LeMagduCiné

…Il n’y a qu’un pas et les 20 premières minutes de Les Nouvelles Aventures d’Aladin sont plutôt déstabilisantes, il faut bien le dire. Le début du film est assez réussi et bien trouvé avec une situation initiale dans le monde d’aujourd’hui qui donne lieu à un récit enchâssé et nous conduit dans le Bagdad féerique du XIème siècle. Mais si on s’attend à de l’humour bon enfant comme dans la saga Astérix, on déchante rapidement.

Synopsis : Le soir de Noël, Sam et son meilleur ami déguisés en Pères-Noël espèrent voler des articles aux Galeries Lafayette. Mais face à la demande pressante des enfants, Sam entreprend de raconter une histoire : l’histoire d’Aladin ou plutôt Les Nouvelles Aventures d’Aladin. Pour se faire, il se met lui-même en scène dans le rôle d’Aladin, le prince des voleurs, accompagné de son fidèle ami et de bien d’autres personnages qui l’entourent dans la vraie vie…

Du conte moderne à la parodie…

Les Nouvelles Aventures d’Aladin va plus loin encore dans le comique et dans la parodie du conte de fée. Ainsi, Aladin (Kev Adams, Kidon, Les Profs 2) « démarre » un tapis volant en frottant les fils de contact du véhicule qu’il tente de dérober puis, le tapis virevolte au son d’un rap français – on y était plus ou moins préparé par la bande-originale. Les deux amis chevauchent le tapis et n’en finissent pas de faire des pitreries cheveux au vent et visages déformés par la vitesse… Mais une fois passé l’effet de surprise, on peut s’attendre à tout et, surtout, rire de tout.

Au fil du film, les gags sont nombreux, gras et un peu faciles. Le Grand Vizir (Jean-Paul Rouve, Jamais le premier soir, Ce soir je vais tuer l’assassin de mon fils) cherche à lire l’heure sur une montre inexistante (on est au XIème siècle pardis !) et vérifie son haleine, douteuse semble-t-il. Dans le désert, Aladin croise un panneau STOP et un magicien à voile et à vapeur (Arthur Benzaquen) qui lui offre un « hamburger » et lui fait du rentre-dedans. Puis le héros joue de la flûte avec ses fesses pendant que son ami Khalid (William Lebghil, SODA, Jacky au royaume des Filles) exécute une lap dance à la Princesse Shallia (Vanessa Guide, No Limit, Papa ou Maman) et à sa servante (Audrey Lamy, Scènes de Ménage, La Belle et La Bête) dégoulinante de sueur. Et Shallia de se dandiner dans les rues de Bagdad avec un sein à l’air…

L’humour est potache et n’a pas peur du ridicule et les références culturelles sont multiples : Blanche-Neige, Star Wars, la Démocratie… Le vocabulaire est moderne, jeune, osé et tendancieux comme pour le génie qui regrette de « ne pas pouvoir pécho ». La délicate princesse ne sera pas non plus épargnée puisqu’elle se laisse aller aux pires grossièretés. Mais les scènes de bagarre sont surprenantes et très bien réalisées, avec un passage en animation, et les décors sont magnifiques… Surtout, le jeune public appréciera l’humour graveleux, la musique et les chansons de Black M. et Michael Youn ainsi que les sketchs de Kev Adams. Monsieur Adams qui, par ailleurs, se révèle dans son rôle de conteur auprès des jeunes enfants et en est presque touchant.

Les Nouvelles Aventures d’Aladin est donc une parodie plutôt réussie du conte traditionnel arabo-perse d’Aladin ou la Lampe Merveilleuse et au casting bien fourni en comiques avérés (Michel Blanc, Jean-Paul Rouve, Éric Judor). Même si parfois elle peut manquer d’un soupçon de finesse, elle plaira au public d’adolescents et de jeunes adultes de la génération SODA.

Fiche Technique :

Titre original : Les Nouvelles Aventures d’Aladin
Réalisation : Arthur Benzaquen
Scénario : Daive Cohen
Acteurs principaux : Kev Adams, Jean-Paul Rouve, Éric Judor, Michel Blanc, Vanessa Guide, Audrey Lamy, William Lebghil, Nader Boussandel, Arthur Benzaquen
Sociétés de production : Pathé Distribution                                                                                                                                      Directeur de la photographie : Pierre Aïm
Montage : Brian Schmitt
1er assistant réalisateur : Valérie Othnin Girard
Musique : Michael Tordjman, Maxime Desprez et Chansons de Black M et Michael Youn
Société de production : Pathé, 74 Films, M6 Films, Artémis Productions
Pays d’origine : France
Genre : Comédie
Durée : 104 minutes
Sortie : 14 Octobre 2015

Les Nouvelles Aventures d’Aladin : Bande-annonce du film

C’est avec le dit accident que débute Par Accident. Il arrive brutalement, après quelques minutes de film. Il vient si tôt qu’il en précède même le titre du film qui vient conclure cette introduction d’une concision glaçante.

Synopsis: Un soir, Amra, une jeune algérienne installée en France, renverse accidentellement un piéton. Celui-ci reste entre la vie et la mort. Ravagée par la culpabilité et la certitude qu’elle n’obtiendra jamais ses papiers français, elle est miraculeusement innocentée par Angélique, une belle rousse aussi libre et décomplexée qu’Amra est sauvage introvertie. Les deux jeunes filles deviennent amies. Mais l’attitude d’Angélique devient de plus en plus étrange, voire inquiétante…

La coupable idéale

« C’est toujours mieux de découvrir les personnages en action. Je n’aime pas les débuts où l’on plante le décor et les personnages et ensuite on lance l’intrigue. Un personnage plongé dans l’action se révèle beaucoup mieux que dans la vie de tous les jours. » Entretien avec Camille Fontaine

Ce qui intéresse la réalisatrice, c’est d’installer tout de suite ses protagonistes face à une situation conflictuelle qui sera le cœur de l’intrigue du film. Avec Par Accident, elle élabore une sorte d’essai sur le poids de la culpabilité, le tout charrié par un déterminisme social aux funestes conséquences. Ce n’est qu’après le générique-sentence que l’on découvre Amra, l’une des deux héroïnes. On pense à un film des frères Dardenne ou de Ken Loach : la caméra suit le personnage dans son quotidien. Le spectateur apprend qu’Amra est une jeune immigrée algérienne en attente de régularisation. Elle travaille au noir dans une blanchisserie et vit à l’écart de la ville, dans un Mobil-home décrépit posé au milieu d’un trou de verdure. Ajoutons encore qu’elle est mariée à Lyès, celui avec lequel elle a quitté l’Algérie, et qui, on le comprend rapidement, ne possède pas de papiers. Ils ont ensemble une petite fille, prénommée Blanche, prénom-amulette faisant rêver à une intégration facile. Le début de cette histoire a tout du film social, pourtant, le scénario prend un tournant lors de l’entrée en scène de la seconde protagoniste, Angélique. L’action se cristallise autour du rapport dangereux que vont entretenir les deux femmes. Camille Fontaine manie bien les ressorts du suspense. Elle parvient à faire monter la tension crescendo et à semer le doute, tant chez son héroïne qu’auprès de ses spectateurs. A l’image de ce que laissait présager l’introduction, l’intrigue est épurée, elle ne s’encombre pas de séquences inutiles qui la ralentirait. Aucune graisse superflue, tout n’est que muscles et nerfs. L’histoire se joue autour de ce duo de femmes, admirablement écrit.

Amra et Angélique sont les deux faces d’un même personnage. Inclassables, inaptes socialement, Amra la farouche et Angélique la fantasque trouvent une forme de complétude à être ensemble. Lyès fait remarquer à sa compagne, sans aucune amertume tant il est heureux de la voir heureuse, que c’est au contact d’Angélique qu’Amra s’est épanouie, quand lui était impuissant et désemparé devant sa tristesse. Le scénario est ponctué de petits moments de grâce : allongées dans l’herbe au soleil ou dansant dans une boîte de nuit comme si elles étaient seules au monde, les deux femmes sont là seulement l’une pour l’autre. Mais cette fusion égoïste ne durera pas. Peut-être que la peur d’être trahie par celle qui lui était devenue si proche alimente la psychose d’Amra. La réalisatrice laisse la gangrène du soupçon s’installer en le rendant légitime. Angélique ne se laisse pas facilement cerner: dans une forme de bipolarité, elle passe de la jeune femme solaire à la diabolique inquiétante. Le caractère hors-norme de la jeune femme causera sa perte.

Avec ce premier film en tant que réalisatrice, Camille Fontaine nous offre un thriller aux accents de film social. Cette hybridité ne nuit en aucun cas à l’intrigue, le scénario ne s’encombrant jamais de superflu. Peut-être ce mélange vient-il injecter un certain fatalisme à la conclusion, tout aussi âpre que la scène d’ouverture. Finalement, c’est la situation dans laquelle se trouve Amra qui détermine le sombre dénouement de ce film. Le constat est un peu amer, la fin abrupte, la cinéaste clôt son oeuvre à la manière dont elle l’a commencée : par une embardée lourde de conséquences.

Par Accident : Fiche Technique

Réalisation : Camille Fontaine
Scénario: Camille Fontaine, Marcia Romano
Distribution : Hafsia Herzi (Amra), Émilie Dequenne (Angélique), Mounir Margoum (Lyès), Thelma Deroche Marc (Blanche)
Photographie : Elin Kirschfink
Montage : Albertine Lastera, Marion Monnier
Musique : Christophe
Décors : Mathieu Menut
Produit par: Elzévir Films (Denis Carot, Marie Masmonteil)
Genre: Drame
Date de sortie: 14 octobre 2015

Après Une vie de chat, film d’animation ayant conquis la critique à sa sortie, aussi bien en France qu’aux Etats-Unis, le duo Alain Gagnol/Jean-Loup Felicioli revient pour un nouveau long-métrage, un polar réalisé en dessin animé traditionnel : Phantom Boy.

Synopsis: Léo, 11 ans, possède un pouvoir extraordinaire. Avec Alex, un policier, il se lance à la poursuite d’un vilain gangster qui veut s’emparer de New York à l’aide d’un virus informatique. A eux deux, ils ont 24 heures pour sauver la ville…

Qu’on se le dise d’emblée, Phantom Boy est une réussite graphique à tout point de vue. En effet, les réalisateurs délaissent une animation numérique et prônent un dessin traditionnel. Cette prouesse, dans la continuité d’Une vie de chat, dégage un charme fou, une authenticité remarquable, et fait échapper ce long-métrage d’animation à un potentiel sentiment de déjà vu, rituel de l’animation d’aujourd’hui. Le projet est ambitieux et le travail en amont est colossal : il aura fallu 2 ans ans aux réalisateurs pour imaginer leurs personnages et écrire le scénario, et 3 ans aux dessinateurs pour donner vie aux protagonistes sur le papier, ainsi qu’à l’écran. Le résultat est splendide, d’une beauté déconcertante et sert à merveille le récit : le dessin est travaillé , les couleurs font virevolter le spectateur et lui font ressentir une palette d’émotions différentes. Avec Phantom Boy, les petits et les grands riront et frémiront à de nombreuses reprises, et pleureront, le sort des personnages échappant aux spectateurs à plusieurs reprises.

L’atmosphère, ne cesse d’évoluer : parfois pesante, parfois stressante, à la manière des meilleurs films noirs, Phantom Boy n’a pas à rougir des films policiers en prise de vue réelle. Chaque scène a son ambiance, ses choix esthétiques et sa particularité, ce qui fait de Phantom Boy un ensemble qui ne peut que conquérir le cœur du spectateur. En découle une découverte de New-York splendide, les réalisateurs alternant entre ville lumière le jour et ville sombre, grouillant de malfrats la nuit. Amateurs de New-York, vous retrouverez une ville extrêmement détaillée lors des allées et venues des protagonistes, notamment lors des vols du fantôme de Léo entre les immeubles de La Grosse Pomme. Les dessinateurs n’omettent aucun détail et donnent à voir les lieux qui ont fait le succès de New-York, que ce soit L’Empire State Building, La Statue de la Liberté ou le Chrysler Building. Amateurs de cinéma, quant à vous, prenez garde aux nombreuses références cinématographiques disséminées le long du film.

Outre son graphisme, Phantom Boy puise sa force dans son scénario et dans la manière dont il est amené à l’écran. En 85 minutes, tout est exploité et rien n’est laissé au hasard ou mis de côté. La trame événementielle captive et ne lâche pas le spectateur une seule seconde. Même si, sur le papier, le scénario peut paraître quelque peu classique, avec une potentielle happy end, Alain Gagnol et Jean-Loup Felicioli abordent toutefois des thèmes durs souvent délaissés dans les films d’animation. Avec la chimiothérapie d’un jeune garçon de 11 ans, les réalisateurs nous font voir une réalité compliquée qu’est la maladie chez les enfants. Une épreuve dure à surmonter pour des personnes que l’on considère comme forts, et que l’on souhaite juste voir grandir. S’en suit une impuissance à assumer, les souffrances d’un entourage qui désirer rester fort, accompagné de l’apparition progressive de la solitude d’une sœur que la maladie a séparé de son frère. On ne peut que retenir cette scène, dans les couloirs, où la mère de Léo est en pleurs dans les bras de mari, déclamant des phrases d’une tristesse absolue. Car il est vrai que les protagonistes sont tous plus attachants les uns que les autres, mêmes s’ils sont secondaires. On suit Léo et son entourage comme l’on suit un documentaire portant sur une famille dans le combat contre la malade, sans omettre l’intrigue policière, bien sur.
Qui a dit que l’animation ne pouvait pas toucher le spectateur et lui faire voir la réalité, telle qu’elle est réellement ? Certains conchieront le film en avançant le fait qu’il ne s’agit pas d’un univers adapté à la jeunesse, mais est ce vraiment faire grandir un enfant que de lui cacher une vérité ?

Mais, cette critique n’est pas écrite dans le but de faire passer ce long-métrage pour un film d’animation social exclusivement centré sur la malade. Phantom Boy est, avant toute chose, un polar, un vrai film policier, avec des nœuds dramatiques et des rebondissements.Que serait ce polar d’animation sans un casting vocal à la hauteur des personnages ? On retient la voix de Jean-Pierre Marielle, grand acteur français, à la voix si singulière, légèrement rocailleuse, et très grave, cette « voix de méchant, même s’il ne l’est pas réellement ». (selon ses propos, lors de l’AVP du film). Autant dire que L’homme au visage cassé, qui fait régner la terreur sur New-York, a un timbre qui lui sied parfaitement. Dans la continuité du casting, on retrouve Edouard Baer en Alex Tanguy, policier à la jambe cassée, détesté de ses supérieurs, ainsi qu’Audrey Tautou en Mary Delauney, journaliste donnant du fil à retordre aux méchants, une élocution douce pour un personnage fort, aussi bien physiquement qu’intellectuellement. Car oui, les femmes aussi peuvent être de réelle force de la nature et peuvent affronter les pires individus ! Il n’y a pas que les hommes qui doivent être cantonnés à ce rôle !

Phantom Boy est la découverte d’animation de cette fin d’année. Un bijou aussi bien esthétique, grâce à son dessin « traditionnel », que scénaristique, grâce aux nombreux thèmes abordés, vocalement porté par un casting de choix.

Phantom Boy – Bande-annonce

Fiche Technique : Phantom Boy

Réalisateurs : Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli
Scénario : Alain Gagnol
Doublage : Edouard Baer, Jean-Pierre Marielle, Audrey Tatou, Jackie Berroyer…
Création graphique des personnages : Jean-Loup Felicioli
Photographie : Izu Troin
Son : Loic Burkhardt
Montage : Hervé Guichard
Musique : Serge Besset
Producteurs : Jacques-Rémy Girerd, Anemie Degryse
Production : Folimage, Lunanime, France 3 Cinéma, Rhône-Alpes Cinéma.
Distributeurs : Diaphana Distribution
Genre : Animation
Durée : 85 minutes
Date de sortie : 14 octobre 2015

France/Belgique – 2015

Parallèlement à la sortie de son nouveau livre « Venise n’est pas en Italie », Ivan Calbérac revient au cinéma pour son 4ème long-métrage, et sa 4ème comédie, L’étudiante et Monsieur Henri. Avant toute chose, il faut savoir que le film est une adaptation de la pièce de théâtre du même nom, écrite par le réalisateur, ayant déjà été jouée dans des salles parisiennes.

Synopsis : A cause de sa santé vacillante, Monsieur Henri ne peut plus vivre seul dans son appartement parisien. Particulièrement bougon, il finit néanmoins par accepter la proposition de son fils Paul de louer une chambre à une jeune étudiante. Loin de tomber sous le charme, Henri va se servir d’elle pour créer un véritable chaos familial…

Si ce nouveau film peut rebuter par son affiche ou par son pitch convenu, cette nouvelle comédie mérite le coup d’oeil. Tout d’abord, qu’il est agréable de revoir Claude Brasseur au cinéma, notre papa de La Boum, lui qui avait quitté nos écrans depuis le dernier film de Jean-Pierre Mocky, Le renard jaune. Avec sa voix grave et rocailleuse, on le reconnaitrait parmi mille autres acteurs. Claude Brasseur dans le rôle d’un vieil homme bougon et solitaire est criant de vérité. Ce faciès, ses expressions subtiles et une certaine nonchalance d’un point de vue filmique font de cet homme un grand acteur. Il est vrai que ce rôle n’est en rien original pour lui, mais c’est dans les vieux pots qu’on fait les meilleures soupes, et sa prestation ne déroge en rien à la règle.

Dans le long-métrage, Claude Brasseur est accompagné de valeurs sûres du cinéma, comme Guillaume de Tonquedec, connu pour Fais pas ci, fais pas ça, qui ne cesse de s’affirmer comme un excellent acteur, ou encore Frederique Bel, qui elle, s’avère toujours des plus énervantes, nous livrant une interprétation semblable à son époque de La minute blonde : de la bêtise chez le personnage, un profond sentiment d’agacement chez le spectateur. Un personnage connu de tous dans le cinéma français, cette bobo catho tête à claques. La surprise du casting vient de la jeunesse, et de Noémie Schmidt, L’étudiante et Monsieur Henri étant son premier long-métrage au cinéma (on a pu la voir dans un téléfilm auparavant). Même si le jeu de la jeune fille peut parfois sonner légèrement faux, elle arrive à se placer en pilier du film. Sa relation avec Monsieur Henri, comme le vin, se bonifie avec le temps, et son amourette avec Guillaume de Tonquédec est relativement crédible.

L’étudiante et Monsieur Henri est donc une comédie française agréable, ayant pourtant de nombreux défauts des comédies françaises actuelles. Comme beaucoup, la comédie d’Ivan Calbérac souffre de prévisibilité dans le récit. Les ficelles se dévoilent au fur et à mesure, et sont parfois des plus énormes. Même avant d’avoir vu le film, l’ending se fait entendre : « Une amitié entre une jeune étudiante et un vieux monsieur. » Il ne faut pas longtemps pour deviner le sort des personnages, et Ivan Calbérac ne contre pas le destin. Ce que l’on pense arrive, malheureusement, mais sans aucun pathos. Le réalisateur laisse une part d’imagination aux spectateurs. En ce qui concerne la fin, car si cette dernière est plutôt brute, quoi qu’un peu tire-larme avec la lettre, le film est une concentration de surplus d’émotions et de bons sentiments, avec une musique extra-diégétique qui deviendrait presque nauséeuse. Ivan Calbérac gâche ses intentions par des surplus de montage qui nuisent au film. Certaines scènes n’auraient-elles pas été plus fortes si elles avaient été plus brutes ?

Enfin, Ivan Calbérac s’inscrit dans une conformité de réalisation des comédies, françaises ou d’ailleurs, bien qu’il y ait un travail sur le son assez agréable, avec l’utilisation du hors-champ : les partis pris du théâtre restranscrits au cinéma, même si Létudiante et Monsieur Henri n’est en rien théâtral, il ne s’agit pas d’un huis-clos, bien au contraire. Le scénario nous fait passer de boîte de nuit à Loft de DJ, en passant par un cimetière. On regrettera tout le passage en Angleterre qui n’est, dans le contexte, pas très utile. Il aurait été plus intéressant, une fois de plus, de faire appel à l’imagination débordante que le spectateur peut avoir.

L’étudiante et Monsieur Henri est une comédie sans prétention, d’une gentillesse infinie, portée par une agréable découverte, Noémie Schmidt, et par deux acteurs de choix, deux valeurs sûres du cinéma que sont Claude Brasseur et Guillaume de Tonquédec.

L’étudiante et Monsieur Henri: Bande-annonce

L’étudiante et Monsieur Henri: Fiche Technique

Réalisateur : Ivan Calbérac
Scénario : Ivan Calbérac
Casting : Claude Brasseur, Guillaume de Tonquédec, Noémie Schmidt, Frédérique Bel, Thomas Soliveres…
Genre : Comédie
Nationalité : Française
Date de sortie : 7 octobre 2015
Durée : 98 minutes
Costumes : Claire Lacaze
Photographie : Vincent Mathias
Son : Philippe Fabbri, Damien Aubry, Emmanuel Croset
Montage : Hervé Guichard
Musique : Laurent Aknin
Producteurs : Isabelle Grellat Doublet, Eric Altmayer, Nicolas Altmayer
Production : Mandarin Cinéma, StudioCanal
Distributeurs : StudioCanal

Rob Reiner, Nora Ephron… Des noms importants de la comédie romantique contemporaine qui, grâce à eux, a pu connaître quelques grands bouleversements et remodélisations du genre avec notamment When Harry Met Sally (Quand Harry Rencontre Sally) en 1989, Sleepless in Seattle (Nuits Blanches à Seattle) en 1993, ou encore avec You’ve Got Mail (Vous avez un message) en 1998.

Synopsis: Ben Whittaker, un veuf de 70 ans s’aperçoit que la retraite ne correspond pas vraiment à l’idée qu’il s’en faisait. Dès que l’occasion se présente de reprendre du service, il accepte un poste de stagiaire sur un site Internet de mode, créé et dirigé par Jules Ostin.

Nancy Meyers semble se placer dans la tradition de ces cinéastes en proposant des films à la fois distractifs et sociologiques. Le mot n’est pas grand, car il s’agit bien pour ces films d’observer – parfois même étudier – les relations humaines, plus particulièrement amicales et amoureuses, dans des environnements et espaces publics où le relationnel et le sentiment semblent avoir été ironiquement relégués aux publicitaires et aux fictions télévisuelles et cinématographiques.

À l’image de What Women Want (Ce que veulent les femmes), second film de la cinéaste réalisé en 2001, The Intern nous montrent des femmes qui ne semblent pas encore avoir trouvé ce qu’elles voulaient, et c’est à nouveau un homme qui saura les écouter et les conseiller. Et tel que dans Something’s Gotta Give (Tout peut arriver) sorti en 2004, on trouvera en protagonistes principaux des personnes âgées. Enfin, comme dans la majorité de ses films la fin est emplie de romantisme presque fleur bleue, alors que les personnages ont progressé et sont heureux. Mais, une nuance vient ici modifier le tableau Meyers-ien.

Une nuance qu’on n’avait pas vue depuis When Harry Met Sally de Reiner, la mélancolie. Et celle-ci sera présente pendant la majorité du film grâce à Robert De Niro, le successeur à Mel Gibson en tant que conseiller et oreille attentive. Mais à l’inverse du personnage incarné par ce dernier, il n’a pas de pouvoir « magique » pour savoir écouter les femmes et entendre leurs pensées. En effet, Ben Whittaker a un autre pouvoir, bien plus humain, l’expérience, qui lui a apporté de la sagesse.

Le sage homme saura conseiller les jeunes gens perdus, notamment sentimentalement. Mais Ben dépasse la figure du vieux sage, veuf, à soixante-dix ans, il cherche à se rendre utile. En cela, il est bien humain, car ça n’est pas un personnage purement cinématographique, mais la représentation au cinéma d’une situation bien réelle, l’oubli de personnes délaissées à cause de leur âge. Ainsi Ben obtient un stage au sein d’une nouvelle entreprise ayant grandi en très peu de temps et dirigée par le jeune et belle Jules Ostin, incarnée par Anne Hathaway. Et si le stage est d’abord un acte d’enjolivement de façade créé par l’entreprise, il se révélera rapidement être une grande idée. Car Ben va contribuer à la réussite de l’entreprise, en tant qu’assistant personnel de la dirigeante puis avec le deuxième poste de gestionnaire adjoint aux dossiers et courriers. Plus que ça, il trouvera un nouvel amour (incarné par la vieillissante et belle René Russo), et formera une nouvelle famille, avec les jeunes stéréotypement borderline – le petit jeune au bon embonpoint perdu et écarté du foyer familial par ses parents ; l’informaticien qui ne demande qu’à s’ouvrir à de nouvelles choses, personnes ou encore à tester sa bravoure via des actes illégaux ; le jeune responsable au nom oublié par sa patronne et perdu sentimentalement -.

Le film est ainsi ampli d’un discours social humaniste et optimiste, mais ce dernier tendra à être effacé par la double romance racontée par la réalisatrice, et qui concerne Jules et son mari. Celle-ci était-t-elle nécessaire ? Non, après tout, il y avait bien celle de De Niro et Russo, pourtant délaissée à la faveur de celle du jeune couple de mariés. La rencontre des générations, l’échange de leurs points de vue et conseils, tendent ainsi à être occultés par la romance du jeune couple. Ce dernier est-il un élément promotionnel ?

Au-delà des suppositions, Nancy Meyers filme ainsi un cinéma dans la continuité de sa carrière, pas original mais possédant toujours un élément (ou plusieurs) qui tendent à l’élever vers d’autres niveaux. Cependant, ici, elle expose, plus explicitement qu’à son habitude, ses limites, qui sont, paradoxalement, incarnés en le romantisme exacerbé, et alors qu’elle était traditionaliste, dans la reprise des caractères résolument modernes de la comédie romantique, hélas plus niaise et « parfaite », qu’imparfaite et donc humaine.

Le Nouveau stagiaire : Fiche Technique

Titre original : The Intern
Réalisation : Nancy Meyers
Scénario : Nancy Meyers
Casting: Robert De Niro (Ben Whittaker), Anne Hathaway (Jules Ostin), Rene Russo (Fiona), Adam DeVine (Jaison), Jojo Kushner (Paige), Ander Holm (Matt), Jason Orley (Lewis)…
Direction artistique : W. Steven Graham & Doug Huszti
Décors : Kristi Zea
Costumes : Jacqueline Demeterio
Montage : Robert Leighton
Musique : Theodore Shapiro
Production : Suzanne McNeill Farwell, Nancy Meyers, Celia D. Costas, Stefan Mentz
Sociétés de production : Waverly Films
Sociétés de distribution : Warner Bros. France
Pays d’origine : États-Unis
Budget : 35 000 000 $
Langue : anglais
Durée : 121 minutes
Genre : Comédie Romantique
Dates de sortie : 7 octobre 2015
Box office US : $36,523,892 au 04/10/15

Le continent Africain à rarement les honneurs du palmarès des grands festivals mondiaux. Au mieux se contente-t-il de quelques sélections quand ceux-ci daignent bien vouloir regarder au-delà du célèbre triptyque Europe-Amérique du nord-Asie. Le meilleur exemple en est « Timbuktu« , reparti bredouille de Cannes l’an dernier alors qu’il faisait partie des grands favoris pour la récompense suprême et que certains bruits de couloir lui auraient volontiers décerner le prix de la mise en scène. Il est contraignant que cette partie du monde ne puisse faire valoir ses belles qualités artistiques car elle recèle pourtant quelques grands cinéastes, passés ou présents. Souleymane Cissé recevra bien un prix du jury sur la Côte D’Azur voici quelques années, de même que son homologue tchadien Mahamat Saleh Haroun plus récemment. Mais cela représente bien peu face à l’effervescence constante de l’ancienne colonie. Il ne s’agit pas de l’honorer juste pour cause de bonne conscience nouvellement acquise ou par repentance envers un passé difficile, ce serait une erreur encore plus blessante. Cette terre recèle assez de talents pour ne pas lui en faire l’affront.

Voyez ce « Lamb » de Yared Zeleke, tout droit venu D’Ethiopie et dont la présence dans la section Un Certain Regard cette année dans le plus grand festival du monde augurait l’espoir d’une belle surprise en fin de compétition. Que nous raconte-t-il, ce nouveau venu dans le paysage cinématographique africain? la touchante histoire d’un petit garçon qui vit avec son père depuis sa mère est décédée dans une triste circonstance. Sa particularité est qu’il possède une brebis qu’il promène partout ou il passe, de sorte que cette étrange compagne puisse figurer habilement son errance. Le paternel, élégant homme de peu, n’est plus en mesure d’élever son fils car il doit trouver du travail en ville pour subvenir à ses besoins. Il confie ce dernier à son oncle, un paysan robuste qui cultive ses champs pour nourrir sa grande descendance. La douceur du premier contraste largement avec la sécheresse du second, pour qui le compromis s’avère non négociable. Sous ce nouvel hospice, Ephraïm devra se plier à de nouvelles règles et tenter de préserver ce qu’il lui reste d’innocence. Schématisé à ce point, nous pourrions croire à un éternel parcours initiatique ou la bonté humaine triompherait de toutes les turpitudes. Ce serait dévaloriser un film en tout point remarquable.

Le prénom de notre héros ne doit certainement rien au hasard, qui comme les tribuns qui partirent rejoindre la future Nation Juive, s’en va parcourir un pèlerinage biblique fortement symbolique. Il croisera sur son chemin quantités d’épreuves qui, loin de lui faire rebrousser la route, n’en révélerons que bien plus sa maturité. C’est cette traversée dans les superbes paysages arides de l’est africain qu’il nous est donné de partager avec lui. Rien n’est plus politique qu’un cinéma qui se défend d’en claironner son message tout en l’affichant subtilement par le biais d’images précises. Yared Zeleke fait mine de se situer à hauteur d’enfants, ce qu’il fait par ailleurs merveilleusement, pour mieux embrasser la situation ethnographique de son pays. Le village traditionnel du nouvel entrant est coloré des possibles contradictions d’une contrée qui ne veut pas oublier ses origines fondatrices mais n’oublie pas d’enjamber la marche de la modernité à grand pas. Tandis que les anciens perpétuent ces valeurs de labeur, les jeunes enfants rêvent d’un ailleurs ou le savoir se substituerait à cet ancrage. Le très beau personnage d’adolescente éclairée pour qui les journaux sont source d’apprentissage ne dit pas autre chose, tiraillée entre la compassion pour ce nouvel arrivant et son besoin de respirer l’air de la ville. Le maillage représente surement ce que le cinéaste connait de son pays.

S’il n’était que cette brillante étude, le film se suffirait déjà largement à lui-même. Mais il lui appartient d’avoir une ambition autrement plus stimulante, et en cela nous pouvons affirmer sans trop de risques que ce cinéma fait œuvre d’art essentiel dans notre morne paysage. La picturalité de certains plans est extraordinaire et la typographie des lieux que choisit de filmer l’éthiopien renvoie à une sensation d’évasion. Les quelques panoramiques qui scrutent au loin les montagnes paraissent vertigineux et l’ombre des nuits froides élargissent notre horizon de spectateur. Comment, enfin, ne pas toucher un mot de ces visages touchants qui nous embarquent aisément avec eux. La justesse de jeu de ces acteurs amateurs participe grandement à l’émotion que suscite ce long-métrage. Et l’on ne serait que trop partiaux de ne pas le mettre en avant, eux sans qui une telle pépite n’existerait pas. Que dire de plus?

Synopsis: Ephraïm est un jeune garçon éthiopien, toujours accompagné de son inséparable brebis. Confié à des parents éloignés, il s’adapte mal à sa nouvelle vie. Un jour, son oncle lui annonce qu’il devra sacrifier sa brebis pour le prochain repas de fête. Mais Ephraïm est prêt à tout pour sauver sa seule amie et rentrer chez lui.

Lamb : Fiche Technique

Réalisation: Yared Zeleke
Scénario: Yared Zeleke, Géraldine Bajard
Interprétation: Rediat Amare (Ephraïm), Kidist Siyum (Tsion), Welela Assefa (Emama), Surafel Teka (Solomon), Rahel Teshome (Azeb), Indris Mohamed (Abraham), Bitania Aberaham (Mimi), Rohama Demise (Yasmin)
Décors: Laurence Brenguier
Costumes: Sandra Berrebi
Son: Till Heinrich Röllinghoff, Rainer Heesch, Tobias Fleig
Montage: Véronique Bruque
Musique: Christophe Chassol
Genre : Drame
Nationalité : Français, Allemand, Norvégien, Ethiopien
Date de sortie : 30 septembre 2015
Durée : 1h34min
Producteur(s): Ama Ampadu, Laurent Lavolé, Johannes Rexin
Production: Slum Kid Films, Gloria Films, Heimatfilm
Distributeur: Haut et Court
Festival : Festival de Cannes 2015
Sélection officielle – Un Certain Regard

Auteur : Le Cinéphile Dijonnais