LeMagduCiné

Après plusieurs petits films, la réalisatrice Cheyenne Carron continue à ne pas recevoir l’appui du CNC pour financer ses projets. Elle a donc dû investir l’argent que lui ont rapporté les ventes des DVD de son précédent film (L’Apôtre, l’histoire d’un musulman se convertissant au christianisme) pour autoproduire Patries.

Synopsis : Sébastien vient d’emménager, avec ses parents (dont un père aveugle), en région parisienne. Il se lie rapidement d’amitié avec Paul un jeune d’origine camerounaise, mais, au sein de la communauté d’origine africaine du quartier, cette amitié est mal vue et génère des tensions.

Des personnages et un film qui n’arrivent pas à se trouver

Elle aurait pu toutefois s’aligner sur la mode des « films guérilla », mais a opté pour une réalisation sobre. Difficile alors de lui reprocher le manque de moyens techniques qui apparait dès le premier plan. On peut cependant se demander si la décision de ne pas lui avoir accordé d’aides publiques ne viendrait de la vacuité de son scénario. La thématique de la discrimination « anti-blancs » dans les banlieues paraissait évidemment être un sujet sensible dans l’actuel contexte de tension politique. Pourtant, en tant que femme métissée étrangère ayant été adoptée par une famille française, Cheyenne Carron avait une certaine légitimité à aborder ce sujet encore tabou dans le cinéma. La problématique est alors traitée par le biais du récit d’un jeune garçon, Sébastien (Augustin Raguenet) et ses difficultés à s’insérer parmi un groupe d’adolescents de son âge issus de l’immigration.

Dès le départ, la relation d’amitié difficile entre Sébastien et Paul (Jackee Toto) se définit comme la trame dramaturgique de cette intrigue assez limitée. Aussitôt, l’antipathie des amis de Paul envers ce « blanc » apparaît en toute logique comme l’élément clef du scénario. Et pourtant, à mi-parcours, celui-ci va subitement se désintéresser de Sébastien pour se focaliser sur Paul. La question du racisme anti-blanc se retrouve dès lors écartée et la volonté croissante de Paul à quitter la France pour retourner dans son pays natal prend la place du sujet principal. Celui qui affirmait au début se « battre les couilles » du Cameroun, n’aura par la suite de cesse de vouloir y aller, le cœur rempli d’intentions altruistes. Le fait de perdre de vue pendant près d’une demi-heure celui qui apparaissait de prime abord comme le personnage principal, et surtout le centre des enjeux du film, rend confuse la destination va laquelle la réalisatrice cherche à aller, la qualité artistique du film en revanche y gagner. En effet, l’antagonisme entre Sébastien et les jeunes blacks passe par des échanges qui, pour la plupart sonne faux, tant le jeu d’acteur d’Augustin Raguenet est peu convaincant (difficile de lui en tenir rigueur, s’agissant d’une première expérience) et surtout la caractérisation des personnages secondaires est ultra-caricaturale. A contrario, la seconde partie, même si tous ses dialogues ne sont pas forcément mieux écrits, profite des interprétations plus crédibles entre Jackee Toto, Sylvia Homawoo et Sandrine Salyeres, qui incarnent respectivement sa mère et sa sœur.

La thématique de « l’identité nationale » – car c’est bien de cela dont il est question dans cette seconde partie – est elle aussi un sujet politiquement clivant qui aurait mérité d’être plus approfondie que via ces quelques dialogues familiaux. La question de ce qu’est « être français » ne trouve aucune ébauche de réponse dans les débats superficiels entre ce jeune homme et sa famille qui, contrairement à lui, se dit pleinement « française ». Une potentialité biaisée par un manque de subtilité et une narration brouillonne qui ne sont propices qu’à quelques scènes pleines de sincérité, parfois amusantes, parfois émouvantes mais ne menant jamais vers un discours concret. L’amateurisme des moyens techniques et du casting (et même de la bande originale, limitée à des morceaux de musique classique tombés dans le domaine public) serait donc la conséquence directe de l’écriture de ce film qui accumule, sans réussir ni à les mêler de façon cohérente ni à les traiter en profondeur, ses problématiques. S’y ajoutent toutefois quelques tentatives audacieuses, à commencer par celle d’avoir embauché un véritable aveugle pour incarner le père de Sébastien. Une idée qui cependant n’apporte au récit qu’un argument mélodramatique que l’on ne peut, de fait, assimiler à autre chose que du pathos gratuit.

La bonne volonté de la réalisatrice Cheyenne Carron pour s’attaquer à des questions qui méritent de ne pas être ignorées est louable. Malheureusement son film souffre d’une mise en scène plan-plan et surtout du manque d’expérience de ses équipes techniques et artistiques. Pire encore, le fait que les sujets traités ne réussissent pas à être développés par la narration rend le travail caduc et donc le film parfaitement vain.

Patries : Bande-annonce

Patries : Fiche Technique

Réalisation: Cheyenne Carron
Scénario : Cheyenne Carron
Interprétation: Jackee Toto, Augustin Raguenet, Sylvia Homawoo, Sandrine Salyeres, Christophe Derouet…
Production : Cheyenne Carron
Sociétés de production : Carron distribution
Sociétés de distribution : Carron distribution
Durée : 115 minutes
Genre : Drame
Sortie en salles: 21 octobre 2015

France – 2015

Moins d’un an après la conclusion de son dytpique Enemy/Prisoners qui l’a dévoilé à la face du monde, voilà que le cinéaste canadien Denis Villeneuve revient à la charge avec Sicario.

Synopsis: La zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique est devenue un territoire de non-droit. Kate, une jeune recrue idéaliste du FBI, y est enrôlée pour aider un groupe d’intervention d’élite dirigé par un agent du gouvernement dans la lutte contre le trafic de drogues. Menée par un consultant énigmatique, l’équipe se lance dans un périple clandestin, obligeant Kate à remettre en question ses convictions pour pouvoir survivre. 

Nouvelle itération de son style, entre radicalisme et abstraction, Sicario s’épanche cette fois-ci sur un sujet aux airs de marronniers du cinéma US : le film de cartel. Pour autant, malgré la lourde concurrence – on pense à Traffic de Steven Soderbergh ou Cartel de Ridley Scott-, la question de voir Villeneuve imposer son style dans ce genre ultra balisé semblait acquise. A n’en point douter, seul cinéaste dans le milieu prompt à alimenter ses sujets et ses films par des questionnements moraux lancinants, Villeneuve pouvait par ce film tenter d’apposer une approche résolument anti-spectaculaire et davantage axée sur la normalité et sur les idéaux moraux de ces hommes et femmes évoluant dans une des zones les plus dangereuses du monde. En clair, proposer le film définitif et absolu des cartels. Celui prompt à démontrer toute la sauvagerie du milieu, comme elle a été brièvement esquissée dans la série de Vince Gilligan, Breaking Bad. Et deux heures plus tard, un seul constat semble de mise : le cinéaste canadien a redéfini les codes du genre tout entier. Au prix d’une épure, trait caractéristique de son style, envahissant le film telle une chape de plomb, Villeneuve parvient a paradoxalement maximiser ses effets. Et cela se ressent d’ailleurs dès l’entame.

No Country for Lawyers.

Débarrassé des fioritures ou autres scènes introductives tendant à conférer de l’humanité aux personnages clés de l’intrigue à venir, Villeneuve peut se concentrer sur le credo qui infusera la totalité de son œuvre, à savoir un adroit mélange entre violence sèche et oppression tentaculaire. Et si l’adage qu’on prête à la qualité d’un film, sur la capacité qu’il a de subjuguer le spectateur dès l’entame s’avérerait vrai, nul doute que Sicario ferait office de cador. Villeneuve s’empressant de donner la couleur, nous voilà donc avec quelques mots expliquant l’origine du mot qui donne le titre pour finalement déboucher sur un brutal assaut du SWAT dans une banlieue résidentielle d’Arizona. En très peu de scènes, le réalisateur confirme alors tout le bien qu’on pensait de lui, et surtout affirme ce qu’il avait déjà dit sur la Croisette : Sicario n’est pas un film sur les cartels. Une révélation ? Pas tant que ça, puisqu’à bien des égards, nombre d’indices vont dans le sens du metteur en scène, qui voit dans cette histoire de drogues et de violence, une subtile réflexion sur la moralité de l’être humain.

Ainsi Sicario ne semble être aux yeux de son auteur qu’un gigantesque conflit de morale, étrillé par un soleil de plomb et une violence poussée à son paroxysme. Le principal intéressé, Denis Villeneuve n’en démord d’ailleurs pas, tant l’entièreté du film semble se voir construite autour de cette notion. Et pour cause. Zone de non-droit à risque, la frontière américano-mexicaine est pour ainsi dire dépeinte comme une autre planète. Temps qui semble figé, teintes grisâtres qui parsèment une image d’orfèvre obtenue par Roger Deakins (chef-opérateur attitré des frères Coen), drogue à peine mentionnée et presque jamais vue, l’univers inhospitalier que donne à voir Villeneuve est paradoxalement étranger et très froid. Une manière métaphorique de montrer que la véritable vocation de Sicario réside dans son souhait de dépeindre la lente décrépitude du monde et de sa population, pour qui la notion de morale est devenue illusoire. Car ici, point de profits dégagés, points de cibles majeures à abattre et surtout point de gentils et de méchants. Malmenés dans une atmosphère jouant constamment sur le clair-obscur, les protagonistes semblent un temps du bon côté de la ligne, et l’autre en train de s’adonner aux pires méfaits. Et l’absence notable de passifs ou psychologie affilié à chacun, ne rend pas plus aisé le devoir auquel on s’adonne pendant tout le film, à savoir, tenter de discerner les camps en présence. Mais comme souvent chez Villeneuve, l’aspect de fond ne vaut que pour la forme qu’il y donne.

Apocalypse Now

Ainsi, à peine se profilent les enjeux de Sicario, que déjà on peut le rapprocher d’un autre film au postulat relativement similaire : Zero Dark Thirty. L’exaltant brulot narrant l’exécution de Ben Laden, partage ce même personnage féminin fort (géniale Emily Blunt), ce même combat vecteur d’urgence sur la pellicule, pour au final diverger sur un point capital : sa logique formelle. Car, alors que le film sur Ben Laden voit finalement sa finalité incarnée dans un succès, Sicario se veut au contraire instigateur d’une cuisante défaite. La défaite du gouvernement US, obligé de se salir les mains pour conserver un semblant d’ordre. La défaite qui pousse à voir cette mécanique gouvernementale qui ne s’embarrasse pas de la légalité pour agir et porter un coup fatal à ses ennemis. Une tripotée de revers à même d’expliquer l’aura captivante dans laquelle se nimbe le film. Et ça devient vite grisant voire exaltant que d’assister à la pérégrination de cette escouade disparate avec un Josh Brolin peu soucieux des dommages qu’il crée, un Benicio Del Toro fantomatique et à l’aura pourtant envahissante et une Emily Blunt prise en tenaille entre sa volonté carriériste et sa dignité morale. Car teinté d’une mise en scène minérale et dure comme la pierre, privilégiant l’hyper-réalisme et des touches métaphoriques bienvenues, et habité par un score métallique de Johann Johannsson amenant très vite ce sentiment d’étouffement et de tension caractéristique, Sicario se révèle, au fur et à mesure de son développement, la concrétisation d’un fantasme : celui de voir le film définitif sur les cartels.

Au final, en sacralisant une ambiance au détriment d’un scénario délibérément complexe, ne jouant presque que sur la symbolique qu’il dégage, il est d’autant plus prodigieux de voir que Villeneuve arrive là ou Michael Mann, Ridley Scott et Steven Soderbergh – autrement dit des tauliers de la pelloches- ont échoués, à savoir, retranscrire à la perfection l’essence d’un film de cartel. Entre violence acharnée et immoralité galopante, tel semble ainsi être le credo voulu par Villeneuve, qui, force est de le constater, est définitivement entré dans la légende.

Bande annonce

Sicario : Fiche Technique

Réalisation: Denis Villeneuve (Incendies, Prisoners)
Scénario : Taylor Sheridan
Casting: Emily Blunt (Edge of tomorrow, Le diable s’habille en Prada), Benicio del Toro (Che, Traffic), Josh Brolin (No country for old men, Inherent Vice), Victor Garber (Argo, Titanic) et Jon Bernthal (Le loup de Wall Street, Fury)
Direction artistique : Patrice Vermette
Décors : Paul D. Kelly
Costumes : Renée April
Montage : Joe Walker
Musique : Jóhann Jóhannsson
Photographie : Roger Deakins
Production : Basil Iwanyk, Thad Luckinbill, Trent Luckinbill et Molly Smith
Sociétés de production : Black Label Media et Thunder Road Pictures
Sociétés de distribution : Lionsgate (États-Unis), Metropolitan Filmexport (France)
Pays d’origine : États-Unis
Langue originale : anglais, espagnol
Durée : 121 minutes
Genre : policier, thriller, action
France : 19 mai 2015 (Festival de Cannes 2015) ; 7 octobre 2015 (sortie nationale)
États-Unis : 18 septembre 2015
Interdit aux moins de 12 ans

L’Albanie qui est racontée par l’italienne Laura Bispuri dans son premier film, Vierge sous serment, est un pays aride aussi bien géographiquement que socialement.

Synopsis: Hana a grandi dans un petit village reculé d’Albanie où le sort des femmes n’est guère enviable. Pour ne pas vivre sous tutelle masculine, elle choisit de se plier à une tradition ancestrale : elle fait le serment de rester vierge à jamais et de vivre comme un homme. Vierge sous serment suit la trajectoire d’une femme vers sa liberté, par-delà les écrasantes montagnes albanaises et jusqu’en Italie…

Les chemins de la liberté

Bien que l’action du présent se déroule à Milan, de nombreux flash-backs montrent des paysages montagneux du Nord de l’Albanie, ensevelis sous la neige, inhospitaliers, habités par des hommes revêches et sévères.

Mark est le jeune homme qui débarque dans cette ville italienne depuis ces hauteurs solitaires, une silhouette frêle et androgyne, grave et taciturne. Il a la dégaine de la personne qui vient d’effectuer un voyage sans retour, le petit sac en bandoulière comme le signe d’un nouveau départ, d’un départ à zéro, from scratch. Mark arrive chez sa sœur d’adoption, Lila (Flonja Kodheli), émigrée de longue date et la fille découvre cet oncle dont elle ignore de qu’il est le frère.

Les flash-backs montrent qu’il n’a pas toujours été Mark, qu’il a été autrefois Hana, une jeune enfant laissée pour morte dans la montagne, au décès de ses parents, et que Gjergj, le père de Lila, a ramenée chez lui. La jeune Hana est une adolescente primesautière, ravie par la complicité tissée avec Lila, faite de rires, de chants et de jeux (Les deux enfants sont interprétées par deux vraies sœurs). Mais animée de plus en plus par un désir de liberté, par l’envie de couper du bois quand ça lui chante, de manier le fusil quand bon lui semble, Hana abandonne les chants, les rires, et se glisse progressivement dans le moule que Gjergj façonne pour elle, Gjergj qui n’a que sa fille Lila dans une société férocement patrilinéaire et patriarcale, et qui va se servir d’un point du kanun albanais pour faire d’Hana son fils, un transgenre d’un autre temps. Le kanun permet entre autres à toute femme de vaquer à des occupations masculines si elle jure devant les sages du village de renoncer à sa féminité, à l’amour, à la sexualité. Hana accepte d’endosser ce terrible habit de la vierge sous serment, pour pouvoir vivre et surtout pouvoir respirer comme un homme.

Laura Bispuri ne fait qu’effleurer ces mœurs albanaises qui s’affranchissent des différentes croyances religieuses du pays, au travers de quelques scènes, peu nombreuses mais marquantes : une énumération émouvante de tous les interdits faits aux femmes, une leçon de vie hallucinante où le père montre à Lila que dans la dot, il glissera lui-même la balle que le futur mari pourra utiliser si d’aventure elle se comportait mal, ou encore cette étrange scène d’obsèques qui montre à quel point la société y est masculine, et à quel point les coutumes y sont spécifiques. Mais ce qu’elle montre est suffisant pour comprendre les raisons pour lesquelles une jeune fille est prête à tout sacrifier, aussi bien sa belle chevelure que toute forme d’activité sexuelle.

Le film de Laura Bispuri est de ceux dans lesquels la parole est superflue. Il s’appuie essentiellement sur la capacité des acteurs, et de l’actrice italienne Alba Rohrwacher en particulier, de décliner une large palette de jeux expressifs. Ainsi, par exemple, libéré de l’emprise manipulatoire de Gjergj récemment décédé, le personnage qu’Alba Rohrwacher interprète s’arrache d’une torpeur trop longtemps vécue, lorsqu’ un jour elle rencontre un homme, une femme, on ne sait, un être au regard triste qui semble l’enjoindre silencieusement de partir. Ces regards échangés, rapides mais intenses, captés par une caméra empathique, suffisent à mesurer la détermination de l’une, enfin, et la résignation de l’autre. Même si on a plutôt du mal avec sa caractérisation en garçon, la nouvelle égérie du cinéma transalpin (vue récemment en maman hippie dans les Merveilles, le film autobiographique de sa sœur Alice Rohrwacher) donne beaucoup de sa personne pour donner en silence de la vie à un film assez low-key, un peu diffus dans ses intentions, avec de surcroît la musique sucrée de Nando Di Cosimo qui rajoute de la suspicion sur la qualité du film.

En effet, si la caméra de Vladan Radovic offre des paysages magnifiques, elle semble hésitante, la réalisatrice ne sachant pas toujours quel parti prendre. De l’ethnographie à l’étude de caractère, il y a une virevolte qui n’est pas toujours domptée par la cinéaste. Mais le plus souvent, elle arrive à capter la solitude du personnage, que ce soit dans la peau d’un homme qui est resté au village pendant des années « sans finalement arriver à rien », ou dans la peau de cette femme qu’elle a abandonnée en cours de route et qui fait un retour difficile dans sa vie. Soudain, réunie à nouveau avec sa jolie sœur Lila, celle qui a fui mais qui vit dans la désillusion, au contact de sa nièce Jonida (Emily Ferratello), une jeune fille elle aussi attentive à la femme qui s’éveille en elle, Hana ose redécouvrir à petits pas son corps, ses désirs, ses envies, ose redonner droit de cité à son être, à son genre, comme dans cette scène « d’amour » plutôt abrupte et pourtant porteuse d’une tendresse infinie, d’une sensualité que l’urgence décuple.

Vierge sous serment n’est pas un film parfait, mais la cinéaste réussit à amener ce beau crescendo du parcours d’un être qui s’est éteint volontairement pendant des années pour payer une liberté plus ou moins illusoire, vers cet autre être souriant qui éclot sous nos yeux, une femme en paix avec elle-même.

Vierge sous serment – Bande annonce

Vierge sous serment – Fiche technique

Titre original : Vergine giurata
Date de sortie : 30 Septembre 2015
Réalisateur : Laura Bispuri
Nationalité : Italie, Suisse, Allemagne, Albanie, Kosovo, France
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 87 min.
Scénario : Laura Bispuri & Francesca Manieri, d’après le roman d’Elvira Dones
Interprétation : Alba Rohrwacher (Hana / Mark), Flonja Kodheli (Lila), Emily Ferratello (Jonida), Lars Eidinger (Bernhard), Luan Jaha (Stjefen), Bruno Shllaku (Gjergj), Ilire Vinca Celaj (Katrina), Drenica Selimaj (Hana jeune), Dajana Selimaj (Lila jeune)
Musique : Nando di Cosimo
Photographie : Vladan Radovic
Montage : Carlotta Cristiani, Jacopo Quadri
Producteurs : Marta Donzelli, Gregorio Paonessa, Maurizio Totti, Alessandro Usai, Dan Wechsler, Viola Fügen, Robert Budina, Sabina Kodra
Maisons de production : Vivo Film, Colorado Film Production, Bord Cadre Films, Match Factory Productions, Erafilm
Distribution (France) : Pretty pictures distribution
Récompenses : –
Budget : NR

La vie pure est le tout premier film de Jérémy Banster en tant que réalisateur. Il raconte ici l’histoire vraie de l’explorateur Raymond Maufrais, parti en expédition solitaire dans la forêt amazonienne et porté disparu depuis 1950.

Synopsis : En 1949, Raymond Maufrais, un jeune explorateur français, part en expédition solitaire dans la forêt amazonienne. Il laisse derrière lui un carnet de voyage qui retrace son parcours, ses rencontres. Il laisse aussi derrière lui le mystère de sa propre disparition…

La disparition

Un fil nous raccroche encore à lui : son carnet de voyages récupéré par son père. L’homme a  financé pas moins de 18 expéditions en douze ans pour tenter de retrouver son fils, en vain. Aurélien Recoing joue ce rôle de père meurtri avec une sobriété bienvenue. C’est d’ailleurs le ton général du film. Il fait l’économie des grands sentiments. De l’enfance de Raymond, nous n’avons que les brides qui feront de lui un explorateur épris d’une quête, celle d‘une chaîne de montagnes inexplorée en pleine forêt amazonienne, d’un peuple insoumis aussi, jamais approché, mystérieux. Toute la première partie du film est consacrée à ce départ, teinté d’un halo dramatique tant les parents ont du mal à se séparer de leur garçon, mais aussi parce qu’il y a des quêtes qui ne se font pas sans un minimum de préparation. Si cette partie là est parfois un peu longue à faire entrer le film « dans le vif du sujet », elle a le mérite de mettre en lumière le rêve de gamin qui se heurte à la réalité.

Rendez-vous en terre inconnue

Pour découvrir ce voyage en terrain inconnu, solitaire, mais non dénué de rencontres, le récit de voyage de Raymond Maufrais nous est lu en voix off. Cette très belle écriture, faite de doutes et de certitudes, adressée à ses parents et publiée par son père (et que vous pouvez lire !) est livrée par brides, un peu à la manière d’Into the wild. Pourtant, le mystère distingue directement La vie pure de son pendant américain. Dans Into the wild, le jeune homme se rebellait contre sa société et fuyait sa vie comme la peste, avant de découvrir l’intérêt du partage. Raymond Maufrais, de son côté, voulait rentrer, revenir, mais pas sans avoir au préalable découvert sa terre. Il a payé son espace de liberté au prix de son corps. C’est là tout l’art du film : montrer ce corps qui flanche, qui se détruit, qui doute trop tard pour revenir en arrière. Quand Raymond Maufrais part, il est assez mal préparé, mais c’est pourtant un homme joyeux, chantant volontiers que l’on croise d’abord. La nature aura raison de ce sourire si fier sur son visage. L’explorateur ne cessera pourtant pas d’écrire, jusqu’au bout. L’ambiance se délite peu à peu. Le réalisateur étudie l’aspect physique et psychologique de cette quête perdue. Au fur et à mesure que l’échéance de l’eldorado s’éloigne, que Raymond décompte les jours et maigrit à vue d’œil, les conséquences de la disparition nous sont révélées. Ce voyage en terre inconnue est filmé, un peu tard peut-être, très frontalement par Jérémy Banster. Le spectateur ressent alors avec Raymond, la douleur physique et la solitude qui transpercent presque l’écran. La caméra est mouvante, comme si des esprits tournaient autour de lui. Le vertige s’empare de lui, le détruisant peu à peu.

Ceux qui restent

Une disparition est une perte quasi insurmontable, tant l’incertitude pèse sur le deuil impossible à faire. Le film rend la présence de Raymond si forte que son absence est presque inconcevable. Lorsqu’il disparaît à l’image des paysages que nous avons explorés avec lui, son aura persiste longtemps. Par un montage subtil, un jeu sur la temporalité, la présence du père et de Raymond dans les mêmes lieux semble se superposer. Déroutant. Stanny Coppet est excellent tant il passe de la certitude à la détresse (la faim, la douleur, la peur, la solitude) sans qu’on s’en rende compte (donc sans surjouer). A l’écran sa déchéance, dans la solitude, paraît tout à coup d’une violence inouïe. Tout se passe finalement très vite, en 1h 30. Le rythme accélère quand le voyage commence et l’homme vigoureux n’est bientôt plus qu’halètements. La vie pure est le récit d’une vie toute simple d’explorateur qui se voulait grande, trop grande. Mais elle marque surtout pour ce vide qu’elle laisse chez des parents aimants et déboussolés.

On retrouve Aurélien Recoing dans Les Revenants, série qui étudie la perte à l’aune des sentiments, de ce qu’elle détruit chez « ceux qui restent », avec ce sens particulier de l’image, commun aux deux œuvres. Raymond Maufrais n’est pas un revenant, mais sous les traits de Stany Coppet et la caméra de Jérémy Banster, il imprime sa marque indélébile dans la tête du spectateur. Le jeune homme que l’on voit à l’écran aurait aujourd’hui 89 ans et plus aucun parent pour l’accueillir s’il revenait parmi nous.

Bande annonce – La vie pure 

Fiche technique – La vie pure 

Date de sortie : 25 novembre 2015
Nationalité : française
Réalisation : Jérémy Banster
Scénario : Jérémy Banster, Stany Coppet
Interprétation : Stany Coppet, Aurélien Recoing, Daniel Duval, Alex Descas, Barbara Cabrita
Photographie : Rudy Harbon, Jean-Christophe Beauvallet
Décors : Pierre-François Limbosch
Montage : Fabien Montagner
Sociétés de production : Cantina Studio
Sociétés de distribution : Panoceanic Films
Genre : biopic
Durée : 93 minutes
Récompense(s) : Le film a remporté l’Orchidée de Bronze et le Prix du Jury Jeune au Festival de la Réunion 2014, ainsi que le Prix du jury lycéen au Festival Adaptations de Cholet en 2015.

Après le succès démesuré et incompris de Qu’est-ce qu’on a fait au bon dieu ?, l’heure est à la comédie dite sociale basée sur un comique de situation et un humour, sur fond de pseudo-tolérance, noir pour ne pas dire marron (le cinéma français vous propose un large choix de couleurs étron à un prix somme toute attrayant!)

Synopsis: Hanna a 30 ans, beaucoup de charme et ne sait pas dire non : elle est atteinte de la névrose de la gentillesse. Ce drôle de syndrome familial touche aussi son père, Omar, « épicier social » et sa mère, Simone, « psy à domicile ». Avec son frère Hakim, focalisé sur ses racines algériennes et sa religion, le courant ne passe plus vraiment. Mais un événement imprévu oblige Hanna et Hakim à se retrouver…

. Ne vous attendez pas à un discours à la Martin Luther King poignant, la tolérance 2.0 mérite une sérieuse mise à jour, mais pourquoi chercher à évoluer, si ça fonctionne… Soit le distributeur et pire encore les producteurs, scénariste(s)/réalisateur(s) ont une aversion et le plus profond des irrespects pour le public français, soit ce dernier manque d’éducation cinéphile. Quoiqu’il en soit, le fait est regrettable. On pouvait apprécier une réalisation relativement soignée dans le premier film à plus de 11 millions d’entrées, on regrette ici une écriture fantaisiste foutraque mêlée à du bon-sentiment joséphine-ange-gardien. Pourquoi Je suis à vous tout de suite, écrit par le duo à la ville comme à la maison Michel Leclerc/ Baya Kasmi, n’est pas une comédie ou pourquoi il manque cruellement son cœur de cible ? Réponse.

La bande annonce pique notre curiosité. Encore piégés ! Le film finira par nous piquer les yeux. Les deux minutes de la BA condensent toutes les bonnes répliques. Les 98 minutes restantes ressemblent à un conte de fée hybride mal agencé et surtout très mal rythmé. Jetons la pierre au monteur qui ne sait pas faire respirer et assemble à l’aveugle ? La faute à la réalisation qui ne sait pas prendre parti ou bien pire encore au scénario entre idéalisme asphyxiant, compliment maladroit et sermon en mousse. La pédophilie c’est mal ! Faire la pute, il faut comprendre pourquoi ! La famille c’est ce qu’il y a de plus important, après l’amour pardon. Voici le topo élucubrant, digne d’un cadavre exquis formé au comptoir d’un bistrot : une famille à deux nationalités qui dresse le portrait d’une France multi-ethnique*, deux frères et sœurs séparés par la non compréhension de leurs principes respectifs. Des principes établis, certes véritables (beaucoup en ont fait l’expérience, l’auteur de ces lignes peut-être le énième), mais sans grande profondeur. Ce n’est pas encore ce qui pose problème. Un film ne se doit pas d’être profond pour réussir. Reprenons. La sœur, DRH, se prostitue sans le vouloir, car elle ne sait pas dire non ni faire de mal au gens. Le frère, qui vit encore chez ses parents avec femme et enfants (au nombre de deux, le schéma est un peu trop carte postale soit dit en passant), cumule les heures à l’épicerie halal qui fait de la religion musulmane un commerce. Et bim, il a besoin d’un rein, la sœur est compatible. Pardonnez le langage familier, mais il est en accord avec le déroulement de l’histoire. La sœur finira par tomber amoureuse du médecin qui soigne son frère, rencontré sur un malentendu grossier sur le parvis de l’hôpital. Le frère trouve un donneur et tout est bien qui finit bien. La sœur et le médecin vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants. Et si en plus, les thématiques fortes pouvaient s’entrecroiser : la pédophilie, l’immigration, la crise à l’embauche pour les personnes de plus de quarante ans, la cellule familiale comme utopie et pis-aller, le commerce de quartier vs la profession libérale, les riches vs les pauvres, la prostitution, le transgenre… Ce serait parfait ! La conception d’un bon scénario doit nous être différente Monsieur et Madame Leclerc. Malheureusement, les rôles sexués ont toujours la part belle, malgré des nuances pesantes. La faute à la religion donc ?

La rédaction ne vous cache rien. Il n’y a guère plus à retirer de cette « comédie » artificielle et décousue, si ce ne sont cinq acteurs qui expriment dans cette fable cartoon** toute l’étendue de leur talent. Vimala Pons un peu trop ingénue et uni-ton, Mehdi Djaadi qui passe de l’ado torturé à la kaïra des cités, Claudia Tagbo en prostituée élégante et bien éduquée, Carole Franck en belle-sœur bipolaire et Anémone en arrière-grand-mère écervelée (ces deux dernières actrices sont les seules à réussir à nous décrocher un sourire). Le reste de la distribution n’est malheureusement pas tirée vers d’autres horizons. Agnès Jaoui fait du Agnès Jaoui, loquace, bien-aimante et psychiatre de quartier. Ramzy Bédia fait du Razmy, « trop bon trop con » au sourire tiré à quatre épingles. Laurent Capelluto en bon gendre libéral, chemise rentrée. Christophe Paou n’est plus l’amant criminel de L’Inconnu du lac, mais son sexe est toujours autant nonchalamment à l’air libre (gag répété de surcroît). Zinedine Soualem en patron halal autoritaire. Les personnages types ne se muent que difficilement dans ce récit hybride « gaucho » fermé et trop bien arrangé. Les erreurs sont cumulées et les invraisemblances ne semblent pas rebuter les deux co-scénaristes. Ramzy, âgé de 43 ans, ne convainc pas en grand-père, la moindre des choses auraient été de le blanchir un minimum ! Les points dits dramatiques contrebalancent lourdement la forme comique par un montage maladroit et surtout par une écriture fantasque. L’audace est de mauvais goût. Laisse-t-on assister une petite fille à l’accouchement de sa maman et aux premières loges qui plus est ?

Le rire est jaune pour cette comédie de publicité qui tente de côtoyer le populaire, mais ne fera avancer aucunes mœurs, voire les fera reculer. Pire encore, ce film instable, entre plusieurs frontières issues d’images d’Épinal, ne restera dans aucune mémoire si ce n’est dans le registre du  » premier film à ne pas faire ». Alors certes, il y a beaucoup de sa personne et Baya Kasmi se met à nu, mais pour quelle raison ? Quel en est le but ? Ecrire Hippocrate ou Le Nom des gens se revéla fructueux. Réaliser Je suis à vous tout de suite l’est beaucoup moins. De cette manière en tout cas.  CSM attend au tournant la future réalisation de Michel Leclerc (hanté par le personnage cliché de la bonne poire débordant de compassion), La Vie très privée de monsieur Sim, adapté du formidable roman best-seller, toujours made in Delante Films et Karé Productions… On retrouvera très prochainement Vincent Lacoste en Jacques Sim jeune et Jean-Pierre Bacri en Sim adulte. Ce qui laisse supposer un milieu professionnel que CSM regrette être trop fermé. Peut-on craindre dès à présent la désillusion ? La suite au prochain épisode.

* expliqué par le choix du plan muet sur mur tagué entre Camilia Jordana et Claudia Tagbo (image background)

** l’appellation aurait pu être bien vue en d’autres circonstances

Fiche technique : Je suis à vous tout de suite

Pays: France
Réalisation: Baya Kasmi
Scénario: Michel Leclerc, Baya Kasmi
Interprétation : Vimala Pons, Mehdi Djaadi, Agnès Jaoui, Ramzi Bédia, Laurent Capelluto, Claudia Tagbo, Camélia Jordana, avec la participation d’Anémone
Directeur de la photographie : Guillaume Deffontaines
Monteuse : Monica Coleman
Musique : Jérôme Bensoussan
Chef décorateur : Jean-Marc Tran Tan Ba
Directrice du casting : Aurélie Guichard
Directeur de production : Marianne Germain
1er assistant réalisateur : Amandine Escoffier
Chef costumier : Mélanie Gautier
Scripte : Isabel Ribis
Date de sortie: 30 septembre 2015
Durée: 100 minutes

Pour l’ouverture de sa rétrospective à la Cinémathèque française, Philippe Faucon est venu présenter en avant-première, avec l’équipe du film, son nouveau long-métrage Fatima, en compétition à la Quinzaine des Réalisateurs lors du dernier festival de Cannes.

Synopsis : Fatima vit seule avec ses deux filles : Souad, 15 ans, adolescente en révolte, et Nesrine, 18 ans, qui commence des études de médecine. Fatima maîtrise mal le français et le vit comme une frustration dans ses rapports quotidiens avec ses filles. Toutes deux sont son moteur, sa fierté, son inquiétude aussi. Afin de leur offrir le meilleur avenir possible, Fatima travaille comme femme de ménage avec des horaires décalés.

Philippe Faucon est un nom peu connu du cinéma indépendant français, pourtant, le réalisateur nous offre, avec Fatima, son 8ème long-métrage pour le cinéma. Toujours engagé et soucieux de dépeindre un milieu et des conditions sociales qui lui sont chers, Philippe Faucon offre, dans l’ensemble de sa filmographie, un cinéma réaliste. Fatima ne déroge en rien à la règle et nous fait vivre avec cette mère de famille qui se donne corps et âme à la réussite de ses filles.

Là où le film est une réussite, c’est qu’il n’est en rien misérabiliste, bien au contraire. Philippe Faucon ne s’enlise dans aucun pathos et ne force pas la main, c’est le spectateur qui éprouvera un quelconque sentiment à l’égard des personnages. Le cinéma social a tendance à rebuter, certains y voyant le simple but de faire peser toute la misère du monde sur les épaules des femmes et hommes qui composent les classes défavorisées. Dans son long-métrage, Philippe Faucon aborde le racisme et le commérage, ainsi que la place de la femme dans la société, à qui l’on apprend à « se couvrir et contrôler chaque geste et chaque parole ». Il dépeint également un souhait de s’en sortir, en arrivant à toujours mêler un humour singulier, pourvu d’autodérision, qui ne peut échapper au spectateur.

Les partis pris esthétiques sont réduits à leur plus simple expression, afin de dévoiler les acteurs et de tirer le plus possible du jeu de ces derniers. Toutefois, le film est d’une certaine lenteur car il retranscrit le quotidien d’une femme de ménage, ainsi que celui de ses filles, on peut alors reprocher au réalisateur de s’appesantir et d’être quelque peu rébarbatif avec ce schéma d’une vie cyclique, dans laquelle il ne se passe au fond pas grand chose, outre la pression de l’aînée vis à vis du concours de médecine.

Fatima est une personne personne généreuse qui cherche à se fondre dans la masse (avec des cours de français pour assurer les contraintes administratives), ne cherchant qu’à faire le bien. Une femme forte, acceptant toutes les tâches, dans l’unique but qu’est celui de rendre ses filles heureuses, en dépit d’une atmosphère sociale qui ne joue pas en leur faveur. Et même si l’une de ses filles, Souad, ne lui rend pas la pareille, son amour pour elle n’en est en rien modifié, et elle ne cessera de se battre pour cette dernière, cela malgré les remarques désobligeantes d’une adolescente en pleine recherche d’elle même. On retiendra cette phrase forte, et d’une tristesse absolue, pour qualifier Fatima « un torchon, qui ne parle même pas français ». Malgré cela, pendant tout le long-métrage, Fatima écrit, en arabe, dans un cahier, des phrases, semblables à des vers poétiques. Dans quel but ? Celui de dire à ses filles ce qu’elle pense, ce qu’elle vit et la manière dont elle voit la société. En résultera une scène magnifique chez le médecin, long monologue de Fatima, où le discours s’avère criant de vérité, et, en fin de compte, assez dérangeant.

Semblable à La loi du Marché, Fatima est une succession de longs, et souvent gros plans, où les acteurs sont mis sur un piédestal. Même si pour certains, des plans peuvent paraître futiles ou vides de tout sens, Fatima apparaît comme un ensemble dans lequel chaque fait est important. Et même si le jeu d’acteurs peut déranger, une fois de plus, il s’agit là d’un choix du réalisateur, qui le dit si bien « Si les acteurs amateurs peuvent paraître faux, c’est parce qu’ils cherchent à jouer un naturel qu’ils ont déjà.»

Mais il paraît tout de même essentiel d’aborder le casting, car Soria Zeroual (Fatima) réellement femme de ménage d’origine marocaine, et Zita Hanrot (Nesrine, fille aînée de Fatima), remarquée dans Eden et Radiostars, sont fantastiques, de véritables révélations en terme de jeu. Les deux actrices véhiculent des émotions incroyablement fortes et sont criantes de vérité. On perçoit un jeu d’une sincérité magnifique. Avec ce genre de long-métrage, on peut réellement se dire qu’engager des acteurs non-professionnels a parfois vraiment du bon, et peut être une réelle surprise, mais cela avec des réserves. En effet, le jeu de Kenza Noah Aïche (Nesrine, seconde fille de Fatima, âgée de 15 ans) peut, de prime abord, refroidir, mais il ne faut pas oublier qu’il s’agit du premier long-métrage de la jeune fille, qui s’avère tout de même convaincante, lors des scènes avec son père, par exemple.

Fatima est donc un film fort sur le combat d’une mère, magnifiquement interprétée, offrant une palette d’émotions au spectateur.

Fatima: Fiche Technique

Réalisateur : Philippe Faucon
Scénario : Philippe Faucon, d’après l’oeuvre de Fatima Elayoubi
Casting : Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche…
Genre : Drame
Nationalité : Française
Date de sortie : 7 octobre 2015
Durée : 80 minutes
Costumes : Nezha Rahil
Photographie : Laurent Fénart
Son : Thierry Morlaas-Lurbe
Montage : Sophie Mandonnet
Musique : Robert Marcel Lepage
Producteurs : Yasmina Nini-Faucon, Philippe Faucon, Serge Noël
Production : Istiqlal Films, Arte France, Possibles Média, Rhône-Alpes Cinéma
Distributeurs : Pyramide Distribution
Récompenses: Césars 2016 du meilleur film, de la meilleure adaptation et du meilleur espoir féminin pour Zita Hanrot

France – 2015

Mini Héros 3D est la nouveauté du cinéma de la Géode à Paris. Projeté dès le mercredi 7 Octobre sur cet écran arrondi, c’est un docu-fiction en relief qui met en scène deux petites créatures filmées de très près dans deux régions d’Amérique bien distinctes : un petit tamia, de la famille des écureuils, dans la forêt d’Amérique du Nord et une souris sauterelle mangeuse de scorpion dans le désert de l’Arizona

Synopsis : Au coeur du désert de Sonora, en Arizona et dans les forêts d’Amérique du Nord, les vies des minuscules souris-sauterelles et des tamias, recèlent bien des dangers. Mini Héros va suivre leurs aventures durant 48 heures. 48 heures décisives, durant lesquelles ils apprendront à se nourrir, à se cacher, à se protéger et à survivre. 48 heures aux confins de la vie sous nos regards ébahis.

. Les deux héros minuscules sont filmés à leur échelle de sorte que le spectateur entre véritablement dans le quotidien de ces animaux à la manière du film Microcosmos : Le Peuple de l’herbe ou encore de Minuscule : la vallée des fourmis perdues mais…la taille au-dessus ! Nous croisons d’ailleurs nombre de personnages secondaires, bons ou mauvais, tels que l’escargot ou le crapaud, le lézard ou le serpent, le grand duc ou le faucon sans oublier le scorpion et l’araignée.

Un univers fantastique  :

Le travail sur le film aura duré deux ans, entre le dressage des Mini Héros et les prises de vues en macro, mobilisant de nombreux chefs opérateurs. Il en ressort une oeuvre incroyable de 50 minutes intenses et magiques où nous plongeons dans cet univers végétal et animal aux séquences uniques.
Les images sont souvent prises en contre-plongée, accentuant ainsi le caractère incommensurable de la nature qui entoure ces toutes petites créatures. Les Mini Héros nous paraissent alors d’autant plus fragiles mais malgré tout rapides et habiles ou, comme l’explique la voix-off « dotées de super-pouvoirs » ! L’effet de rapidité est retranscrit par des ralentis fréquents de la caméra et utilisés dans les situations de danger comme cette pluie soudaine et diluvienne qui s’abat dans le désert. L’eau envahit le terrier de notre petite souris et forme un torrent violent induit par le ralenti. Lors des combats, les ralentis interviennent aussi et amplifient l’effet de la 3D par exemple au moment du gros plan impressionnant sur la mâchoire du serpent et sur sa langue qui s’étire à l’infinie.
Mais le visuel n’en est pas moins magnifique depuis les images sombres et inquiétantes du ciel jusqu’aux constellations de gouttes d’eau. Lorsque l’hiver arrive, le rythme s’accélère et les cristaux de glace envahissent l’écran. « Les journées sont plus courtes » nous informe la voix-off. Plus courtes et encore plus belles se dit-on…
À tout instant dans Mini Héros 3D, la caméra joue avec les ralentis et les accélérations, les plongées et contre-plongées, les ombres et surtout la 3D : une véritable œuvre d’art fantastique et ludique. Un conte merveilleux et plein d’humour.

Un humour à l’anglaise :

Filmée en parallèle, chacune des deux espèces de Mini Héros 3D devra affronter des créatures terrestres et volantes. Le petit tamia des bois défend son terrier et ses vivres contre un adversaire de sa propre espèce tandis que la souris sauterelle s’attaque à un scorpion pour se nourrir. Des scènes de combats épiques, presque humoristiques – un humour so british, il faut bien le dire – de par ces ralentis qui rappellent des passages de Matrix et l’aspect « super-héros ». Le hurlement de notre souris sauterelle, dressée sur ses pattes arrières, à la manière d’un loup (ou d’un loup-garou?) est ainsi filmé de façon outrancière, répétée et décalée dans ses effets d’ombre. Le Grand Duc d’Amérique prend quant à lui des airs de Godzilla, avec des gros plans sur les serres/griffes qui claquent impatiemment sur la branche d’arbre et attendent de s’abattre sur la petite proie. Les gros plans successifs s’attardent sur les pattes, le yeux, le bec et même la langue, suggérant l’appétit vorace du super-méchant !
Dans Mini Héros 3D, la voix-off joue aussi un grand rôle et nous rappelle très justement que « le désert est un véritable parc Jurassic ». On y croise d’ailleurs des cactus et des carcasses d’animaux dignes du Far West et le tout nous est servi avec une musique de Western. Les jeux de mots et la dérision dédramatisent les passages inquiétants du film. Ainsi, quand la souris sauteuse se réfugie dans un crâne pour échapper au faucon de Harris, la voix-off nous informe que « c’est digne d’un casse-tête » (rires).

De par son humour à l’anglaise et son travail technique, Mini Héros 3D est un film à la fois impressionnant et rafraîchissant car on évolue dans une atmosphère ludique qui plaira au jeune public comme aux grands. En témoignent les applaudissements dans la salle à la fin de la projection en avant-première ! Une exclusivité qui sortira à la Géode ce mercredi 7 octobre 2015.

Fiche Technique :

Titre : MINI HÉROS 3D (Titre original : Tiny Giants 3D)
Réalisation : Mark Brownlow
Inspiré de Hidden Kingdoms série originale de la BBC
Musique : Ben Foster
Production exécutive: Amanda Hill et Neil Nightingale
Scénario et production : Mark Brownlow et Michael Gunton
EN EXCLUSIVITÉ À LA GÉODE À PARTIR DU 7 OCTOBRE 2015
LA GÉODE
26 AVENUE CORENTIN CARIOU. 75019 PARIS
– ARRÊTS PORTE DE LA VILLETTE –
MÉTRO : LIGNE 7 – TRAMWAY : T3B – BUS : 75, 139, 150, 152
INFORMATIONS ET RÉSERVATIONS : WWW.LAGEODE.FR

Ni le ciel ni la terre est un objet singulier qui, au-delà de l’étrange anecdote qu’il développe comme idée scénaristique, adopte un parti pris formel affirmé qui en fait un film opaque et énigmatique.

Synopsis : Afghanistan 2014. A l’approche du retrait des troupes, le capitaine Antarès Bonassieu et sa section sont affectés à une mission de contrôle et de surveillance dans une vallée reculée du Wakhan, frontalière du Pakistan. Malgré la détermination d’Antarès et de ses hommes, le contrôle de ce secteur supposé calme va progressivement leur échapper. Une nuit, des soldats se mettent à disparaître mystérieusement dans la vallée.

« Car enfin qu’est-ce qu’un homme dans la nature ? Un néant à l’égard de l’infini, un tout à l’égard du néant, un milieu entre rien et tout […] La fin des choses et leurs principes sont pour lui invinciblement cachés dans un secret impénétrable. » (Blaise Pascal, Pensées)

Dans ce qui commence comme un film de guerre, le motif traditionnel du combat entre deux entités ennemies est rapidement dissout. Le film de guerre nous amène généralement à réfléchir à des questions morales, par l’intermédiaire de personnages souvent manichéens et de situations duelles. Avec Ni le ciel ni la terre, le jeune réalisateur Clément Cogitore dilue ce type de proposition et élabore une réflexion métaphysique autour de notre appréhension du monde.

Notre regard est modelé par notre culture, notre éducation ou encore notre milieu social. L’autre est toujours un étranger. Le réalisateur choisit d’adopter le point de vue des soldats français, une petite section parachutée au beau milieu des montagnes afghanes pour défendre leur position contre l’ennemi taliban. C’est ainsi que les personnages sont introduits. Ils sont exogènes à ce milieu qu’ils ont investi. Cogitore le dit au cours des nombreuses séquences d’échange entre la population locale et les soldats où le dialogue est entravé par la barrière de la langue, et il le montre surtout. Le film se déroule sur le front du Wakhan, montagnes pierreuses et désertiques. Au-delà d’être un simple décor qui viendrait appuyer un contexte en mettant l’accent sur les conditions de vie hostiles à l’établissement humain, la montagne afghane est un environnement agissant. Cogitore privilégie les plans larges pour filmer ses acteurs dans ce paysage lunaire, à l’image de ce qui se fait dans les westerns. L’homme fait partie de ce monde (les tenues de camouflage amènent les protagonistes à se fondre littéralement dans le paysage, une anticipation des disparitions à venir) mais n’a que peu de prise sur lui. Qu’il s’agisse des soldats ou même des habitants de la région, ils sont dépassés, démunis devant l’émergence de ce surnaturel. Les premiers tentent de prendre l’ascendant par l’entremise de la technologie militaire tandis que les autres s’en remettent à Dieu. Deux régimes d’images viennent traduire cette différence de rapport au monde. Les soldats regardent leur environnement au travers de leur équipement qui leur permet de pallier aux défaillance de l’acuité visuelle humaine. De nombreuses séquences sont filmées à la caméra thermique, faisant apparaître des formes ectoplasmiques plus qu’humaines. Les habitants des montagnes, eux, attribuent à une intervention divine ces disparitions inexpliquées, un dieu qu’ils perçoivent sans le voir.

Croire sans voir est une opération délicate pour ces Européens. « Ces hommes, ce n’est pas parce qu’ils ne sont pas là que tu ne les vois pas. Tu ne les vois pas parce qu’il fait nuit et que tu n’as pas tes jumelles » dit un enfant du village au capitaine qui lui demande de s’expliquer sur le fondement de sa conviction en Dieu. L’inconnu effraie, l’incompréhensible panique. La peur est le terreau de toutes les guerres. L’équipement militaire agit comme un talisman, destiné à protéger celui qui le porte, tout comme les rituels pratiqués par les paysans afghans. Il est question de croyances, dans un cas comme dans l’autre. Ces deux regards sur le monde s’affrontent un temps et finissent par se mêler. Cogitore met en scène cette contamination dans une scène hallucinante dans laquelle on passe de la découverte d’une grotte à l’aide du matériel militaire, vision très scientifique, au récit d’une légende tirée du Coran. Le jeune réalisateur brouille habilement les pistes. Il ne cherche pas le confort d’une fin qui apaiserait les esprits mais reste dans l’opacité et l’inexplicable. Clément Cogitore, dont ce film est le premier long-métrage, avait déjà suscité l’intérêt lors de ces précédents films, et notamment avec Bielutine. Ce court-métrage documentaire entre dans l’intimité d’un couple russe, amateur d’art, vivant en huis clos entouré d’oeuvres de maîtres dans un univers singulier empreint de spiritualité et de magie. Sous ses devants de film de guerre, Ni le ciel ni la terre emboîte le pas de son aîné en continuant de creuser le sillon d’un cinéma qui cultive une certaine inquiétante étrangeté.

Ni le ciel ni la terre : Fiche technique

Réalisation : Clément Cogitore
Scénario : Clément Cogitore, Thomas Bidegain
Interprétation : Jérémie Reiner (capitaine Antarès Bonassieu), Swann Arlaud (Jérémie Lernowski), Marc Robert (Jean-Baptiste Frering), Kévin Azaïs (William Denis), Finnegan Oldfield (Patrick Mercier), Christophe Tek (Stéphane Tek)
Photographie : Sylvain Verdet
Montage : Isabelle Manquillet
Musique : Eric Bentz, François-Eudes Chanfrault
Décors : Isabelle Pannetier
Produit par : Jean-Christophe Reymond
Distribution : Diaphana Distribution
Durée : 100 minutes
Genre : film de guerre, fantastique
Date de sortie : 30 septembre 2015

France – 2015

Sans avoir profité d’une promotion intrusive comme beaucoup de ses concurrents qui nous assènent de bandes-annonces, L’Odeur de la mandarine a réussi à s’assurer une exploitation très étendue. Ceci s’explique par le fait que, pour son quatrième film, Gilles Legrand se confirme comme un des rares peintres contemporain de l’univers rural dans lequel il a jusque-là toujours fait en sorte d’ancrer son cinéma.

Synopsis : En juillet 1918, dans l’est de la France, Angèle, une jeune infirmière veuve et mère d’une fillette d’une dizaine d’années, entre au service de Charles, un riche vétéran de la cavalerie amputé d’une jambe et propriétaire d’un grand haras. Très vite va se lier entre ces deux individus marqués par la guerre une profonde intimité, qui va le pousser à aller plus loin, au risque de compliquer leur relation.

L’amour comme cheval de bataille

Après l’inventivité enfantine dans Malabar Princess en 2003, la solitude dans La Jeune fille et les loups en 2007 et les liens père-fils dans Tu seras mon fils en 2010, le réalisateur décide cette fois de s’attaquer à une histoire romantique. Dès les premières images du film, on comprend vers quoi  la relation employeur-employé entre Charles et Angèle va virer. L’idée d’assister à un lien platonique à la façon de Journal d’une Femme de Chambre apparaît alors même comme une crainte. Les cartes sont donc vite posées par une écriture romanesque si traditionnelle que l’on jurerait avoir affaire à une adaptation littéraire. Et pourtant le scénario est original et a été cosigné par Guillaume Laurant, connu pour avoir jusque-là essentiellement travaillé avec Jean-Pierre Jeunet. Le risque de ce parti-pris classique, dont l’intention première est de décrire la part animale des tensions intimes de ce couple à travers un parallèle avec l’approvisionnement des chevaux,est d’offrir une dramaturgie trop classique pour apparaître comme une proposition moderne.

C’est sans doute là le principal souci de l’Odeur de la Mandarine : A trop savoir où l’on va, le récit ne peut miser, pour surprendre le public, que sur ses dialogues qui alternent intelligemment non-dits et une évocation parfois crue de la sexualité. La liberté du personnage d’Angèle rompt avec la misogynie ambiante lorsqu’elle impose littéralement les conditions de son mariage, et dès lors l’amour impossible profite d’échanges tour à tour émouvants, drôles et tendus. Des changements de tons qui permettent à la romance de ne jamais tomber dans le piège de la mièvrerie. La complémentarité des personnages, le regard de l’enfant, les conseils de la vieille fille, le charme d’un inconnu débarqué comme un grain de sable, sont autant d’idées déjà mille fois ressassées du genre romanesque. La métaphore, omniprésente dans le film, entre l’équitation et le coït n’a, elle non plus, rien d’originale, mais elle est le prétexte à des scènes équestres très bien filmées. Le travail du chef opérateur Yves Angelo (qui a travaillé sur chacun des quatre films de Legrand) est remarquable et fait beaucoup pour la qualité visuelle de cette belle histoire entièrement filmée en décors réels. L’interprétation des acteurs est aussi pour beaucoup dans la force des échanges, à commencer par l’excellent Olivier Gourmet et la ravissante Georgia Scalliet qui, pour sa première apparition au cinéma, parvient à être crédible dans la plupart de ses scènes. Les rôles secondaires sont assurés par des acteurs expérimentés comme Dimitri Storoge, Hélène Vincent ou Michel Robin.

Mais, aussi bien filmé et bien interprété qu’il puisse être, le film n’en reste pas moins une œuvre à priori trop classique pour se démarquer. C’est finalement dans la mise en scène que nous propose le réalisateur que toute la sensibilité du film prend tout son essor. Les jeux de regards et le poids des silences sont, plus que tous les dialogues, la clef de la tension sexuelle qui inonde le film. Le décalage entre le caractère oppressant de l’intérieur de la ferme et l’onirisme avec laquelle est filmée la forêt qui l’entoure apparait comme la meilleure illustration de la différence entre les notions de couple et de liberté sur laquelle repose le film. Des idées de mise en scène qui rompent avec le classicisme de la dramaturgie.

De très loin le meilleur film de Gilles Legrand, L’Odeur de la mandarine peut sembler désuet sur le fond comme sur la forme mais sait tirer l’avantage des moments d’intimité entre ses deux excellents acteurs, et ce même si leurs personnages disparaissent derrière le discours tenu sur la difficulté de s’épanouir sexuellement sans amour.

Bande annonce: L’Odeur de la mandarine

Fiche Technique: L’Odeur de la mandarine

Réalisateur : Gilles Legrand
Scénario : Guillaume Laurant
Casting: Olivier Gourmet (Charles), Georgia Scalliet (Angèle), Dimitri Storoge (Léonard), Marine Vallée (Louise), Hélène Vincent (Émilie)…
Décors : Jean Rabasse
Costumes : Catherine Leterrier
Photographie : Yves Angelo
Montage : Andréa Sedlackova, Thomas Desjonqueres
Musique : Armand Amar
Producteurs: Frédéric Brillion, Victor Hadida, Samuel Hadida
Production: Epithète Films, Davis Films, France 3 Cinéma
Distribution: Metropolitan FilmExport
Genre : Romance
Durée : 110 minutes
Date de sortie en salles: 30 septembre 2015

France – 2015