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A propos de Belles familles, Jean-Paul Rappeneau dit : « c’est un roman familial imaginaire ». Le réalisateur de Bon voyage revient en effet au cinéma, après onze ans d’absence, avec une comédie familiale.

Synopsis : Jérôme Varenne, un homme d’affaires, vit à Shanghai depuis plus de dix ans. En voyage en Europe, il décide soudainement de revenir quelques heures à Paris voir sa famille. Lors d’un dîner avec sa mère et son frère, il apprend que la maison de son enfance, située à Ambray, est au coeur d’un conflit local. Il tient beaucoup à cet endroit et décide alors de se rendre en province pour tenter de régler le conflit et sauver son foyer. Les choses se compliquent lorsqu’il tombe amoureux de la belle-fille de son père, la jeune et jolie Louise. Son retour de quelques heures se prolonge alors de quelques jours…

Du côté d’Ambray

A l’écran, on découvre un casting de luxe composé de Mathieu Amalric ou encore de Karin Viard, mais aussi de la nouvelle « muse » de Rappeneau (après Deneuve, Binoche ou encore Adjani) : Marine Vacth (repérée dans Jeune et Jolie d’Ozon). Cette histoire de famille fictive – mais inspirée de « moments autobiographiques » – tourne autour la vente de la maison du père de famille. Le titre du film a alors un double sens, il nous montre ironiquement peut-être de « belles familles », mais c’est aussi l’histoire de Jérôme (Mathieu Amalric) qui tombe amoureux de la belle-fille de son père, qui avait refait sa vie. Tout l’objet du film est de réconcilier le fils avec l’image de son père (qu’il a fuit dix ans plus tôt en s’installant en Chine). De ce côté-là, rien de bien nouveau. On assiste en effet à un film choral, bien moins en profondeur que ne l’était l’étude des personnages dans Bon voyage. Résultat, on accroche assez peu à cette histoire de litige plus ou moins obscur qui bloque la vente de la maison. La psychologie des personnages est très faible, pour ne pas dire « clichée » : entre le fils en quête du père idéalisé par les autres, fuit par lui et les jeunes filles « belles » mais audacieuses, insoumises ou encore la vieille fille amoureuse éperdue et un peu « bête ». Tout repose sur des pièces successives, comme autant de scènes qui mènent à la reconstitution d’une famille éparpillée. On n’échappera pas non plus à l’éternelle querelle des doubles (les frères, les femmes du père, les femmes du fils). Tout tourne autour d’Ambray, ville imaginaire où tournoient d’autres personnages (notaire, maire, secrétaires, ami d’enfance) jamais vraiment creusés, souvent très simples, trop simples. Cette histoire est assez peu accrocheuse tant elle mène à une conclusion assez attendue et plutôt décevante. En gros, « qui se ressemble, s’assemble ». Soit, sans grande surprise, les deux figures aussi abstraites qu’électriques du film : Amalric et Vacth. Pour le reste, on sourit parfois, mais cette histoire d’allers-retours reste très longue (près de 1h53) et manque parfois cruellement d’intérêt.

Retour du fils prodigue

Jean-Paul Rappeneau se distingue cependant par sa mise en scène construite comme une envolée musicale. Les personnages tournent, semblent comme léviter. Tout est assez fluide, construit en ellipses sur un temps très court, soit quelques heures qui se transforment en deux jours pendant lesquels Jérôme reconstruit le fil de sa vie. Le film est monté comme une longue chorégraphie, Rappeneau ayant pour habitude de tourner son film comme il devra être à la fin, déjà monté. Des qualités visuelles indéniables ressortent donc de Belles familles, mais le film déçoit. Il est pourtant un long mouvement comme en apesanteur (on pense à la scène de l’ouverture du festival, presque burlesque), mais qui peine à se distinguer des attendus du film français familial et choral, rien ne surprend. Au final, tant le scénario est cousu de fil blanc, on s’ennuie assez vite. Tellement que certains acteurs finissent par n’être que des caricatures d’eux-mêmes : Marine Vacth prend des poses, fait la rebelle, l’insaisissable et garde éternellement la même moue sur le visage alors qu’Amalric ouvre ses grands yeux noirs comme ébahis pendant tout le film, semblant sans arrêt se demander pourquoi il ne part pas, tout simplement. Belles familles ressemble ainsi à un chassé-croisé léger, aérien, mais qui tourne à vide.

Bande annonce – Belles familles

Fiche technique – Belles familles

Titre original : Belles familles
Date de sortie : 14 octobre 2015
Nationalité : Française
Réalisation : Jean-Paul Rappeneau
Scénario : Jean-Paul Rappeneau
Interprétation : Mathieu Amalric, Marine Vacth, Gilles Lellouche, Nicole Garcia, Karin Viard, Guillaume de Tonquédec, André Dussolier, Gemma Chan
Musique : Martin Rappeneau
Photographie : Thierry Arbogast
Décors : Arnaud de Moléron
Montage : Véronique Lange
Production : Bernard Bolzinger
Sociétés de production : ARP Sélection, TF1 Films Production
Sociétés de distribution : ARP Sélection
Budget : 8 millions d’euros
Genre : Comédie
Durée : 113 minutes

Présenté hors compétition lors festival de Cannes de 2015, L’Homme Irrationnel est le cru annuel du toujours prolifique Woody Allen (son 47^ème film en un demi-siècle).

Sa seconde collaboration, après le décevant Magic Moonlight l’année précédente, avec l’actrice Emma Stone fait déjà d’elle sa « nouvelle muse », la dernière en date étant Scarlett Johanson avec qui il a tourné trois films entre 2005 et 2010 (loin de la dizaine de films faits autrefois avec Diane Keaton et Mia Farrow). C’est en revanche la première fois qu’il dirige Joaquin Phoenix, qui réussit à si bien faire transparaitre l’intériorité tumultueuse de son personnage qu’il ne serait pas étonnant de voir Woody Allen refaire de lui son alter-égo diégétique (est-ce d’ailleurs pour cela que cet adepte de la « méthode » de l’actor’s studio a pris tant de bide ?). Davantage qu’envers les interprètes, Woody fait preuve de fidélité envers son chef opérateur, Darius Khondji, qui a déjà signé l’image lumineuse de cinq de ses films (pour l’anecdote, Khondji et Phoenix s’étaient rencontrés sur le plateau de The Immigrant, le dernier film de James Gray). C’est donc épaulé par une belle équipe que le réalisateur va tenter de s’éloigner de la tonalité de comédie romantique qui caractérisait ses précédentes réalisations pour revenir vers le thriller, un genre qu’il n’a toutefois jamais réussi à aborder sans une certaine approche comique. En effet, la trame de cette histoire d’amour renvoie tout autant aux œuvres d’Alfred Hitchcock qu’à celles de Douglas Sirk ou Billy Wilder, autant de classiques incontournables du cinéma américain dont Allen s’est fait le digne héritier, mais -et c’est là tout son génie- auxquels il mêle une intrigue criminelle d’une noirceur digne d’un David Fincher ou un Denis Villeneuve, et surtout cette petite pointe toute personnelle qui donne à la légèreté de ses dialogues une certaine résonance philosophique.

Romantisme, « masturbation verbale », légèreté et métaphysique… La synthèse parfaite du cinéma allenien?

Alors que, comme le rappelle Abe, en bon prof de philo qu’il est, Simone de Beauvoir déplorait que la condition des femmes soit « limitée aux regards que leur accordent les hommes », il est lui-même victime de la perception que les femmes ont de lui et de la façon qu’elles auront de se servir de lui pour s’épanouir elles-mêmes. Jill (Emma Stone), sa meilleure étudiante à qui il va s’attacher, perçoit en lui un être torturé et l’envie de le soigner de ses pulsions autodestructrices représentent, pour cette petite bourgeoise férue de piano et de chevaux, le plus grand des défis qu’elle n’ait jamais eu à relever. A l’inverse, sa collègue, la prof de biologie Rita (l’excellente Parker Posey, une célébrité du cinéma indépendant américain mais peu connue chez nous) a sur lui un regard purement superficiel, celui d’un homme viril et intelligent, mais dont elle compte faire un usage tout aussi narcissique puisque leur relation lui permettra d’oublier la routine d’un mariage sans avenir. Toute l’intelligence de la narration qui découle de cette situation jusque-là prévisible est de ne pas se limiter à un point de vue subjectif unique mais d’oser une double voix-off qui permet de comprendre par quels cheminements intérieurs va se créer l’interdépendance entre Abe et Jill. Les thématiques du triangle amoureux et du passage à l’acte sont récurrents chez Woody Allen (elles ont notamment été traitées dans les très bons Match Point et Crimes et délits, les deux tragi-comédies dont celle-ci se rapproche sans doute le plus) mais on ne peut cependant pas reprocher au réalisateur de manquer de renouveau puisque jamais l’emploi de la réflexion métaphysique n’aura été mise avec tant de malice au profit du récit. L’impossibilité de faire perdurer un amour utopique, de faire trouver à autrui un sens à sa vie ou encore l’utilisation d’un crime comme vecteur d’apaisement intellectuel sont autant de sujets qui vont se retrouver au cœur des interrogations qui vont agiter les deux esprits que nous permet de suivre ce dispositif narratif bicéphale.

Là où le professeur de philosophie, en pleine perte de repère, qualifie sa propre matière de « pure masturbation verbale » incapable d’avoir une influence directe sur le monde réel, le scénario que nous a concocté le cinéaste new-yorkais parvient au contraire à tirer des réflexions existentialistes, inspirées de Dostoïevski, Kierkegaard ou Kant, que se font ses personnages un véritable enjeu romanesque. Au-delà de cet habile effet de miroir entre le discours tenu et la dramaturgie, il est impossible de ne pas voir dans cet homme, a priori imbu de lui-même, verbeux et dépressif qui pourtant réussira à retrouver sa vigueur et son charme d’antan grâce à son instinct borderline mais toujours adroitement réfléchi, une pure mise en abyme du cinéma d’Allen. C’est là toute la force de L’homme irrationnel puisque, derrière le sentiment de déjà-vu qui pèse lourdement sur la surface de son scénario convenu et sur sa mise en scène sophistiquée mais sans audace, se dissimule un conte moral sur le poids des choix – qu’ils soient amoureux ou criminels – et sur le rapport entre sa propre morale et le regard que peuvent en avoir les autres. En prenant en compte la dimension introspective du traitement de ses problématiques, le film peut dès lors être interprété, de la part de Woody Allen, comme une réflexion sur sa propre filmographie, avec les hauts et les bas qu’elle a traversés, mais aussi comme une expression de mépris envers les controverses qui entourent sa propre vie privée. Dans un cas comme dans l’autre, un film dont le caractère personnel dépasserait ses réels défis artistiques.

Comme toujours, les spectateurs hermétiques au cinéma allenien ne verront là qu’une énième redite de son nombrilisme auto-thérapeutique mâtiné de musiques jazz. De leur côté, les fans du cinéaste seront plus partagés entre ceux qui lui reprocheront un manque d’inspiration certain et une trop grande sobriété formelle, et ceux qui se réjouiront de le voir retrouver sa fougue cynique et s’associer à un acteur qui sache délivrer ses dialogues artificiels sans rien perdre de son charisme naturel. Mais, après tout, les films qui divisent le plus sont souvent ceux que l’on retient le plus longtemps.

Synopsis : Sur le campus de la petite ville américaine de Braylin, la réputation d’Abe Lucas, le nouveau professeur de philosophie, l’a précédé. On le dit lunatique et coureur de jupons, mais c’est un homme habité par une profonde désillusion que découvrent ses collègues et ses étudiants. Son charme naturel, et la part de mystère qui l’entoure, poussent toutefois deux femmes, Jill et Rita, à l’enfermer dans un triangle amoureux qui ne fera que lui compliquer encore plus la vie. C’est finalement son choix de commettre un acte irréparable qui lui permettra de revenir à une certaine sérénité spirituelle, mais les conséquences ne tarderont pas à les rattraper, lui et ses maîtresses.

L’homme irrationnel : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=QULUPr0OL9M

L’homme irrationnel : Fiche Technique

Réalisation : Woody Allen
Scénario : Woody Allen
Interprétation : Joaquin Phoenix (Abe Lucas), Emma Stone (Jill Pollard), Parker Posey (Rita Richards), Jamie Blackley (Roy)…
Image : Darius Khondji
Décors : Santo Loquasto
Costumes : Suzy Benzinger
Montage : Alisa Lepselter
Producteur(s) : Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Edward Walson
Production : Gravier Productions
Distributeur : Mars Distribution
Genre : Thriller, Comédie romantique
Durée : 96 minutes
Date de sortie : 14 octobre 2015

Etats-Unis – 2015

Pour quiconque ne connait Kheiron que par son rôle dans la mini-série Bref et son one-man-show sans savoir de quoi retourne sa première réalisation, il est tout à fait légitime de s’attendre à y trouver une comédie trash carburant à l’humour noir. Mais l’humoriste a eu la bonne idée de ne pas se donner comme défi – que les échecs de ses prédécesseurs ont prouvé comme étant inabordable – de vouloir transformer une idée de sketch en scénario de long-métrage ou de faire d’un personnage de scène un héros de film.

Synopsis: Iran, 1955. Hibat grandit au sein d’une grande famille où lui sont enseignées les notions de partage et de vivre-ensemble. Quinze ans plus tard, à peine a-t-il obtenu son diplôme d’avocat qu’il entre en rébellion contre la politique despotique du Shah mais est vite incarcéré. Une fois le Shah tombé, il est libéré mais c’est cette fois contre le régime islamique qu’il va se révolter, et s’étant entre temps marié avec une jeune femme qui partage ses valeurs, il préférera fuir le pays pour protéger sa famille. C’est dans les cités françaises qu’il continuera son combat et fera prospérer ses valeurs.

La plus belle façon de rendre hommage à ses parents

A l’inverse, il a choisi de se concentrer sur un sujet qui est personnel et méritant un traitement plein de délicatesse, puisqu’il s’agit du parcours de ses propres parents. Le point de départ du récit se fait donc en 1955, alors que Hibat (le père de Kheiron donc) n’est encore qu’un enfant grandissant dans un petit village au sud de l’Iran. Ce sera là le seul et unique repère chronologique du film. Une fois Hibat devenu adulte (et interprété par Kheiron lui-même), le fait de ne plus le voir vieillir sur près de 50 ans et l’absence de datation des événements vont rendre difficile le rapport entre la petite histoire et la grande Histoire. Ce choix de ne pas vouloir développer le réalisme historique, à l’évidence pour s’interdire tout didactisme, se ressent aussi dans la façon dont est traitée la question politique, pourtant au cœur de la première moitié du film. La façon dont la révolution qu’a soutenu Hibat au péril de sa vie a implosé entre les idéologies communistes et islamistes est évidemment évoqué, mais ces deux mots ne sont prononcés qu’une seule fois chacun, et chaque fois dans le cadre d’un passage satirique.

Alors que, sur scène, Kheiron ne semble se donner aucune limite en termes d’humour, l’écriture du film prouve qu’il est, à l’inverse, beaucoup plus mal à l’aise lorsqu’il s’agit d’aborder des sujets sensibles de façon sérieuse. A chaque scène tragique, un gag ou une réplique comique vient lui répondre presque automatiquement, de façon souvent malvenue (la scène où le deuil du père se transforme en un dialogue absurde en est le meilleur exemple). En découle une accumulation effrénée de ruptures de ton, qui rendent le tout schizophrénique et terriblement bancal. Là où Marjanne Satrapi avait parfaitement réussi, dans Persepolis, à revenir sur ses souvenirs dans l’Iran des années 70-80 et son exil tout en conservant une certaine légèreté, Kheiron en a une approche beaucoup moins mature. Aucun des moments, même les plus durs, de la vie de ses parents ne réussit à être traité autrement que via cet équilibre gauche qui transforme une chronique politico-sociale en une fable pétrie de bons-sentiments. L’histoire d’amour qui se noue entre Hibat et Fereshteh (interprétée par Leïla Bekhti) souffre également de ce manque de réalisme, mais ici retombe de fait dans les codes de la comédie romantique classique. C’est réellement l’alternance maladroite entre des scènes comiques et des scènes mélodramatiques qui fait perdre à ces derniers leur crédit et remet aussi en doute la véracité du récit, alors qu’il s’agit précisément de la clef pour admirer le défi que s’est lancé le réalisateur. Le recours systématique à des musiques pathos n’aide pas non plus les effets émotionnels de ces passages se voulant touchants, il ne fait en fait que prouver son manque d’expérience en matière de mise en scène. Et, comme nous le démontre la bande-annonce, le fait que des scènes dépeignant la violence des banlieues aient été coupées au montage est une preuve supplémentaire de l’auto-censure qui plombe cette reconstitution.

En termes de reconstitution justement, la meilleure surprise nous est offerte par le générique de fin qui nous prouve, photos à l’appui, que les choix de casting ont, hormis les deux personnages
principaux, été fait dans un but de faire ressembler les acteurs aux personnes qui ont croisé le parcours d’Hibat et Fereshteh. Le casting contient évidemment quelques guest-stars, dont Gérard Darmon et Zabou Breitman qui aident à rendre attachants les parents de Fereshteh qu’ils incarnent, mais aussi quelques caméos, en particulier de Kyan Khojandi ou Alexandre Astier, qui eux aussi participent à l’approche caricaturale des thématiques les plus délicates puisqu’ils interprètent respectivement un islamiste et le Shah. Il ne fait donc aucun doute que Kheiron n’a pas réussi à déterminer quels moments de la vie de ses parents méritaient d’être perçus comme tragiques ou pouvaient être propices à des blagues. Cependant, il a gardé, de bout en bout, une même intention : Celle de faire de ses parents des modèles à suivre, animés par leurs indiscutables vertus et leur générosité. Cet état de fait est particulièrement perceptible dans la seconde moitié de cette hagiographie, puisque l’impuissance en Iran y donne sa place à la réussite du couple à rendre meilleure la vie des habitants de leur quartier. La façon dont l’échec d’une révolution marxiste à l’échelle nationale est converti, par la force des choses, en un engagement associatif fructueux à l’échelle municipale est évidemment un superbe message d’espoir. Jamais Hibat et Fereshteh n’ont baissé les bras, c’est du moins l’image que Kheiron veut nous faire partager de ses parents, qu’il idéalise à tel point que le portrait n’arrive jamais à se détacher de son regard d’enfant alors qu’un point de vue plus objectif aurait certainement rendu plus fort le parcours de ces deux personnages dont le courage et l’altruisme méritaient d’être salués (n’oublions pas qu’Elia Kazan est entré dans la légende en signant America, America qui partageait un postulat similaire).

Peut-être que son écriture enfantine pousse Nous trois ou rien vers une certaine naïveté et de complaisance vis-à-vis de son sujet, mais est-il seulement envisageable ne pas être enfantin lorsque l’on veut déclarer son amour à ses propres parents ? Si l’on est tout de même touché par cette histoire, c’est finalement moins grâce au travail de Kheiron qui, pour sa première réalisation, a accumulé des maladresses, que pour celui de ses parents et au combat humaniste qu’il ont mené toute leur vie malgré les épreuves.

Nous trois ou rien : Bande-annonce

Nous trois ou rien : Fiche Technique

Réalisation : Kheiron
Scénario : Kheiron
Interprétation : Kheiron (Hibat), Leïla Bekhti (Fereshteh), Gérard Darmon (le père de Fereshteh), Zabou Breitman (la mère de Fereshteh), Alexandre Astier (le Shah),  Michel Vuillermoz (Daniel Bioton)…
Image : Jean-François Hensgens
Décors : Stanislas Reydellet
Son : Frédéric de Ravignan
Montage : Anny Danché
Producteur(s) : Simon Istolainen, Benjamin Drouin
Production : Adama Pictures, Gaumont, M6
Distributeur : Gaumont
Genre : Comédie dramatique, historique
Durée : 102 minutes
Date de sortie : 4 novembre 2015

France – 2015

Ressortie en salles de « Blade Runner », l’Éternel Retour

Synopsis : Dans les dernières années du 20ème siècle, des milliers d’hommes et de femmes partent à la conquête de l’espace, fuyant les mégalopoles devenues insalubres. Sur les colonies, une nouvelle race d’esclaves voit le jour : les répliquants, des androïdes que rien ne peut distinguer de l’être humain. Los Angeles, 2019. Après avoir massacré un équipage et pris le contrôle d’un vaisseau, les répliquants de type Nexus 6, le modèle le plus perfectionné, sont désormais déclarés « hors la loi ». Quatre d’entre eux parviennent cependant à s’échapper et à s’introduire dans Los Angeles. Un agent d’une unité spéciale, un blade runner nommé Deckard (incarné par Harrison Ford), est chargé de les éliminer. Selon la terminologie officielle, on ne parle pas d’exécution, mais de retrait…

Trailer du 30^ème Anniversaire.

            A l’occasion de la ressortie ce mercredi 14 octobre de Blade Runner, le troisième film de Ridley Scott réalisé en 1982, Cineséries-mag a proposé à ses rédacteurs d’écrire un article. Votre nouveau fidèle serviteur a alors accepté l’offre.

            Ce fut d’abord pour moi une réflexion quant à l’écriture d’un article, d’un texte, sur Blade Runner. En effet que dire sur le film qui n’ait pas été dit par des journalistes, des cinéphiles (souvent élogieux), des making-of – on peut penser au très bon Des temps difficiles : le making-of de Blade Runner -, des cinéastes – Ridley Scott, Denis Villeneuve, Christopher Nolan ou encore Quentin Tarentino -, et des théoriciens – tels que Telotte, Frentz, Rushing sur l’androïde, la machine et le cyborg par exemple, ou encore à Chion et sa Science-Fiction au Cinéma ?

Ainsi, qu’est-ce que c’est que d’écrire sur Blade Runner trente-deux ans après ?

Une autre question m’apporta quelques éléments de réponse : qu’est-ce que revoir Blade Runner au cinéma aujourd’hui ? Ces derniers ne seront pas forcément originaux, n’amenant pas forcément de nouvelles idées, mais seront bien au présent.

            Revoir Blade Runner aujourd’hui, c’est d’abord voir une œuvre qui a dû attendre 25 ans avant d’être « finie ». En effet, à la suite d’un tournage chaotique à cause de mésententes entre le réalisateur, le scénariste, et les producteurs, le film sera monté sans les « auteurs ». Il connait alors deux premières versions aux fins heureuses, ensoleillées, optimistes en complète incohérence avec le reste du film. On y voit Deckard et Rachel partir dans des régions lumineuses, forestières et montagneuses, sur des images de Shining réutilisées, et alors on peut se poser la question : mais pourquoi ne pas l’avoir fait dès le début et enduré cet enfer futuriste ? Le film a connu un grand nombre – encore discuté – de versions, on citera ici les quatre versions « officielles » vendues dans les coffrets collector anniversaires : la version nord américaine, celle internationale, la version télévisuelle, la director’s cut et la final cut, on peut aussi trouver la version de travail dans le coffret blu-ray. Il ne s’agira pas de discuter de toutes les différences entre les versions, n’hésitez pas à vous renseigner sur le net, mais on notera ici que dès le début du projet, Scott et les scénaristes Hampton Fancher et David Peoples avaient écrit la fin qu’on connait actuellement, intégrée au film avec la director’s cut – une version promotionnelle de Warner Bros (voulant surfer sur le succès du film dans les vidéo clubs et autres cérémonies filmiques) alors relativement dirigée par Scott – et confirmée dans la final cut de 2007, version finie du film complètement orchestrée par Ridley Scott. Une fin cohérente avec l’univers, donc mélancolique, et surtout apocalyptique. Apocalypse, dans le sens premier du terme, signifie « objet / chose dévoilé(e) aux hommes », et implique un changement. Et c’est tout à fait le sens de la fin de Blade Runner, une révélation.

            Le chef de la bande de répliquants Nexus-6, Roy Batty, vient d’affronter Deckard, menant le combat de loin. Mais après avoir retranché le blade runner plus fragile que jamais sur un toit, ça n’est pas un androïde mais un être humain qui meurt de « vieillesse » d’une vie de quatre ans, dont quelques souvenirs vont nous être contés à travers un monologue poétique, puissant, et mélancolique : « I’ve seen things you people wouldn’t believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhäuser gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die. ». En français : « J’ai vu tant de choses que vous, humains, ne pourriez pas croire. De grands navires en feu surgissant de l’épaule d’Orion. J’ai vu des rayons fabuleux, des rayons C, briller dans l’ombre de la porte de Tannhäuser. Tous ces moments se perdront dans l’oubli comme les larmes dans la pluie. Il est temps de mourir. »

Les derniers mots du réplicant Roy Batty sont une révélation pour Deckard, qui décide d’en finir avec son travail de tueur et dont le statut d’humain / machine est plus qu’ambigu, et questionnent l’essence de la nature humaine, interrogée pendant tout le film via la traque des autres Nexus-6 mais aussi avec la relation amoureuse de Deckard avec Rachel, elle-même une réplicante. Qu’est-ce que l’humain ? Est-ce juste une physionomie particulière et un corps de chair et de sang ? Le film questionne alors : sont-ce les souvenirs qui forment les êtres humains ? On sait cependant que leurs premiers souvenirs sont factices, alors ne serait-ce pas les souvenirs qu’ils se forgent eux-mêmes qui font d’eux des êtres humains ?

Memories of green, par Vangelis, Blade Runner Soundtrack.

            Des questions auxquelles le film nous invite à méditer, appuyées par sa bande-originale composée par Vangelis. Une bande-son musicale électrisante et inspirée, pour une composition éclectique, entre l’électronique et l’instrumental, l’élément sonore et l’élément mélodique, l’ethnique et l’intime, l’ancien (avec One More Kiss, Dear chantée par Don Percival) et le moderne électro, à l’image du futur dépeint par Ridley Scott, entre grandeur (des décors urbains, de la passion amoureuse des protagonistes, de ses effets spéciaux toujours aussi incroyables…) et décadence absolue (la misère humaine et plus généralement des formes de vie, et la violence, entres autres éléments), multiethnicité de la population et racisme robotique, calme et foule, silence et slogans publicitaires, poésie et folie meurtrière… Bienvenue à Los Angeles en 2019.

            En effet, revoir Blade Runner, c’est accepter de voyager à nouveau dans cet abîme futuriste enivrant. Le revoir au cinéma, c’est s’y perdre complètement pour en sortir, à l’image de Deckard, changé, révélé. Car si le film questionne l’humanité à travers ses personnages, celle-ci projette le questionnement aussi sur les spectateurs. Elle nous regarde, consommateurs, pollueurs, et pointe du doigt nos méfaits en puissance : la pollution, un nouveau type de racisme avec les androïdes, notre folie destructrice – l’extinction des animaux par exemple – mais surtout créatrice à travers nos capacités et volontés technologiques de créer la vie, notamment à notre image – avec la Tyrell Corporation créant des « androïdes plus humains que les humains »…

            Vous l’aurez compris, Blade Runner, subjugue et perturbe toujours. Intemporel, il aura fait couler beaucoup d’encre et n’est pas prêt d’arrêter de le faire. La mienne, numérique, aura tenté de lui rendre un hommage digne de ce nom dans les limites imposées ici. De plus, l’annonce de la suite réalisée par Denis Villeneuve – avec Ridley Scott à la production et à l’histoire, Hampton Fancher à nouveau au scénario et avec Ryan Gosling au casting aux côtés d’Harrison Ford lui aussi de retour – est à la fois excitante et effrayante, en effet, que pourra dire Blade Runner 2 que n’a pas dit ou montré le premier ? Réponse d’ici la fin de l’année 2016. Je tiens aussi à vous inviter à (re)lire le roman Do The Androïds Dream of Electric Sheep ?, du regretté Philip K. Dick, dont Blade Runner est l’adaptation. Je n’ai pu en parler ici comme il se doit, de K. Dick, cet auteur paranoïaque père des plus grandes œuvres de Science-Fiction, qu’on peut retrouver au cinéma avec Minority Report, Total Recall, mais si l’on a du plaisir à le voir, on se doit surtout de le lire.

            Pour terminer, revoir Blade Runner, c’est aussi l’après-séance, alors que l’on sort de la salle obscure, on rentre chez soi, ou on se promène, ou on va en cours, encore perturbé, effrayé, émerveillé, au regard bouleversé car révélé et réveillé – tel cet œil sur lequel la ville se réfléchit au début du film -, et croyez-moi il ne cessera de vous suivre, hantant et illuminant vos rêves, ainsi que votre vie, à travers les nombreuses expériences – réflexives ou concrètes, telles que l’expérience d’une métropole la nuit par exemple – et choix que vous vivrez.

https://www.youtube.com/watch?v=Zr2ZBt-YiMQ

(Re)découvrez aussi le film avec le très beau Blow-Up de la ciné-vidéaste plasticienne Johanna Vaude.

FICHE TECHNIQUE : Blade Runner

Réalisateur : Ridley Scott

Scénario : Hampton Fancher, David Peoples d’après le roman Do The Androïds Dream of Electric Sheep ? de Philip K. Dick, publié pour la première fois en 1968
Casting : Harrison Ford (Deckard), Rutger Hauer (Roy Batty), Sean Young (Rachel), Daryl Hannah (Pris), Brion James (Leon Kowalski), Edward James Olmos (Gaff), Joe Turkel (Eldon Tyrell), William Sanderson (J.F. Sebastian)
Genre(s) : Science-Fiction, Thriller
Nationalité : U.S.
Date de sortie : 25 Juin 1982 pour la première version officielle américaine, 2007 pour la Final Cut.

Durée : 116 minutes en 1982, 117 en 2007
Photographie : Jordan Cronenweth
Décors : Lawrence G. Paull

Costumes : Michael Kaplan et Charles Knode

Maquillage : John Chambers et Marvin Westmore

Design : Syd Mead
Montage : Marsha Nakashima et Terry Rawlings
Musique : Vangelis
Producteurs : Michael Deeley, Hampton Fancher et Brian Kelly
Production : The Ladd Compagny, Warner Bros
Distributeurs : Warner Bros

Découvert il y a trois ans grâce à son très beau (quoiqu’un peu trop bavard) Week-end, Andrew Haigh revient en confirmant son talent pour capter les troubles affectifs au sein d’un couple. Mais la qualité du réalisateur est surtout d’avoir su se détourner du public de souche auquel le limitait cette histoire d’un couple de jeunes londoniens homosexuels en se concentrant cette fois sur deux personnages âgées vivant dans la campagne anglaise.

Synopsis : Un couple de britanniques septuagénaires va fêter ses 45 ans de mariage à la fin de la semaine. Mais l’équilibre du couple se retrouve compris par une simple lettre qui apprend au mari que le corps de son premier amour a été retrouvé 50 ans après sa disparition.

Le deuil et la jalousie, les aimants contraires fatals à l’amour

Une appréhension à priori contradictoire de la notion de couple mais à laquelle il donne une approche similaire en termes de reproduction naturaliste de l’intimité. Avant d’être un film, 45 ans était une courte nouvelle de David Constantine intitulée In Another Country. Pour l’adapter en un scénario de long-métrage, Andrew Haigh a évidemment dû développer le récit mais aussi faire deux ajustements : d’une part décaler l’histoire des années 90 à nos jours, et, d’autre part, rajeunir de 10 ans les personnages de Kate et Geoff. Deux détails qui peuvent sembler anodins mais qui prennent une importance cinégénique capitale. La contemporanéité du contexte ne se ressent pas dans les décors ruraux mais elle permet de placer les événements, situés 50 ans plus tôt dans la nouvelle, dans l’esprit de liberté des sixties et non plus pendant la seconde guerre mondiale.  Quant à l’âge des personnages, il a pu permettre de réunir deux des derniers grands acteurs britanniques de leur génération, Charlotte Rampling et Tom Courtenay, et de mettre en scène ce qui sera peut-être la dernière étincelle érotique du couple (dans une scène de sexe qui, convenons-en, aurait été plus gênante entre Mickael Caine et Maggie Smith !).

Alors que l’on n’avait plus revu Tom Courtenay dans un grand rôle depuis quelques années, Charlotte Rampling est une actrice incontournable aussi bien en Europe (elle est notamment présente dans la plupart des derniers films de François Ozon) qu’aux Etats-Unis (on l’a récemment vue dans la dernière saison de la série Dexter). Et pour cause, celle qui, il y a 40 ans, avait participé au scandale de Portier de Nuit, continue à ne pas avoir froid aux yeux puisqu’elle fait partie de ces rares actrices, et surtout de son âge, à accepter d’être filmées de près au naturel (en France, seule Catherine Deneuve joue encore le jeu). Or, ce sont justement les nombreux gros plans sur les visages de Kate et Geoff qui réussissent le mieux à capter leurs émotions. Rien d’étonnant alors que les deux acteurs aient été félicités par le jury berlinois qui leur a remis à chacun l’Ours d’Or de la meilleure interprétation. Une mise en scène qui met en valeur le talent de son casting donc, mais aussi qui se calque à la structure du scénario. La narration est à l’image de l’idée que le film donne du couple : une mécanique routinière. Se déroulant sur six jours, le récit se retrouve chapitré en autant de parties d’une durée similaire. Certaines scènes se répondent d’un jour à l’autre, à commencer par la promenade matinale du chien, appuyant bien la façon dont le quotidien des personnages est réglé comme une horloge. Mais justement – car sinon le film serait insupportable – la mécanique va se briser. A partir d’un événement qui aurait pu être sans suite, la réception d’une lettre, une crise va peu à peu émerger au sein du couple, à la façon d’une bombe qui avait besoin de la première étincelle pour exploser, que se soit pour réveiller une flamme passionnelle éteinte ou faire exploser le ciment relationnel du ménage.

Par les dialogues, les actions et enfin les sentiments, les conséquences de ce courrier vont, en quelques jours, faire remonter tous les maux cachés de cet amour qui, de l’extérieur, semblait insubmersible. Le rappel à Geoff d’un amour passé va le plonger dans une nostalgie à laquelle Kate ne pourra réagir autrement que par une certaine curiosité puis une profonde jalousie. Tous deux tourmentés par ce souvenir et devant l’émergence d’une fête célébrant leur union, les deux personnages vont devoir aller de l’avant malgré la résurgence d’une mélancolie qui vient briser les idéaux romantiques sur lesquels reposent encore leur relation. Cette femme qui n’existe plus apparaît dès lors comme un fantôme qui viendrait remettre en question tous les fondements de leur couple et leurs choix de vie, et en particulier celui de ne pas avoir eu d’enfant. La conclusion du film est elle aussi une modification que le réalisateur a opérée vis-à-vis du matériau d’origine. Dans la nouvelle, le couple finissait par se séparer. Ici, l’anniversaire de mariage se termine par une scène de danse puis par un gros plan sur le visage, les yeux emplis de larmes, de Charlotte Rampling. Une fin ouverte qui donne au spectateur l’occasion de faire jouer son imagination et de se mettre à la place des protagonistes pour tenter de savoir si le passé peut ou non briser l’avenir de ce couple.

Grâce à une mise en scène qui réussit tout à la fois à capter l’évolution émotionnelle du couple et les nuances que les deux prestigieux interprètes lui apportent, 45 ans est une chronique amoureuse sur le poids que les choix, les regrets et les souvenirs que l’on a tous au fond de soi, peuvent avoir sur un couple.

45 ans  : Bande annonce (VO)

45 ans : Fiche technique

Titre original : 45 years
Réalisateur : Andrew Haigh
Scénario : Andrew Haigh
Interprétation : Charlotte Rampling (Kate Mercer), Tom Courtenay (Geoff Mercer), Geraldine James (Lena), Dolly Wells (Charlotte), David Sibley (George), Sam Alexander (Chris le facteur), Richard Cunningham (M. Watkins)…
Musique : Lol Crawley
Photographie : Lol Crawley
Montage : Jonathan Alberts
Décoration: Sarah Finley
Producteurs : Tristan Goligher
Maisons de production : The Bureau Sales
Distribution (France) : Ad Vitam
Récompenses : 2 Ours d’Argent du Meilleur acteur et de la Meilleure actrice pour Tom Courtenay et Charlotte Rampling à la Berlinale 2015 + Prix coup de cœur au Festival du Film Britannique de Dinard 2015
Genre : Drame
Durée :  95 min.
Date de sortie : 27 janvier 2016

Grande-Bretagne – 2015