LeMagduCiné

Avec Alessia, Zidrou et David Merveille nous plongent dans une fresque mélancolique où l’Italie de l’après-guerre se fait le cadre d’une réflexion douce-amère sur le temps, l’art et l’inspiration perdue. À travers les errances du peintre Cactus, individu solitaire et souvent mystérieux, le récit interroge la impermanence et la fugacité de l’existence humaine, tout en offrant une peinture visuelle saisissante d’un été transalpin. 

Le personnage principal, RG Cactus, est un peintre à la renommée établie, bientôt exposé à Paris. Il s’impose surtout au lecteur comme un être singulier : il n’est rien de moins qu’un cactus humain. Il semble, immuable, traverser un monde qui, lui, change inexorablement. En rejoignant la côte amalfitaine, il retrouve des lieux empreints de souvenirs et part à la recherche de ses anciennes muses. Mais ces dernières, usées par les années, semblent avoir perdu de leur éclat d’antan, tout comme Cactus a perdu son élan créatif. Le récit tient en ce sens quelque chose du Billy Wilder de Fedora ou de Sunset Boulevard.

Le voyage proposé par les auteurs se veut autant géographique qu’introspectif. La mélancolie et la nostalgie sont des sentiments qui se renforcent à mesure que le peintre se confronte à la beauté fanée de ses muses et des paysages. On ne peut s’empêcher de penser à une autre filmographie, celle de Paolo Sorrentino, notamment à des œuvres comme Youth ou La Grande Bellezza, où la contemplation du temps qui passe est érigée en cœur du récit. 

David Merveille habille ce dernier d’illustrations aux lignes claires et épurées, avec une légère touche de désuétude. L’Italie des années 50, ses plages, ses ruelles, son atmosphère si particulière sont très bien restituées, et le dessinateur contribue fortement à la méditation sur la nature du temps et de l’inspiration artistique. De leur côté, les dialogues, finement écrits par Zidrou, révèlent une certaine sagacité. Les échanges entre Cactus et ses anciennes muses, comme avec le jeune Napolitain qu’il rencontre, sont souvent empreints d’humour, mais aussi de profondeur. Ils oscillent entre légèreté et gravité, entre la poésie des petits plaisirs du quotidien et la dépression silencieuse des artistes face à leur œuvre ou leur condition.

Alessia n’est cependant pas sans certaines faiblesses. L’idée de faire de Cactus une entité hybride n’est que partiellement exploitée. Et les réflexions esquissées ne font que très peu avancer le récit. Les moments de flottement, à cet égard, pourrait aliéner une partie du lectorat. Zidrou et David Merveille ont beau explorer avec une certaine finesse les thématiques du temps qui passe et de l’inspiration artistique, et clôturer leur histoire par une jolie pirouette, on reste cependant sur un sentiment de trop peu. 

Alessia, Zidrou et David Merveille
Delcourt, octobre 2024, 88 pages

Dans Les Notes rouges, Nadia Nakhlé explore les ravages de la guerre sur les liens familiaux et l’identité personnelle. Après le remarquable Zaza Bizar, qui abordait avec finesse la dysphasie et les angoisses enfantines, l’autrice revient avec un nouveau roman graphique tout aussi sensible, qui mêle habilement esthétique visuelle, enjeux historiques et émotions à fleur de peau.

Nous sommes en 1957, en Pologne. Anna Kowalski, pianiste concertiste de renom, retourne dans la ville qu’elle a fuie lors de la Seconde Guerre mondiale. Portant en elle la douleur indélébile de la disparition de son frère cadet, Dorian, elle espère régler une part de son passé en y retrouvant sa trace. Mais son retour est avant tout un pèlerinage émotionnel, entre culpabilité et espoir, mémoires déchirées et rédemption incertaine.

Anna est hantée par une image : celle du moment où elle a quitté la pièce lorsque les soldats allemands sont arrivés, laissant son frère seul face à l’horreur. C’est un souvenir obsédant, une répétition de questions laissées sans réponse, d’un acte qu’elle interprète comme une trahison. La musique, cette échappatoire qu’elle maîtrise parfaitement, semble incapable de l’aider à faire taire ses démons intérieurs, mais elle porte les espoirs fragiles de ses lettres. Ces lettres adressées à Dorian, comme des bouteilles à la mer, à un frère qu’elle croit perdu mais dont elle n’a jamais cessé de ressentir la présence.

Dorian, lui, a été happé par le mécanisme implacable de la germanisation, ce processus brutal par lequel des milliers d’enfants polonais ont été enlevés, adoptés par des familles allemandes et reprogrammés pour servir l’idéologie nazie. Adopté par un colonel allemand, il grandit sous une nouvelle identité, rejetant peu à peu ses racines polonaises pour survivre. Sa nouvelle vie est marquée par la complexité des sentiments contradictoires : il s’attache à ses parents d’adoption, mais porte en lui une honte sourde, le sentiment d’avoir été déloyal envers sa famille d’origine, d’avoir été détourné de sa propre identité. Les cicatrices invisibles de cet arrachement sont encore profondes, et l’ombre de sa sœur ne cesse de le hanter.

Malgré la distance, Dorian se demande si Anna l’a vraiment abandonné ou s’il est possible qu’elle aussi ait été une victime impuissante des événements. Cette quête inassouvie de réponses et de réconciliation parcourt le récit, rendant tangible le poids du passé et la difficulté de se définir après une enfance dépossédée.

Le récit de Nadia Nakhlé se déploie à travers une structure originale, oscillant entre lettres écrites et narration visuelle. Cette hybridation entre le roman épistolaire et la bande dessinée classique confère à l’œuvre une intimité saisissante. Les mots d’Anna – mélancoliques, passionnés, parfois résignés – côtoient des dessins somptueux et évocateurs. Le trait de Nakhlé, à mi-chemin entre peinture et gravure, insuffle aux pages une atmosphère tantôt douce et apaisée, tantôt tourmentée et prégnante d’angoisse.

Les Notes rouges raconte les trajectoires parallèles de deux âmes perdues qui cherchent à s’émanciper des blessures d’un passé traumatique. Les destins croisés d’Anna et Dorian sont marqués par la persistance de l’espoir, mais aussi par la confrontation à une réalité implacable. Dorian, face à l’horreur du front et aux attentes de sa famille adoptive, se sent à la fois attaché à des personnes qui ne le méritent pas et étranger à lui-même. Anna, quant à elle, lutte pour s’extraire du tourbillon de culpabilité qui l’enveloppe, sans savoir si elle pourra un jour retrouver ce frère qu’elle aime tant.

Les Notes rouges se distingue par la puissance de son imaginaire visuel et par la capacité de Nadia Nakhlé à saisir la mélancolie dans ses nuances les plus subtiles. C’est une réflexion sur la famille, sur la perte et la culpabilité, mais aussi sur la résilience et l’espoir. Le roman graphique porte à croire que, malgré les pires épreuves, l’amour entre une sœur et un frère peut survivre aux ruines de l’Histoire.

Les Notes rouges, Nadia Nakhlé 
Delcourt, octobre 2024, 208 pages

Le dernier récit des auteurs Ram V, Dan Watters et Matthew Roberts, L’Étrange Créature du Lac Noir vit toujours, réactualise avec brio l’un des monstres les plus emblématiques du cinéma d’horreur Universal. L’album est à découvrir aux éditions Urban Comics.

Kate Marsden est une journaliste d’investigation rongée par son passé, poursuivie par un traumatisme qui motive son obstination à débusquer celui qu’elle pense être un meurtrier en série. Dans L’Étrange Créature du Lac Noir vit toujours, elle se retrouve ainsi au centre d’une double traque : celle d’un tueur sans scrupules et d’une créature mythique. Envoyée en Amazonie, elle suit la piste de Darwin Collier, qui sévit dans les environs. Les nuits de Kate sont tourmentées par des cauchemars, probablement amplifiés par les amphétamines qu’elle prend pour échapper à la fatigue, tandis que son enquête la plonge dans une spirale de violence. Comble de l’horreur, le corps du dernier noyé qu’elle tente d’examiner à la morgue a été confisqué par un certain Thompson, docteur lui-même intrigué par une série de morts mystérieuses qu’il cherche à élucider.

C’est ainsi qu’au fil de son enquête, Kate découvre une autre menace, plus ancienne et plus terrifiante encore : l’Étrange Créature du Lac Noir, une entité aquatique qui règne en maître sur son environnement. Les premiers indices de sa présence laissent le lecteur sur une note plutôt déceptive : ses apparitions manquent d’iconisation. Mais la rencontre avec la créature va rapidement prendre de l’ampleur…

Le récit parvient à ancrer la légende de la créature dans une réalité contemporaine, marquée par la destruction de la forêt amazonienne. Les bûcherons qui abattent sans répit les arbres millénaires, et les narcos qui utilisent cette zone comme un terrain de jeu, renforcent l’idée que la vraie menace est avant tout humaine. La créature du lac noir devient ainsi une figure ambivalente, à la fois bourreau et victime, hantant les zones les plus reculées de l’Amazonie où les cadavres se multiplient. « Chaque jour, l’Amazonie brûle un peu plus, et avec elle, ses mystères et les merveilles du monde. »

Le docteur Thompson, scientifique un brin obsessionnel, voit en la multiplication de ces morts par noyade la preuve de l’existence de la créature. Il est prêt à tout pour la capturer et prouver sa théorie. Face à lui, Kate est mue par ses propres motivations : elle veut à tout prix éliminer Darwin Collier, son agresseur, tandis que Thompson cherche à mettre la main sur l’hôte du lac. Chacun poursuit sa propre cible, et cela renforce la tension du récit, tandis que la nature elle-même semble conspirer contre les protagonistes.

Le traumatisme de Kate est évidemment l’un des fils conducteurs de l’histoire. Ayant survécu à une tentative de noyade, elle est ressortie profondément marquée. Elle en vient même à envier un poisson ayant échappé à la mort. « Toi, ça ne te traumatisera pas jusqu’à t’obséder jour et nuit. Il ne te deviendra pas impossible de laisser quiconque toucher ta peau. Ça ne va pas te ronger de l’intérieur, toi. » Ses réflexions, souvent douloureuses, en disent long sur son état psychique et sur les raisons qui la poussent à faire face à Darwin Collier.

La créature du lac devient dans ce contexte une sorte de miroir déformant pour Kate. Lorsqu’elle prononce les mots « Cela fait deux fois maintenant que l’eau imprègne chaque parcelle de mon corps », elle réalise que ses rencontres avec la créature ne sont pas seulement physiques mais aussi psychiques. Un lien étrange se tisse entre eux, suggérant que la créature pourrait être une incarnation de ses peurs profondes, de sa volonté de survivre, mais aussi d’abandonner sa condition humaine.

(Le prochain paragraphe comprend des spoilers)

Dans une scène tout sauf anodine, le personnage de Darwin Collier renvoie directement à Kurtz dans Apocalypse Now. Les deux hommes évoluent dans un monde où les repères moraux se dissolvent. L’image de son crâne chauve dans une grotte, cette déchéance mêlée de folie qui semble l’habiter, l’isolement auquel il s’est soumis le rattachent au personnage de Francis Ford Coppola. Pis, Collier tue dans l’espoir de libérer les instincts primordiaux de ses victimes, en pure perte. Il voit en Kate une égale, une sorte de partenaire qu’il souhaite entraîner dans sa chute. 

L’Étrange Créature du Lac Noir propose une réinterprétation réussie du mythe du monstre aquatique. En confrontant le surnaturel à des enjeux contemporains tels que la déforestation et la destruction de la biodiversité, Ram V, Dan Watters et Matthew Roberts dépassent le simple récit horrifique. À travers le personnage de Kate Marsden, ils interrogent la frontière entre humanité et monstruosité, tout en échafaudant une réflexion pertinente sur les ravages psychologiques de la violence. Un conte moderne où les monstres ne sont pas toujours ceux que l’on croit.

L’Étrange Créature du Lac Noir vit toujours, Ram V, Dan Watters et Matthew Roberts
Urban Comics, octobre 2024, 120 pages

Les éditions Urban Comics publient Dracula, de James Tynion IV et Martin Simmonds. Dans cette nouvelle interprétation du célèbre conte gothique imaginé par Bram Stoker en 1897, nous suivons le Dr John Seward, confronté à un nouveau patient inquiétant, Renfield, dont les témoignages déroutants évoquent à demi-mot un démon ineffable : Dracula. 

Le personnage de Renfield est au cœur de cette réinterprétation. Interné dans l’asile de John Seward, il devient rapidement le centre d’attention avec ses discours délirants et une obsession manifeste pour une figure maléfique, dont le nom est longtemps tu, le comte Dracula. Contrairement à la version originale de Dracula, où Renfield est avant tout un fou incontrôlable et secondaire, ici, il est présenté comme un personnage charnière, voire tragique. Ses histoires semblent incohérentes, mais pour les lecteurs, elles sont empreintes d’une vérité horrible qu’Abraham Van Helsing, autre figure centrale, contribuera à déchiffrer. Cette dimension rend Renfield aussi fascinant qu’effrayant, alors qu’il affirme tirer sa force des insectes et du sang et qu’il semble définitivement sous la coupe de celui qu’il qualifie de « maître ».

L’obsession de Renfield pour le comte prend une dimension presque mystique, mais également corporelle : il refuse qu’on change son sang, proclamant qu’il appartient déjà à son maître. Cette fascination pour des motifs récurrents du genre vampirique est ici explorée avec une grande intensité psychologique. À travers Renfield, c’est toute la folie du mythe du vampire qui prend forme, là où la mort devient une métaphore de la perte de soi. « Je sens sa présence dans mon esprit », sa langue « est tissée de pulsions, d’appétits ».

Bien que non directement vu dans les premières pages, la présence de Dracula se fait sentir partout. James Tynion IV et Martin Simmonds parviennent à recréer une aura de terreur subtile, diffuse, où le monstre n’a pas besoin d’être visible pour dominer les esprits. Que ce soit à travers les visions de Renfield, les étranges événements dans l’entourage de Seward ou encore les attaques mystérieuses contre des marins, Dracula se révèle être une force obscure qui agit dans l’ombre. L’image de l’équipage décimé, évoqué de manière fragmentaire, ajoute à cette terreur sourde : des traces de crocs, des corps vidés de leur sang…

Cette interprétation du comte semble également tirer ses influences des mythes moyenâgeux que les personnages eux-mêmes rejettent d’abord avec scepticisme. Toutefois, les « chimères moyenâgeuses », comme ils les appellent, se révèlent être plus réelles qu’ils ne l’imaginaient. L’idée que Renfield pourrait être porteur d’une maladie du sang, ramenée de Transylvanie, n’est ainsi qu’une énième tentative de rationalisation de l’inexplicable, telles que dans le Frankenstein de Mary Shelley.

Comme dans le roman original, Lucy et Mina jouent un rôle crucial dans cette version revisitée de Dracula. Lucy est attirée par l’étrange et inquiétant comte, jusqu’à devenir la proie de ses morsures. La séduction vampirique prend le pas sur le simple désir de pouvoir. Cette relation dialogique est habilement mise en lumière dans les échanges entre les personnages, où les sous-entendus de pulsions inavouables et d’appétits carnivores teintent chaque mot.

Mina, quant à elle, subit une menace grandissante, d’abord épargnée, puis inexorablement liée au destin tragique que Dracula semble lui réserver. Renfield, profondément troublé par cette situation, ressent une forme d’aliénation, car Mina l’a autrefois traité avec bienveillance. Il se perçoit comme une créature à la fois insignifiante et dégoûtante aux yeux de son maître. Ce jeu entre attraction et répulsion, humanité et monstruosité, où l’esclave est jaloux des prérogatives que son maître réserve à d’autres, est superbement mis en scène par le duo d’artistes.

Alors que Londres sombre peu à peu dans une atmosphère de chaos et de mort, avec un nombre croissant de victimes vidées de leur sang, le récit atteint son climax. Van Helsing, moqué par Seward pour ses théories ésotériques, prend finalement le rôle de l’homme de raison face à l’inexplicable. Et le final demeure un chef-d’œuvre d’émotion et de tension dramatique. Renfield, déchiré entre sa loyauté envers Dracula et ses propres tourments, se met à nu dans une confession poignante. Il révèle sa propre humanité, encore présente sous la folie, faisant écho à la lutte interne de chaque personnage contre l’influence de Dracula. 

Avec Dracula, James Tynion IV et Martin Simmonds réussissent à insuffler une modernité saisissante au mythe tout en conservant l’essence gothique qui a fait le succès du personnage. Les interactions complexes et désordonnées entre Renfield, Seward, Lucy et Mina redonnent une épaisseur psychologique aux personnages. Par ailleurs, les dessins, souvent impressionnants et à la frontière de l’abstrait, renforcent cette atmosphère oppressante et malsaine qui hante chaque page. Une très belle réussite.

Dracula, James Tynion IV et Martin Simmonds 
Urban Comics, octobre 2024, 128 pages

Les Navigateurs, paru aux éditions Delcourt, est le fruit d’une nouvelle collaboration entre l’auteur Serge Lehman et l’illustrateur Stéphane de Caneva. Après avoir déjà enchanté le public avec Métropolis et Les Brigades chimériques, le talentueux duo s’aventure dans un univers où le réel bascule doucement vers le fantastique…

L’histoire, ancrée dans le Paris des années 2010, suit trois amis d’enfance, Max, Arthur et Sébastien. Leurs retrouvailles avec une ancienne camarade, Neige, réactivent des souvenirs doux-amers, mais aussi quelques mystères profondément enfouis. 

L’intrigue débute de manière assez classique, avec le retour inattendu de Neige Agopian, expatriée depuis vingt ans, dans le quartier parisien de la Butte-aux-Cailles, où elle a connu et fréquenté Max, Arthur et Sébastien. Ce quartier devient rapidement le théâtre d’événements troublants, puisque la jeune femme semble avoir disparu dans une fresque signée par un artiste peu connu, disciple d’Odilon Redon. Les autorités se montrent peu enclines à investiguer dans cette voie. Mais certaines d’entre elles seraient toutefois avisées d’un monde parallèle sur lequel les protagonistes ne vont plus cesser d’enquêter.

Max, Arthur et Sébastien portent chacun leurs poids : Arthur, avec son handicap et ses douleurs fantômes, qu’il combat avec de la marijuana ; Sébastien, éternel ronchon dont le caractère vacille entre prudence et témérité ; et Max, écrivain quelque peu désabusé, symbole d’une époque révolue face à la montée du numérique. Comme chez Patrick Modiano, nous sommes donc en présence de personnages qui se heurtent à leur manière à la perte et à l’errance. Un thème qui fait écho au versant fantastique du roman graphique. 

Là où Serge Lehman excelle, c’est dans sa capacité à entremêler des éléments concrets, comme la fresque ou l’histoire personnelle des protagonistes, avec une dimension surnaturelle subtile et progressive, qui s’impose crescendo aux lecteurs. À mesure que Max, Arthur et Sébastien s’enfoncent dans l’enquête, ils découvrent des mondes insoupçonnés, peuplés de créatures étranges et de navigateurs mystérieux. Ces entités rappellent les mythes anciens où les frontières entre l’humain et le divin, entre le réel et l’imaginaire, étaient poreuses. C’est à la fois passionnant et déroutant.

Le choix du noir et blanc se révèle quant à lui non seulement esthétique mais aussi narratif. L’absence de couleur renforce en effet le sentiment d’étrangeté, voire d’irréalité, qui plane tout au long de l’histoire. Ce procédé évoque l’esthétique du film noir, où l’ombre et la lumière jouent également un rôle central dans la construction du suspense. Stéphane de Caneva maîtrise cet art à la perfection, avec un trait soigné et précis, qui fait la part belle aux décors et l’expressivité des personnages. Rien n’est bâclé, tout fait sens.

Au-delà du mystère central de la disparition de Neige et de l’existence des Navigateurs, le récit de Lehman s’intéresse à l’introspection de ses personnages. L’enquête devient en ce sens un prétexte pour explorer leurs failles intimes, leurs secrets et les non-dits qui conditionnent leurs relations. Aussi, à l’instar des œuvres de Lovecraft, où le fantastique naît souvent d’une distorsion du quotidien, Les Navigateurs nous plonge dans un univers où le fantastique devient presque une extension naturelle de la réalité. En témoigne cette vieille femme surnommée « la Tête », en apparence anodine, en réalité cauchemardesque et nantie d’une puissance visuelle remarquable.

Les Navigateurs est une œuvre ambitieuse, à la fois thriller, conte fantastique et réflexion sur l’art et la mémoire. Serge Lehman et Stéphane De Caneva réussissent parfaitement à captiver le lecteur du début à la fin. On s’attache à ce trio dépareillé (le père littéraire et célibataire côtoie l’aventurier du dimanche à l’esprit vagabond), et on l’accompagne avec fascination dans la résolution d’une affaire bien plus dense qu’il n’y paraît. 

Les Navigateurs, Serge Lehman et Stéphane de Caneva 
Delcourt, octobre 2024, 208 pages

Publié en 1943, L’Armée des ombres est l’une des œuvres littéraires majeures de Joseph Kessel, un écrivain engagé qui a lui-même participé à la Résistance française. Ce roman, qui s’appuient sur des événements et témoignages de première main, dresse un tableau poignant des héros anonymes qui ont lutté contre l’Occupation allemande pendant la Seconde Guerre mondiale. Il est aujourd’hui adapté en bande dessinée, aux éditions Philéas, par JD Morvan, Emmanuel Moynot et Benoît Lacou.

L’Armée des ombres raconte l’histoire de Philippe Gerbier, un intellectuel devenu résistant. Arrêté par la Gestapo, il s’évade et reprend contact avec les autres membres de la Résistance. Le roman graphique alterne ensuite entre les différentes actions clandestines de ce réseau, les menaces de trahison et la traque inlassable menée par les forces allemandes.

Gerbier n’agit évidemment pas seul, puisqu’il est entouré de compagnons d’armes aussi fidèles qu’obstinés, tels que Mathilde, Félix ou Jean-François. Les opérations périlleuses qu’ils orchestrent mêlent sabotage, évasion de prisonniers, exécutions de traîtres, communications clandestins, etc.

L’album aborde plusieurs thèmes majeurs qui, ensemble, laissent transparaître un portrait à la fois lucide et tragique de la Résistance. Parmi eux : le sacrifice, pluriel et permanent. Chaque personnage doit affronter les dilemmes du don de soi, du renoncement (notamment familial, comme par exemple pour Mathilde), de l’entorse à certains principes (l’assassinat), le tout au nom d’une cause plus grande. Ce sacrifice ne concerne pas seulement la mort physique, mais aussi la perte de l’innocence, des idéaux et parfois même d’une partie de leur humanité.

L’une des scènes les plus marquantes de L’Armée des ombres concerne d’ailleurs l’exécution d’un traître. Dans ce monde clandestin, personne n’est à l’abri de la délation, qu’elle soit volontaire ou arrachée sous la torture. Et même dans ce dernier cas, il faut agir en conséquence et tuer le mal à la racine. C’est ainsi qu’un garagiste peut se muer, pour le bien de la Résistance, en bourreau, et priver de vie celui qui, quelques heures plus tôt, était encore considéré comme un partenaire, parfois même comme un ami.

« Il survit sans feu ni lieu, traqué, obscur, fantôme de lui-même. » C’est ainsi qu’est décrit le résistant dans L’Armée des ombres. Il doit renoncer à son identité, veiller à protéger sa couverture mais aussi ses proches, faire avancer la cause tout en n’éveillant pas les soupçons de la Gestapo. L’exercice est délicat, harassant, immensément dangereux. En toile de fond, c’est l’idée de l’ombre qui prend tout son sens. Les résistants sont des figures insaisissables qui vivent cachées, opérant dans les angles morts de la société.

Basé sur des faits réels, L’Armée des ombres rend hommage à une génération sacrifiée et héroïque qui a refusé de se soumettre à l’occupant nazi. Il exprime le coût humain, émotionnel et moral de cette guerre clandestine, où l’on meurt sans éclat mais avec la conviction de défendre une cause juste. On peut trouver du courage suite aux annonces de Radio Londres ou grâce à l’hospitalité des paysans qui refusent de collaborer avec l’Occupant, mais il n’en demeure pas moins que le tribut de l’insoumission est accablant. Tout cela, ce somptueux roman graphique le restitue en clerc.

L’Armée des ombres, Joseph Kessel, JD Morvan, Emmanuel Moynot et Benoît Lacou
Phileas, octobre 2024, 136 pages

Le premier tome de Wyoming 1863 nous transporte dans l’Amérique sauvage du XIXe siècle, avec ses terres arides, ses querelles violentes et ses récits de vengeance. Jean-François Di Giorgio s’aventure ici dans le genre western, avec des personnages torturés, une intrigue haletante et les dessins immersifs de Fabrizio Des Dorides, pour une trilogie prometteuse.

En 1863, le Wyoming est encore un territoire sauvage où règnent les convoitises et la brutalité. L’absence de grandes richesses naturelles comme l’or, trouvées ailleurs dans l’Ouest américain, n’empêche pas le développement de tensions, violentes, voire mortelles, et exacerbées autour de la terre et du bétail. Le Far West est dominé par des lois informelles : la possession des chevaux et la maîtrise des armes à feu décident souvent de la survie et du statut de ceux qui s’y aventurent.

Jean-François Di Giorgio tisse dans ce contexte plusieurs récits entrelacés : celui d’Emma Bridges, une femme brisée cherchant à retrouver ses filles, celui de Bill, un jeune homme sournois traînant des desseins mystérieux, et enfin celui de Diego, chef d’une bande mexicaine qui attaque les ranchs de la région pour voler du bétail. Ces trois trajectoires sont évidemment appelées à se rejoindre au cœur d’une intrigue où la vengeance constitue le moteur principal de leurs actions.

La structure narrative de Wyoming 1863 repose ainsi sur trois intrigues distinctes mais inextricablement liées. Emma Bridges, figure centrale de ce récit, se révèle être une héroïne atypique. Armée de son flingue et habitée par une soif de vengeance, elle n’a plus rien à perdre après le massacre de ses proches. Sa quête, teintée de désespoir et de rage, rappelle les archétypes féminins forts du western moderne, un peu comme l’héroïne de True Grit des frères Coen, mais avec une gravité émotionnelle d’autant plus ancrée dans la perte familiale.

À ses côtés, Bill incarne la duplicité. Ce jeune homme, fiancé à une riche héritière, semble nourrir des projets bien plus sombres que ce qu’il laisse paraître. Sa relation avec son beau-père, propriétaire du Creek Ranch, renferme des secrets que le lecteur ne peut encore percer… Enfin, Diego et ses hommes mexicains représentent, de manière plus archétypale, une menace sauvage et anarchique. Leur bande de malfrats sème le chaos dans la région, volant et tuant sans pitié. 

Fabrizio Des Dorides excelle dans le découpage des cases et l’usage d’inserts pour renforcer la caractérisation des protagonistes et le rythme infernal de l’intrigue. Les paysages vastes du Wyoming, tout comme les intérieurs riches et cossus du Creek Ranch, sont rendus avec réalisme, à l’instar de cette représentation sans concession de la violence, tant physique qu’émotionnelle.

Ce premier tome, intitulé Cinq jours pour mourir, pose les bases d’un récit complexe où chaque personnage cache une part d’ombre. Jean-François Di Giorgio charpente une narration au cordeau marquée par des non-dits et des mystères à résoudre dans les tomes suivants. Le lecteur se retrouve ainsi en pleine attente, avec plus de questions que de réponses. Quid des filles d’Emma ? Quels sont les véritables projets de Bill ? Et jusqu’où Diego et les siens sont-il prêts à aller pour imposer leur loi dans cette région reculée ? Autant d’interrogations qui trouvent écho dans les dernières mais aussi la première page de l’album.

Entrée en matière efficace, ce premier volume pose des bases solides pour une trilogie prometteuse, où le destin des personnages est inextricablement lié à la violence et la vengeance. Le Far West, dans toute sa brutalité, est parfaitement représenté, et l’on attend impatiemment la suite des aventures d’Emma Bridges et de ses compagnons d’infortune.

Wyoming 1863, Jean-François Di Giorgio et Fabrizio Des Dorides  
Soleil, octobre 2024, 52 pages