LeMagduCiné

Le tournoi était la promesse manquante du reboot de 2021, son péché originel, la colonne vertébrale mythologique de la franchise réduite à une note de bas de page. Mortal Kombat II arrive donc chargé d’une dette et d’un espoir sincère : non pas que le film soit grand et révolutionnaire, mais qu’il sache enfin ce qu’il veut être. Warner Bros. avait misé gros sur l’événement, repoussant la sortie de plusieurs mois pour lui donner toute l’envergure d’un blockbuster estival. Mais dans l’histoire de cette franchise au cinéma, savoir ce qu’on veut sans savoir comment le faire, c’est une fatalité qui se répète.

Simon McQuoid avait confié vouloir éviter la simple structure sportive du tournoi en y greffant les codes du film de braquage. L’idée est séduisante sur le papier, en donnant ainsi à chaque personnage un rôle actif dans une mécanique d’ensemble, en rompant avec la linéarité des affrontements et en créant de la tension en dehors de l’arène. À l’écran, la greffe ne prend pas vraiment. Le McGuffin d’une amulette, censé pimenter une confrontation déséquilibrée entre le seigneur de l’Outwold, Shao Kahn, et ses adversaires, vire rapidement au rembourrage narratif. La sous-intrigue ne complexifie pas davantage le récit, mais le dilue, dispersant une attention déjà sollicitée par une galerie de personnages à gérer. Et elle atténue précisément ce qui aurait dû être le moteur émotionnel du film : la trajectoire de Kitana.

Car le scénario de Jeremy Slater, dans sa dernière ligne droite, devient illisible. Les enjeux se multiplient sans jamais se hiérarchiser. Le tournoi, enfin présent, finit par se noyer dans ses propres ambitions, comme si la franchise avait voulu tout y mettre, sans concession. Et dans cette inflation de personnages et d’enjeux, ce sont les figures les plus attendues qui paient le prix fort.

Trop de kombattants, pas assez de combats

Le producteur Bennett Walsh en fait une fierté : dix-huit protagonistes. Le chiffre était censé impressionner, mais il finit surtout par accabler. Liu Kang, Sonya Blade, Jax, Sindel, Jade… autant de figures qui n’existent ici qu’à l’état de présences spectrales, suffisamment visibles pour satisfaire l’inventaire des fans et trop peu développées pour peser sur le récit. Ils apparaissent dans l’arène, frappent, puis disparaissent. Ce n’est plus de la mise en scène, c’est une gestion de stock.

La rupture avec le premier volet est à ce titre révélatrice. Aussi bancal qu’il fût, le reboot de 2021 avait au moins pris soin de composer quelques séquences mémorables, dont un combat à la fusée éclairante et quelques mises à mort qui laissaient des traces. Ici, les affrontements se succèdent trop rapidement pour que l’un d’eux se démarque. Le cas Cole Young illustre parfaitement cette logique de capitulation. Personnage inédit du reboot, descendant de la lignée de Scorpion, il avait essuyé les huées des fans qui refusaient qu’un inconnu occupe la place de Liu Kang. Plutôt que d’assumer ce pari et de lui donner enfin sa pleine légitimité, Mortal Kombat II préfère l’effacer discrètement. C’est une forme de lâcheté narrative que d’admettre qu’on a eu tort sans avoir le courage de se corriger vraiment. Liu Kang, lui, attend toujours son heure avec patience, conscient qu’on lui réserve le troisième chapitre de cette trilogie. Sa mise en retrait n’est pas un choix dramaturgique, c’est une promesse différée de plus.

Des morts surviennent pourtant, autant du côté des champions de la Terre que de l’Outworld, souvent mutilés pour le plaisir du gore, sans que le film ait pris la peine de nous attacher à quiconque. Si la logique respecte celle du jeu vidéo, où l’on envoie son personnage au casse-pipe avec une certaine désinvolture, elle ne suffit pas à masquer le vide affectif qui entoure ces sacrifices. Seul les duels entre Johnny Cage/Baraka et Liu Kang/Kung Lao échappent à cette observation, justement parce que ce ne sont pas, à proprement parler, de « combats à mort ». C’est l’exception qui confirme la règle.

Ce que le film réussit en revanche, c’est sa générosité visuelle envers la mythologie du jeu. Les arènes iconiques, comme le donjon du Pit avec ses pics au sol, le Dead Pool et ses rivières d’acide, témoignent d’un vrai soin de reconstitution. Le royaume d’Edenia, déployé en ouverture avec une ambition bienvenue, installe des enjeux clairs et donne enfin à la franchise une géographie que l’œil peut habiter. Les costumes sont au petit soin également. C’est là que le film se montre à la hauteur de son héritage, mais des décors fidèles ne peut tenir tout un récit.

La promesse Cage

Dans ce ballet de présences mal exploitées, Johnny Cage devait être l’exception et la grande promesse du film, le personnage dont l’absence avait été le manque le plus criant du premier opus. Karl Urban, que l’on a vu composer avec une conviction rare des figures d’anti-héros abîmés dans Dredd puis dans The Boys, avait tout pour habiter ce registre. Il a le charisme, l’humour grinçant et cette capacité à donner de la profondeur à des hommes qui n’en méritent a priori pas. Il s’en sort, mais le film l’en empêche à moitié.

Car Cage est ici trop longtemps réduit à sa condition de candide méta, l’acteur qui commente sa propre déchéance avec un détachement d’auteur, plutôt que de la vivre de l’intérieur. L’autodérision fonctionne par éclats, mais elle court-circuite l’attachement. Il y avait une profondeur dans laquelle le film ne s’aventure pas : celle d’un homme qui envisage de quitter définitivement le ring, et que la nécessité force à y revenir. Cette tension, entre l’envie d’en finir et l’impossibilité de se dérober, aurait fait de Cage un merveilleux personnage de cette saga. Mais le film en fait souvent une attraction.

Le problème n’est d’ailleurs pas tant la légèreté en elle-même. Dans un univers aussi outrancier, l’humour est non seulement bienvenu mais nécessaire. C’est son dosage qui cloche. Josh Lawson retrouve Kano avec un abattage intact, mais le film le laisse étirer ses blagues avec une insistance qui finit par peser. Chaque réplique en appelant une autre, chaque gag étirant son tempo jusqu’à l’épuisement et Kano devient moins un contrepoint comique qu’une source d’irritation croissante. Cage, plus retenu, s’en tire mieux, mais l’ensemble du film confond légèreté et désinvolture, et tombe dans le piège du cringe là où il visait le second degré.

Kitana et l’émotion escamotée

La vraie révélation du film n’est donc pas celle qu’on attendait. Adeline Rudolph s’impose en Kitana, princesse guerrière d’Edenia et fille endeuillée, avec une autorité tranquille. Son arc est pourtant celui qui aurait dû structurer l’ensemble. Elle est élevée dans l’ombre d’un tyran après le meurtre de son père, liée à Jade par une loyauté que la révolte commence à fissurer, et décidée à renverser Shao Kahn au moment précis où le tournoi lui en offre l’occasion. C’est le seul personnage du film dont la trajectoire dessine quelque chose qui ressemble vraiment à un drame.

Mais le film n’ose pas aller au bout. La relation entre Kitana, Jade et Shao Kahn, triangle filial que l’on ne peut s’empêcher de comparer au trio Thanos-Gamora-Nebula du MCU, en beaucoup moins développé, reste en arrière-plan, étouffée par la logique du tournoi et les impératifs du fan service. On entrevoit alors ce que le film aurait pu être s’il avait choisi Kitana pour centre de gravité.

En face, le culturiste Martyn Ford campe un Shao Kahn dont la stature physique impose une menace immédiate, animale, sans que le film ait besoin de l’expliquer. C’est le genre de corps qui occupe l’espace d’une façon que les effets numériques ne pourront jamais entièrement reproduire. Que le personnage et ses pouvoirs soient peu écrits importe moins que cette matérialité écrasante. Dans un film qui souffre souvent d’un trop-plein de CGI, Shao Kahn a au moins le mérite d’exister physiquement. Ce qui n’est pas rien, quand tout le reste flotte.

Cinématiques sans arcade

Ce flottement, on le retrouve dans les combats eux-mêmes, pourtant censés être le cœur de l’expérience. On fournit des efforts de chorégraphie pour les rendre ludique et les fatalities, plus sanglantes que dans le premier opus, honorent l’héritage gore de la franchise. Mais le film survole trop d’affrontements pour en laisser un seul vraiment respirer et ne sait pas toujours comment mettre en scène les Arcanas. Le montage cut, déjà problématique en 2021, s’est à peine assagi. Et les ralentis, censés sublimer chaque impact, finissent par les annuler.

Ce qui manque surtout, c’est la lisibilité des disciplines. Le premier volet, malgré ses défauts, dessinait des identités martiales reconnaissables. Le MMA de Cole Young apportait une rugosité contemporaine au contact du Wing Chun de Kung Lao et du Jeet Kune Do de Liu Kang. Une façon de donner à chaque personnage un langage corporel distinct, une grammaire de combat qui en disait autant que le scénario sur qui ils étaient. Cette suite ne prend pas la peine de prolonger cet effort. Les arts martiaux sont présents, mais confondus dans une logique de spectacle qui privilégie l’effet sur la lecture.

Quant à la musique de Benjamin Wallfisch, elle tourne en rond là où elle devrait monter en intensité. Elle reste sans motif musical, fonctionnelle et oubliable, comme dans le premier film. Pire encore : Techno Syndrome, ou sa timide réorchestration, signature musicale immédiatement reconnaissable de la franchise, est relégué au générique de fin. Symptôme révélateur d’un film n’ose pas son propre héritage. Il le convoque au dernier moment, comme un aveu tardif de ce qu’il aurait pu être.

Fatality manquée

Puis vient le climax, qui confirme tous les défauts accumulés depuis l’ouverture. Le retour de Scorpion et Sub-Zero dans les dernières minutes relève du caprice de fan service pur. Convoqués sans préparation dramatique, leur rivalité emblématique, l’une des plus riches de la franchise, est réduite à une apparition qui n’apporte rien au récit. C’est la logique de la borne d’arcade poussée jusqu’à l’absurde, en rejouant les mêmes duels parce que le public les reconnaît, sans se demander ce qu’ils signifient dans ce contexte. Le résultat est un chaos total, avec plusieurs enjeux simultanés qui, au lieu de s’additionner, s’annulent mutuellement. La tension se dilue à chaque coupe et on ne sait plus à quel affrontement s’attacher, notamment dans le Netherrealm.

À quelques mois d’un reboot délibérément kitsch de son rival juré, Street Fighter, dont la nouvelle adaptation s’annonce peut-être avec une impertinence que Mortal Kombat II n’aura pas su trouver, la franchise de McQuoid manque l’occasion de marquer les esprits avec l’univers riche et sanglant qui continue de faire sa gloire. En cherchant à satisfaire les fans à tout prix, le film a oublié de se construire un point de vue.

Tout cela ne l’empêchera pas de trouver son public et probablement de cartonner. Il y a une clientèle pour ce genre de plaisir régressif et assumé, qui vient en découdre avec des fatalities bien gores et des personnages qu’on aime depuis l’enfance. Ce public-là repartira satisfait, et il aura ses raisons. Mais ce n’est pas parce que Mortal Kombat II est un divertissement populaire qu’on ne peut pas s’étouffer avec son pop-corn. Le film trébuche sur sa propre fatalité. À force de vouloir tout donner, il retient ses coups. Kitana et Johnny Cage méritaient un meilleur film. L’ensemble reste une occasion manquée, plus frustrante que le vide clinique du premier opus, parce que les promesses y étaient plus grandes et les moyens plus conséquents.

Mortal Kombat II – bande-annonce

Mortal Kombat II – fiche technique

Réalisation : Simon McQuoid
Scénario : Jeremy Slater, d’après la série de jeux vidéo Mortal Kombat créée par Ed Boon et John Tobias
Interprètes : Karl Urban, Martyn Ford, Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman, Chin Han, Tadanobu Asano, Joe Taslim, Hiroyuki Sanada
Photographie : Stephen F. Windon
Direction artistique : Loretta Cosgrove, Michael Turner, Tom Nursey
Décors : Yôhei Taneda
Costumes : Cappi Ireland
Montage : Stuart Levy
Musique : Benjamin Wallfisch
Producteurs : Toby Emmerich, James Wan, Todd Garner, Simon McQuoid, E. Bennett Walsh
Sociétés de production : New Line Cinema, Atomic Monster, Broken Road Productions
Pays de production : États-Unis, Australie
Société de distribution France : Warner Bros. Pictures
Durée : 1h56
Genre : Action, Fantastique, Aventure, Arts Martiaux
Date de sortie France : 6 mai 2026

Que reste-t-il d’un homme après sa disparition ? Des objets éparpillés, quelques photos jaunies, et surtout les souvenirs contradictoires de ceux qui l’ont connu. Ryōta Nakano filme ce qui subsiste dans les interstices du deuil : cette étrange cohabitation entre rancœur et tendresse, entre le besoin d’oublier et l’urgence de comprendre. Mon grand frère et moi est une enquête intime sur l’absent, menée par ceux qu’il a laissé derrière lui.

Si la mort ou l’expérience de mort imminente fait partie des thèmes majeurs de Ryōta Nakano, ce dernier n’oublie jamais les motifs de réconciliation qui les encadrent. Mon grand frère et moi ne déroge pas à la règle et trouve un certain équilibre dans la manière d’appréhender l’absence d’un proche.

Capturing Dad et La Famille Asada avaient déjà cette fascination pour la mémoire des défunts à travers l’objectif d’une caméra. Quant à Her Love Boils Bathwater et A Long Goodbye, ils exploitaient en profondeur l’attente avant la disparition physique, mentale et émotionnelle d’un être cher. Nakano apprécie étudier ces personnages qui lèguent derrière eux une aura bienveillante, même lorsque les protagonistes se sont perdus de vue.

Quand la vérité en cache une autre

Ayant fini par couper les ponts avec son frère aîné suite au décès de leurs parents, Riko est stupéfaite d’apprendre sa disparition définitive. Contrainte de prendre en charge ses funérailles et de remettre de l’ordre dans une vie qui lui est pratiquement inconnue, à des kilomètres de son foyer où semble régner une belle harmonie entre sa carrière de romancière et son rôle de mère, elle embarque dans une aventure qui n’attendait plus qu’elle pour honorer la mémoire d’un être qu’elle a longtemps rejeté.

Elle laisse ainsi derrière elle son époux et ses deux enfants, en espérant évacuer une amertume dont elle ne parvient pas à se défaire. La réponse se trouve évidemment dans la relation avec son défunt frère, qui s’occupait seul de son fils Kyoichi suite à son divorce d’avec Kanako. Cette dernière a également élevé seule leur fille Marina. Riko rejoint alors son ex-belle-sœur et sa nièce pour remettre de l’ordre chez le défunt et ne pas laisser Kyoichi sombrer tel un orphelin sans repères.

Toute la trame reste assez classique, avec les rites funéraires jusqu’au nettoyage complet du logement du frère, en passant par la récolte des cendres et des os. Pourtant, tout semble d’abord amplifier le portrait d’un homme raté et manipulateur, qui se complaît dans le mensonge pour soutirer quelques billets à ses proches. Nakano joue évidemment sur chacun de ces leviers à la disposition de Riko et du spectateur pour prendre à contrepied les rancunes à son égard.

Riko, Kanako et Marina s’empressent de jeter les affaires du défunt en prenant du recul sur sa véritable personnalité. Et ce sont dans les détails, comme de vieilles photos qui trônent dans le salon, un sachet de nouilles ou une simple lettre de motivation, que l’on devine la complexité de ce personnage, qui était autrefois le chouchou de la famille tandis que Riko est toujours restée dans l’ombre de son frère.

Son portrait demeure abstrait aux yeux de Riko qui le mésestimait, et le but de toute cette aventure est de lui rendre hommage avec clairvoyance. À travers les pauses où elle rédige un journal de bord, Riko transforme cette enquête intime en histoire, cherchant ainsi à immortaliser la mémoire de son grand frère à sa manière. Ce film nous rappelle que les petits mensonges font parfois la force des grandes familles.

Une douleur légère et passagère

C’est autant dans les confessions des protagonistes vis-à-vis du défunt que dans les petits gestes de tendresse pour honorer sa mémoire que le film gagne en maturité. Filmé avec une proximité et une sobriété qui rappellent Hirokazu Kore-eda, Mon grand frère et moi nous rappelle la puissance du pardon. Et le réalisateur le fait avec un humour tout à fait bienvenu et intime, prouvant que cet épisode centré sur le deuil peut faire rire avec beaucoup de malice.

Là où Departures de Yōjirō Takita prenait grand soin de reconstituer le fardeau des pompes funèbres, Ryōta Nakano préfère rire de cette activité économiquement confortable. Mais l’humour n’est pas égal dans l’ensemble, comme si le réalisateur hésitait à pleinement assumer sa comédie sur le deuil. Certains gags fonctionnent, mais d’autres n’héritent pas toujours du meilleur timing pour gagner la complicité du public.

Le rythme et la structure du récit contrecarrent parfois cette légèreté, en choisissant notamment d’exploiter le personnage de Kyoichi dans un dernier acte qui se fait attendre. Dans un élan de délivrance et de tendresse qui économise les mots au service de la subtilité et du regard des comédiens, on atteint véritablement le cœur de cette intrigue qui assume pleinement son parti pris à la fois comique et spirituel. Mais avant cela, il s’agit de restituer cet espace de sérénité et de bonheur partagé avec l’image d’un frère, d’un époux et d’un père attentionné.

Sans surprise, on avance dans un récit où les révélations éclosent au rythme des bourgeons du printemps. La narration de Nakano reste toujours lente mais contemplative. Cependant, elle part parfois dans tous les sens, malgré la volonté et la sincérité de bien faire. On pense à un segment qui rappelle l’épisode du tsunami de 2011, que le cinéaste avait déjà exploré dans La Famille Asada. Mais ici, c’est davantage décoratif dans un film qui se veut plus intimiste et proche de son sujet d’étude : un personnage encombrant, même après sa mort.

En somme, Mon grand frère et moi est une œuvre imparfaite mais sincère, qui célèbre la mémoire d’un être aimé avec une douceur malicieuse. Ryōta Nakano nous invite à suivre ce petit groupe qui tente de repartir avec les meilleurs souvenirs possibles de ce « grand frère », sans qui cette courte escapade n’aurait pas eu lieu. Entre contemplation printanière et humour tendre, voire onirique, le film rappelle que le deuil n’est pas seulement une affaire de larmes, mais aussi de réconciliation. Un voyage émotionnel qui, malgré quelques hésitations narratives, touche juste là où il compte : dans la reconnaissance de notre humanité imparfaite.

Mon grand frère et moi – bande-annonce

Mon grand frère et moi – fiche technique

Titre original : 兄を持ち運べるサイズに
Titre international : Bring Him Down to a Portable Size
Réalisation : Ryōta Nakano
Scénario : Ryōta Nakano, d’après le livre de Riko Murai ANI NO SHIMAI
Interprètes : Hikari Mitsushima, Joe Odagiri, Ko Shibasaki, Aoyama Himeno, Yota Mimoto, Yôichirô Saitô
Photographie : Hiroshi Iwanaga
Décors : Sakura Sakaki
Costumes : Yukiko Nishidome
Montage : Ryuichi Takita
Musique : Hiroko Sebu
Producteurs : Satoshi Goto, Shinji Ogawa, Takeshi Katayama, Yusuke Wakabayashi, Megumi Kubota
Sociétés de production : BRIDGEHEAD, CULTURE ENTERTAINMENT, TC ENTERTAINMENT, TV TOKYO, DINSONG CULTURE LTD, PIPELINE
Pays de production : Japon
Société de distribution : Art House Films
Durée : 2h07
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 6 mai 2026

Dans Die My Love, Jennifer Lawrence incarne une femme en déséquilibre dans l’Amérique rurale, filmée par Lynne Ramsay comme une expérience sensorielle assez radicale. Entre maternité, isolement et dérive intime, le film refuse tout parti pris pour mieux nous faire ressentir l’effondrement de l’intérieur.

Synopsis : Grace et Jackson fuient New York et décident de fonder une famille dans l’immensité sauvage du Montana. Mais quand leur fils naît, lasse et en proie à une solitude grandissante, Grace sent sa réalité lui échapper. Peu à peu, elle perd pied, fragilisée par une maternité qu’elle affronte presque seule.

Melancholia

Il y a des films qui expliquent, et d’autres qui donnent à éprouver. Die My Love appartient sans hésitation à la seconde catégorie.

Dès les premières minutes, une sensation : celle d’un glissement presque imperceptible hors du réel. Celle d’une catastrophe annoncée, à l’instar d’un film d’horreur de série B. La scène est filmée de l’intérieur d’une maison très délabrée, comme par une caméra subjective maléfique qui attend de pied ferme les deux personnages de Jennifer Lawrence et de Robert Pattinson : Grace et Jackson. Le film installe un enfermement. Jackson ayant hérité de cette maison dans le Montana profond et profondément rural, le couple a quitté New York pour se ressourcer au calme et s’abandonner à leurs arts respectifs : l’écriture et la musique.

Mais rien ne se passe comme prévu. La vie pleine de promesses et de plaisirs tourne au cauchemar après la naissance de leur premier enfant.

Ce qui s’impose d’abord, c’est une empathie profonde pour une femme prisonnière d’un état qu’aucune explication ne vient véritablement contenir. Un traumatisme d’enfance est évoqué, tardivement, sans jamais suffire à éclairer ce qui se joue. Grace elle-même semble peu convaincue par ce souvenir. Et c’est précisément ce refus de la causalité simple qui fait la force du film.

Ni la maternité, ni l’isolement, ni le déménagement ne sont apparemment désignés comme responsables. Mais tout, ensemble, agit comme un déclencheur. Ce n’est pas l’enfant qui fissure, — on voit même qu’il est au contraire la seule chose qui tient Grace dans l’axe de la « normalité ». C’est l’enfant qui révèle, comme une sorte de détonateur. Là où We Need to Talk About Kevin, déjà signé Lynne Ramsay, interrogeait la maternité à travers la figure d’un enfant perçu comme porteur du mal, Die My Love inverse la perspective : l’enfant est l’élément positif dans l’histoire.

On peut dire que le film est quasi intégralement porté par Jennifer Lawrence. La bande-annonce pouvait faire craindre un retour à l’expérience éprouvante de Mother!. Il n’en est heureusement rien. Là où ce film reposait sur une logique d’allégorie parfois écrasante, Die My Love choisit l’incarnation pure. L’actrice y est remarquable : totalement engagée — d’autant plus troublant qu’elle était enceinte pendant le tournage — sans jamais tomber dans le cabotinage. Elle ne joue pas la dérive, elle la traverse. C’est une performance à vif, sans effet, sans protection. Ce qui est insupportable pour certains, qui y voient du surjeu. Mais l’ayant découverte dans le bouleversant Winter’s Bone de Debra Granik, qui l’a révélée, on pense plutôt à un cycle d’acting qui se clôt pour repartir de plus belle.

Face à elle, Robert Pattinson incarne une figure qu’il semble désormais creuser avec constance : de The Lighthouse à Mickey 17, en passant par The Drama, il incarne l’homme ordinaire, légèrement en retrait, dépassé par ce qui le dépasse. Il agit sans grande maîtrise ni de lui-même, ni de ce qui l’entoure. Dans Die My Love, cette inadéquation devient encore plus intime. Car son personnage aime, sincèrement. Il est présent, mais reste à la surface de ce qui lui échappe. Et face à cette femme qui ne demande qu’à être regardée de l’intérieur, cette incapacité finit par devenir une forme de violence involontaire.

La mise en scène de Lynne Ramsay ne cherche jamais à expliquer. Elle cherche à faire ressentir. Elle choisit l’enfermement du format carré, les sons agressifs, les couleurs saturées. Chaque élément du réel devient excessif, comme filtré par une perception altérée, celle de Grace. Les images se fondent entre souvenir, fantasme et réalité nimbées de nuit américaine, sans jamais signaler leur statut.

Et c’est là qu’on distingue clairement le film du Mother! cité plus haut, dont le vacarme est extérieur et pouvait être ressenti comme une agression. Ici, le trouble est intérieur et plus progressif. Paradoxalement, il en devient plus lisible.

Au-delà de la dérive de Grace, Die My Love dessine un paysage humain bouleversant, car profondément isolé. Jackson mange seul au coin d’une table d’un diner. Sa mère, incarnée formidablement par Sissy Spacek, veille, retranchée. L’enfant lui-même semble flotter en périphérie. Le film refuse toute simplification qui consiste notamment pour certains à le réduire en un film sur la dépression post-partum. C’est un film sur une faille, sur un moment où plusieurs lignes de fracture se rencontrent, et c’est ce qui en fait probablement l’un des — si ce n’est le — meilleurs films de Lynne Ramsay.

Retrouvez également notre critique lors du Festival de Cannes 2025, ainsi qu’une carte blanche.

🎬 Die my Love – Bande-annonce

Die my Love – Fiche technique

Réalisateur : Lynne Ramsay
Scénario : Lynne Ramsay, Enda Walsh, Alice Birch (d’après le roman Crève, mon amour d’Ariana Harwicz)
Interprètes : Jennifer Lawrence (Grace), Robert Pattinson (Jackson), Sissy Spacek (Pam), Nick Nolte (Harry)
Photographie : Seamus McGarvey
Montage : Toni Froschhammer
Musique : Raife Burchel, Lynne Ramsay, George Vjestica
Producteurs : Martin Scorsese, Justine Ciarrocchi, Jennifer Lawrence, Andrea Calderwood, Trent Luckinbill, Molly Smith
Sociétés de production : Black Label Media, Excellent Cadaver
Société de distribution (France) : BAC Films
Durée : 1h58
Genre : Drame psychologique
Date de sortie (France) : 29 Avril 2026

Après son court-métrage éponyme, Eva Libertad étend l’histoire de Sorda. Un nouvel opus nécessaire qui interroge la parentalité, dans le bruit du silence.

Synopsis : Sourde de naissance, Ángela attend son premier enfant avec Héctor, son partenaire. Face à l’inconnu que représente la maternité dans un monde pensé pour les entendants, elle s’inquiète.

Un long-métrage remarqué

En abordant des thèmes comme la parentalité, la transmission et le désir profond d’Ángela d’être vue et reconnue par son enfant, Sorda s’affirme comme un film essentiel. La réalisatrice confie d’ailleurs que l’objectif de ce long-métrage est d’approfondir le lien entre le monde des personnes sourdes et celui des entendants. Sur ce point, le pari est pleinement réussi.

Par son rythme maîtrisé, le film nous fait entrer progressivement dans l’univers de la protagoniste. On passe d’une mise en abime idyllique à un crescendo de complications. Avec l’arrivée de cette nouvelle vie, une question subsiste : comment devient-on mère dans un monde qui n’est pas pensé pour nous ?

Évoluer dans un environnement médical peu adapté, découvrir sa maternité et créer un lien avec son enfant entendant sont autant de défis auxquels Ángela est confrontée. Eva Libertad réussit brillamment à faire ressentir les peurs, les doutes et les frustrations de sa protagoniste, tout en illustrant la dualité de sa relation avec Héctor, alors qu’ils apprennent à devenir parents et à concilier leurs deux mondes.

Grâce à une réalisation sensorielle et une utilisation immersive d’effets sonores, la réalisatrice réussit à créer une expérience profonde, presque intime, entre Ángela et le public. Un tour de force qui lui aura valu, entre autres, trois Goyas et un prix du public dans la catégorie « Panorama » à la Berlinale 2025.

Une affaire de famille

Pour Sorda, Eva Libertad confie le rôle principal à sa sœur, Miriam Garlo, qui nous offre une performance délicate, qui lui aura d’ailleurs valu le Goya du meilleur espoir féminin.

Si l’actrice est elle-même malentendante, Eva Libertad rappelle néanmoins que son film relève avant tout de la fiction et confie que pour Miriam Garlo, qui n’est pas mère, incarner ce personnage aurait d’ailleurs représenté un véritable défi. 

Quant au personnage d’Héctor (joué par Álvaro Cervantes), la réalisatrice confie avoir glissé une part plus personnelle dans son écriture. Elle reconnait même s’être inspirée de ses propres maladresses face à sa soeur pour dessiner les contours de son personnage.

Au-delà de l’écran

Au-delà de sa qualité cinématographique, le film est également vecteur d’inclusion. Il donne lieu à des séances accessibles, avec par exemple des rencontres avec la réalisatrice interprétées en LSF, comme cela a eu lieu début avril au cinéma ABC de Toulouse.

Le Mag a interrogé plusieurs spectateurs, dont beaucoup ont pointé leur déception face aux représentations dominantes de la surdité au cinéma.

Pour Sarah Bouidia, réalisatrice du podcast Handiscute, visionner Sorda était une dernière tentative face à des films qui, selon elle, parlent des personnes sourdes sans réellement s’adresser à elles. Elle déplore notamment un sous-titrage souvent peu inclusif, évoquant des expériences difficilement accessibles, comme les acouphènes. À l’issue de la projection, elle confie toutefois avoir été réconciliée avec les films traitant de la surdité. Un témoignage qui souligne la force de Sorda.

Dans le meme sens, Tatiana Garin Borovic, présidente de l’association Culture bien entendante souligne l’importance capitale de films comme Sorda dans les salles de cinéma françaises :

Le sous-titrage est parfois perçu comme gênant par certaines personnes entendantes, notamment lorsqu’il est coloré ou très visible. Pour nous, au contraire, il est indispensable.

Pour elle, les films comme Sorda permettent de mieux faire comprendre la réalité de la surdité et de la malentendance, ainsi que les enjeux d’accessibilité. Le cinéma permet dès lors de mettre ce sujet, qui touche des millions de français, sous les projecteurs. Tatiana G.Borovic, confie espérer que la diffusion d’opus comme Sorda permettra la progression de l’accessibilité culturelle en France.

Un témoignage partagé par de nombreux spectateurs comme Audrey Calatayud, qui souligne l’importance de diffuser des films, des documentaires (elle cite d’ailleurs l’excellent documentaire Elle n’entend pas la moto de Dominique Fishbach), ou encore des biopics sur les différentes formes de handicaps afin de sensibiliser le public et de mieux représenter les enjeux d’inclusion dans le milieu familial, professionnel ou encore social.

Ces retours ancrent Sorda comme une œuvre utile, au croisement de l’art et des enjeux de société.

Sorda – bande-annonce

Sorda – fiche technique

Réalisation : Eva Libertad
Scénario : Eva Libertad
Interprètes : Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta
Photographie : Gina Ferrer García
Décors : Anna Auquer
Costumes : Desirée Guirao, Angélica Muñoz
Montage : Marta Velasco
Musique : Aránzazu Calleja
Production : Miriam Porté
Société de production : Distinto Films
Pays de production : Espagne
Société de distribution France : Condor Distribution
Durée : 1h39
Genre : Drame
Date de sortie : 29 avril 2026