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Festival Lumière JOUR 2 : Entre boxer ou conduire, il faut choisir

En ce mardi 13 Octobre, Lyon est toujours sous les nuages. A croire que la météo planant sur la Capitale des Gaules semble calculée sur l’arrivée du maestro Scorsese, qui selon pas mal de rumeurs, serait dans le premier train en partance de la Gare de Lyon à Paris. Mais qu’importe. Le Festival se vit avant tout par les films vus et non les personnes les ayant faites, donc autant se concentrer là-dessus. Car alors que la ville se réveille à peine d’une nuit froide et grisâtre, me voilà déjà en train d’esquisser ce qui s’apparentera à la feuille de route de mes pérégrinations de la journée. Il faut dire qu’avec une programmation lorgnant aussi bien du côté du film d’animation (Cars), que du film français représentés pour l’occasion par Gérard Oury, Georges Lautner et Julien Duvivier, en passant par le cinéma international avec Kurosawa, Sydney Pollack (Out of Africa) et évidemment Martin Scorsese, il est difficile de s’y perdre comme il est d’autant plus facile de faire les mauvais choix de séances.

Une rencontre inoubliable

Peu friand de salle obscure dès le matin, je vais préférer donc m’adonner pendant toute la matinée à une activité paradoxalement assez rebutante : les révisions. Mais pas n’importe lesquelles, puisque mes sujets se nomment Buzz, Woody, Rémy, Flash McQueen ou encore Tristesse. Du Pixar 100% pur jus. Et oui, faute d’avoir pu l’approcher suffisamment lors de la soirée précédente, j’ai préféré braver les interdits et m’introduire discrètement dans la salle qui accueillera le temps d’une rencontre exceptionnelle, le grand manitou de Pixar, le Walt Disney du 21^ème siècle, j’ai nommé John Lasseter. Sourire extra-large, démarche joviale, autant dire que revoir le bonhomme entraperçu hier est déjà une source de satisfaction. Mais ça l’est encore plus quand le maestro commence à nous raconter la genèse toute entière de Pixar. Ses débuts difficiles, sa renommée fulgurante (Vice Versa a eu les honneurs d’une présentation cannoise cette année), sa concurrence avec Dreamworks, ses inspirations. Tout y passe et l’homme ne semble jamais rassasié, délivrant constamment anecdotes et secrets de tournages, comme le moment où il racontera l’une des meilleurs semaines de sa vie, passée à Paris (ça ne s’apprend pas) aux cotés de Brad Bird, qui effectuait des repérages pour son déjà culte Ratatouille. Tel un grog bienvenue après un grand froid, inutile de dire que cette discussion à sens unique aura eu le charme de lever le voile sur l’une des plus grandes machines à rêve de l’industrie hollywoodienne, tout en nous informant aussi des prochains films estampillés Pixar, qui s’annoncent merveilleux dixit Lasseter. A peine transi par le froid, après ce rêve éveillé d’un peu plus de 2 heures, que me voilà déjà en train de courir attraper le premier métro. Direction, l’UGC Confluence, très gros multiplexe de la Presqu’ile qui recevra un invité de renom pour la soirée : Nicolas Winding Refn, venu présenter l’un des films les plus connus de sa filmographie : Drive.

I Drive !

Parti en avance, pour décrocher une bonne place, la vue de la salle quasi-comble est pour moi des plus frustrantes. Pour autant, loin de bouder mon plaisir, je m’assois dans un fauteuil, le calepin dégainé, encore non conscient que la présentation qui va suivre sera des plus étonnantes. Car à peine assis, que voilà Nicolas Winding Refn débarquant tout sourire sur la scène, chaleureusement accueilli par une salve d’applaudissement. Le metteur en scène danois, présent à Lyon pour assurer la promotion de son premier livre, recueil d’affiches de films de second genres oubliés des années 1960-1970, décide alors, sans doute sous l’impulsion de la présentatrice, de parler de cette curieuse passion pour les affiches de films, tournant invariablement autour du thème de la nudité féminine. Non sans un éclatant sourire, voilà ainsi que le natif de Copenhague raconte que cette incroyable collection provient d’un service rendu à l’un de ses amis. Ce dernier ayant besoin d’argent, Refn suggérera de lui acheter une collection d’affiches, pour la rondelette somme de 10 000 dollars. Un investissement conséquent, qui fera le bonheur du cinéaste 8 semaines après, quand une tripotée de cartons en tout genre, sont livrés sur le perron de sa porte causant l’incompréhension chez sa femme, pour qui cette lubie sexuelle était des plus mauvais gouts. Mais le cheminement des affiches entre leurs cartons et les pages policées d’un livre demeure flou. Heureusement, Refn a une réponse à tout et révèle que l’idée de coucher sur papier toutes ces affiches, revient à l’acteur canadien fétiche du danois, Ryan Gosling. En voyage au Danemark, l’acteur qui a réalisé Lost River cette année, aurait fouiné dans la maison du metteur en scène, quitte à plonger son nez dans les cartons contenant les fameuses affiches, confortant alors Refn de les compiler dans un livre spécialisé. Un livre au cout de production tel (100 000 dollars) qu’il a poussé le réalisateur à enchainer plusieurs spots publicitaires, et notamment un pour la marque de voiture américaine Lincoln, avec Mathew McConaughey, pour engranger les sommes nécessaires. All right ! All right ! All right !

Mais revenons au principal. Drive donc. Au hasard de cette discussion entamée avec le public, on apprend ainsi que la genèse de Drive provient d’un malaise. Devant rencontrer l’acteur Ryan Gosling au restaurant pour ce qui s’apparentait selon lui à un RDV/lecture d’un scénario, voilà que le réalisateur éprouve des difficultés à correspondre avec son interlocuteur. Vidé par un Harrison Ford avec lequel il a partagé juste avant plusieurs verres et substances, Refn perd les pédales, quitte à ne pas pouvoir rentrer chez lui par ses propres moyens. Alcoolisé et instable, il est finalement ramené par Gosling. Un trajet qui scellera le destin de Drive, puisque le réalisateur, tout transpirant et déphasé, écoute I Can’t Fight This Feeling Anymore, une de ses musiques préférées, sur laquelle il n’hésitera pas selon lui à chanter et pleurer. Un état de transe tel que l’idée d’un récit narrant le quotidien d’un chauffeur qui conduit de nuit à Los Angeles et qui écoute de la musique pop comme soupape émotionnelle s’impose à son esprit et jaillit de sa bouche. Ryan Gosling, peu bavard, répondra sobrement : « I’m in » (J’en suis) lançant la mécanique d’un film qui sera présenté à Cannes en 2011 où il se verra d’ailleurs décerner l’une des récompenses majeures, le Prix de la Mise en Scène. Un film dont la projection débute aussitôt et qui s’impose assez logiquement sur le public, qui pour moitié ne l’a pas vu. A l’arrivée, une belle claque aussi bien esthétique que violente qui me conforte dans le choix du premier film de la journée.

Car oui, à peine le générique de fin entamé, que me voilà déjà dans le métro. Direction le Pathé Bellecour ou un deuxième film m’attend et non des moindres : Raging Bull de Martin Scorsese.

You fuck my wife ?

Paradoxalement présenté par le réalisateur Eric Lartigeau, auquel on doit le très consensuel La Famille Bélier et qui rage de voir une salle entière (ou presque) n’ayant pas vu ledit film, Raging Bull est l’un des jalons majeurs dans la non moins remplie filmo de Martin Scorsese. Réalisé alors que Marty était au bord du gouffre, entre forte addiction à la cocaïne et grave crise d’asthme, le film est décrit par Lartigeau, comme étant l’un des plus beaux manifestes du style scorsésien, puisque touchant là encore à la sacro-sainte forme ascension-chute-rédemption. Pour autant, Lartigeau y appose une autre anecdote, diablement plus intéressante, à savoir que Scorsese a fait ce film de manière kamikaze. Et à peine les premières images arrivent que cette impression de fin transpire de l’écran. Tourné en noir et blanc, le récit du boxer italo-américain Jake LaMotta est en effet le tremplin ultime vers la mort pour Scorsese. Travail titanesque sur le montage, les couleurs mais surtout les scènes de combat, qui nécessiteront presque un mois de tournage, le tournage est difficile. Teinté d’un langage grossier et d’une improvisation constante de la part de ses acteurs, Scorsese semble avec film, presque délivrer son testament, le ton monochrome se prêtant d’ailleurs très bien à cet exercice funèbre. Mais à l’arrivée, un seul constat : 35 ans après, Raging Bull resplendit de mille feux et impressionne par sa virtuosité, voyant plan iconique et répliques cultes s’enchainer à la vitesse d’un jab et nous frapper avec la force d’un uppercut. Mordant, détonnant, original, et terriblement attirant, cette fresque quasi contemporaine de la jeunesse de Scorsese vaut assurément le détour et ne fait que confirmer le sans-faute entrepris par l’Institut Lumière, qui a décidément muri le choix de sa sélection.

Festival Lumière 2015 JOUR 1 : De Toy Story à Belmondo

En ce lundi 12 Octobre, le temps est gris si ce n’est terne sur la métropole lyonnaise. Il faut dire que la capitale des Gaules n’a toujours pas reçu la visite du fils prodigue Martin Scorsese, censé ouvrir les festivités lui étant consacrées. Le réalisateur américain se trouvant sur Paris pour assurer le vernissage de la grande exposition que la Cinémathèque Française lui a préparé, il faudra se résigner à attendre sa venue pour plus tard. Heureusement, la bande à Thierry Frémaux et Bertrand Tavernier n’ont encore une fois pas lésiné sur les moyens pour charmer les foules, quitte à impressionner son public dès le premier jour, au biais d’une programmation des plus éclectique, voguant entre Kurosawa, Chabrol, Kubrick et Mankiewicz.

Une journée axée sous le sceau de l’hommage

Hasard de la programmation, mais le premier film diffusé sur les écrans pour marquer le début de la 7^ème édition du Festival sera ainsi un film, véritablement tournant dans l’art cinématographique, puisque entièrement conçu par ordinateur. Vous l’aurez deviné, Toy Story était de sortie ce matin, au grand bonheur de cinéphiles installé à l’Institut Lumière et véritablement médusés de voir un film vieux de 20 ans afficher une vitalité des plus effrayantes. Converti pour l’occasion au format numérique par l’industrie Pixar, et habilement présenté par son réalisateur, John Lasseter, aussi considéré comme le Walt Disney du 21^ème siècle – eu égard à sa contribution majeure au développement de presque tous les films Pixar sortis depuis -, le film donne déjà le ton. On croisera du sublime aujourd’hui. Du sublime et du majeur. Mais à peine la projection terminée que me voilà déjà devant un dilemme : dois-je continuer dans la veine du grand spectacle et tenter de voir le titanesque Spartacus de Stanley Kubrick, ou bien dois-je me rabattre vers l’une des personnalités qui est à l’honneur, à savoir le méconnu réalisateur français Julien Duvivier, avec son très intriguant Voici le temps des Assassins ? Mon choix se portera sur le Kubrick. Kirk Douglas dans la peau d’un esclave devenu gladiateur, le tout magnifié par un réalisateur déjà bien aguerri, le spectacle promet. Et c’est le cas. Les 3h18 passent comme une lettre à la poste, mais pas le temps de se remémorer l’héroïsme de cet esclave, que déjà vient le temps de se rendre à la Halle Tony Garnier pour assister à la cérémonie de clôture.

Un métro et 3 changements plus tard, me voilà devant la Halle Tony Garnier, qui avant sa transformation en salle de concert aura tout vu. D’abord marché pour bestiaux, ensuite abattoir et finalement arsenal pendant la Grande Guerre, autant dire que le lieu a vécu. Mais c’est de l’histoire ancienne heureusement. De construction spacieuse, la Halle est aujourd’hui apte à recevoir pas loin de 5000 personnes, qui pour l’occasion ont toutes payées leur place pour assister à la cérémonie que Thierry Frémaux, le grand manitou de l’évènement, annonce d’emblée comme différente, et ce malgré les 6 dernières éditions ayant déjà donné le ton. Une marée humaine devant l’entrée, des discussions glanées avec des fans qui se demandent déjà si Robert de Niro ou Leonardo DiCaprio seront de la partie, et d’autres tentant d’innombrables pronostics sur le film choisi pour lancer les festivités, et voilà que vient enfin mon tour de rentrer dans la salle. Pas le temps de s’attarder sur la beauté du lieu, que vient déjà une priorité : trouver un bon fauteuil. Entre sièges réservés, places attribuées à des invités de prestige et une cohue de personnes prêtes à tout, difficile de jouer le difficile. Ça sera donc assis dans les gradins du côté gauche de l’écran, entouré de certains de mes homologues journalistes, avec le stylo déjà dégainé et le calepin prêt à l’usage, que je commencerais à écrire pour une soirée que je pressens déjà comme inoubliable.

Une cérémonie d’ouverture ahurissante

Et à peine le temps de s’asseoir que déjà l’ambiance est posée. Du Rolling Stones dans l’air qui tourne à plein tube, un brouhaha intempestif et d’éternels indécis, voilà que se met lentement en places les évènements, quitte à voir déjà les premières personnalités de la soirée fouler le tapis rouge et s’asseoir en catimini au milieu de la salle. Thierry Frémaux, pas stressé pour un sou puisque dans son élément, joue alors l’homme chargé d’escorter les stars l’une après l’autre. On verra ainsi le couple Raphael/ Mélanie Thierry, suivi par le maître de l’horreur Dario Argento aux bras de sa fille Asia. Puis vient Abderrahmane Sissako, le réalisateur multi récompensé aux derniers Césars pour son drame Timbuktu, l’acteur français Daniel Auteuil, l’animateur de RTL Laurent Gerra, Eric Lartigau auquel on doit la comédie populaire La Famille Bélier. S’en suit l’arrivée d’Alex Lutz et Louise Bourgoin tout sourire, à peine devancé par Rolf de Heer (Charlie’s Country), dont le calme olympien ne cessera jamais de surprendre, lui qui joue constamment la démesure dans ses films.

Puis vient l’arrivée de l’une des personnalités les plus attendus de l’évènement : Nicolas Winding Refn. Le réalisateur de la trilogie Pusher, Drive et autre Only God Forgives, toujours avec ses lunettes vissées sur le crane et sa houppette digne de Tintin, foule le tapis de manière sobre et ne s’attarde pas devant les photographes, ces derniers étant sans doute trop occupés par la personnalité arrivant juste derrière, une personne ayant d’une manière ou d’une autre révolutionné le cinéma pour toutes les personnes ayant moins de 30 ans dans la salle : John Lasseter. Le papa de Toy Story arrive tout sourire, avec une démarche respirant la bonhomie et le rire, l’intéressé arborant d’ailleurs fièrement une chemise sertie des personnages de son déjà culte Vice Versa, entre Joie, Colère, Dégoût, Peur et Tristesse. Une fois l’homme ayant sublimé notre enfance assis, voilà que toute la salle, sans doute sous le coup de l’émotion se lève. La personnalité qui arrive est comment dire… une légende. Démarche claudicante, et s’aidant d’une canne pour marcher, le sourire de Jean-Paul Belmondo reste pourtant intact. Bébel pour les intimes avance sous le crépitement des flashs et les applaudissements assourdissants pour finalement se réserver la place d’honneur, aux côté de son fils et du maire de Lyon, Gérard Collomb, entré discrètement. Et voilà que la dernière star arrive. Auréolé du Prix d’Interprétation Masculine au dernier Festival de Cannes pour La Loi du Marché, voilà que Vincent Lindon, à la démarche humble et blaguant avec Thierry Frémaux, vient s’asseoir.

La salle est au complet, l’heure est à présent venue de démarrer et de lancer Thierry Frémaux sur le sujet, réglé comme d’habitude en diction mitraillette. A peine le temps de nous dire les formidables moyens techniques investis (on parle quand même de 150 films différents diffusés à travers 370 séances), que le voilà déjà à respecter l’adage qui vaut qu’une image vaut mieux un long discours, en donnant à voir le programme détaillé de la semaine. Sur une bande sonore voyant Satisfaction des Stones côtoyer House of The Rising Sun de The Animals, voilà que la diversité revendiquée par Frémaux se fait jour. De la Toho à Scorsese, de Duvivier à Ridley Scott, la vidéo fait état d’une programmation éclectique qui verra assurément le rire des enfants côtoyer la mélancolie des plus vieux. Une mélancolie qui infusera d’ailleurs totalement la vidéo montrée juste après, puisque s’agissant d’une vidéo compilant tout le catalogue des films Pixar, et dont la simple vue suffit à déchaîner un torrent d’émotions dans l’esprit du vieil enfant que je suis déjà.

Mais pas le temps de s’y attarder. Thierry Frémaux, toujours aussi prolixe, continue. D’abord avec une publicité vantant L’Association des Toiles Enchantées, organisme qui prévoit d’amener jusque dans les hôpitaux des films pour les enfants handicapés, et ensuite avec du foot. Oui, vous avez bien lu. Nommé ambassadeur de l’Euro 2016, voilà que le président du Festival, secondé par le Ministre des Sports, décide de présenter à l’auditoire le look du ballon prévu pour l’Euro 2016, pour finalement réquisitionner ensuite une poignée de spectateurs dans la salle, qui monteront sur scène et tireront avec leurs pieds dans le ballon, quitte à en voir un frôler la tête de notre cher Belmondo. L’accident était proche. Heureusement, point de soucis à se faire, et la rythmique très speed de Frémaux continue avec sans doute l’un des points forts de la soirée. Toujours focalisé sur l’hommage, Frémaux laisse la place et l’attention à un modèle de cinématographe, celui-là même fabriqué à Lyon, qui diffuse devant une salle ébahie, la pellicule originale du premier film réalisé par les frères Lumières : Sortie d’Usine. 50 secondes pendant lesquelles la salle entièrement dans le noir, sera rythmée par ce bruit mécanique et répétitif d’une manivelle tournée par Frémaux, qui montre au public l’un des tous premiers films de l’histoire pour un résultat donnant des frissons. Mais, son amour de la pellicule et du vieux étant insatiable, nous voilà également récompensés par un morceau de pellicule du film de René Clément sorti en 1952, Jeux Interdits. Le genre de souvenirs qu’on garde précieusement.

Puis vient alors le quart d’heure comique de la cérémonie. Blagueur, Thierry Frémaux invite tous les invités de prestige contenus dans la salle à monter sur la scène, pour répéter une phrase sensée ouvrir officiellement les festivités. L’occasion de voir la barrière des langues s’affirmer, tant le rendu est proche d’une cacophonie inaudible, amenant donc le rire et faisant perdre le caractère solennel et fort du message. Mais qu’importe puisque cela fait rire. Encore plus quand Laurent Gerra, lui aussi sur scène, se voit missionné par Frémaux pour quelques imitations. Johnny Halliday, Jean-Luc Godard et finalement le grand Alain Delon seront ainsi présents pendant un bref laps de temps dans la salle, avant de disparaître sous le rire d’une salle totalement acquise aux talents vocaux de l’animateur radio.

Un film osé et inventif

Déjà 21h passé et voilà que la dernière attraction de la soirée se met en place. Thierry Frémaux, à proximité du Prix Lumière, appelle alors Vincent Lindon sur la scène. L’acteur français, pilier de la profession et homme simple avant tout s’avance et révèle, non sans une pointe de fierté, le film surprise projeté à l’issue de la présentation. Ça sera donc La Fin du Jour de Julien Duvivier, film sorti en 1939 et qui nous plonge dans une maison de retraites spécialisées pour comédien. Décrit par Lindon qui est à l’initiative du choix, comme un mélange à mi-chemin entre le film Quartet de Dustin Hoffman et le plus récent Youth de Paolo Sorrentino, le choix de La Fin du Jour est pour lui l’occasion de montrer l’admiration sans borne qu’il voue à ce cinéaste relativement méconnu et dont il déplore le manque de notoriété, mais surtout l’occasion de pouvoir étaler toute sa connaissance sur le cinéma français ne faisant que renforcer son capital sympathie. Une brève présence sur la scène lui permettant aussi de remercier chaleureusement le directeur du Festival, qu’il assimile pour l’occasion à Aimé Jacquet, pour son prix à Cannes amplement mérité. Puis vient le moment du baisser de rideau. Les lumières se tamisent, les invités reprennent leur place et voilà que le logo de Pathé retentit dans la salle. La Fin du Jour donc. Ou comment voir un mix entre Indian Palace, Vol au-dessus d’un Nid de Coucou, Youth et Quartet, provoquer le rire et aussi le chagrin devant un film que l’on m’étonne déjà de ne jamais avoir été adapté outre-Atlantique, puisque touchant à la profession d’acteurs. Le film, entièrement restaurée par Pathé, est d’une beauté incandescente et permet pendant les 1h40 de sa durée, de voir un autre aperçu du cinéma tel qu’il était à l’époque : farceur, dur, mais réel. Mise en abyme tout comme hommage à un cinéaste oublié, autant dire que le choix est teinté d’une logique édifiante, et permet de comprendre que cette édition ne devrait pas manquer de déchaîner encore une fois les passions. La fin arrive, et voilà que le public quitte lentement les lieux. L’occasion pour moi d’obtenir un autographe de Nicolas Winding Refn, décidément plus chaleureux que ses films ne pourraient le laisser penser, et de pouvoir approcher à quelques mètres à peine de John Lasseter. Requinqué par ces rencontres inespérées, ne reste plus qu’a prendre le métro et la perspective d’un chocolat bien chaud pour me remettre de cette folle soirée, qui n’est que le début du spectacle. The Show goes on !

Il était une fois un passionné de cinéma: Thierry Frémaux

Si l’on pouvait attester de la passion d’une personne par son dévouement sans faille à la chose qu’il adore, nul doute que Thierry Frémaux ferait office de plus grand passionné de cinéma de France. Non content d’avoir su perpétuer la médiatisation affiliée à ce petit lopin de terre de la Côte d’Azur qu’est Cannes, qui est devenu sous sa direction la terre d’accueil et d’expression de tous les cinéma, Thierry Frémaux a en effet souhaité apposer sa marque sur la ville qui l’a vu éclore et qui l’a vu se passionner pour l’art sacralisant le mouvement : Lyon.

La capitale des Gaules, outre son patrimoine culinaire reconnu à travers le monde (saucissons, quenelles, sans oublier les fameux bouchons, petit restaurants qui pullulent à travers la ville) est en effet la terre de villégiature des frères Auguste et Louis Lumière, qui de par leurs avancées dans le domaine de la photographie à l’aune du 20^ème siècle, ont véritablement inventé le cinéma, en contribuant à le populariser et à le diffuser à grande échelle ; là ou Thomas Edison et William Kennedy Laurie Dickson n’ont qu’inventé le mécanisme initial (le kinématographe) dès 1891. Pour autant, une seule question demeure : comment les frères Lumières ont su s’approprier la paternité de cette invention, quand bien même ces derniers affichaient un retard de quatre ans par rapport à Edison ? La réponse proviendra de leur père, Antoine Lumière, qui décèlera dans le dispositif de l’Américain, une lacune qu’il conviendra de corriger afin de concrétiser ce marché déjà plein d’avenir : il « faut marier le miracle de l’image photographique en mouvement avec la magie de la projection sur grand écran ». La diffusion sur grand écran et au public devenant vite une obsession, les frères s’attèleront aussitôt à la tâche, quitte à ce qu’en 1895, ces derniers parviennent finalement à y arriver et enchaînent sur deux films, aujourd’hui mondialement reconnu : Sortie d’Usine et Arrivée d’un train en Gare de la Ciotat. Des films qui susciteront très vite l’admiration quitte à voir la naissance d’un pan tout entier de culture dédié à l’art cinématographique, qui fort de certains progrès techniques, ne cessera de s’améliorer.

Un legs majeur, quasiment impossible à quantifier aujourd’hui compte tenu de son importance, qu’a pourtant choisi de sacrer Thierry Frémaux en créant dès 2009, le Festival Lumière. Extension non avouée (quoique perceptible) du Festival de Cannes – les deux festivités partageant cette ouverture et ce souhait d’embrasser les deux versants du cinéma, celui d’aujourd’hui et d’hier–  le Festival Lumière est surtout aux yeux de son principal instigateur, un diplôme. Rien d’étonnant à voir Frémaux user de cette image enfantine et somme toute simple, lui qui par son parcours et sa personnalité a su démontrer qu’avec la renommée qui va de pair avec ses fonctions, il a su rester cet homme simple et proche du public. Et pour cause. Judoka averti à l’incroyable diction, immense passionné de cinéma et lyonnais pur souche, Frémaux respire la bonhomie et l’admiration, quitte à attirer une incroyable sympathie sur lui, pourtant véritable taulier dans le milieu.  

Un hommage incandescent.

Une réputation qui a forcément dû jouer dans la tenue de la première édition du Festival, en 2009, qui compte tenu de l’immense pari entrepris (Clint Eastwood en invité d’honneur)) n’était pas assuré de se voir reconduit. Mais cette crainte fût heureusement balayée, sitôt que la réelle motivation des festivités a vu le jour. En un mot : l’hommage. Lettre d’amour au cinéma, hommage incandescent aux figures majeures de cet art, le Festival a dès sa première année, donné le la et ainsi instauré nombre d’évènements aujourd’hui considérés comme obligatoires : la Cérémonie d’Ouverture et de Clôture qui se tiennent toutes deux à la Halle Tony Garnier, les Master Class, la Nuit Spéciale donnant à voir un chapelet de films sélectionnés en amont, mais surtout la Remise du Prix Lumière.

A la fois vocation et finalité de l’évènement, la Remise du Prix Lumière à un membre de la profession est un passage hautement mémorable et prompt à susciter l’émotion. Entre déclarations intimes, secrets de tournages ou pics de joie manifestes, la Remise du Prix Lumière est l’occasion pour Frémaux de donner la parole à la personnalité sacrée, comme ce fut le cas avec Quentin Tarantino, récipiendaire de l’édition 2013, et qui dédia son prix « à toutes les personnes aimant le cinéma plus que leur propre vie » ou Milos Forman, récipiendaire de l’édition 2010 qui n’a pas caché sa joie de recevoir un prix aussi rare, le tout par une phrase prompte à dénigrer l’Académie des Oscars : « Tellement de gens ont des Oscars, mais Lumière… ».

Pour autant, c’est à Gérard Depardieu, lui aussi sacré en 2011, qu’on doit la phrase la plus apte à retranscrire l’ambiance émanant de l’évènement : « je n’ai jamais vu quelque chose d’aussi puissant ». L’occasion de se pencher sur une des spécificités propres au Festival, et apte à revendiquer cette puissance : son caractère public. Car oui, à l’inverse de Cannes, Venise ou  Berlin, le Festival Lumière est un festival du peuple. Niché dans le pays lyonnais, terres beaucoup plus enclines à accueillir des cinéphiles, car débarrassé d’une logistique et d’une sécurité cannoise ahurissante, le Festival peut revendiquer pleinement son accessibilité qu’il n’a d’ailleurs jamais hésité à afficher jusque sur la devanture de l’évènement : l’affiche officielle, fièrement sertie de la mention : Un festival de cinéma pour tous.

Ce faisant, avec plus de 300 séances échelonnées dans plus de 30 salles, faisant la part belle à la filmographie de la personnalité sacrée et à kyrielle d’hommages adressés autant à un réalisateur méconnu, qu’un genre tout entier ou une brochette de films tout entière directement issus des valises de la personnalité sacrée, le Festival peut revendiquer une variété et une diversification répondant aux cadors cannois et surtout à la volonté de Frémaux, qui par ce prix souhaite égaler l’ambition et le prestige du Prix Nobel. Nul doute qu’après étude de la liste des récipiendaires, qui comprend Clint Eastwood, Ken Loach, Gérard Depardieu, Milos Forman, Quentin Tarantino, Pedro Almodovar et maintenant Martin Scorsese, le natif de Vénissieux a réussi son coup, quitte à rendre une lubie de fan réalité. Un passionné on vous dit !