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Le recueil 2050 rassemble plusieurs récits graphiques, chacun signé par des auteurs différents. L’ouvrage, paru aux éditions Philéas, permet au lecteur de découvrir une mosaïque de futurs fictionnels, où l’Intelligence Artificielle, la manipulation génétique, le contrôle social, la marchandisation des êtres humains et la dégradation environnementale composent une toile de fond inquiétante et dystopique. 

Dans 2050, chaque récit est articulé autour de thématiques diverses et porté par des styles graphiques et narratifs singuliers. Les auteurs questionnent avec acuité un futur gorgé d’enjeux éthiques, politiques et philosophiques, qui préoccupent déjà en grande partie notre présent. Les thématiques déployées vont ainsi de la résurrection artificielle de grandes icônes culturelles à la robotisation de l’enfant et à la marchandisation du corps humain ; elles façonnent un tableau cohérent de mondes déliquescents, dans lesquels l’humanité est réduite à sa portion congrue et supplantée, pour partie, par les machines. 

Pour les personnages, le rêve d’un progrès technologique harmonieux s’évanouit devant la brutalité des rapports de force. Des IA littéraires trustent les premières places des classements de vente, des populations migrantes sont cryogénisées dans l’attente d’un hypothétique départ vers Mars, les enfants se commandent et se remplacent comme des meubles IKEA… Tout contribue à révéler les contradictions internes des sociétés futures. 

Les œuvres regroupées dans 2050 s’inscrivent dans la lignée de classiques dystopiques comme 1984 de George Orwell ou Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, mais aussi dans celle de créations audiovisuelles telles que Black Mirror. De même, elles rejoignent les réflexions contemporaines d’essayistes et de philosophes sur les conséquences de l’hyperconnexion, de la surabondance d’images et de l’aliénation consumériste. Plonger dans 2050 revient à explorer un éventail de scénarios qui, sans prétendre à une prophétie univoque, dessinent néanmoins les contours inquiétants de notre devenir collectif.

L’enfer est pavé de bonnes intentions

Dans le récit de Ponzio et Galandon, « Une histoire bio », les intelligences artificielles littéraires ont supplanté les écrivains humains, imposant une nouvelle norme de production éditoriale au nom de l’efficacité et de la rentabilité. La marginalisation de l’auteur, y compris face à des instances automatisées, est une métaphore puissante de l’obsolescence programmée de l’être humain face aux outils qu’il a lui-même forgés. Les récits de Gauckler (« L’Ange bleu »), De Metter (« Lux Aeterna ») et Martin-Ducoudray (« Tableau de chasse ») proposent une immersion dans des futurs où les corps, qu’ils soient humains ou animaux, réels ou artificiels, sont objets de manipulation, d’exploitation ou de marchandisation. Dans « Lux Aeterna », par exemple, apparaît la nécessité de mettre à jour une puce cérébrale pour pouvoir se rendre au chevet de sa femme malade, tandis que le monde est peuplé de robots domestiques et que des affiches publicitaires, ressuscitant Mickael Jackson ou Marylin Monroe, signalent la tendance à recycler le passé et à instrumentaliser la mémoire collective par le biais des modèles numériques.

L’ensemble de ces œuvres rassemble des corps hybrides, des identités brouillées et des rapports de force inégalitaires, dessinant un panorama cruel de sociétés aux abois. En explorant la militarisation, la marchandisation et la réification du corps, ces récits appellent à une réflexion éthique sur le destin des individus dans des structures sociales défaillantes. Le récit de De Rochebrune, « Go to Mars », propose quant à lui une fable glaçante sur la question migratoire, où l’Europe, incapable et réticente à accueillir des réfugiés, opte pour la cryogénisation comme solution fallacieuse. Le gel des migrants, leur mise en attente dans l’espace-temps, l’instrumentalisation cynique de vies humaines rappellent certaines pages parmi les plus sombres de l’Histoire. Une suspension mortifère, métaphore de l’inaction politique, et qui fait écho à la gestion contemporaine des flux migratoires et à la marchandisation du passage. Dans « Enfants de la batterie », de Mig, la fabrication industrielle d’enfants et leur utilisation comme sources d’énergie dénoncent le consumérisme et la logique productiviste, rendant hommage aux dystopies où l’homme n’est plus qu’un rouage, comme Matrix ou Le Meilleur des mondes.

Le recueil 2050 offre ainsi un tour d’horizon des craintes, angoisses et anticipations qui composent notre imaginaire collectif face à l’avenir. Les récits présentés interrogent en profondeur la place de l’humain dans un monde saturé de technologie, d’idéologies du progrès et de rationalisations marchandes. À travers la multiplicité des œuvres, ce volume interroge notre rapport à l’intelligence artificielle, à la militarisation, aux migrations, à l’exploitation des ressources humaines et animales, ainsi qu’à la prolifération des écrans. C’est aussi un appel à la vigilance, un rappel que la direction que prendront nos sociétés n’est pas écrite d’avance, qu’elle dépend de nos choix politiques, économiques et moraux. Ce miroir tendu vers demain arborent ainsi des éclats troublants, et qui interrogent notre présent.

2050, collectif 
Philéas, novembre 2024, 120 pages

Tarzan, l’homme-singe, d’Éric Corbeyran et Roy Allan Martinez, poursuit l’ambitieux projet de transposer en bande dessinée l’œuvre fondatrice d’Edgar Rice Burroughs. Ce deuxième opus, publié aux éditions Glénat, mêle aventures exotiques et réflexion sociétale. L’adaptation nous transporte dans la jungle foisonnante, où l’homme sauvage, tiraillé entre deux mondes, doit affronter non seulement des ennemis externes, mais aussi des dilemmes intérieurs.

Le récit s’ouvre assez vite sur une tentative de meurtre, révélant immédiatement la tension dramatique qui sous-tend cette aventure. Canler, antagoniste jaloux et vénal, s’acharne à vouloir écarter Tarzan, perçu comme une menace. Il faut dire que son intervention pour sauver Jane et retrouver son père, le professeur Porter, a de quoi passablement l’irriter. Lui qui a des vues sur la jeune femme est relégué au second plan, à peine considéré par elle.

Et puis, la jungle elle-même semble se plier à la volonté de son « Seigneur ». Le recours à la famille adoptive de Tarzan et à des alliés comme les éléphants illustre la profonde connexion de notre héros avec la nature, qui contraste fortement avec la cupidité et la violence des hommes, incarnées par Canler. Le fil conducteur du récit – le sauvetage du professeur et la récupération du trésor archéologique – permet en outre d’explorer la dualité de Tarzan : un être à la fois maître de la jungle et étranger dans le monde des humains.

L’intérêt principal de cette adaptation réside dans sa capacité à creuser la psychologie de ses personnages. Tarzan est ainsi érigé en un symbole de l’altérité. Sa maladresse initiale et son apparence contrastent avec la noblesse qu’il acquiert en grandissant, grâce à sa ruse et à sa maîtrise des outils. Sa relation avec Jane cristallise ce tiraillement entre deux natures. Tandis que les autres personnages, notamment Canler, le perçoivent comme un animal à domestiquer, Jane le voit comme un être complexe, capable d’apprendre, de comprendre et d’aimer. L’émerveillement de la jeune femme devant sa maîtrise croissante de l’anglais reflète, par exemple, cette humanisation progressive.

Les traits maîtrisés de Roy Allan Martinez donnent corps à l’atmosphère sauvage et onirique de la jungle. Et sous ses dehors de récit d’aventures, Tarzan, l’homme-singe problématise avec talent la différence et l’acceptation. Tarzan incarne l’étranger, celui que l’on redoute et que l’on tente de marginaliser. Pourtant, il devient aussi un pont entre deux mondes. Son lien avec la jungle, perçu comme une bestialité par ses détracteurs, est en réalité une force qui le distingue. En ce sens, et en organisant un antagonisme duquel il sort grandi, le récit délivre une leçon implicite sur la richesse de la diversité et la nécessité de dépasser les apparences.

Tarzan, l’homme-singe (Tome 2), Éric Corbeyran et Roy Allan Martinez
Glénat, décembre 2024, 56 pages

Le dernier album de Ralf König, Conrad et Paul : Abba dis donc ! (Glénat) nous ramène dans l’univers truculent de deux figures incontournables de son œuvre. À travers des anecdotes cocasses et un quotidien marqué par une forme d’obsession charnelle, l’auteur et dessinateur continue de scruter les travers de la société contemporaine.

L’humour de Ralf König possède une douceur ironique et une vivacité intérieure qui se glissent dans chaque situation du quotidien. Sans lourdeur compassée, il saisit les fragilités, les contradictions, les obsessions et les plaisirs simples de ses personnages, volontiers fragiles et obsessionnels, et les expose avec un sens du détail qui respire la tendresse. Il y a là une façon de transformer le banal en quelque chose d’irrésistiblement drôle, sans jamais forcer le trait de manière excessive. En tant que lecteur, on en devient presque complice, et cela naît moins du sarcasme que de l’observation.

Conrad et Paul se retrouvent confrontés aux affres du second hiver pandémique. Les masques étouffent autant que les frustrations accumulées. Ralf König s’attarde avec mordant sur les petites contradictions du quotidien. Comme souvent chez lui, l’arrière-plan est peuplé de figures caricaturales, mais jamais dénuées d’ancrage. On retrouve ainsi la sœur anti-vax, réticente à la vaccination mais avide de soutiens financiers. Elle symbolise à elle seule cette défiance généralisée envers les institutions. Sa rhétorique confuse, faite d’amalgames et de théories absurdes, illustre la cacophonie d’opinions qui a marqué les années COVID.

Mais il y a bien plus important dans l’album : Romano, le mystérieux « câlineur professionnel ». Paul, fasciné par cet homme dont l’emploi repose sur la seule promesse de proximité physique, se laisse entraîner dans une spirale de désir et de frustration. Ralf König traite cette situation avec un mélange d’humour cru et de tendresse, dévoilant les failles affectives de son personnage tout en interrogeant les nouvelles formes de solitude dans un monde pandémique. Il y a quelque chose de délicieux dans la manière dont Paul s’abandonne à une pratique qui, initialement, le laissait perplexe. Et après avoir tenté de se donner de la contenance, il finit par céder complètement, ce qu’illustre parfaitement le fait de sucer le pouce, tel un enfant, de son compagnon de jeu…

Conrad et Paul : Abba dis donc ! se distingue par son regard acéré sur les absurdités de notre époque. Ralf König joue habilement, comme à son habitude, avec les codes du grotesque pour dénoncer, dans une veine humoristique, tous les travers de notre société. Les obsessions conspirationnistes, l’essor des services insolites comme celui de Romano ou encore la frénésie consumériste autour de produits culturels (à l’image du nouvel album d’Abba) forment autant de miroirs déformants, révélateurs d’une société en crise.

Avec ce nouvel opus, Ralf König prolonge l’esprit irrévérencieux qui caractérise ses œuvres précédentes. Comme dans Le Temps d’un virus, il mélange astucieusement humour et gravité, transformant les angoisses collectives en matière comique. À mi-chemin entre la farce et la satire, l’album vaut autant pour ses personnages attachants que ses situations absurdes et son regard critique.

Conrad et Paul : Abba dis donc !, Ralf König
Glénat, décembre 2024, 192 pages

En 1629, le Jakarta, fleuron de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales (VOC), quitte Amsterdam chargé de trésors et d’ambitions, pour s’échouer sur des récifs au large de l’Australie. Cet événement historique sert de point de départ à 1629, un diptyque magistralement écrit par Xavier Dorison et illustré par Thimothée Montaigne. Le second tome, « L’Île rouge » dépasse le simple récit d’aventure pour plonger au cœur de la nature humaine.

Le naufrage mis en scène dans le premier tome devient un huis clos à ciel ouvert, où la lutte pour la survie se mêle aux manipulations cruelles d’un homme : Jéronimus Cornélius. Cet ancien apothicaire ruiné incarne un mal insidieux, capable de déchaîner les pires instincts chez des hommes déjà fragilisés.

Toute l’intrigue repose sur sa montée en puissance. Manipulateur intéressé et machiavélique, il attise les tensions entre les naufragés. Après avoir fomenté une mutinerie, il trouve l’opportunité de s’ériger en maître des lieux, exploitant un îlot désertique pour mieux diviser et régner. Les fausses promesses, les exécutions arbitraires et une soif insatiable de pouvoir vont conditionner ses actes et seuls Lucrétia Hans et Wiebbe Hayes vont oser le défier. Jéronimus confisque armes et nourriture, se retranche dans son antre et tire les ficelles dans l’ombre, pour mieux parvenir à ses fins.

Une nouvelle fois superbement écrit, l’album se caractérise aussi par la richesse des illustrations, qui donnent à voir toute l’étendue de la cruauté humaine. Chaque planche témoigne d’un soin méticuleux, avec des paysages marins sublimes et menaçants, et des personnages éprouvés. Xavier Dorison et Thimothée Montaigne distillent une critique acerbe des mécanismes de pouvoir et de soumission. Cornélius n’est finalement que le reflet exacerbé des pratiques de la VOC, première multinationale au fonctionnement impitoyable. Le pillage des richesses, la manipulation des hommes et l’absence totale de remords de cette compagnie trouvent un écho glaçant dans les comportements des naufragés.

« L’Île rouge » apporte un dénouement haletant à ce diptyque. On retiendra notamment l’épaisseur de l’antagoniste, mais aussi la résistance obstinée d’un personnage féminin fort, Lucrétia Hans, prête à renoncer à tout, y compris le confort le plus élémentaire, pour ne pas faire le jeu de l’apothicaire. Entre fresque historique, thriller psychologique et critique sociétale, 1629 met à nu l’âme humaine et ses penchants pour le lucre. Tout, et même la religion, y est gangréné et cela rappelle, en seconde intention, ce qui a pu motiver les grandes explorations humaines, au-delà de leur intérêt scientifique.

1629 : Livre II, Xavier Dorison et Thimothée Montaigne
Glénat, novembre 2024, 144 pages

Avec l’album Romy Schneider : je ne suis plus Sissi, Stéphane Betbeder et Rémi Torregrossa proposent un portrait intime et poétique de Romy Schneider. Ils explorent les années fondatrices d’une actrice depuis devenue mythique, un temps où, emprisonnée par le rôle de Sissi, elle cherchait à s’affirmer comme une femme libre et une comédienne accomplie.

Romy Schneider naît à Vienne en 1938, dans une famille où le théâtre et le cinéma sont omniprésents. Sa mère, Magda Schneider, ancienne star du cinéma allemand, et son beau-père, Hans Herbert Blatzheim, jouent un rôle déterminant – et parfois oppressant – dans ses débuts. Très jeune, Romy est propulsée sous les projecteurs : en 1953, elle joue son premier rôle aux côtés de sa mère. En 1955, le triomphe mondial de Sissi l’Impératrice fait d’elle une star internationale. Pourtant, cette célébrité rapide est à double tranchant.

Prise dans l’engrenage des suites de Sissi, la jeune Schneider devient l’incarnation idéalisée d’une impératrice romantique, piégée dans une image lisse. Malgré un succès phénoménal, elle éprouve très vite le besoin de s’émanciper. Romy refuse de tourner un quatrième volet et se heurte à la désapprobation de sa famille, notamment de sa mère, dont l’influence se révèle parfois toxique.

Pour échapper à l’étiquette de Sissi, Romy Schneider quitte l’Allemagne et s’installe à Paris, où elle rencontre Alain Delon en 1958. Leur histoire d’amour devient légendaire, mais leur relation est aussi un premier signe d’émancipation. Alain Delon l’encourage à se libérer de la tutelle familiale et à construire sa carrière selon ses propres choix. En parallèle, elle collabore avec le réalisateur italien Luchino Visconti, dont l’exigence extrême la pousse à se dépasser sur les planches et à devenir une actrice complète.

Cette période est marquée par des voyages entre Paris et Rome, où les décors de la dolce vita contrastent avec les tensions intérieures de Romy. Loin des studios allemands, elle travaille à casser son image d’impératrice angélique et à imposer une identité artistique plus complexe et mature. Mais la route est semée d’embûches : ses choix peinent à effacer l’empreinte de Sissi auprès du grand public.

Romy Schneider porte en elle le poids d’une double culpabilité. D’une part, elle est l’arrière-petite-fille de Rosa Albach-Retty, une actrice illustre, et fille de Magda Schneider, dont la proximité avec les dignitaires nazis est un fardeau historique. D’autre part, elle ressent une culpabilité personnelle liée à son désir d’autonomie et de rupture avec les attentes familiales. Cette tension transparaît dans ses choix de rôles. Avec des films comme Les Choses de la Vie (1970) ou La Piscine (1969), elle s’impose comme une actrice d’une sensibilité rare, capable d’incarner des personnages complexes, souvent fragiles mais toujours d’une infinie humanité.

À travers l’album de Stéphane Betbeder et Rémi Torregrossa, le portrait de Romy Schneider se dessine en demi-teinte, entre lumière et ombre. L’actrice qui a marqué le cinéma du XXe siècle portait tous les paradoxes d’une femme libre mais vulnérable, passionnée mais hantée par ses blessures intérieures. Sa trajectoire demeure en tout cas hors norme : de l’Allemagne où elle était adulée pour son visage angélique à la France où elle a dû prouver son talent, elle a brisé les stéréotypes pour devenir une actrice iconique.

Romy Schneider : je ne suis plus Sissi effeuille Romy Schneider entre lutte personnelle et affirmation artistique. De ses débuts précoces à ses accomplissements plus tardifs, la comédienne incarne une certaine résilience et un refus de faire le deuil de ses aspirations. Cela, Stéphane Betbeder et Rémi Torregrossa le démontrent avec talent. 

Romy Schneider, Stéphane Betbeder et Rémi Torregrossa 
Glénat, novembre 2024, 160 pages