratrice implacable, avant de le surprotéger face aux prétendus périls moraux qui les environnaient. Ainsi, l’acquisition d’une ferme à Plainfield, dans le Winsconsin, sise à une dizaine de kilomètres du village, sert avant tout à se dérober d’une société en perdition. Page 38, Augusta apparaît surdimensionnée. Elle écrase de tout son corps un Ed Gein soudain miniaturisé et subissant ses humeurs avec une crainte doublée de fascination.

Dessiné élégamment au crayon et en noir et blanc, Ed Gein, autopsie d’un tueur en série s’apparente ainsi, en premier lieu, à une tragédie familiale : un père alcoolique et diminué, une mère tyrannique et bigote, un frère en rupture avec ses proches. Ce dernier point s’objective très vite, par exemple à travers cette citation au sujet d’Augusta : « Elle est de plus en plus tarée. à répéter comme un perroquet ses litanies sur les putes et l’enfer et les damnations. » Ed et Henry, les deux frères, ont des désaccords profonds au sujet de leur mère, puisque le premier l’idolâtre quand le second se détache d’elle à mesure que ses névroses lui apparaissent de plus en plus clairement. Aux heurts familiaux se juxtaposent bientôt les crimes d’Ed Gein et leur résonance dans une petite communauté jusque-là sans histoires. Passé d’un enfant rejeté par ses pairs à un adulte un peu gauche, Ed Gein n’a toutefois rien perdu de sa perméabilité aux théories maternelles. Il voit le péché partout, il se place entièrement sous la coupe d’une mère castratrice – il voudra lui-même s’émasculer, sans toutefois en avoir le courage –, jusqu’à ce que la disparition de cette dernière ne l’amène à sombrer dans une schizophrénie meurtrière.

« Une matriarche à la poigne de fer contrôlant chaque aspect de la vie domestique et de l’affaire familiale. » Une femme qui s’offusque à la vue d’un corps à moitié nu mais qui reste indifférente au massacre d’un chien. Augusta Gein a façonné son fils Ed. Elle l’a plongé dans un état permanent d’immaturité sexuelle et de trouble identitaire. Elle lui a transmis des traits paranoïaques et une haine de la chair. Elle s’est aussi rendue tellement indispensable à l’égard de son fils qu’il en viendra à tuer pour lui trouver des substituts, prélevant sur ses victimes, ou sur des cadavres tirés de leur sépulture, de quoi se créer des costumes et masques en peau humaine – mais aussi des bols, des chaises, etc. En cela, Ed Gein, autopsie d’un tueur en série arbore des scènes d’horreur, certes froides mais parfois insoutenables, très en phase avec le style graphique déployé par Eric Powell.

Dans son étude de caractère, Harold Schechter n’omet pas de portraiturer la communauté de Plainfield, où l’affaire Ed Gein a évidemment fait grand bruit. Cet euphémisme ne dit d’ailleurs rien de la fascination exercée par celui qu’on a depuis surnommé « le boucher ». Le scénariste montre bien les nombreuses histoires qui ont circulé à son sujet une fois ses meurtres éventés, les commentaires ironiques qu’ils ont inspirés, ou la manière dont on a cherché à les exploiter commercialement (par exemple à travers l’exposition de son véhicule). Bien plus abouti que le Edmund Kemper récemment paru aux éditions Glénat, Ed Gein, autopsie d’un tueur en série contient en outre des hommages discrets à EC Comics et une interview passionnante glissée dans son appendice.

Ed Gein, autopsie d’un tueur en série, Harold Schechter et Eric Powell
Delcourt, avril 2022, 288 pages

Avec Pigalle, 1950, publié aux éditions Dupuis, le scénariste Pierre Christin et le dessinateur Jean-Michel Arroyo se livrent à une évocation poétique et nostalgique du Paris des années 1950. Ils procèdent à travers un jeune provincial de dix-huit ans venu des hauts plateaux de l’Aubrac et découvrant, à force de tâtonnements, une capitale l’initiant à la vie.

Le trait est élégant et sophistiqué. Le point de vue épousé est celui d’une jeune homme encore à ses balbutiements, que le Paris des années 1950 va peu à peu déniaiser. Pierre Christin et Jean-Michel Arroyo s’adonnent ainsi à un récit initiatique : Antoine découvre au cours de ses pérégrinations dans la capitale française les métropoles dédaléennes, les néons à foison et même la prostitution. Sa « formation » va passer par la Lune Bleue, l’un des cabarets les plus en vue de Pigalle. Il y effectue des livraisons, puis y réalise des missions temporaires, avant de se fondre dans le décor et d’en découvrir l’envers : les réseaux mafieux, leurs intérêts, leurs mauvais coups, mais aussi toute cette faune, politique, économique ou criminelle, gravitant autour des lieux.

La Lune Bleue est un écosystème singulier. On y trouve un ancien GI reconverti en barman, un homme à tout faire qu’il vaut mieux ne pas défier, une serveuse orpheline, une artiste au magnétisme indicible, un comptable qui ne paie pas de mine et évidemment le beau Beb, gérant dont les activités se situent, au mieux, en zone grise. C’est dans ce contexte que « Toinou » va grandir, gagner en maturité comme en expérience, se faire peur et s’épanouir. Pigalle, 1950 procède beaucoup par métonymie : le Paris initiateur est très vite réduit à un cabaret à double, voire triple fond, où quelque chose de grinçant semble constamment demeurer en suspens. Et pour résumer, on peut rappeler que sa salle s’y confond avec « un mélange de bottin mondain et de registre du grand banditisme du quai des Orfèvres ».

Là-bas, Antoine va connaître un amour brutalement déchu, une initiation inattendue au sexe, la fermeture administrative du cabaret après un règlement de comptes. D’ailleurs, « la fusillade avait fait naître un parfum de danger qui émoustillait les gens ». Si Antoine prend de l’ampleur au cours du récit, c’est avant tout la Lune Bleue qui semble s’arroger le titre de principal protagoniste. C’est par son entremise qu’Antoine va devenir un go-between monnayant des informations sur le trafic de drogues international. Une activité périlleuse, pas la première, mais qui va considérablement altérer son point de vue sur Paris, sans que l’on puisse en dire plus pour ne rien divulgâcher.

Doux-amer, parsemé de références littéraires, Pigalle, 1950 est un très beau roman graphique, basé sur trois portraits qui se déclinent les uns dans les autres : Antoine, Paris et la Lune Bleue. C’est le lien particulier qui les unit tous trois qui donne toute sa saveur à l’album, dont la choralité, la finesse et l’intelligence transparaissent à chaque instant. Comme Gaëlle Geniller dans Le Jardin, Paris (Delcourt), Pierre Christin et Jean-Michel Arroyo démontrent une nouvelle fois la puissance dramatique et suggestive des cabarets. On ne va certainement pas s’en plaindre.

Pigalle, 1950, Pierre Christin et Jean-Michel Arroyo
Dupuis, avril 2022, 152 pages

« La guerre aux deux visages », premier tome du diptyque Cortés, voit le jour aux éditions Glénat. Bien documentés, le scénariste Christian Chavassieux et le dessinateur Cédric Fernandez se penchent sur l’histoire d’Hernan Cortés, conquistador espagnol ayant mis le Mexique en coupes réglées.

Si « La guerre aux deux visages » ne suffit pas à donner à l’Histoire sa pleine mesure, un dossier didactique figurant en fin d’ouvrage permet toutefois d’en prolonger les réflexions. L’album de Christian Chavassieux et Cédric Fernandez s’intéresse à l’expédition mexicaine du conquistador espagnol Hernan Cortés. Ce dernier va s’emparer de l’Empire aztèque à l’aide d’une modeste troupe d’aventuriers, et en seulement 18 mois… Coup de génie ? Cortés, qui alterne les points de vue, tend plutôt à démontrer que le vieillissant Moctezuma, 52 ans au moment des faits, voyait son règne décliner. On complotait dans son dos, on interrogeait ses décisions. L’action d’un Cortés intrépide, qui n’a pas hésité à tourner le dos à son ami et parrain de mariage Diego Vélasquez, alors gouverneur de Cuba, n’est qu’un engrais qui se répand sur un champ déjà fertile.

« La guerre aux deux visages » prend ainsi pour cadre le Mexique du début du XVIe siècle. Les dettes accumulées par la Couronne espagnole poussent Charles Quint à lancer de nouvelles expéditions au cœur du Nouveau Monde. Cortés n’a pas été désigné par hasard. « Tu ne peux pas résister à l’appel de l’aventure », lui lance, tôt dans l’album, sa maîtresse Leonor. Ses interrogations sur le sens moral du conquistador prendront d’ailleurs une résonance particulière au regard de ses futurs mensonges et trahisons. En attendant, trois citations vont permettre aux auteurs de caractériser Hernan Cortés : « Je ne conteste pas le pouvoir de la poudre. Je dis juste qu’elle forme, avec l’apparat et le verbe, une trinité indissociable », puis « Vous ne reviendrez pas seulement chargés d’or, mais couverts de gloire, grandis en sagesse et bénis par l’amour de la sainte Vierge » et enfin « Nous devons d’abord connaître, plutôt que soumettre ».

Tout est là : la stratégie, le pouvoir des mots, les promesses, l’ambition… Il suffit de remonter aux premières vignettes de l’album, éminemment programmatiques, pour comprendre que le conquistador espagnol a de la suite dans les idées. Aidé par Marina, une autochtone qui lui explique comment procéder pour s’emparer des richesses des Mexicas, Hernan Cortés va devoir manœuvrer entre les mécontentements de ses hommes – dont certains veulent quitter l’aventure après les premiers trésors amassés – et les réalités politiques locales, qui impliquent de travailler en bonne intelligence avec des chefs tribaux. Cela est d’autant plus intéressant qu’on voit Cortés capitaliser sur la servitude qui lie les uns aux autres. Ses intentions ne sont pas nobles, mais elles se parent d’un discours fallacieux, faussement émancipateur.

Le principal reproche que l’on pourrait adresser à Cortés est son choix de fondre une histoire si riche en deux albums. Christian Chavassieux et Cédric Fernandez semblent par moments courir après la montre et le lecteur peut se perdre parmi la multitude d’éléments portés à sa connaissance – autant par le dialogue que par l’action. Pour le reste, qu’il s’agisse des dessins somptueux (et joliment colorés) de Cédric Fernandez ou de la restitution équilibrée des situations politiques de l’époque, « La guerre aux deux visages » parvient à un résultat plus qu’honorable. Hernan Cortés est un habile tacticien doublé d’un redoutable combattant, capable de mettre ses hommes au pas quand il ne parvient pas à les convaincre, doté d’une sensibilité et d’une roublardise lui permettant de prendre langue avec chacun tout en avançant ses propres pions. Cela, ce premier tome l’illustre parfaitement.

Cortés : La guerre aux deux visages, Christian Chavassieux et Cédric Fernandez
Glénat, avril 2022, 64 pages

Le scénariste Jean-Charles Gaudin et le dessinateur Steven Lejeune publient aux éditions Glénat le premier tome d’Au nom du pain. On y suit le quotidien de la famille Martineau dans un petit village de la France occupée.

Les trois premiers jours, les Martineau n’ont d’autre choix que de jeter leur production à la poubelle, faute de clients. Nouvellement installés dans le petit village de Saint-Jean, en concurrence directe avec la boulangerie des Durand, Marguerite, Henri et leurs enfants Marcelin et Monique connaissent un petit retard à l’allumage. C’est la suspicieuse Madame Lacore qui finit par inaugurer leur commerce et qui entreprend, par le bouche-à-oreille typique de cette France rurale, de leur amener une clientèle de plus en plus substantielle – au grand dam des Durand.

Au nom du pain accorde une place de choix à la boulangerie. Jean-Charles Gaudin en verbalise les minutieux paramétrages, le choix méticuleux des ingrédients et de leur grammage, mais aussi la manière dont elle structure la vie sociale française des années 1940. Dans ce premier tome, cela se fait sur fond de rivalités commerciales, et avec cette petite musique lancinante : « Malheureusement, il y avait toujours quelque chose qui nous ramenait aux préoccupations du pays… »

Car Saint-Jean voit l’arrivée impromptue des forces allemandes sonner le glas de la vie d’avant. Le village devient dans l’album le symbole métonymique de la France occupée. Une mobilisation générale y envoie d’abord la majorité des hommes hors de la commune, au front. Et en juin 1940, c’est une armée d’occupation qui prend place, avec des conséquences directes qui sont énoncées à travers leurs effets sur la boulangerie : tickets de rationnement, produits en pénurie, locaux réquisitionnés… Même la résistance s’organise grâce à des petits mots codés glissés dans le pain.

Au nom du pain s’enrichit en outre d’intrigues secondaires (les Ardennais accueillis, parfois avec dépit, dans la commune, ou les liens entre le lieutenant Feldberg et Marguerite). Il ne passe pas non plus sous silence les débats qui agitent alors la France, et notamment au sujet de Pétain et De Gaulle. Bien que cantonnés aux seuls points de vue des Martineau, Jean-Charles Gaudin et Steven Lejeune parviennent à livrer un portrait saisissant, et souvent glacial, de la France du début des années 1940, avec ses nouvelles douloureuses provenant du front et ses difficultés à cohabiter avec des Allemands à la fois si éloignés et si proches…

Au nom du pain : Époque 1 : Pain noir (1939-1944), Jean-Charles Gaudin et Steven Lejeune
Glénat, avril 2022, 56 pages