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Il aura fallu trente ans pour que Phil Tippett, grand nom des effets spéciaux, mène son projet à bien. Et si l’ensemble pourra en rebuter par ses défauts et son côté hautement glauque, Mad God reste une indéniable réussite. Un film d’animation qui donne corps à un cauchemar et au génie d’un artiste, avec beaucoup de mérite et de savoir-faire.

Synopsis de Mad God : Un Assassin surgit des abysses dans une cloche à plongée et s’enfonce au cœur d’un univers infernal peuplé de créatures mutantes et de scientifiques fous. Bientôt capturé, il devient la victime du monde qu’il est chargé de détruire…

Est-il encore utile de présenter l’artiste accompli qu’est Phil Tippett ? Fervent défenseur de l’animation en volume (ou stop motion), il a apporté sa contribution dans le domaine des effets spéciaux avec un immense mérite. Les premiers Star Wars, le Piranhas de Joe Dante, Le Dragon du Lac de Feu, Indiana Jones et le Temple Maudit, la trilogie RoboCop, Willow… tant de titres cultes des années 70-80 qui nous ont marqués par leur qualité plastique – si ce n’est plus pour certains d’entre eux ! Un homme de l’ombre qui a permis l’aboutissement visuel de bien des projets, pour les résultats que nous connaissons aujourd’hui. Un véritable artisan qui a su s’adapter – non sans difficultés, ne le nions pas – aux effets numériques, apportant ainsi son savoir-faire sur des films tout aussi ancrés dans l’air du temps : Jurassic Park, Cœur de Dragon, Starship Troopers… Bref, maintes fois récompensé et reconnu par ses pairs, le bonhomme fait partie de ces techniciens légendaires qui ont donné au cinéma fantastique/de SF ses lettres de noblesse. Aux côtés de grands noms tels que Willis O’Brien et Ray Harryhausen. Et si nous parlons aujourd’hui de lui, c’est pour la sortie de sa toute nouvelle réalisation, Mad God. Un film d’animation qui risque fort de vous marquer au fer rouge.

Si nous qualifions ici de « nouvelle réalisation », c’est que Phil Tippett n’en est pas à son premier coup d’essai. En effet, le cinéaste possède à son actif l’infâme Starship Troopers 2 : Héros de la Fédération, un grotesque DTV faisant honte au film de Paul Verhoeven. Mais le rédacteur de ces lignes ne lui en tiendra pas rigueur, voyant en cette erreur de parcours une excuse financière pour concrétiser Mad God. Car il faut savoir que ce dernier est le fruit d’un dur labeur qui aura mis trente ans à se mettre en place. Trois longues décennies durant lesquelles Phil Tippett aura mis tous ses moyens à disposition, du savoir-faire de son studio d’animation au financement de sa propre poche. Ce dernier passe également par un Kickstarter, afin d’apporter les fonds restants nécessaires à la finalisation de son ambition, celle de mettre sur pieds une vision cauchemardesque qui le hante depuis fort longtemps, le tout en mettant à profit son art de la stop motion. Et autant dire de suite que l’entreprise s’avère être une franche réussite !

Bien qu’imparfaite, il faut bien le reconnaître, la faute vient principalement du fait que Phil Tippett ne soit définitivement pas un réalisateur hors pair. En effet, les principaux défauts relèvent d’une question de mise en scène, venant nuire à l’impression finale. Une luminosité assez terne par moment rend certains passages illisibles (le combat entre les deux créatures géantes). Ou encore des plans, voire des séquences qui s’éternisent sans réelle raison – que ce soit les pas du protagoniste ou bien cette scène de dissection qui n’en finit pas –, alourdissant à l’excès l’action qui nous est présentée. Même constat en ce qui concerne l’écriture, tant celle-ci se révèle être un brin maladroite dans sa construction. En prenant le parti d’être un film muet et de faire des détours spatio-temporels (ellipses, flashbacks…), le scénario a bien du mal à prendre forme. Et pourra faire perdre patience à plus d’un spectateur lors des premières minutes du visionnage. Étant donné que celui-ci se présente sous la forme d’un enchaînement de scénettes et de péripéties montées bout à bout.  Bien évidemment, l’ensemble prend tout son sens au fur et à mesure que le récit avance jusqu’à un twist final révélateur. Mais pour en arriver là, le cheminement pourra s’avérer pénible pour une partie du public.

Là où Mad God est la réussite citée plus haut, c’est bien par son impressionnante technicité. En alliant diverses figurines, décors faits à la main, effets spéciaux à l’ancienne (dont les incrustations à l’image), le montage et même « l’emploi » de véritables acteurs, Phil Tippett est parvenu à créer un univers sans pareil. Nous irions même jusqu’à dire que le réalisateur a accompli l’exploit de donner corps au plus effroyable des cauchemars. Celui qui suinte par tous les pores de violence, de douleur, de peine et surtout de désespoir. Entrer dans Mad God, c’est vivre une expérience d’un glauque rarement atteint, au risque de vous remuer l’estomac. C’est assister à une véritable descente aux enfers. Et c’est surtout découvrir un portrait hautement nihiliste de notre société et de notre humanité. Et ce par la puissance de l’image ! Car à défaut d’avoir un scénario facile d’accès, le long-métrage fourmille d’idées visuelles, d’un bestiaire malaisant et d’une ambiance apocalyptique. Tippett se permet même d’ajouter ici-et-là quelques notes de couleur, voire d’humour – celui-ci restant noir et ironique, cela va de soi ! –, sans que cela affaiblisse sa terrifiante atmosphère. Cela aurait très bien pu tomber dans le too much et donc le ridicule, mais l’ensemble fait preuve d’une indiscutable cohérence, aussi bien visuelle que sonore. Permettant à Mad God d’être captivant au possible, et ce malgré ses défauts cités précédemment.

Vous l’aurez compris, il ne s’agit pas d’un film d’animation tout public. Âmes sensibles, s’abstenir ! Et encore moins à laisser à la portée des enfants ! S’il pourra remettre en question la santé mentale de Phil Tippett – reconnu comme étant une personne grandement dépressive –, Mad God se présente à nous comme l’œuvre ultime d’un artiste de renommée. Vous pourrez toujours revenir à des films plus « accessibles » sur lesquels il a travaillé par le passé ou bien vous jeter sur divers documentaires pour découvrir le travail du bonhomme, dont Des rêves et des monstres du même éditeur, Carlotta Films. Mais en aucun cas vous ne devez passer à côté de ce bijou d’animation. Faites fi de ces errances et laissez-vous emporter dans ce voyage cauchemardesque ! Ne serait-ce que pour faire honneur à l’immense artiste qu’est Phil Tippett et à tout ce qu’il a pu nous offrir, au cinéma mais aussi à nous, spectateurs, avides d’œuvres qui sortent de l’ordinaire.

Mad God – Bande-annonce

Mad God – Fiche technique

Réalisation : Phil Tippett
Scénario : Phil Tippett
Interprétation : Alex Cox (le dernier homme), Niketa Roman (l’infirmière / la sorcière), Satish Ratakonda (le chirurgien)…
Photographie : Phil Tippett et Chris Morley
Décors : Phil Tippett
Montage : Michael Cavanaugh et Ken Rogerson
Musique : Dan Wool
Producteur : Phil Tippett
Maison de Production : Tippett Studio
Distribution (France) : Carlotta Films
Durée : 83 min.
Genre : Animation
Date de sortie :  26 avril 2023
Etats-Unis – 2021

Avec dignité, juste mesure et empathie Nicolas Philibert nous embarque à quai Sur l’Adamant avec les patients d’un centre de jour psychiatrique. Portrait vertueux du cinéaste en écouteur-thérapeute certes, mais pas forcément document réaliste sur le paysage de la psychiatrie ! 

« Ils sont tous acteurs sans le comprendre« 

Sur l’Adamant est une expérience unique en son genre d’une autre psychiatrie possible. Fondée en 2010 sur une péniche amarrée port de la Rapée, ce centre de jour accueille des patients adultes souffrant de troubles mentaux ressortissant des 4 premiers arrondissements de Paris pour un suivi thérapeutique, organisé sous forme d’ateliers divers (poésie, cuisine, dessin, ciné-club, etc.) visant à favoriser l’autonomie et le vivre ensemble des malades.

Avec la psychiatrie, Philibert n’est pas un novice et il revient ici à ses obsessions cinématographiques : filmer une autre manière d’être soignant et une autre d’être patient. Il y a trente déjà il s’intéressait dans son Moindre geste à la Clinique de la Borde dirigée par le psychiatre Jean Oury qui vint révolutionner l’art de soigner les plus fragiles et ouvrir de nouvelles manières de penser le soin donc les relations entre les psychiatres et les patients. Il n’est guère étonnant de le voir s’intéresser à ce bateau psy avec sa délicatesse, sa modestie, son art de la bonne distance et son tact habituels.

Très doucement et sans jamais être intrusif, Sur l’Adamant suit pas a pas, presque furtivement, les allées et venues de ses hôtes, tout comme leurs interactions.

Ce que privilégie Philibert ici, ce ne sera jamais une parole de surplomb ou d’autorité. Les psychiatres n’y sont pas interviewés. Et même nous n’en verrons quasiment jamais, à une exception près : la présentation de la nouvelle responsable du lieu, Sabine Berlière, qui se déroule au même titre que les ordres du jour, tenus le lundi matin dans une ambiance chaleureuse, équilibrée, conviviale et sage.

Ces quatre vertus sont exactement celles du film qui définissent un modus vivendi et un protocole d’approche du cinéaste : jamais (sauf une fois) ne seront filmés les déséquilibres, les excès ou dirions-nous les folies de ces personnes. Sur l’Adamant se veut sage, égal et propose par conséquent une vision très plane et étale de la maladie mentale. Se dessine ici à la fois le parti-pris majeur du film et aussi sa limite. Pourquoi ce choix de la mesure absolue comme critère d’une communauté psychiatrique viable ? Pourquoi à tout prix cette régulation discrète présentée comme si c’était tous les jours ainsi ?

Le spectateur est en droit de se demander si cette règle de l’équilibre et de la modération est bien réelle, si elle vaut pour le temps du film seulement ou a lieu tout le temps, et si elle n’est pas un leurre bien pensant, un pansement peu lucide, une sorte de prothèse posée par le réalisateur pour contrer une certaine norme : celle qui consisterait à filmer la folie dans ses outrances, jaillissements et démesures (voir le Titicutt Follies de Frederick Wiseman).

Sur 1h48, ce qui intéresse Philibert c’est de s’attarder sur les personnes côtoyant régulièrement cette péniche, les individualités uniques davantage que les groupes, les liens de transmission tissés entre la caméra et ces personnes. Nous verrons ces patients tour à tour participer aux divers ateliers proposés. Nous les verrons donc en groupe et suivis par un animateur en dessin, cuisine et écriture. Réfléchir au futur programme du ciné-club et même compter leur propre argent redistribué au sein de l’association pour les cafés et autres dépenses nécessaires font également parti du lot.

Toutefois la caméra de Philibert ne vise pas à rendre compte du fonctionnement du lieu.

Elle s’attarde davantage sur les subjectivités et construit des portraits d’hommes et de femmes à travers leur souffrance, leur hobby, leurs propres marottes ou en dialoguant directement avec la caméra du cinéaste. La beauté bien sûr vient de la connexion orchestrée – comme une évidence – entre la caméra du documentariste et la parole des patients. Le lien, la proximité avec l’image semble aller de soi, jamais forcée ou violente, jamais conflictuelle. La encore le spectateur s’interroge : est ce possible ? Vrai ? Pourquoi effacer de la réalité psychiatrique et toutes ses aspérités puisque nous savons bien qu’il y en a ?  « C’est le traitement qui est indispensable, pas la communication » surligne un patient. « Sans traitement pas de communication, je ne serai pas là à vous parler, je me prends pour Jésus moi ou je sauterai dans la seine ». Manifestement Nicolas Philibert ne s’intéresse qu’aux conséquences du traitement psychiatrique : la communication. Sans le vouloir donc, son film ratifie la bonne santé d’un système qu’il semble dénoncer par ailleurs.

Chacun se confie spontanément, aisément et presque sans trouble. Cela donne des morceaux de bravoure assez attendus puisque comme le dit Francois l’un des patients qui ouvre le film : tous sont acteurs sans le comprendre !

Il faut entendre la grâce et toute l’infinie poésie de chacun. L’un décrit avec force les images mentales et de beauté performative comment il voit les hommes, avec un collier de barbe et une drôle de coupe de cheveux hirsute, se transformer en oiseaux et ceux-ci en piqûres. Un autre, sorte de clone de Gilles Deleuze, se prend pour la réincarnation de Jim Morrison et se voit pour l’éternité comme un personnage de Wim Wenders. C’est fluide, cohérent, aérien, dément. L’ensemble de ces paroles est fascinant. 

Nous ne pouvons pas ne pas être captivés et sidérés par ces personnalités hors normes. Cela interroge sur le statut si ténu entre l’artiste et le fou.

Il n’en demeure pas moins que l’on puisse aussi être agacé par cette constante. Jamais Sur l’Adamant ne montrera vraiment la souffrance ou l’impuissance tragique de ces personnes. Jamais nous n’aurons – sauf une fois – de crises, de débordements. Jamais un mot plus haut que l’autre. Comme si cet air de folie que Philibert filme avait le don d’être moins imprévisible, moins dur surtout, moins violemment sévère que la vie même.

Cela n’enlève rien à la sensibilité et à l’humanisme du projet. Mais cela questionne sur la réalité de ce que le film donne à voir, plutôt comme un portrait équanime du cinéaste en bateau v/ivre qu’une oeuvre réaliste et véridique sur la souffrance psychique.

Deux citations viennent ourler le film ou dire ce qu’il aurait pu être et l’une est de Fernand Deligny : « Il faut des trous pour que les images viennent se poser ». Aucun trou pourtant dans Sur l’Adamant, tellement pris et cerné dans le conventionnel d’un dire. Bien. Equitable. En bonne et dû forme.

Une autre citation d’un patient : « Vous pouvez faire des images sauvages ». Aucune image sauvage ici. Une domestication parfaite de la folie. En sortant de la salle, on aurait presque envie d’aller Sur l’Adamant pour oublier la folie et violence du monde réel et être bercé sous un ciel calme par le diamant de paroles sages.

Bande-annonce : Sur l’Adamant

Fiche Technique : Sur l’Adamant

Réalisateur : Nicolas Philibert
Par Nicolas Philibert
19 avril 2023 en salle / 1h 49min / Documentaire
Distributeur : Les Films du Losange
Directeur de la photographie : Nicolas Philibert
Montage : Nicolas Philibert, assisté de Janusz Baranek
Son : Érik Ménard, François Abdelnour
Mixage : Nathalie Vidal

Le mal ne meurt jamais, tout comme le petit diablotin qui a donné l’impulsion à Sam Raimi et sa saga Evil Dead. Ce « Rise » est loin de sonner faux dans son approche du gore jouissif, là où l’écriture semble plus convenue.

À plus d’un titre, le livre des Morts de Sam Raimi a bâti la solide réputation d’Evil Dead, une saga qui innove dans son langage visuel, où les protagonistes affrontent leurs démons de l’intérieur et de l’extérieur. Un pseudo-remake cartoonesque et Bruce Campbell à la barre de nouvelles nuits de terreurs, Evil Dead II et Evil Dead III : l’Armée des morts désamorcent l’angoisse viscérale du premier volet, jusqu’à tomber dans la parodie. Et quand bien même les mimiques du comédien restent inoubliables pour les fans d’horreur, son retour sur le câble fin 2015 fait le plein d’humour et d’hémoglobine, afin de dégraisser la tronçonneuse et le fusil à canon scié dans la série Ash vs. Evil Dead. Cet élan nostalgique interrompu, il ne restait plus grand-chose à inventer.

Délivrer le mal

Ce nouveau-né vient alors s’immiscer dans la même tambouille que le remake de 2013, de Federico Álvarez, un hommage bien gore qui n’empiète pas pour autant sur le montage nerveux et burlesque de Raimi. Autant dire que Lee Cronin a du pain sur la planche pour exister dans une saga très identifiée. Son expérience sur The Only Child, dont une mère doit délivrer son fils du mal qui le consume, lui vaut tout de même ce privilège, celui de relancer les Deadites sur le spectateur, dans un huis clos un peu maladroit dans sa démarche, mais admirable pour sa générosité. En somme, ce film est possédé par le désir de plaire au public avant toute chose, quitte à marcher dans les mêmes pas que ses prédécesseurs.

Il ne faudra pas très longtemps pour comprendre que Cronin lorgne beaucoup du côté du remake d’Álvarez, préservant le premier degré du frisson et loin du slapstick de Bruce Campbell, tout en surfant sur les relations entre les personnages. Moins sentimental que le volet précédent, on mise tout sur un nouvel environnement. À l’image de Scream VI, on déménage la vieille cabane dans les bois dans un appartement tout aussi délabré, au cœur de Los Angeles. Si le décor s’y prête bien, il faudra un temps d’acclimatation considérable avant que les festivités ne commencent.

Outre cette ouverture dont on retiendra un scalp particulièrement cruel, on nous fait comprendre que l’héritage de Raimi ne sera plus qu’un outil au service d’un manège démoniaque. La caméra n’est plus ce personnage à part entière qui dévore ses victimes de l’intérieur, mais tient davantage du clin d’œil. Et comme pour toutes les autres citations, la comparaison ne tourne pas à l’avantage du cinéaste irlandais.

Quand la terreur revi-gore

L’âme du projet réside bien dans un enrobage sanguinolent. La soirée de retrouvailles d’une famille va tourner au vinaigre pour peu que l’on ait la curiosité et l’audace de réveiller les morts. Cronin nous fait ainsi l’exposition d’une multitude de « fusils de Tchekhov », entre tensions familiales et d’éventuelles armes de déchiquetage massif, de la cuisine au salon et en passant par les hobbies décomplexés d’une petite fille (Nell Fisher) qui décapite ses propres poupées. Ellie (Alyssa Sutherland) est par ailleurs débordée de tâches ménagères et a donc toujours quelque chose dans la main pour s’occuper. Ce qu’elle en fera dans le deuxième acte n’a donc rien de rassurant, sachant où l’on met les pieds.

À l’opposée, la vaillante Beth (Lily Sullivan) n’a pas à pâlir de la performance des précédents survivors badass et recueille tout un tas de réflexes bienvenus. Elle aussi combat une détresse invisible, mais bien palpable, sur une maternité dont elle apprendra les usages dans un mode d’emploi express. Les trois enfants de l’appartement lui serviront ainsi de guide, mais également de comburant pour ce qui suit, à savoir une lutte acharnée contre une malédiction qui ne peut être vaincue que par une violence démesurée, old school et so groovy. Ce genre de mets nous fait digérer la dernière décennie de torture porn, dont Saw s’imposait comme la colonne vertébrale. De ce fait, l’intrigue ne perd pas l’occasion de faire grimacer le spectateur à chaque utilisation d’un ustensile de cuisine ou autres objets du quotidien, de la manière la plus indésirable possible. Ni femmes ni enfants ne sont épargnés dans ce jeu de possession et de massacre.

Ce genre de « remake du remake » reste une incantation qui porte encore ses fruits dans une entreprise qui n’hésite pas à verser autant de litres de faux sang qu’il faudra (pensée évidente à Stephen King). Et malgré des faiblesses évidentes, qui ne contournent aucun cliché, il s’agit ici d’un simulacre du dernier volet, sans pour autant s’éloigner des codes qui font d’Evil Dead Rise une honnête série B, celle qui tâche l’écran d’un plaisir gore, et que les fans apprécieront peut-être autant que l’impérial The Sadness l’an passé. C’est pourquoi Cronin pense à laisser le Necronomicon ouvert pour de potentielles nouvelles sensations.

Bande-annonce : Evil Dead Rise

Fiche technique : Evil Dead Rise

Réalisation & Scénario : Lee Cronin
Photographie : Dave Garbett
Musique : Stephen McKeon
Décors : Nick Bassett
Costumes : Sarah Voon
Montage : Bryan Shaw
Production : Warner Bros., New Line Cinema, Ghost House Pictures
Pays de production : États-Unis
Distribution France : Metropolitan FilmExport
Durée : 1h36
Genre : Épouvante-horreur
Date de sortie : 19 avril 2023

Synopsis : Alors que Beth n’a pas vu sa grande sœur Ellie depuis longtemps, elle vient lui rendre visite à Los Angeles où elle élève, seule, ses trois enfants. Mais leurs retrouvailles tournent au cauchemar, quand elles découvrent un mystérieux livre dans le sous-sol de l’immeuble, dont la lecture libère des démons qui prennent possession des vivants…

La Conférence de Matti Geschonneck donne à voir, transcrit au cinéma, le moment historique de la Conférence de Wannsee, qui organisa la mise en œuvre de la « Solution Finale » visant le peuple juif. Un filmage serré, sans fioritures, mais d’une intensité glaçante.

Synopsis du film La Conférence :  Au matin du 20 janvier 1942, une quinzaine de dignitaires du IIIe Reich se retrouvent dans une villa cossue, conviés par Reinhard Heydrich à une mystérieuse conférence. Ils en découvrent le motif à la dernière minute : ces représentants de la Waffen SS ou du Parti, fonctionnaires des différents ministères, émissaires des provinces conquises, apprennent qu’ils devront s’être mis d’accord avant midi sur un plan d’élimination du peuple juif, appelé Solution Finale. Deux heures durant vont alors se succéder débats, manœuvres et jeux de pouvoir, autour de ce qui fera basculer dans la tragédie des millions de destins.

Comment filmer l’Histoire ? Les documentaires, montages d’archives, fictions tentent chacun à leur manière une réponse. Le réalisateur allemand Matti Geschonneck (8 mai 1952, Potsdam -) opte clairement pour la dernière solution, afin d’approcher la conférence de Wannsee (le titre original désigne d’ailleurs explicitement ce moment historique : Die Wannseekonferenz), qui réunit, au matin du 20 janvier 1942, quinze dignitaires nazis dans la Villa Marlier, près de Berlin, afin d’y mettre concrètement en œuvre la « Solution Finale », visant l’éradication du peuple juif, non seulement en Allemagne mais dans toute l’Europe de l’Ouest et les territoires où s’étendait l’influence d’Hitler. Un tel projet ne devrait relever que de la fiction pure, sortie d’un cerveau malade, comme le suggère la très belle nouvelle de Vercors qui a pour titre « Le Songe ». Il s’est pourtant bel et bien inscrit dans le réel, et l’on sait comment. A tel point que cette fiction cinématographique s’est très précisément édifiée sur la base documentaire du procès verbal de cette réunion, établi par Adolf Eichmann (ici incarné par Johannes Allmayer) à partir des notes prises pas sa secrétaire, Ingeburg Werlemann (Lilli Fichtner), et classé « Hautement confidentiel ».

Cette « conférence » qui devait décider du destin de plusieurs millions d’êtres humains désignés comme ennemis essentialisés de la race aryenne s’étendit sur à peine deux heures. Une durée à laquelle Magnus Vattrodt et Paul Mommertz s’emploient à superposer leur scénario, dans un souci de réalisme, et pour souligner la béance entre la cause et ses effets… Dans ce même souci de fidélité historique, le tournage eut lieu, du moins pour les extérieurs, à la Villa Marlier elle-même, devenue depuis la Villa de la Conférence de Wannsee, mémorial et centre éducatif. Il se déroula entre novembre et décembre 2020, donc en plein reconfinement, dans la luminosité crépusculaire d’un hiver privé de soleil. L’image de Theo Bierkens évolue dans un clair-obscur, avec des éclairages intérieurs plus que parcimonieux, qui rend compte du climat d’aveuglement et d’enténèbrement dans lequel de pareils plans purent s’élaborer. Les décors de Bernd Lepel, qui reconstituent aussi précisément que possible les intérieurs de l’époque en studio, contribuent, dans la grisaille vaguement bleutée d’un demi-jour, à éteindre et à faire paraître froides les couleurs les plus chaudes, tels les bruns profonds des boiseries ou de certaines pièces du mobilier.

Présidée par le SS Reinhard Heydrich (Philipp Hochmair), la réunion peut ainsi voir se développer, sous des dehors faussement technocratiques, les discours les plus fous, déshumanisant et réifiant les futures victimes afin de mieux s’absoudre, voire s’héroïser, se camper en sauveur du peuple germanique. Le ton est feutré, très urbain, comme dépassionné. La « banalité du mal », dans toute sa stupéfiante horreur. Et conduite par des hommes qui ne portent pas la désignation de « Monstre » tatouée sur leur front, des hommes qui, à la pause, évoquent leur femmes et leur progéniture ; de bons pères de famille. Un écart entre l’être humain et son action effective, voire son rôle historique, déjà exploré de façon très intéressante par La Chute (2004) de Oliver Hirschbiegel. On assiste bien aux habiles tentatives du Dr Wilhelm Stuckart (Godehart Giese), pour essayer de soustraire au sort des Juifs les « demi-Juifs », avec des échanges surréalistes autour des questions de délimitation de ces différents groupes. Et aux prudents questionnements de Friedrich Wilhelm Kritzinger (Thomas Loibl), tirant sans doute parti de sa relative maturité pour oser quelques interrogations. Mais malheur à celui qui aurait laissé transparaître le moindre soupçon de compassion pour le peuple honni. Les seuls aménagements envisagés devaient prendre l’apparence de mesures visant à préserver l’intégrité psychique des bourreaux…

Quinze hommes, donc, et une seule femme, la secrétaire d’Eichmann, réunis autour d’une table de travail, avant la promesse d’un bon déjeuner… « Ainsi, nul ne pourra dire qu’il ne savait pas… », énonce l’un des responsables, en annonçant la diffusion ultérieure du compte-rendu. Un éclairage saisissant, glaçant, jeté, sans aucune musique, tout autant sur un moment historique décisif que sur les procès bien postérieurs qui suivirent. Se trouvent ainsi sérieusement mises à mal les protestations si ce n’est d’innocence, du moins d’ignorance, que l’on a pu voir s’étaler dans l’inoubliable documentaire, magnifique et monstrueux, d’Eyal Sivan et Rony Brauman, Un Spécialiste, portrait d’un criminel moderne (1999).

Bande-annonce : La Conférence

Fiche Technique : La Conférence

Titre original Die Wannseekonferenz
Réalisateur : Matti Geschonneck
Scénario : Magnus Vattrodt, Paul Mommertz
Avec Johannes Allmayer, Maximilian Brückner, Matthias Bundschuh…
Production : Reinhold Elschot, Friederich Oetker
Image : Theo Bierkens
Son : Max Meindl
Décors : Bernd Lepel
Costume : Esther Walz
Maquillage : Nicole Förster, Jeanne Gröllmann
Montage : Dirk Grau
En salle le 19 avril 2023 / 1h 48min / Drame, Historique

Pour son premier film américain, le réalisateur Damián Szifron désire nous livrer une critique de notre société fragile et conformiste. Mais à devoir lui-même rester dans les clous d’un genre cinématographique qu’est le thriller policier, le cinéaste fait de Misanthrope une œuvre maladroite. Un film hésitant, ne sachant choisir entre la satire sociale et le divertissement en bonne et due forme. 

Synopsis de Misanthrope : Eleanor, une jeune enquêtrice au lourd passé, est appelée sur les lieux d’un crime de masse terrible. La police et le FBI lancent une chasse à l’homme sans précédent, mais face au mode opératoire constamment imprévisible de l’assassin, l’enquête piétine. Eleanor, quant à elle, se trouve de plus en plus impliquée dans l’affaire et se rend compte que ses propres démons intérieurs peuvent l’aider à cerner l’esprit de ce tueur si singulier…

Il aura fallu près de neuf ans pour le que le réalisateur argentin Damián Szifron nous revienne. Neuf ans après avoir marqué les esprits avec son film Les Nouveaux Sauvages. Un patchwork de récits sur la vengeance qui avait remporté bon nombres de récompenses – dont le prix du public au festival du film de Saint-Sébastien de 2014. Tout en participant à de grands événements cinématographiques qui avaient pu le mettre en avant : le Festival de Cannes 2014 et les Oscars 2015 (nominé pour la catégorie Meilleur film en langue étrangère). Le cinéaste nous revient donc avec Misanthrope, son tout premier long-métrage en Anglais. Un film policier somme toute classique sur le papier, mais révélant quelques surprises quant à son déroulé et les thématiques qu’il désire traiter.

Car à première vue, Misanthrope n’est qu’une banale chasse à l’homme. Une enquête durant laquelle le FBI doit retrouver un tueur de masse imprévisible avant qu’il ne récidive. Et qui verra une policière sur ses traces, étant la seule à comprendre son fonctionnement de par son vécu personnel… pour le moins tortueux. Rien de neuf à l’horizon, nous diriez-vous ! Tant vous auriez l’impression de revoir un énième Se7en, Le Silence des Agneaux et consorts. Ou même un épisode d’Esprits Criminels ou encore des Experts. Et c’est là où Misanthrope se détache quelque peu de ses prédécesseurs, car son intérêt est ailleurs. En effet, bien qu’elle soit le fil conducteur du récit, la chasse à l’homme est reléguée au second plan. Ici, c’est tout bonnement la société qui intéresse Damián Szifron. Ou plutôt ses multiples déboires, qui donne à l’appellation « la connerie humaine » toute son ampleur.

Et pour cause, en suivant la venue d’une policière dans les rangs du FBI, nous entrons avec elle dans un univers conformiste et déséquilibré. Dès le début, l’héroïne est repérée pour son flair, son intuition. Malheureusement, elle va très vite apprendre qu’il faut rester dans les cases pour pouvoir réussir aux yeux de sa hiérarchie. Et surtout découvrir que pour certains, ce n’est pas de trouver le tueur et de l’arrêter qui importe. Mais plutôt de rapidement mener une enquête à son terme et ce, peu importe sa finalité, quitte à entraîner des guerres entre les services. Juste pour le prestige, la réussite professionnelle. C’est ce que veut ainsi dénoncer Misanthrope : la fragilité et le manque de logique touchant de nombreuses structures sociétales, qui se veulent pourtant carrées et organisées. Le film s’arrête principalement sur l’organisation du FBI, mais il se permet quelques petits apartés illustratifs. Comme la politique, l’armée, un centre commercial ou encore une décharge. Tout dans le film est appuyé en ce sens pour que celui-ci se présente à nous comme une satire pour le moins mordante. Un constat qui se remarque jusqu’à l’écriture des protagonistes, notamment le tueur. Un homme présentant une certaine aversion pour notre société, cette dernière ayant causé sa « naissance ». Et qui sera donc poursuivi par cette policière, une asociale suicidaire pouvant le comprendre de par sa mentalité anticonformiste. Mais alors qu’il peut lui-même être vu comme un film voulant sortir du carcan d’un genre codifié, Misanthrope se prend les pieds dans le tapis de son ambition.

Car pour faire avancer son récit, le long-métrage est par moment obligé de délaisser son aspect critique et de revenir à son fil conducteur. Mais à aucun moment il ne parvient à reprendre convenablement les rênes, le film continuant sur sa lancée en pilotage automatique. L’intrigue avance mollement tout en cochant les cases du thriller policier sans trop se fouler. Sans jamais parvenir à décoller. Et ce jusqu’à un dénouement qui traine tout autant la patte, pour partir dans un plébiscite philosophique un peu trop artificiel. Les personnages, eux, semblent faire du surplace, tout comme leurs interprètes. Surtout l’héroïne (jouée par Shailene Woodley), qui n’a pas vraiment d’explication quant à son passif. Est-ce la société qui l’a transformée ainsi ? Ou une personne en particulier ? Ne serait-ce que pour lui donner une similarité avec le tueur, cela n’apporte finalement pas grand-chose à l’intrigue. Et même mise à part cela, l’enquête avance avec mollesse. Si la tension se fait ressentir lors d’une introduction prenante – grâce à une mise en scène et un montage très énergiques – elle ne repointera le bout de son nez que trop rarement. Faisant de Misanthrope un film un chouïa longuet, pour ne pas dire vain et ennuyeux.

Vous l’aurez compris, le réalisateur argentin fait des débuts dans le cinéma américain pour le moins mitigés. Bien qu’il propose une œuvre qui ne soit pas sans âme et sans propos – comme la plupart des titres hollywoodiens –, celle-ci reste beaucoup trop sage et conventionnelle pour réellement sortir du lot. Un comble, pour un film qui pointe du doigt toute notion de conformisme, n’est-ce pas ?

Misanthrope – Bande-annonce

Misanthrope – Fiche technique

Titre original : To Catch A Killer
Réalisation : Damián Szifron
Scénario : Damián Szifron et Jonathan Wakeham
Interprétation : Shailene Woodley (Eleanor Falco), Ben Mendelsohn (Geoffrey Lammark), Ralph Ineson (Dean Possey), Jovan Adepo (Mackenzie), Rosemary Dunsmore (Mme. Possey), Michael Cram (Gavin), Jason Cavalier (Marquand), Mark Camacho (chef Karl Jackson)…
Photographie : Javier Julia
Décors : Jason Kisvarday
Costumes : Aieisha Li
Montage : Marta Velasco
Musique : Carter Burwell
Producteurs : Stuart Manashill, Aaron Ryder et Shailene Woodley
Maisons de Production : FilmNation Entertainment et RainMaker Films
Distribution (France) : Metropolitant Filmexport
Durée : 119 min.
Genre : Thriller
Date de sortie :  26 avril 2023
Etats-Unis – 2023

Adaptation du livre éponyme de Robert Linhart (paru en 1978), L’Établi, ce film réalisé par Mathias Gokalp (coscénariste avec Nadine Lamari et Marcia Romano), constitue une sorte de témoignage de son expérience de la période juste après mai 1968. Les dix années de recul permettent une vraie réflexion sur tout ce qui s’est passé

La phrase d’accroche sur l’affiche résume parfaitement la situation « Infiltré, il prépare la révolution ». Le film commence par un panneau explicatif indiquant que, juste après mai 1968, un certain nombre (plusieurs centaines) de personnes convaincues du bien-fondé de leur action, se sont fait embaucher dans des usines pour tirer parti des impressions laissées par le mouvement de mai 68. Robert est donc un intellectuel (agrégé de de philosophie, normalien) aux convictions ancrées très à gauche. Avec tout ce qu’il a observé pendant cet historique mois de mai 1968, il a acquis la conviction que les esprits sont mûrs pour la révolution. Il décide donc de battre le fer tant qu’il est encore chaud. Renonçant à son poste d’enseignant en fac, il se fait embaucher dans l’usine Citroën de Choisy en région parisienne en laissant croire qu’il ne dispose que du certificat d’études (avec une explication très plausible pour justifier ses mains non abimées). Il intègre la chaine de montage de la 2CV.

Le film

Il nous montre l’intégration de Robert (Swann Arlaud) dans cette usine, aussi bien parmi les ouvriers que dans son travail. On entre rapidement dans le vif du sujet et Robert entre naturellement dans son personnage en affrontant les multiples difficultés qui se présentent. Le travail est difficile, épuisant physiquement et moralement (il faut tenir la cadence, sur le long terme) et Robert ne perd jamais son objectif de vue : convaincre ses collègues qu’ils peuvent améliorer leur condition par des revendications. D’abord discret, les circonstances lui permettent de faire la connaissance des uns et des autres. Il aura rapidement l’occasion d’avancer (timidement), une première revendication : que l’usine fournisse une paire de gants de protection à tout un chacun. En effet, n’ayant pas tenu le rythme dans la chaine principale, Robert se trouve vite affecté sur un poste en marge de la chaine : inspecter les portières arrivant de la production, pour sélectionner celles qui ne présentent aucun défaut et les placer sur un autre support. Ces manutentions d’objets lourds et métalliques lui valent de nombreuses coupures aux mains, qu’il protège comme il peut par des bandelettes, ce qui lui vaut le surnom de « La Momie ». Son côté revendicatif lui permet de rencontrer les personnes dans le même état d’esprit et notamment Klatzman (Olivier Gourmet), prêtre-ouvrier et délégué CGT, ce qui lui permet de mieux évaluer le rapport de forces du moment entre la direction et les ouvriers. Dans les esprits, mai 68 appartient désormais au passé et, en gros, tout reste à faire. Mais un début d’organisation permet de monter un petit groupe décidé à faire bouger tout cela. Et puis, Robert qui maîtrise le français, aide un collègue dans des démarches administratives, etc. C’est alors que la direction (représentée par le seul Junot : Denis Podalydès) décide de frapper un grand coup. Un beau matin, les ouvriers trouvent une affiche placardée sur un mur dans l’usine. Le texte indique qu’à partir d’une certaine date et pendant plusieurs semaines, la journée de travail s’arrêtera à 17h45 au lieu de 17h, pour compenser les heures perdues pendant le mois de mai 1968. Concrètement, on ne sait pas comment les choses se sont passées dans l’usine à cette période. Mais, Robert et « son » groupe sont atterrés par cette façon de passer outre les accords de Grenelle. Ils rappellent qu’en France, la grève est un droit. Ce que demande la direction est de travailler 45 minutes par jour gratuitement ! Voilà quelque chose d’inadmissible qui peut justifier une grève et tout ce que Robert prépare depuis longtemps.

Une histoire vraie

Même si on peut imaginer que certains détails soient un peu arrangés pour le cinéma, L’établi (et son astucieux titre à double sens), montre l’essentiel en faisant sentir la dure condition des ouvriers que la direction considère comme des exécutants corvéables à merci, une sorte d’esclavage. Ce que le film montre mais sans parvenir jusqu’au côté insupportable, c’est l’aspect répétitif de certaines tâches qui va jusqu’à l’abrutissement de la personne. Pour cela, il aurait fallu allonger la durée du film qui serait devenu tout autre, moins rythmé par les relations qui s’y tissent. Reste à évaluer la façon dont on voit la progression des revendications, puis de la proportion de grévistes. Là encore, tout cela est convainquant, avec de petits progrès au début, jusqu’au moment où on sent que suffisamment de monde débraye pour que le mouvement évolue vers une vraie grève paralysante, malgré les pressions exercées par la direction qui ne manque pas de moyens et d’idées. On voit quand même que ce mouvement s’essouffle assez rapidement, ce qui amène bien des questions, dont quelques-unes fondamentales.

La grève est-il le seul moyen de démarrer une révolution ?

L’Histoire incite à la prudence. La grève est un moyen de manifester du mécontentement. Sans chercher la révolution, elle peut permettre des avancées. On voit dans le film que la CGT de l’époque louvoie pour progresser, sans imaginer une seconde que la révolution puisse démarrer sur le site de Choisy. Il faut dire qu’inciter à la grève des personnes qui ne touchent que de maigres salaires se révèle fort délicat. Concrètement, il faut vraiment un élément déclencheur, la goutte d’eau qui fait déborder le vase et fait le lien entre les intérêts individuels. Quand les forces physiques vont dans le même sens que celles de l’intellect, tout devient possible.

Une révolution, oui mais pourquoi ?

Une révolution est un moyen radical pour changer de système sans phase de transition. Celles et ceux qui la souhaitent n’en peuvent plus. Mais, lors d’une révolution, les événements peuvent s’emballent et la situation devenir incontrôlable, alors la question du ou des buts ne se pose plus de manière précise. Un ras-le-bol se manifeste et il peut devenir plus ou moins violent. L’objectif est généralement avant tout de détruire les bases du système en place. Pour un révolutionnaire comme Robert, la question qui se pose est à mon avis de savoir si une révolution peut aboutir à quelque chose de positif et durable. En effet, si 1789 a vu l’abolition des privilèges, deux siècles plus tard la société française a évolué et comporte d’autres privilégiés. Philosophiquement parlant, on peut se demander si une révolution n’est pas un simple soubresaut de l’Histoire, celle-ci les enchainant naturellement.

Y a-t-il une recette pour enclencher une révolution ?

Si une telle recette existait, cela se saurait. Certains facteurs peuvent évidemment favoriser son émergence, ce qu’un intellectuel comme Robert sait parfaitement, d’où son engagement en forme de pari, car il accepte de donner de sa personne et de son temps.

Qu’est-ce qui fait craquer Robert, finalement ?

Reste la façon dont tout cela se termine, parce qu’il faut bien une fin. Comme un proche le lui dit au début « Mais après, toi tu retrouveras ta place de prof. Et eux ? » Ce que Robert craint par-dessus tout, c’est d’être considéré comme un menteur. En fait, et même s’il le fait pour la « bonne cause », il agit bel et bien en manipulateur. Quand l’information se diffuse, elle ne fait que s’ajouter à la fatigue (physique et mentale)…

Avec le recul

Et puis cette voiture, la 2CV, longtemps considérée par beaucoup comme l’instrument de leur liberté… Oui mais à quel prix ? Robert sait, mais que dira-t-il à sa fille le jour où elle aura les moyens et l’envie d’en avoir une (entre autres parce qu’elle aura pu faire des études) ? Renvoyé face à ses contradictions, le philosophe risque un constat amer. Alors, si ce film ne présente aucun aspect révolutionnaire ( ! ) dans sa forme, il compense très largement par la force de son sujet porté par toute une équipe et par les réflexions qu’il entraine.

Bande-annonce : L’Établi

Fiche technique : L’Établi

Réalisateur : Mathias Gokalp
Scénaristes : Mathias Gokalp, Nadine Lamari et Marcia Romano : adaptation du livre « L’Établi » de Robert Linhart, publié aux Editions de Minuit (1978)
Avec : Swann Arlaud : Robert Linhart, Denis Podalydès : Junot, Olivier Gourmet : Klatzman, Mélanie Thierry : Nicole, compagne de Robert Linhart, Marie Rivière : mère de Robert Linhart, Lorenzo Lefebvre : Yves, Malek Lamraoui : Ali, Eric Nantchouang : Boubacar, Félix Vannoorenberghe : Jean-Louis, Yasin Houicha : Sadok, Zéli Marbot : fille de Robert et Nicole
Coproduction : France 2 Cinéma – Karé Productions – Scope Pictures – Auvergne-Rhône-Alpes-Cinéma
Distribution : Le Pacte
Sortie française : le 5 avril 2023  – 117 minutes