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Sean Penn, acteur extrêmement reconnu, prouve à nouveau en 2008 en réalisant Into The wild, qu’il est aussi à l’aise derrière la caméra que devant. En adaptant au cinéma le roman de Jon Krakauer,

Synopsis : Il s’agit là des pérégrinations intellectuelles, spirituelles, physiques et morales d’un jeune homme américain fraîchement diplômé d’Harvard et qui est bien parti pour prendre le même chemin que ses parents pour finir très haut placé. Mais tout d’un coup, il réalise que cette société le dégoûte bien trop pour se fondre hypocritement dans la masse et d’abandonner à terme ce en quoi il aspire réellement, comme tout Homme : le bonheur. S’ensuit une « fugue » de la vie telle qu’elle est, pour entamer une poursuite passionnée et acharnée de la vie telle qu’elle devrait être conçue par l’Homme, qui a depuis longtemps perdu de vue cette vérité. L’esprit et le coeur rempli des plus grands récits de la Littérature (London, Tolstoï… ), il va chercher à s’affranchir de sa destinée et vivre une quête personnelle d’absolu. Son ultime frontière sera l’Alaska, l’un des derniers territoires encore « vierge » de civilisation et de progrès.

Sean Penn fait mouche, tant cette œuvre marquera le cinéma de son empreinte, devenant sans doute l’un des road-movies les plus cultes. Ce film scelle de façon exacte une vérité de l’émotion en frôlant parfois la grandiloquence mais tout en restant d’un lyrisme efficace.

« Il est au sein des bois un charme solitaire, Un pur ravissement aux confins du désert, Et de douces présences où nul ne s’aventure. Au bord de l’océan qui gronde et qui murmure, Sans cesser d’aimer l’homme, j’adore la Nature »

Cette œuvre résonne comme un chant. Elle est une véritable ode à la Nature et à la place que devrait tenir l’Homme, c’est-à-dire soumis à la respecter jusqu’à son dernier souffle, car c’est bien elle qui donne la vie et la maintient.

Cette sensation de paix, d’harmonie et d’amour avec son environnement épargné par la main de l’Homme, l’infime espoir d’une possibilité d’évolution de la situation environnementale et sociale actuelle, tout cela ressort superbement de cette œuvre grandiose. C’est pourquoi Into the Wild semble indispensable, comme un reflet de nos velléités.

Into the Wild c’est quand même beaucoup plus qu’un simple éloge de la liberté, beaucoup plus qu’un film pour adolescents anticonformistes. Sean Penn laisse la place à la pluralité des points de vue. Il se permet de proposer plusieurs morales au sein du même film. Il n’impose rien et laisse à son spectateur la possibilité de se construire lui-même sa ligne directrice, selon ses souhaits, ses principes, ses convictions. Ainsi il s’adresse autant à celui qui veut y voir une critique de la société et un retour aux sources libérateur, qu’à celui qui veut y voir l’échec de la désocialisation et la nécessité – vitale – du « vivre ensemble ». Dans les deux cas, il touche à la fibre humaine de chacun d’entre nous, dans notre rapport aux autres, à la nature et à la société.

Son personnage, Christopher, a construit une peur phobique du mensonge, ne trouvant que la nature comme compagne fidèle, certes parfois hostile, mais toujours vraie, toujours honnête. Mais ce n’est pas qu’un homme à la recherche de la « vérité ». C’est aussi un aventurier qui a soif d’expériences, de sensations fortes. Il y a ainsi deux dimensions dans sa quête : la dimension spirituelle, liée à l’esprit, et la dimension irréfléchie, liée au corps, à l’expérience physique. Tout cela se rejoint pour constituer un personnage plus pluriel qu’il n’y paraît, plus intéressant, aussi. Les rencontres qu’il fait au cours de son errance contribuant à accentuer cela. Des rencontres qui fascinent dans la mesure où elles sont toujours imprégnées de cette fameuse « vérité ». Il y a une telle donation mutuelle, un tel partage, une telle tendresse communicative, que l’on prend conscience, au travers de tous ces portraits esquissés, de la nécessité qu’ont les hommes de se livrer, de s’emmêler, de se prendre et de se donner. Les acteurs se donnent d’ailleurs corps et âmes, pour donner vie à ces personnages. L’humanité, la tendresse, l’émotion, jouées et improvisées devant la caméra, font tellement vraies. Et puis les regards, ces regards disent tout, ils sont merveilleux.

La réalisation enrobe le tout, en étant très virtuose – les ralentis, les effets de lumières toujours cohérents, le montage tantôt discret tantôt survitaminé, les interludes musicaux –, toute la machinerie cinématographique est maîtrisée à la perfection pour accompagner la quête du personnage comme il se doit. On est là, à côté de lui mais en même temps distants, en pleine contemplation. On partage certaines de ses tâches les plus quotidiennes sans pour autant tomber dans le réalisme. C’est toujours pensé selon une logique poétique ; Sean Penn transcende alors ainsi le réel pour en faire jaillir la beauté, rien que la beauté, celle des corps, des paysages, de la vie.

Les deux éléments les plus importants qui marquent le plus dans ce film restent la photographie et la musique. Et quand les deux sont mêlées, c’est tout simplement incroyable. Eddie Vedder a sans doute réalisé la meilleure bande originale qu’il m’ait été donné d’entendre. Sa voix, d’un timbre assez rare, et sa guitare, jouant des notes très finement placées, sont en adéquation totale avec les paysages grandioses des Etats-Unis choisis par le photographe Eric Gauthier, du Dakota du Nord à l’Alaska, en passant par le Grand Canyon. Tout au long du film, les morceaux écrits par Vedder nous bercent au rythme du périple de Christopher.

Outre cette magnificence esthétique, c’est avec émotion que l’on suit le parcourt de ce héros atypique, anticonformiste et antimatérialiste partit à la recherche de son idéal. Malgré son étonnante simplicité le film reste porteur d’un authentique et universel message de liberté, sous couvert de désaliénation.

Des images, des musiques et des acteurs magnifiques au service d’un film profondément idéaliste et romantique (au sens premier : aspiré vers un absolu, une transcendance, une pureté). Mais ce film ne suit pas naïvement ces penchants utopistes : par les rencontres que le personnage fait, par son destin tragique, par ses réflexions, on est amené à s’interroger sur le sens de cette quête d’absolu, sur ce qui fait notre humanité quelque part entre idéalisme personnel et réalisme social.

Into the Wild : Fiche Technique

États-Unis – 2007
Réalisation: Sean Penn
Scénario: Sean Penn d’après: le livre Voyage au bout de la solitude de Jon Krakauer
Interprétation: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Brian Dierker (Rainey), Catherine Keener (Jan Burres), Vince Vaughn (Wayne Westerberg)…
Image: Éric Gautier
Montage: Jay Cassidy
Musique: Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder
Producteur(s): Sean Penn, Art Linson, Bill Pohlad
Date de sortie: 9 janvier 2008
Durée: 2h27

Synopsis : Après une expérience ratée sur le tournage d’un film à l’étranger, Ana, 26 ans, retourne à Strasbourg, sa ville natale. Le temps d’un été caniculaire, elle se met en tête de remplacer la baignoire de sa grand-mère par une douche de plain pied, mange des petits pois carotte au ketchup, roule en Porsche, cueille des mirabelles, perd son permis, couche avec son meilleur ami et retombe dans les bras de son ex. Bref, cet été là, Ana tente de se débrouiller avec la vie.

Ana de-ci de-là

Ana a 26 ans, elle cumule des petits boulots à droite à gauche au gré de ses rencontres sans se fixer un quelconque objectif sur le long-terme. Elle navigue à vue, sans élaborer de grands projets, elle vit ici et maintenant, dans une existence pas vraiment stable, parce que l’engagement angoisse et que choisir paralyse. Dans la vie précaire d’Ana peut se reconnaître une bonne partie de la jeunesse d’aujourd’hui. Sans chercher à exploiter les ressorts du film social qui auraient fait de Baden Baden une étude de cas, Rachel Lang obtient un instantané de la société en évitant les lourdeurs dramatiques que l’on retrouve dans de nombreux films sociaux. L’instabilité et la précarité ne sont pas vécues comme une humiliation, c’est simplement un état de fait. Ana ne cherche pas une voie vers une sécurité routinière, elle ne trace pas une route, mais plusieurs chemins sinueux. Elle expérimente autant qu’elle échoue, recule puis ose à nouveau, elle ne se laisse pas enfermer dans les rôles qu’on souhaiterait la voir jouer, elle est un peu tout, mais jamais exactement comme les autres aimeraient qu’elle soit. Ce protagoniste constitue à lui seul (ou presque, la grand-mère d’Ana, jouée par Claude Gensac est aussi une merveille d’interprétation) la plus belle réussite du film. Rendre toute la complexité et les ambivalences d’une personnalité, c’est témoigner d’un grand respect de ses personnages, et par extension de son public, auquel on n’apporte pas du prototype prêt à être produit en grande série.

Dans la lignée de ces jeunes réalisatrices trentenaires, Lang propose un portrait de femme vu à travers les yeux d’une autre femme. Céline Sciamma, Lucie Borleteau, Mia Hansen-Love, Deniz Gamze Ergüven, elles sont de plus en plus nombreuses, ces cinéastes qui décident que l’image des femmes ne se fera pas sans le regard de celles-ci. Ce travail prend bien des aspects : déconstruire les clichés les plus éculés du féminin (à commencer par cette idée surannée d’essence féminine), désacraliser les corps des femmes, érotisés jusqu’à l’usure et chosifiés et leur permettre ainsi de recouvrer leur autonomie, lever les tabous qui sont nombreux à persister, sous-tendus par une pudibonderie racornie etc… La liste est encore longue ! Ce qui est remarquable dans le film de Rachel Lang c’est qu’elle offre deux très beaux rôles à deux comédiennes issues de générations bien différentes, et que chaque personnage est tout aussi ciselé. En effet, si Salomé Richard est bien l’héroïne de Baden Baden, Claude Gensac, la grand-mère n’est pas en reste. Là aussi, la réalisatrice a pris soin de ne pas cantonner le personnage à des poncifs. La vieille dame est tout à la fois drôle, cynique, touchante, lucide, toute une palettes de jeu que l’actrice, dont la carrière connaît un renouveau depuis quelques années, met en œuvre avec brio. Il est intéressant que les deux femmes qui portent ce film soient toutes les deux à la marge. Ana avec ses errances professionnelles et amoureuses n’apparaît pas comme « accomplie » aux yeux de sa mère. Quant à la grand-mère, elle craint de devenir une inapte, un poids mort, « si je deviens un légume, il faudra que tu me piques » dit-elle à sa petite fille. Outre ces très beaux rôles féminins, les hommes ne sont pas absents mais sont vus par le prisme du regard d’Ana, donc forcément moins développés. Ils sont des amis, des amants, des rencontres et passent d’une case à l’autre sans peine, additionnant les fonctions (encore une fois, pas de frontière étanche, les personnages chez Rachel Lang ne sont pas des archétypes).

En dehors de la performance des deux actrices principales qui marque les esprits, le rythme de Baden Baden est plutôt vif et enlevé, sans fioritures ni longueurs. Le montage suit Ana dans ses errances sans perdre l’intérêt du public. Toutefois, le ressort narratif final est plutôt attendu et apparaît comme un moyen de clore le film de façon à refermer l’histoire clairement. Peut-être la cinéaste aurait-elle pu choisir de demeurer en suspens, sur le fil, comme le fait son héroïne tout au long de l’intrigue.

Avec ce premier long métrage, Rachel Lang impose un style marqué et marquant dont les personnages particulièrement ciselés sont le cœur d’ouvrage. Une réalisatrice à suivre !

Baden Baden : bande annonce

https://www.youtube.com/watch?v=HszNKDpbwZU

Baden Baden : fiche technique

A peine quelque mois après l’adaptation de Jane Eyre (Charlotte Brontë) par l’américain Cary Joji Fukunaga (sin Nombre), voici qu’Andrea Arnold délaisse les HLM de Red Road et de Fish Tank, ses deux films primés à Cannes, pour une 27^ème adaptation de Les Hauts de Hurlevent, unique roman d’Emily, une autre Brontë.

Synopsis : Angleterre – XIXème siècle. Heathcliff, un enfant vagabond, est recueilli par M. Earnshaw qui vit seul avec ses deux enfants, Hindley et Cathy, dans une ferme isolée. Heathcliff est bientôt confronté aux violences de Hindley, jaloux de l’attention de son père pour cet étranger. Le jeune garçon devient le protégé de Cathy. A la mort de M. Earnshaw, Cathy est courtisée par le fils de riches voisins, laissant peu à peu Heathcliff à la merci de Hindley. A l’annonce du prochain mariage de Cathy, Heathcliff s’enfuit. L’attachement fraternel qu’il vouait à Cathy se transforme alors en un amour obsessionnel…

Animal Kingdom.

Les sœurs Brontë sont si peu conventionnelles pour leur époque, Emily en particulier avec sa sauvagerie, si romantiques et si gothiques, qu’il n’est pas étonnant que la cinéaste, qui ne craint pas l’adversité, ait eu envie de se frotter à ce roman, de manière assez radicale il faut bien le dire, en expurgeant justement le gothique et en réalisant un film extrêmement naturaliste. Les Hauts de Hurlevent, ce classique de la littérature anglaise, raconte une très sombre histoire d’amours et de vengeance. Heathcliff est un bohémien recueilli par le père de Cathy Earnshaw. Hindley, le frère de Cathy, profite de la mort de Mr Earnshaw pour ramener Heathcliff plus bas que terre en le traitant pire qu’un esclave, alors qu’en même temps de sentiments profonds se nouent entre ce dernier et Cathy. Leur relation est contrariée et Heathcliff s’enfuit. Le roman se déroule sur de longues années, et Heathcliff, devenu prospère, revient à Wuthering Heights pour fomenter une vengeance à travers les générations. Emily Brontë s’est beaucoup inspirée de son propre frère Bramwell pour composer des hommes féroces et violents (Heathcliff et Hindley). Tout comme ses sœurs, tout comme George Sand, l’auteure a dû prendre le pseudonyme masculin d’Ellis Bell pour publier son histoire, encore plus avant-gardiste que celles de ses consœurs…

Tourné en format « carré » 4/3, comme Fish Tank, cette nouvelle version est aux antipodes du film de William Wyler tourné en 1939, l’adaptation la plus célèbre à ce jour, un vrai film en costumes, lisse, avec un Laurence Oliver aussi éloigné que possible du « gitan » décrit plusieurs fois dans le livre de la romancière. Par comparaison au Jane Eyre de Fukunaga, qui laisse au contraire les paysages prendre une dimension expansive sur sa pellicule, Andrea Arnold  choisit de contenir les vastes landes du Nord de l’Angleterre, les moors du Yorkshire qu’elle filme en long, en large et en travers dans les environs du chemin du Pennine Way, dans un format plus étriqué, comme pour ramener les choses à hauteur des deux enfants, Heathcliff (Solomon Glave) et Cathy (Shannon Beer), qui occupent une large partie du récit.

De telles contradictions s’insèrent dans un schéma global de radicalité qu’Andrea Arnold semble s’être fixée pour la réalisation de ce film. Ainsi, par exemple, si les intentions socio-politiques d’Emily Brontë ne sont pas forcément claires ni conscientes en choisissant de faire de Heathcliff un étranger (« a dark-skinned gypsy »), la cinéaste va au bout de la logique en mettant en exergue la différence, et en adoptant un Heathcliff noir. Ainsi encore, la caméra constamment à l’épaule, produisant des images heurtées qui sont là pour interroger le regard ; et ainsi enfin, l’absence quasi totale de musique, à l’exception d’une magnifique chanson des Mumford & Sons à une minute de la fin du film, pour laisser la part belle au hurlement du vent. Les dialogues rares et l’authenticité amenée par le relatif anonymat du casting viennent compléter un tableau âpre et intransigeant, qui pourrait en rebuter plus d’un, et pourtant d’une beauté indiscutable (elle a gagné le prix de la meilleure Contribution Technique à Venise), et d’une sensualité inattendue.

Par dessus tout, la cinéaste a choisi un point de vue original pour raconter cette histoire gothique pleine de fantômes, en s’attardant sur la première partie du livre, celle qui concerne l’enfance des protagonistes. Cette mise en avant des enfants, en âge de courir partout et après les animaux lui donne l’occasion de filmer en gros plan, à la manière d’un documentaire animalier, tous les insectes et tous les oiseaux cités par Emily Brontë elle-même : alouettes, chardons, merles ou linottes…Une sorte d’animalisme ou d’anthropomorphisme qui appuie les affirmations de la cinéaste qui pense qu’au centre du roman repose l’idée de l’être humain comme un animal parmi les autres, le plus dangereux d’entre eux sans doute.

De fait, l’amour n’est pas l’enjeu central de la version d’Andrea Arnold du film. Filmé du point de vue d’Heathcliff, le monde est avant tout sensoriel. Une séquence en particulier, aboutissant dans un superbe corps à corps dans les landes boueuses, résume magnifiquement tout ce que la cinéaste voulait montrer : les deux jeunes adolescents se poursuivent et tombent dans la boue dont ils s’emploient à s’enduire l’un l’autre, un acte qui enracine leur attachement plus fortement que des mots…

Tronquée de ses chapitres du début et de la fin, la version d’Andrea Arnold de Les Hauts de Hurlevent a davantage à voir avec ses précédents films, dits sociaux, qu’avec un film en costumes. Les paysages extrêmes du Yorkshire ne sont pas loin des rues et des tours de Red Road. Et bien que la radicalité fasse un peu système (anachronismes de dialogues tels que « fuck you all, cunts », Les Hauts de Hurlevent est un film qui mérite l’attention, voire l’effort, tant la cinéaste ne cherche pas la facilité.

Les Hauts de Hurlevent : Bande annonce

Les Hauts de Hurlevent : Fiche technique

Titre original : Wuthering Heights
Réalisateur : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold et Olivia Hetreed, d’après le roman d’Emily Brontë
Interprétation : James Howson (Heathcliff adulte), Solomon Glave (Heathcliff enfant), Paul Hilton (Mr. Earnshaw), Shannon Beer (Cathy jeune), Lee Shaw (Hindley), Amy Wren (Frances), Michael Hughes (Hareton), Kaya Scodelario (Cathy adulte), James Northcote (Edgar Linton), Nichola Burley (Isabella Linton)…
Musique : Mumford & Sons pour la chanson finale
Photographie : Robbie Ryan
Montage : Nicolas Chaudeurge
Producteurs : Robert Bernstein, Douglas Rae, Kevin Loader, Matt Delargy, James Saynor
Maisons de production : Ecosse Films, Film4, HanWay Films, Goldcrest Films International
Films Distribution (France) : Diaphana Films
Récompenses : Prix de la meilleure Contribution technique – Festival de Venise
Budget : 5 000 000 GBP
Durée : 129 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 5 Décembre 2012

Royaume Uni – 2011

Synopsis : Dans la ville d’Ángeles, aux Philippines, le Family est un vieux cinéma dans lequel sont diffusés des films porno datant des années 70. Il est tenu par la famille Pineda qui loge également en ces lieux sordides. Sur quatre générations, le quotidien de cette cellule matriarcale se mêle aux mœurs perverties qui règnent dans ces couloirs labyrinthiques.

Family Business

Ancien pubard devenu, en très peu de temps, le porte-étendard du renouveau du cinéma philippin, Brillante Mendoza a, dans ses trois premiers films, pris un soin tout particulier à la retranscription de la misère sociale de son pays à travers une thématique récurrente : Qu’il s’agisse de massages érotiques dans Le masseur (2005), d’adoptions dans John John (2007) ou de vol à la tire dans Tirador (2007), chaque film interroge sur le rapport entre morale et besoins économiques dans la façon de se faire de l’argent en ne disposant comme outil de travail que de son corps. Cette notion de marchandisation des corps-objets est indubitablement le cœur du propos de ce quatrième film où la pornographie et la prostitution apparaissent comme une industrie source de revenus tout autant que de malaises. Tourné en moins de deux semaines, Serbis, nous plonge au cœur d’un cinéma porno, à la fois lieu de débauche et cocon familial de ses tenanciers, et nous perd dans le dédale de ses couloirs comme les personnages semblent y avoir quelque peu perdus leur âme.

Dès la première scène, Mendoza nous fait clairement comprendre où l’on met les pieds : Une jeune femme nue, s’entrainant à minauder devant un miroir, filmée caméra à l’épaule, est la marque ostentatoire que son film sera placé sous le sceau du voyeurisme. Et la vive lumière qui ouvre cette scène, assimilable à celle d’un projecteur, nous permet de mesurer la dimension métafilmique de son œuvre (rendue indiscutable par le plan de fin, marquée par un effet de pellicule brûlée), d’autant plus évidente que, en singeant les actrices X, le rapport entre cette gamine et son reflet apparait comme l’allégorie du lien entre l’image et la réalité qui imbibera la suite du film. Ces premières minutes permettent également de mesurer à quel point le réalisateur s’applique dans l’art de filmer le corps de ces acteurs. Et pourtant, tout est loin d’être beau chez ces personnages, comme viendront nous le rappeler ces plans sur le furoncle mal placé de l’un des fils de la famille.

Cette volonté de donner une certaine grâce aux personnages sans pour autant les magnifier correspond d’ailleurs à la façon qu’a Mendoza de filmer son décor. L’atmosphère glauque, presque angoissante, du film est d’ailleurs ce que l’on en retient le plus après coup. Le travail de plasticien et l’usage de la caméra portée dont Mendoza faisait déjà usage dans ses précédents films sont ici mis au profit d’un dispositif formel qui parvient à capter à la perfection tout aussi bien l’insalubrité morne des lieux que l’énergie humaine qui y bouillonne. Serbis se savoure d’ailleurs davantage pour son ambiance que pour l’observation des relations familiales. En termes d’intrigue, seule l’évocation du procès du père adultère met en place un semblant d’enjeu émotionnel, mais il ne s’agit finalement que d’un prétexte pour mettre en avant la volonté de contrôle de cette mère acariâtre, véritable patronne de la maison, et la cupidité de ses enfants, uniquement motivés par l’idée d’assurer leur héritage. Davantage que les liens qui unissent les membres de la famille (qui eux-mêmes préfèrent fermer les yeux sur certaines dérives incestueuses), le réalisateur filme avec un soin digne d’un documentaire le travail de chacun, tel que le cadet des fils obligé à plusieurs reprises de déboucher des toilettes inondées ou un autre, projectionniste, sur lequel la caméra va s’attarder tandis qu’il met en place sa bobine, relevant ainsi la mécanisation de leur tâche, privée d’une quelque sensualité.

Davantage qu’un cinéma porno, le Family est également un lieu de passe, où la plupart des prostitués sont de jeunes mineurs ou des travestis proposant leurs fameux « services » à des clients (dont la caractérisation en tant qu’homosexuels est parfois un peu caricaturale). C’est ainsi que le jeu entre image et réalité va prendre son sens car, si Mendoza fait en sorte de toujours laisser le grand écran hors-champ, il n’hésite pas à filmer frontalement des fellations non simulées. Et au milieu de ce beau monde en pleine activité, circule un jeune gamin sur un tricycle (impossible de ne pas y voir un clin d’œil à Shining), pour qui tout cela paraît des plus anodins. L’analyse anthropologique que semble porter le scénario à cet avilissement des mœurs se situe justement dans l’ambivalence des réactions à son contact : Certains, comme la patronne qui maudit ce cinéma qu’elle est obligée de faire tourner, essaient à tout prix d’ignorer ce qui se passe autour, tandis que d’autres, comme l’une de ses filles observant ses tapineuses pour mieux les imiter ou ce fils attiré par sa cousine, ne désirent qu’en profiter pleinement. Et quand, dans ce vivier d’une humanité pervertie, bâtie autour d’un vaste escalier en colimaçon évoquant une évidente descente aux enfers, pénètre un élément naturel et sain, c’est alors que le chaos va véritablement exploser. La course-poursuite entre la fratrie et une chèvre, dont la simple présence semble mettre toute leur activité en péril, est sans nul doute la scène la plus frappante du film, bien plus que certains passages provocateurs, voire parfaitement inutiles, ne visant qu’à appuyer l’ambiance poisseuse de ce microcosme au bord de l’implosion.

Pour l’anecdote, il existe deux versions de Serbis : Celle diffusée en salles lors de sa sortie et disponible dans la plupart des éditions Blu-Ray/DVD, et une autre, plus rare, correspondante à la version présentée à Cannes en 2008, où l’expérience sensorielle est intensifiée par une bande-son ultra-saturée, faisant entendre en permanence le bruit venu de l’extérieur : Passages de voitures, klaxons, verbiage des piétons… une simple question de double vitrage mais qui pose la question du caractère hermétique du lieu, et de tout ce qu’il représente, ou de sa pleine imbrication dans la société philippine.

Serbis est un film d’ambiance d’une qualité plastique si immersive que chaque image semble puer le stupre et la putréfaction. Son scénario un peu léger pourrait certes le limiter à une simple succession de scènes d’un goût douteux. Cela aurait été sans compter sur la virtuosité de son réalisateur dont la mise en scène interroge sur le caractère à la fois sensuel et sordide d’une sexualité délurée et sur l’impact des images –réelles comme filmiques– sur ceux qui la côtoient au quotidien.

Serbis : Bande-annonce

Serbis : Fiche Technique

Réalisation: Brillante Mendoza
Scénario: Armando Lao, Boots Pastor
Interprétation: Gina Pareño (Nanay Flor), Jaclyn Jose (Nayda), Julio Diaz (Lando), Coco Martin (Alan), Kristofer King (Ronald)…
Image: Odyssey Flores
Montage: Claire Villareal
Musique: Gian Gianan
Direction artistique : Harley Alcasid, Deans Habal
Producteur(s): Didier Costet, Ferdinand Lapuz
Production: Swift Productions, Centerstage Productions
Distributeur: Équation
Durée: 93 minutes
Genre : Chronique sociale, drame
Date de sortie: 12 novembre 2008

Philippines – 2008

Synopsis : De bon matin, un homme part à la chasse. Après peu de temps, il s’aperçoit que son chien, Yoshi, a disparu et que lui-même s’est perdu dans cette forêt qu’il pensait pourtant connaitre comme sa poche. Incapable d’appeler du secours, il se retrouve contraint de dormir dans une grotte.

Promenons-nous dans les bois…

C’est quelque part, entre l’exploration de la limite entre fiction et réalité amorcée dans le surprenant L’enlèvement de Michel Houellbecq et la divagation mystico-contemplative du très joli, mais inabouti Valley of Love, que nous entraine Guillaume Nicloux, cet auteur et réalisateur anciennement spécialiste en polars (Le poulpe, Cette femme-là, Une affaire privée…). Son nouveau long-métrage se bâtit d’ailleurs sur un concept finalement assez similaire à celui du précédent qui envoyait Gérard Depardieu et Isabelle Huppert errer dans la Vallée de la Mort, à la différence que cette fois, c’est tout seul (ou presque) que notre cher Gégé va déambuler dans un décor à fort potentiel fantasmagorique. C’est justement à l’occasion de leur premier tournage en commun, moins d’un an avant celui-ci, que l’acteur et le réalisateur ont décidé de réitérer au plus vite leur collaboration. L’ennui de cette précipitation est que le cinéaste, en mal d’inspiration, n’a pas trouvé d’autre idée que de porter à l’écran un de ses mauvais rêves. L’histoire du cinéma, et en particulier horrifique, nous a prouvé à plus d’une reprise que les cauchemars peuvent inspirer de bonnes scènes (l’ouverture de Halloween ou la course-poursuite souterraine de Kill List), mais rarement des films dans leur globalité. Ainsi Nicloux, bien qu’incapable d’interpréter les souvenirs qu’il garde de son songe et donc d’en maitriser toute la symbolique, a reproduit une promenade en forêt tournant vite à une plongée aux frontières de la folie.

À l’inverse de Valley of Love, qui tirait sa puissance émotionnelle de son traitement du deuil et du rapprochement d’un couple séparé, et dont la principale qualité reposait dans la façon dont la mise en scène s’appliquait à magnifier ses deux acteurs, dans The End le charme n’agit pas. Aucune thématique n’est clairement abordée à travers cette randonnée surréaliste et la caméra ne met aucunement en valeur Depardieu. Ce dernier semble même par moments aussi perdu que ce chasseur qu’il incarne… au point de nous faire douter du réel contenu de sa bouteille de Schweppes. Mais peut-on lui reprocher de ne pas réussir à rendre convaincant son personnage antipathique de chasseur du dimanche ronchon et collectionneur d’assiettes américaines, tant celui-ci n’est caractérisé que par ses rares répliques – ou plus exactement ses borborygmes –, toutes aussi crétines les unes que les autres ? Et pourtant, grâce au pouvoir d’attraction imposé par la seule présence à l’écran de son physique éléphantesque, Gégé est ce qui sauve le film de la vacuité de son postulat, les efforts fournis par son corps massif pour se déplacer en terrain escarpé étant un sujet d’observation fascinant.

Bien trop rapidement, la sensation que le film va virer dans le fantastique est rendue perceptible par la sensation d’étrangeté que procure la musique d’Eric Demarsan, un compositeur de renom grâce à ses collaborations dans les années 70 avec Melville, Mocky ou encore Costa-Gavras mais qui, comme Nicloux, ne s’est jamais véritablement essayé au cinéma d’épouvante. Justement, cette idée d’avoir installé par le son une ambiance dérangeante, à défaut d’être réellement angoissante, dès les premières minutes et sans la faire évoluer, est symptomatique de l’inexpérience du réalisateur, incapable de créer une aura de mystère autour de son récit. Car il ne faut pas non plus compter sur la mise en scène pour placer le spectateur face à un malaise énigmatique, dans lequel il aurait eu à chercher une signification à ce trip champêtre. On n’espérait certes pas trouver là un ersatz franchouillard de David Lynch, mais le minimalisme des décors aurait au moins pu être mis au profit d’un quelconque regard lyrique. Hormis peut-être un jeu de couleurs assez grossier, qui détache le personnage en orange sur son environnement verdoyant, la réalisation ne fait preuve d’aucune idée ni d’effort, qui rendrait cet univers visuel hypnotique ou appuierait son propos.

Mais quel propos au juste ? Comment décrypter ce rêve que Guillaume Nicloux a tant tenu à porter à l’écran ? Et surtout, le sait-il lui-même ? Rien n’est moins sûr. Mais toujours est-il que si réponse il y a, elle est à chercher dans l’interprétation allégorique des personnages secondaires, à savoir le jeune homme incarné par Swann Arnaud et la femme interprétée par Audrey Bonnet. Le réalisateur ne laisse aucune clef à l’analyse psychanalytique de ces individus insolites et, par voie de fait, parfaitement inutiles. Le scénario semble se dérouler sans savoir dans quelle direction aller, conscient que son soi-disant twist final viendra, par une tentative de rationalisation grotesque, balayer d’un revers de manche toute interrogation sur ce qui l’a précédé. On reproche régulièrement au cinéma mainstream de se montrer trop explicatif, ne laissant aucune place à l’imagination de son public, mais celui-ci nous rappelle qu’au contraire, ne répondre à aucune des questions qu’il pose, est tout aussi rédhibitoire. Quitte à nous faire suivre Depardieu seul dans les bois (une proposition de cinéma qui ne peut se défendre qu’en présence d’un acteur de sa prestance), il aurait mieux valu ne pas parasiter le dispositif de mise à nu par cette amorce bâclée de conte fantastique capillotracté, qui n’a pour seule raison d’être qu’une évidente velléité auteuriste.

Pour l’anecdote, la bande-annonce a été réalisée par un proche de Nicloux, Gaspar Noé, qui a bien compris que le seul moyen de donner un brin de bizarrerie horrifique à ce pseudo cauchemar éveillé était de le noyer dans un filtre rouge-sang des plus menaçants… De quoi regretter qu’il n’ait pas été consulté plus tôt.

En s’égarant dans son propre projet, Guillaume Nicloux perd en route le spectateur. On ne s’étonne pas en lisant que le réalisateur s’est entendu dire par son acteur principal que le tournage avait été un « calvaire sans intérêt », tant le ressenti au vu du résultat est similaire. Indéniablement, le sursaut du cinéma fantastique français n’est pas à chercher de ce côté-là.

The end : Bande-annonce

The end : Fiche technique

Réalisation : Gillaume Nicloux
Scénario :  Gillaume Nicloux
Interprétation : Gérard Depardieu (le chasseur), Audrey Bonnet (la femme), Swann Arlaud (le jeune homme)
Photographie : Christophe Offenstein
Montage : Guy Lecorne
Musique: Eric Demaran
Production : Sylvie Pialat
Société de production : Les films du Worso
Distribution : Gaumont
Genre : Fantastique, drame
Durée : 82 minutes
Date de sortie : Le 7 avril 2016 en e-cinéma

France – 2016