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Polar australien tout droit sorti des abysses de véritables faits réels, The Stranger détonne par son intelligence et son découpage méditatif sur la noirceur de l’âme. Un deuxième long-métrage plutôt impressionnant pour un réalisateur qui mérite toute notre attention.

La première ligne directrice où le film souhaite nous conduire, c’est l’ambiance avec laquelle nous allons cohabiter. Un judicieux mélange entre Twin Peaks et Blade Runner donne comme résultat une certaine oppression aérienne qui se balade entre routes et montagnes, huis clos et non-dits. L’atmosphère est telle qu’elle s’abreuve de chacune de nos respirations, nous forçant à suivre Mark, l’un des personnages principaux dans une série d’inspirations qui deviendra une sorte de mantra pour un homme qui chasse le mal jusque dans ses poumons.

L’histoire démarre sur une banale rencontre entre deux hommes, Henry et Mark. Aux premiers abords, il ne s’agit que d’un homme, pris sous l’aile du deuxième dans ce qui semble être une chance d’expier tous les pêchés grâce à de petites missions castées sous forme d’honneur entre malfrats. Jour après jour, une confiance s’installe et une amitié (parfois embarrassante) s’engraine dans un scénario fignolé de sorte qu’une multitude de questions soient posées.

Petit à petit, le climat s’embourbe dans les profondeurs de leur relation, entre cauchemars et appréhension pour un Mark qui domine son poulain dans une armure de grand gaillard qui en impose. Pourtant un sac de doutes l’habite jusque dans les recoins du sanctuaire familial, où prudence et intimité sont les maîtres-mots. L’éventualité d’un fiasco sur l’objectif premier de cette camaraderie l’oblige à redoubler d’efforts pour éviter la faille sous l’amas de confiance qu’il a créé, soit le jeu dangereux d’un flic infiltré mais une petite pièce sur le grand échiquier de l’Australie occidentale.

La posture de la cigogne

Ce méli-mélo sous forme de poker se dévoile dans un procédé en poupée russe, démantelant un à un les éléments du passé, des débuts au pourquoi d’une rencontre pas si hasardeuse que ça. Henry, petit chiot plein d’insouciance n’est autre que l’accusé principal d’une affaire de disparition d’enfant vieille de huit ans. De là, tout s’éclaire, de l’ombre à la lumière, nos questions trouvent des réponses, et notre pitié antérieure pour un être candide devient source de colère face au mal.

Mark devient instantanément l’élément clé de l’histoire, où son courage et sa retenue sur une fraternité avec l’assassin d’un enfant est à saluer. Dur de constater les conséquences d’une claustration à son propre domicile en présence de son fils, pas plus jeune que le gamin mutilé du rapport ou encore les attouchements scabreux d’Henry après une dure journée de labeur.

Les enjeux sont élevés et malgré l’importante mise en scène, la réussite de la tâche reste incertaine. Au final, jusqu’où peut-on aller pour coffrer le suspect n°1 ?

C’est ce que semble penser Thomas M. Wright qui a de quoi mettre le spectateur dans une position d’incertitudes tant son déroulement se fait crescendo. Et bien que quelques imperfections se glissent ici et là, l’oeuvre est audacieuse et permet au cinéma oserais-je dire de genre, de s’accoupler davantage avec celui du thriller.

Le film, The Stranger de Thomas M Wright, est présenté dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 2022.

Bande annonce :

The stranger : fiche technique

• Titre original : The Stranger
• Réalisation et scénario : Thomas M. Wright
• Musique : Oliver Coates
• Direction artistique : David Ockenden
• Distribution : Sean Harris, Joel Edgerton, Ewen Leslie,…
• Décors : Leah Popple
• Costumes : Marriot Kerr
• Montage : Simon Njoo
• Photographie : Sam Chiplin
• Production : Iain Canning, Joel Edgerton, Rachel Gardner, Kim Hodgert, Kerry Kohansky-Roberts et Emile Sherman
• Sociétés de production : Anonymous Content et See-Saw Films
• Pays de production :  Australie
• Format : couleur
• Genre : drame, policier, thriller
• Sortie : 2022

Présenté à la Semaine de la Critique, le premier long-métrage de Céline Devaux – Tout le monde aime Jeanne – (re)dore le blason (abîmé) de la comédie romantique en prouvant qu’il est possible d’en faire un écrin féministe à la modernité renversante.

Quand Jeanne rencontre(ra) Jean

Faire une comédie romantique réussie n’est pas chose facile. Comment, en effet, éviter les sempiternels clichés de l’homme (sauveur) et de la jeune femme (en mal d’amour). Difficile d’échapper aux normes narratives et visuelles marquées par le traditionnel sceau du male gaze. « A cœur vaillant rien d’impossible » dit-on. Céline Devaux fait sienne cette expression toute faite. Tout le monde aime Jeanne prouve qu’il existe des rom’coms drôles, intelligentes et subtiles. Ces trois adjectifs ne sauraient caractériser la richesse d’une œuvre qui refuse les catégorisations.

Tout le monde aime Jeanne oscille, en effet, entre comédie romantique et drame (familial). Céline Devaux se plaît à brouiller les frontières. Le film emprunte à différentes genres (cinématographiques) tout en s’éloignant des stéréotypes de genre (encore en vigueur dans nombre de comédies romantiques). Jeanne (Blanche Gardin) est une cheffe d’entreprise pleine d’avenir. Son projet en faveur de la protection des océans devrait faire d’elle la « femme de l’année ».

Problème : le concept ne prend pas, faute d’investisseurs suffisants. Menacée par les créanciers, la jeune femme se retrouve alors contrainte de vendre l’appartement légué par sa mère, qui vivait au Portugal. Jeanne s’envole illico presto à Lisbonne dans l’espoir de liquider rapidement l’héritage maternel. Ce synopsis, à première vue, plutôt banal prend une tout autre couleur à l’écran. Car, il est un détail (capital) que nous nous avons omis de préciser.

Quand le dessin animé se fait comédie romantique

Tout le monde aime Jeanne n’est une comédie romantique comme les autres. Céline Devaux entrecoupe la narration par des plans animés (qu’elle a d’ailleurs elle-même dessinés) qui ajoutent, voire accentuent la drôlerie des situations. Ce dessin animé constitue, en somme, la figuration de la conscience de Jeanne. Le public peut, ainsi, en temps réel, découvrir les pensées (interdites) de l’héroïne. Le dispositif engage une réflexion salutaire via le rire qu’il suscite. Les petits bonhommes aux cheveux longs qui peuplent la tête de Jeanne renvoient à toutes les pensées intrusives, culpabilisantes, cyniques et (parfois) bienveillantes que nous échangeons avec nous-même.

Céline Devaux donne corps aux fantasmes de son héroïne. Nous sommes à mille lieues des comédies romantiques classiques où l’intériorité du personnage féminin est (bien souvent) à peine abordée par les cinéastes (masculins). La collusion (retrouvée) entre dedans et dehors renforce le lien entre le public et le personnage. Nous sommes dans la tête de Jeanne. Nous sommes au plus près de ce qu’elle ressent. Les situations auxquelles elle est confrontée entrent en résonnance avec les propres expériences du public.

Tout le monde aime(ra) Céline Devaux

Si Tout le monde aime Jeanne s’apprécie sans modération, c’est aussi en raison de ses truculents seconds rôles. Citons dans l’ordre Jean (Laurent Lafitte) et Vitor (Nuno Lopes) et Simon (Maxence Tual) qui incarnent respectivement les rôles de l’amoureux, de l’ancien amant et du frère de Jeanne. Céline Devaux s’écarte du classique triangle amoureux à la Mary à tout prix (1997). Convoitée, Jeanne n’est, cependant, ni sexualisée ni envisagée comme un objet de bataille entre deux coqs qui voudraient gonfler leurs tableaux de chasse.

A l’instar des comédies romantiques classiques, le rire définit, chez Céline Devaux, la relation amoureuse naissante. La réalisatrice évite, toutefois, l’erreur d’en faire un faire-valoir qui exclurait la parole du personnage féminin. Céline Devaux (s’)impose avec Tout le monde aime Jeanne comme la cinéaste de demain. Avec son style cinématographique inédit, mêlant réalité et fiction, animé et inanimé, la cinéaste ouvre une fenêtre sur l’intériorité d’un personnage de femme aux prises avec un monde dense, aux confins du passé et de l’avenir, du deuil et de l’amour. Une véritable réussite !

Tout le monde aime Jeanne : Bande-annonce

Tout le monde aime Jeanne : fiche technique

Tout le monde aime Jeanne de Céline Devaux est présenté à la Semaine Internationale de la Critique au Festival de Cannes 2022 en séance spéciale.

Scénario et réalisation : Céline Devaux
Interprètes : Blanche Gardin, Laurent Lafitte, Nuno Lopes…
Photographie : Olivier Boonjng
Montage : Gabrielle Stemmer
Production : Sylvie Pialat, Benoît Quainon, Luis Urbano
Société de production : Les films du Worso, O som e a fúria
Distribution : Diaphana Distribution
Ventes internationales : Elle DriverDistribution
Genre  : comédie
Durée : 95 minutes

France – Portugal – 2022

Présenté à la Semaine de la Critique, le troisième long-métrage de Clément Cogitore – Goutte d’or – est une œuvre cinématographique (d)étonnante. Entièrement située dans le quartier parisien dont il porte le nom éponyme, le film évite la radiographie misérabiliste et aborde le sujet de l’immigration avec poésie et subtilité.

 Quand la Goutte d’or devient une héroïne de cinéma

Clément Cogitore est un artiste multiple, à l’aise dans tous les registres, tour à tour plasticien, réalisateur ou encore metteur en scène d’opéra. Son premier long-métrage – Ni le ciel ni la terre – avait fait sensation lors de sa présentation à la Semaine de la Critique en 2015. Le réalisateur s’était ensuite fait plus rare au cinéma, à l’exception du documentaire Braguino sortie en 2017.

Le cinéaste revient en grande forme dans la stratosphère cannoise en présentant son dernier né – Goutte d’or – à la Semaine de la Critique. Clément Cogitore réussit une œuvre dense où la poésie des images côtoie un fort discours politique.

L’intrigue se déroule dans le quartier de la Goutte d’or à Paris. Ramsès (Karim Leklou) est un « mage » de pacotille qui a fait de la voyance un juteux business. Sa clientèle et son succès gênent. Ce dernier fait trop d’ombre aux autres « voyant.e.s » de Barbès. Il est bientôt approché par une bande d’adolescents qui lui demandent de retrouver un certain Saïd, qui s’est fait la malle après avoir dérobé un mystérieux « trésor ». Les choses se compliquent lorsque Ramsès découvre le corps dudit jeune homme dans une benne à ordure. C’est ici que Goutte d’or bascule.

Une chronique filiale et politique

Le film ne constitue en rien une énième chronique misérabiliste sur l’un des quartiers les plus défavorisés de la capitale. Et c’est tant mieux. L’inverse est aussi vrai. Car, Goutte d’or n’est pas une œuvre dégoulinante d’optimisme niais. Le réalisateur brosse le portrait d’habitant.e.s qui se battent pour conserver un business dont ils ne peuvent résolument se passer s’ils veulent nourrir leur famille.

Ramsès en fait partie. Le personnage –comme tous ceux que l’on entrecroise – est, d’une certaine façon, poussé vers l’illégalité en raison des inégalités sociales (et étatiques) qu’il subit du fait de la couleur de peau et de l’origine géographique. Clément Cogitore ose aborder (autrement) un sujet fréquemment galvanisé par les médias et certains partis politiques (et, ce, souvent au mépris de la réalité). Le film aborde, de front, la question du sort que notre société réserve aujourd’hui aux mineur.e.s immigré.e.s, qui tout juste arrivé.e.s en France, se retrouvent livré.e.s à eux-mêmes dans un Paris qui (se) refuse de leur venir en aide.

Les adolescents qui gravitent autour de Ramsès sont, de fait, de jeunes émigrés venus de Tanger à pied. Tous en quête d’une vie meilleure, ces derniers rêvaient de l’Europe comme d’une terre d’accueil qui pourrait les extraire de la misère. C’est pourtant un Eden de cauchemar qui s’ouvre pour ces jeunes rêveurs. Mineurs réduits à dormir dehors, (honteusement) qualifiés de « délinquants » par un système incapables de leur offrir un semblant d’humanité.

Goutte d’or évoque l’histoire d’une double filiation. Si Ramsès devient un père spirituel pour les adolescents, il en est aussi le fils. C’est de la sacralité de ce lien que naît une véritable magie qui transforme la noirceur en lumière, le désespoir en goutte d’or.

Goutte d’or : fiche technique

Le film Goutte d’or, de Clément Cogitore, est présenté à la Semaine Internationale de la Critique au Festival de Cannes 2022 en séance spéciale.

Scénario et réalisation : Clément Cogtore
Interprètes : Karim Leklou, Yilin Yang, Malik Zidi
Société de production : Kazak Productions
Distributeur : Diaphana Distribution
Genre : drame
Durée : 98 minutes

France – 2022

Si je vous parle d’un film d’horreur, filmé en 16 millimètres, et dont l’intrigue se déroule en Cornouailles, vous me direz sans doute que cela n’est pas possible. Pourtant, le réalisateur Mark Jenkin l’a fait. Présenté au Festival de Cannes 2022, à la Quinzaine des réalisateurs, l’œuvre bouscule les idées reçues en matière d’horreur (et de langue cornique !).

Une ode 70’s à la Cornouailles

Alors qu’une vague de chaleur s’abat depuis plusieurs jours, nous avons eu la chance d’aller nous rafraîchir au Théâtre Croisette, en allant découvrir le nouveau film de Mark Jenkin –  Enys Men – sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs. Rétablissons tout de suite un malentendu. Contrairement aux apparences linguistiques, Enys Men ne possède pas la signification qu’on lui prête. Le titre est, en effet, emprunté au cornique – ancienne langue celtique parlée en Cornouailles – et signifie littéralement « L’île des pierres ». Cette précision n’est pas des moindres pour comprendre un film qui ne se laisse pas facilement apprivoiser.

D’emblée, le film (d)étonne par la qualité de son image. Tourné en 16 millimètres, Enys Men assure une esthétique cinématographique 70’s. Si l’on ajoute que l’histoire se situe au printemps 1973, l’on pourra vite conclure que Mark Jenkin est admirateur du cinéma de ces années-là. Si tel est le cas, félicitons-le car ce choix fait mouche. Le cinéaste (re)définit, en somme, les paysages de Cornouailles. L’aspect vintage de l’image magnifie une nature sauvage et inhabitée. Adepte des gros plans qui isolent des éléments de la nature autant que des objets du quotidien, Mark Jenkin parvient, grâce à cette technique, à créer une atmosphère tour à tour apaisante et angoissante, calme et cauchemardesque.

Quand le film (d’horreur) se fait contemplatif

Pourtant, au départ, l’œuvre déroute fortement son public. Nous suivons le quotidien d’une biologiste. Celle-ci vit sur une île déserte. Sa mission est de contrôler la température de fleurs rares. Chaque jour, elle effectue les mêmes rituels et inscrit scrupuleusement ses observations du jour dans un carnet. Les jours filent et se ressemblent. Rien à signaler. Le cinéaste la joue en douceur. Il prend le temps de regarder son paysage et les êtres qui le composent. La dimension contemplative est assumée. Cela est plutôt rare de nos jours de voir des cinéastes qui osent jouer avec le temps afin de mieux manipuler nos nerfs. Le quotidien – disons-le – un peu plan-plan de l’héroïne est très vite bouleversé par des phénomènes et autres visions étranges.

Après nous avoir menés en bateau, en optant pour un style (faussement) documentaire, Enys Men bascule dans le cinéma de genre. La nature idyllique prend des allures de cauchemar éveillé. Le fantastique surgit là où on ne l’attend pas. Qu’il prenne la forme d’un lichen indésirable ou d’une pierre jetée dans le vide, l’inquiétante étrangeté est, chez Jenkin, à la fois partout et nulle part. Et c’est bien pour cela qu’elle nous fait craindre le pire. Enys Men cultive ainsi à merveille l’ambiguïté, un sentiment d’angoisse s’empare du public. Que voit réellement l’héroïne ? Ces images sont-elles le fruit de son imagination ? Ou bien les stigmates d’une île possédée ? Nous vous laissons, à l’instar de Mark Jenkin, libres de répondre à ces questions.

Enys Men : fiche technique

Le film est présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2022

Scénario et réalisation : Mark Jenkin
Interprétation : John Woodvine, Mary Woodvine, Edward Rowe, Callum Mitchell
Production : Denzil Monk
Sociétés de production : Bosena, Film4, Sound/Image Cinema Lab
Société de distribution : Neon
Genre : horreur
Durée : 91 minutes

Royaume-Uni – 2022

Fin mars dernier, le réalisateur Mantas Kvadaravicius trouvait la mort alors qu’il tentait de quitter la ville assiégée. Diffusé en séance spéciale au Festival de Cannes 2022, son documentaire posthume – Mariupolis 2 – enregistre la (sur)vie d’un groupe de réfugiés. À la clé : une œuvre qui prend à la gorge en (ré)affirmant que la démocratie ne saurait se passer du cinéma.

Filmer (autrement) la guerre en Ukraine

Cela commence dans une cage d’escalier. L’image grésille, portée par une caméra tremblante, tandis que des bombardements retentissent en hors-champ. Nous ne sommes pas dans un blockbuster mais bel et bien dans la réalité. Nous sommes en Ukraine, plus précisément à Marioupol. Mantas Kvedaravicius revient dans la ville assiégée, qu’il avait commencé à filmer lors de l’invasion du Donbass en 2014. Si de cette première expérience était sortie Mariupolis (2016), le cinéaste retrouve ici les témoins rencontrés six ans plus tôt.

On a tous entendu parler du siège de Mariupol, du bombardement de son théâtre, causant la mort de plusieurs centaines de personnes, de ses soldats (encore actuellement) retranchés dans l’aciérie d’Azovstal. Comment ne pas penser à ces images satellites, dévoilant une ville ravagée, comme rayée de la carte. Ces images médiatiques, qui circulent en boucle sur les chaînes de télévision, côtoient, voire masquent le quotidien de celles et ceux qui organisent leur (sur)vie. C’est cette réalité-là que filme Mantas Kvedaravicius. Le cinéaste suit en effet, pendant quelques jours, le quotidien d’un groupe de personnes réfugiées au sein d’une église.

La (sur)vie et rien d’autre

Les plans sont généralement fixes. Ce sont, le plus souvent, des panoramas pris au petit jour, ou en fin de journée, d’une ville encore fumante, sonnée de se réveiller au milieu des bombes. La rigidité du dispositif accuse le coup : derrière la fixité se cache ou plutôt se dévoile une guerre de mouvement qui déchire les corps autant que les tympans. Les survivants déambulent au milieu d’un décor de désolation, entre des rues détruites et des champs de mines.

On découvre, au détour de cette promenade macabre, des corps sans vie aussi bien que des tombes improvisées à la hâte. Oui, mais la vie continue. Vaille que vaille. Les habitant.e.s retranché.e.s tentent de (sur)vivre comme ils peuvent. Cette vie sur le fil, dansant au milieu des flammes, donne parfois lieu à des situations tragiquement cocasses. Comme issues d’un mauvais film de Chaplin. Si cette légèreté est de courte durée, fragile face à l’incertitude d’une guerre absurde qui ne veut pas prendre fin, elle n’est pas tout à fait absente. Comme un message d’espoir en dépit des bombes.

Le cinéma documentaire : arme de lutte nécessaire

Regarder Mariupolis 2 ne nous confronte pas à la réalité de la guerre ukrainienne. Il documente une situation à laquelle nous n’avons accès qu’à travers un écran pixelisé. Le cinéaste nous incite, en revanche, à (r)ouvrir les yeux. Nous ne sommes pas forcés d’aller jusqu’au bout de l’horreur indicible des images filmées. Néanmoins, faire le geste de visionner son travail – pour lequel il trouva la mort fin mars dernier – constitue un geste politique nécessaire, qui fait perdurer celui du cinéaste.

Ce dernier met en jeu ce que nous ne voulons pas voir. Mantas Kvedaravicius ne nous cache rien. Mariupolis 2 constitue un document historique inestimable qui rappelle que le cinéma documentaire est une arme dont les opprimés ne sauraient se passer.

Mariupolis 2 – Fiche technique

Ce film est présenté en Séance Spéciale au Festival de Cannes 2022.

Réalisation : Mantas Kvedaravicius
Sociétés de production : Twenty Twenty Vision, Studio Uljana Kim
Coproduction: Easy Riders Films
Genre : Documentaire
Durée : 1h45 min

Ukraine – 2022

Metsurin Tarina se laisse (paradoxalement) apprécier (après-coup). Présenté au Festival de Cannes, dans la prestigieuse sélection de la Semaine de la Critique, le premier long-métrage du réalisateur finlandais Mikko Myllylahti est une œuvre dense qui bouscule les codes.  Un nouveau cinéma (finlandais) est né.

Pepe ou l’histoire d’un bûcheron finlandais

 Ce jeudi 19 mai, la semaine de la critique présentait, en avant-première, au public cannois, Metsurin Tarina, le premier long-métrage du réalisateur finlandais Mikko Myllylahti. Si le nom du film ne nous offre que peu d’indices quant à son contenu, son titre anglais – The Woodcutter Story (littéralement « L’histoire du bûcheron ») lève assurément quelques interrogations. Cet effet d’annonce n’advient, pourtant, que partiellement au cours du film. Si ce n’est pas du tout, tant Metsurin Tarina multiplie les (sous-)intrigues et autres rebondissements inattendus. Bûcheron taciturne, Pepe (Jarkkho Lahti) habite un petit village de Finlande, cerné par des sapins enneigés, où la vie suit son court, entre le calme apaisant et la plate monotonie. Cette vie (trop) bien réglée bascule radicalement lorsque Pepe perd son emploi dans la scierie locale. S’ensuit une série d’évènements où le personnage sera amené à s’interroger sur le sens de son existence, sur fond de meurtre sanglant et de phénomènes fantastiques inexpliqués.

Une œuvre qui prend du temps (au temps)

Si ce synopsis paraît alléchant sur le papier, il l’est nettement moins dès qu’il apparaît à l’écran. En voulant passer du réalisme au fantastique, de la description clinique au tableau mystique, Mikko Myllylahti finit par perdre son public. Le réalisateur opte pour la lenteur en privilégiant des plans séquences où la caméra est statique. Cette fixité devient progressivement synonyme de rigidité, voire d’ennui. L’étirement du temps qu’elle implique renforce la confusion du public en dépit de l’humour et des situations absurdes qu’elle (se) veut mettre en avant. La lenteur de la narration rejoint le flegme (parfois agaçant) de son héros. Pepe traverse, imperturbable, le tragique de l’existence avec un sang-froid qui a de quoi étonner. Cette (fausse) ataraxie engendre une réflexion qui prend (parfois) des allures naïves à propos de la dureté (vache) d’une condition humaine (qui ne se laisse décidément pas facilement comprendre par le commun des mortels).

(Re)mettre le(s) sens (sans) dessus dessous

Si l’histoire et la trajectoire du héros (et du film) peinent à (totalement) nous convaincre, elles signent, néanmoins, l’entrée de Mikko Myllylahti dans le septième art. Le symbolisme qui baigne Metsurin Tarina oscille entre facilité (énervante), incompréhension (totale) et éclectisme (érudit). Un tel mélange n’est, certes, pas fait pour plaire à tout le monde. Il faut toutefois saluer le courage d’un premier long qui n’hésite pas à bousculer son public, quitte, pour cela, à le pousser dans les retranchements de l’ennui. Le cinéaste brouille les pistes narratives, entame une intrigue pour en débuter une autre, en faisant exploser les barrières du sens. La dimension cyclique de l’œuvre l’installe au cœur d’une réflexion qui interroge la valeur des images autant que le sens (que l’on veut bien leur donner). La lenteur du film (et l’ennui qu’elle procure sciemment) invite le public à un questionnement sans perspectives de fins. Un nouveau cinéma finlandais est né.

Metsurin Tarina : fiche technique

Le film est présenté à la Semaine Internationale de la Critique au Festival de Cannes 2022 en compétition long-métrage.

Réalisation : Mikko Myllylahti
Interprètes : Katja Küttner, Omar Abdi, Hannu-Pekka Björkman
Société de production : /
Société de distribution : Urban Distribution
Genre : comédie dramatique
Durée : 99 min

Finlande – 2022

Tom Cruise renfile le blouson d’un Pete Mitchell égal à lui-même. Un deuxième opus qui mixe entre le film original et un show toujours plus exceptionnel. Top Gun : Maverick est le film miroir de l’acteur qui nous rappelle qu’il est toujours présent et toujours prêt à redoubler d’effort.

Ici il n’est pas question de nouveauté mais de la réappropriation d’un passé bourré de remords et d’une envie continuelle de dépasser les limites.

Souvenir d’une bromance enterrée, le film ne cesse de jouer avec les sentiments de son personnage principal qui s’efforce de continuer à s’engager toujours plus loin dans de nouvelles sensations fortes. Là où dans le premier film il n’était question que de l’ego d’un jeune lieutenant, ici il s’agit de tout autre chose. Un refus catégorique du héros d’abandonner sa seule raison de vivre, ce qu’il est. Mais plus étroitement encore, son désir de rappeler à lui son meilleur ami dans une prière qui ne quittera jamais le film. « Talk to me Goose »

Lorsqu’on nous présente le nouvel escadron avec lequel notre pilote iconique va devoir travailler, quelques bribes d’une première histoire nous reviennent en mémoire avec les deux opposants « Rooster » et « Hangman ». Le nouveau Maverick est moins désobéissant et n’a pas le même attrait que son prédécesseur pour la prise de risque (circonstance d’une croissance orpheline d’un père mort dans les airs) mais s’amuse quand même de son charme et de ses prouesses dont il connaît la valeur. Quant au nouvel Iceman, il s’agirait presque d’une copie conforme, de la belle gueule à l’assurance surdimensionnée qui retrouvera plus tard sa raison et son sens de la solidarité.

Premier miracle… deuxième miracle ?

Le récit s’annonce comme une demande de rédemption autant pour notre capitaine que pour le cinéma dans lequel son interprète a évolué. Une véritable biographie pour l’action man qu’est Cruise et de ce qu’il est capable de donner encore aujourd’hui, au point de confier au monde entier que comme son personnage, il n’est pas prêt de passer le flambeau et que sa détermination restera fidèle à des limites qu’il n’a jamais eues.

Il est bon de savourer le manque de CGI dans les plans de vols, une véritable immersion dans le langage du corps humain, rudement capturé par un environnement de cascades et de loopings qui défient l’apesanteur. En attendant, ces séquences ne suffisent pas à créer une nouvelle identité à l’oeuvre de Joseph Kosinski, même en la romance mièvre de Cruise et de l’envoûtante Jennifer Connelly. Contre vents et marrées, certaines scènes ont la bonté de nous émouvoir surtout en la présence de Val Kilmer.

Maverick est un héros hanté par les fantômes du passé qui cherche maladroitement l’expiation dans les yeux d’un fils qu’il aurait aimé délivrer de sa propre pénitence. Mais cette redondance de souffrance plante un scénario qui a pourtant de quoi nous envoler lui aussi jusqu’au Mach 10.

Top Gun : Maverick : bande annonce

Top Gun : Maverick, fiche technique

Le film est présenté hors-compétition au Festival de Cannes 2022.

Réalisation : Joseph Kosinski
Scénario : Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie
Interprétation : Tom Cruise (Pete « Maverick » Mitchell), Jennifer Connelly (Penny Benjamin), Miles Teller (Bradley « Rooster » Bradshaw), Val Kilmer (Tom « Iceman » Kazansky)
Photographie : Claudio Miranda
Montage : Eddie Hamilton
Musique : Lorne Balfe, Harold Faltermeyer, Hans Zimmer
Production : Jerry Bruckheimer, Tom Cruise, David Ellison, Christopher McQuarrie
Société de production : Paramount Pictures, Skydance Media, Jerry Bruckheimer Films
Société de distribution : Paramount Pictures International
Genre : action
Date de sortie en France : 25 mai 2022
Durée : 131 minutes

Etats-Unis – 2022

Présenté au Festival de Cannes, dans la sélection Cannes Classics, le nouveau documentaire d’Alexandre Moix renoue avec l’acteur Patrick Dewaere. Patrick Dewaere, mon héros brosse le portrait d’un acteur génial et torturé à travers une hagiographie inégale et décevante.

Patrick Dewaere chez Cannes Classics

Cannes. Palais des Festivals. Salle Buñuel. Ces trois lieux géographiques suffisent à eux seuls à susciter le rêve chez tout.e cinéphile qui se respecte (ou pas, c’est selon). Nous avons pu avoir la chance de découvrir, en avant-première, Patrick Dewaere, mon héros d’Alexandre Moix. Le cinéaste retrouve son acteur fétiche, dans un documentaire inédit, presque vingt ans après la sortie de son premier long, déjà consacré au comédien maudit (Patrick Dewaere, l’enfant du siècle, 2003). Pourtant, contrairement à ce que le titre laisse présager, il n’est nullement question de Patrick Dewaere (ou presque).

Une hagiographie plus familiale que cinématographique

Car, c’est bien la fille cadette de Patrick Dewaere, Lola Dewaere, elle-même actrice, qui endosse le rôle principal du documentaire. En effet, si cette dernière prête sa voix au film, elle en est aussi le sujet. Dès les premières minutes, la jeune femme se (ré)empare de l’histoire légendaire de son père. La caméra la filme, parfois en gros plan, dans des squares ou chez elle, exhumant des photos de famille, ou bien regardant dans le vide. Elle souhaite apporter ses réponses, raconter ce qu’elle sait, afin de rétablir la vérité sur son père. Cette intention de départ aurait pu être intéressante si elle ne se soldait pas par un résultat, finalement, assez creux – si ce n’est carrément gênant.

Évoquer le mythe en dépit de l’homme

Au lieu d’évoquer le travail et les choix artistiques de l’acteur, le documentaire commet l’erreur de se plonger dans une hagiographie voyeuriste à la Un jour, un destin. La quête et l’enquête légitime de Lola Dewaere se transforme et frôle parfois le voyeurisme. On a à certains moments l’impression d’assister à un règlement de compte familial plus qu’à un exercice de style cinématographique. Le cinéma semble être, en effet, un peu laissé de côté par Alexandre Moix. Pourtant, le réalisateur choisit d’utiliser des archives inédites. Or, il ne les commente pas (ou presque). Celles-ci sont bien souvent noyées dans un montage abrupt et sensationnaliste à la Faites entrer l’accusé. Ce faisant, alors qu’il était question, à travers le biais filial, d’évoquer l’homme en dehors du mythe, la mise en scène renforce paradoxalement la légende malheureuse et éloigne, de ce fait, un peu plus l’homme Patrick Dewaere.

Si Lola Dewaere rappelle que Dewaere n’était pas que l’écorché vif que l’on si souvent décrit, le documentaire enfonce, néanmoins, les portes desquelles il était censé s’éloigner. Dommage, car, pour les nouvelles générations qui ne connaissent pas son travail, Patrick Dewaere aurait mérité qu’on parle de lui autrement qu’à l’image classique (mais non moins stéréotypée) du suicidé de la société.

Patrick Dewaere, mon héros : fiche technique

Le film fait partie de la sélection Cannes Classics 2022 : les documentaires.

Réalisation : Alexandre Moix
Interprètes : Lola Dewaere
Production : Alexandre Moix, Patrice Gellé
Société de production : Zoom production, Bleu Kobalt
Société de distribution : /
Genre : documentaire
Durée : 90 min

France – 2022