LeMagduCiné

Le scénariste d’Harvey Milk, Dustin Lance Blake, collabore à nouveau avec Gus Van Sant pour son propre projet de série co-produit et diffusé en première partie de soirée sur ABC. When We Rise (éponyme à l’autobiographie du célèbre militant LGBT Cleve Jones) sur un pilote découpé en deux dresse le portrait de 3 destins hors-du-commun.

Après The Foster et HTGAWM, ABC prend le risque méritant d’éclairer, certes une énième fois, le combat historique de millions d’homosexuel(le)s et trans pour la reconnaissance, non pas en tant que communauté (le politique est complémentaire et inévitable), mais en tant qu’êtres humains « sains » comme la majorité. Avec ce projet de série audacieuse, Dustin Lance Blake, en réunissant d’innombrables réels récits de vies, construit sur plus de 40 ans et 6 épisodes de 52 minutes la formidable et admirable histoire de 4 personnages en proie directement à ces problématiques sociologiques historiques. Malheureusement, la chaîne câblée Canal + pour des raisons marketing liées à la VOD, découpe le pilote de 83 minutes en deux parties égales. La poire n’avait nullement besoin d’être coupée en deux et le plaisir n’en est que plus maltraité.

Dès la première minute, nous sommes plongés au cœur d’une épopée que nous savons retentissante. Sur un navire de la NAVY, le marin Ken Jones participe à des tirs sur des montagnes. Il ouvre une bouteille de rosé et propose un verre à un des jumeaux Scavo (Charles Carver dans Desperate Housewives) qui s’éloigne aussitôt. On comprend quelques scènes plus tard qu’ils sont amants dans une scène érotique que l’intervenant Romain Burrel, journaliste aux Inrock et Têtu, juge trop discrète. Le personnage joué par Jonathan Majors (on ne voit que les jeunes dans ce demi-pilote) est tiraillé entre le désir de bien faire et la curiosité de cette nouvelle ville dans laquelle il est affectée. Le jeune Cleve Jones, fils de psychanalyste est très vite confronté aux violences faites par les policiers machos et conservateurs, même si ces premières 42 minutes s’attache à montrer son départ du foyer familial et son arrivée bien entourée. Roma quitte le Togo et sa compagne Diane pour Boston et rejoint le mouvement de libération des femmes. Elle finira à San Francisco auprès d’un groupe de femmes. L’écriture est somme toute banale pour une musique par moments grandiloquente, mais la mise en scène sensible et les acteurs investis comme jamais (Guy Pierce en Cleve Jones vieillissant, Whoopi Goldberg etc.) comblent toutes les imperfections. Il y en a peu cependant…

Un quatrième personnage/destin s’ajoutera aux trois déjà complets, alors que des spectateurs américains LGBT se seraient plaint du manque de représentativité. Cette réaction a fait réagir le créateur Dustin Lance Blake qui avait déjà éprouvé ce sentiment sur Harvey Milk. Les audiences en février lors de la diffusion sur ABC auraient atteints un petit score, soit plus de 3,5 millions pour le pilote et une perte d’un million aux suivants. Il n’empêche que l’audace est à applaudir et souligner. ABC, première chaîne familiale diffusant à 20h cette série tous les jours sur une semaine, fait le pari déjà perdu de toucher le plus grand nombre. Avec Danny Elfman à la musique et Gus Van Sant à la réalisation du pilote, sans compter la présence de talents déjà remarqués tels que Rachel Griffiths (Six Feet Under), Mary-Louise Parker (Weeds) et Michael K. Williams (Broadwalk Empire, The Night of), When We Rise a touché l’ensemble des spectateurs qui ont voté en majorité « pour » lors du vote du public… Réponse samedi 22 avril à 20h et toujours en VOD sur Canal Play.

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Fiche Technique : When We Rise

Création : Dustin Lance Blake
Réalisation : Gus Van Sant +  Dee Rees, Thomas Schlamme et Dustin Lance Blake
Distribution : Guy Pearce : Cleve Jones, Austin P. McKenzie : Cleve Jones jeune, Emily Skeggs : Roma Guy jeune, Fiona Dourif : Diane jeune, Jonathan Majors : Ken Jones jeune, David Hyde Pierce : Dr Jones, père de Cleve, Whoopi Goldberg : Pat Norman, Charlie Carver : Michael Smith…
+ Mary-Louise Parker : Roma Guy, Rachel Griffiths : Diane, femme de Roma, Carrie Preston : Sally Gearhart, Michael K. Williams : Ken Jones…
Musique : Chris Bacon et Danny Elfman
Société de production : Hungry Jackal Productions, Laurence Mark Productions, ABC Studios
Durée des épisodes : 8×42 minutes
Mini-série (non-renouvelée)

Découverte ce mardi 18 avril 2017 au festival Séries Mania de Salaam, Moscou !, qui suit la lutte d’agents russes presque secrets face à la criminalité des migrants : deux premiers épisodes en dent de scie entre travail documentaire, comédie absurde, et bouffonnerie.

Synopsis : Les agents Sania et Roustam travaillent dans un département spécial de la police de Moscou dédié à la criminalité des migrants, que les moscovites appellent « les arrivants ».

Salaam, Moscou ! s’est dévoilée au festival Séries Mania avec la projection de ses deux premiers épisodes. Deux volets en dent-de-scie pour la série russe créée et réalisée par Pavel Bardine. En effet, le premier épisode s’est révélé être intéressant dans son jeu des tons – de l’aspect documentaire à la comédie absurde et loufoque. Mais il est tiré vers le bas par le manque de clarté dans le déroulement du récit et la mise en place des personnages et de leurs actions dans celui-ci. Toutefois, le résultat était plutôt positif. Drôle, étrange, et réaliste, Salaam, Moscou ! n’est pas sans rappeler les séries Fargo et Au Service de la France. Aussi le rapport de Moscou à l’immigration était justement traité, et cela de manière à la fois grave et légère.

Le deuxième épisode vire toutefois à la bouffonnerie complète, perdant le charme de la rencontre de la violence saisissante et de l’« image documentaire » mêlées à une loufoquerie absurde. Il semble que la bouffonnerie a permis au créateur de se décharger de la construction de son récit, dans lequel les rencontres entre les différents personnages – différents milieux et groupes – ne sont plus amenées par leurs intrigues respectives. Ainsi retrouve-t-on des personnages dans un même plan sans justification de cette rencontre. Pire, un événement important à la fin du premier épisode lie puis devrait délier le duo d’agents – digne d’un buddy, où l’un et l’autre doivent dépasser leurs différences –, mais il n’y aura aucun écho de cela dans le deuxième épisode. Ça n’est pas fini : alors que le bad guy de la série est présenté comme un tueur sans pitié dans l’épisode un – dans lequel il est traqué par le déterminé et détraqué agent Sania –, l’agent Roustam accepte ici une partie de lutte avec le criminel. Pourquoi ? Parce qu’il est armé, et que son ennemi ne l’est, proposant d’ailleurs ce duel « plus équitable ».

La victoire ou la défaite de Roustam déterminera l’arrestation du criminel ou non. Bien sûr, il perd, et il laisse le bad guy s’en aller tranquillement comme si rien n’était. Sania le rejoindra rapidement, et ne se lancera pas à la poursuite de l’individu en fuite, qui devrait être à une vingtaine de mètres de sa position. La situation est bouffonne, mais le gag, lui, est de trop, et expose à quel point la cohérence de la série a été mise de côté pour favoriser le rire à tout va. D’ailleurs, la musique accompagne ce mouvement vers la bouffonnerie en étant légère et drolatique pendant une grande partie de ce deuxième épisode.

Ainsi, on regrettera le clair manque de tenue entre les deux premiers épisodes, où la cohérence (que ce soit au niveau du récit ou de l’univers) et les partis pris sont très vite mis à mal. On espère toutefois que les quatorze autres épisodes sauront retrouver et véritablement établir un cap pour le show, loin d’être une mauvaise surprise.

Fiche Technique : Salaam, Moscou !

Créateur et réalisateur : Pavel Bardine
Scénaristes : Pavel Bardine, Maria Sarpikina, Alexandre Moltchanov
Interprètes : Alexander Golubklov, Ali Aliyev, Maria Belyaeva, Alexander Polyaev
Composition : Vassia Oblomov
Production : Red Square Group, Konstantin Ernst, Denis Yevstigneyev
Distribution : IZYM, LLC (international)
Diffusion : Channel One (Russie)

Russie – 2016

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L’hommage aux séries d’animation de la Fox a été lancé au festival Séries Mania 2017 avec la séance spéciale American Dad! et Les Griffin : une double dose de comédie déjantée et transgressive signée Seth MacFarlane.

American Dad! et Les Griffin, lancées respectivement en 2005 et 1999 – et toujours en production –, sont des séries chorales. Elles suivent deux groupes d’individus. Des individus groupés par un concept traditionnel alors moqué par ces séries, la famille.

D’un côté, les Smith, de l’autre, les Griffin. Les deux shows animés pour adultes suivent ainsi le quotidien de ces familles, véritables satires de la société nord-américaine, et même occidentale. Concernant les patriarches, Peter Griffin est un imbécile fini fainéant et opportuniste, avec une bêtise et un bon embonpoint alimentés respectivement par la télévision et la junkfood ; Stan Smith est un agent de la CIA appliqué, désirant à tout prix protéger son pays du terrorisme, et des démocrates.

« Chaque jour, chaque soir, on voit de la violence à la télé, du sexe au ciné.

Mais ou sont donc passées ces bonne vieilles valeurs qui faisaient tant notre bonheur ?

On ressemble à une vraie famille, une famille qui va vous, rendre complètement fous !

Ils sont vraiment tous bêtes à pleurer. Ce sont les Griffin ! »

– générique des Griffin –

Les deux séries sont de véritables miroirs déformant des États-Unis d’Amérique. De la satire sociale à la parodie de films, la drôlerie est au rendez-vous. Tantôt subtil, gras, lourd, fou, culotté, grossière, ou encore absurde, l’humour peut aussi provenir de situations complètement fantasques – où la critique réside toutefois : du ravissement marqué par le retour du Christ et l’Armageddon sur Terre avec un Stan lâche puis digne de Mad Max à Brian et Stewie voyageant dans des dimensions parallèles où tout serait dessiné par Disney (soupconné d’antisémitisme) ou encore celle où les chiens sont les êtres intelligents, dominant les humains. À noter que ces deux intrigues ont fait partie des épisodes projetés ce soir.

Car American Dad! et Les Griffin, si elles suivent le quotidien deux familles, adorent s’aventurer dans le fantasque. Deux personnages principaux dans chacun des shows exposent de facto par leur existence le caractère essentiel du fantastique (science-fiction) dans la série. D’un côté nous avons Roger l’extraterrestre, et Klaus le poisson rouge. Le premier est un alien déjanté et alcoolique qui aime se travestir, devenir une autre personne pour se lancer dans des péripéties folles. Véritable obsédé de l’aventure, il est aussi hyper-émotif, manipulateur, et vaniteux. Le deuxième, Klaus est un ancien nazi dont l’esprit a été placé dans le corps d’un poisson rouge. Du côté des Griffin, nous avons Stewie, le bébé de la famille, d’une intelligence rare et au langage adulte, est aussi un véritable cerveau diabolique pouvant parfois retrouver des traces d’enfance dans son comportement ; enfin Brian est un chien anthropomorphe, capable de parler tel un humain, aussi il se trouve être l’être le plus intelligent de la famille avec Stewie, toutefois il est considéré comme leur chien domestique, excepté pour Stewie, avec qui il partagera de nombreuses et folles aventures.

Ci-dessous, Roger débute une aventure, dans « la peau d’un raté qui se drogue ».

On regrettera le faible nombre d’épisodes projetés lors de la séance spéciale : deux épisodes pour chaque show ; ainsi que l’absence de sous-titres français pourtant bien stipulés sur le livret du festival. Non que cette absence ait été un problème pour le rédacteur de cet article, elle l’a été pour de nombreux spectateurs qui ont quitté la salle tout au long de la première demi-heure. Toutefois, la séance a su faire travailler les zygomatiques et déchaîner les rires.

L’hommage aux séries de la Fox se poursuivra le jeudi 20 avril avec une séance spéciale Les Simpson en présence de deux des doubleurs français : Philippe Peythieu (Homer) et Véronique Augereau (Marge) ; et une dernière avec au programme Futurama et Bob’s Burgers respectivement créés par Matt Groening (à qui l’on doit bien sûr Les Simpson) et Loren Bouchard.

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Ce lundi 17 avril a été présentée en exclusivité française la nouvelle série développée par Bryan Fuller et Michael Green, American Gods, d’après le roman éponyme de Neil Geiman qui vous dévoile les coulisses mystiques de ce monde où règnent des rivalités entre anciens et nouveaux dieux.

Synopsis : Quand Shadow Moon sort de prison, il fait la rencontre du mystérieux Mr. Wednesday. Laissé à la dérive depuis la mort de sa femme, Shadow est engagé comme garde du corps par Mr. Wednesday. Il se retrouve alors dans un monde mystérieux où la magie devient réelle, où les anciens Dieux craignent l’obsolescence, le pouvoir grandissant des divinités modernes, et où Mr. Wednesday rassemble une armée pour reconquérir sa gloire passée.

Comme pour I’m dying up here, le festival Series Mania a demandé à ne pas dévoiler l’intrigue de l’épisode. La possibilité d’écrire sur le show avait tout de même été trouvée. Mais ici, la description des éléments visuels – entre autres choses réfléchies dans l’écrit d’I’m dying up here – de la série dévoilera forcément des détails du récit. L’article tachera toutefois d’obéir à la demande du festival et de Starz/Amazon.

Thomas Destouches l’a rappelé lors de sa présentation du show, il aura fallu six ans afin qu’American Gods puisse se jouer devant nos regards et dans nos oreilles, soit un très long développement pour que les spectateurs puissent vivre la nouvelle expérience audiovisuelle de Bryan Fuller, co-créée avec Michael Green ici. On retrouve David Slade du côté de la réalisation du pilote après celle de plusieurs épisodes de la précédente œuvre télévisuelle de Fuller, Hannibal, sur laquelle Slade avait déjà signé le pilote.

Justement, ceux qui avaient su s’immerger dans Hannibal, ou se laisser dépasser par le show tortueux de Fuller pour mieux en être imbibés, se retrouveront pleinement dans American Gods. Fuller, avec Slade, a poursuivi son travail visuel : des images explicitant la chair ; des gros plans sur des objets ou détails, tels des natures mortes révélant toujours plus qu’on ne le croit le monde présenté ici : on peut penser à la pièce d’or, cet objet artificiel dont la provenance intéresse l’humain Shadow Moon qui ne saisira pas que la pièce est liée au divin ; on pense au sang, ce liquide filmé dans un ralenti lui donnant une certaine corporéité, rappelant sans cesse la nature fragile et instable de l’humain, tout de chair et d’os… Du travail d’étalonnage aux scènes de « trip » où le héros subit des cauchemars et fait face à une nouvelle créature symbole – le cerf noir laisse place à une vache aux yeux incandescents (voir l’image de couverture) –, Fuller a décidemment muri son univers – thématique, visuel, sonore, narratif – avec Hannibal. On notera à ce propos une formidable scène d’anthropophagie divine, qui apporte une nouvelle dimension au cannibalisme déjà énormément travaillé par le créateur/showrunner. Il faut aussi dire qu’on retrouve à la musique Brian Reitzell – aussi compositeur sur Hannibal (et le film 30 jours de nuit de Slade) – et ses bandes-son imbibées de mystères, de ténèbres et parfois de terreur, travaux sonores qui participent pleinement à l’expérience mise en place par Fuller, avec Green et Slade rappelons-le.

Ci-dessous le générique d’American Gods.

https://www.youtube.com/watch?v=1Ow1qPRIs8A

Arrive un autre point très cher à l’univers de Fuller mais peut-être plus rare et noir dans sa série sur Hannibal le cannibale, l’humour. Car American Gods est drôle. L’humour y est certes noir, acide, peut-être dérangeant, mais est bien là.

Il est d’ailleurs formidablement servi dans des scènes fantasques et plutôt dérangeantes par la distance créée avec le spectateur par rapport à l’étrangeté d’une séquence, et vis-à-vis d’excès de violence. Enfin l’humour sera là lors de moments habités par une certaine gravité non pas tournée en ridicule mais avec laquelle une distance sera en effet créée. La drôlerie de l’épisode était aussi servie par son casting, notamment Ian McShane (Deadwood ; Scoop), toujours impeccable.

L’épisode présenté marquait l’entrée de Shadow Moon et des spectateurs – qui en savent autant que lui pour peu qu’ils ne connaissent pas le roman – dans un monde étrange, dérangeant et captivant, drôle et terrible… American Gods s’impose comme l’un des nouveaux shows à suivre absolument. Rendez-vous fin avril pour sa diffusion sur Amazon Prime Video.

Bande-Annonce : American Gods

https://www.youtube.com/watch?v=3awG5wEE7LU

Fiche Technique : American Gods – pilote

Créateurs/showrunners : Bryan Fuller, Michael Green
Réalisateur : David Slade
Interprétation : Ricky Whittle, Ian McShane, Emily Browning, Pablo Schreiber
Compositeur : Brian Reitzell
Production : Fremantle Media North America
Distribution : Fremantle Media International
Diffusion : Starz (Etats-Unis) ; Amazon Prime Video (France)

Etats-Unis – 2017

Durant la 8e édition du Festival Séries Mania, une série sur fond carcéral venue d’Argentine,  Supermax. Le réalisateur Daniel Burman était présent lors de la présentation pour nous en parler.

Présentée au festival Séries Mania, Supermax est l’histoire de huit participants à une émission de télé-réalité qui sont enfermés dans une prison abandonnée dans laquelle une émeute sanglante a eu lieu deux décennies auparavant. Supermax est la série la plus ambitieuse d’Argentine, une superproduction réunissant plusieurs pays d’Amérique latine (Uruguay, Mexique, Cuba, Brésil, Argentine…). Le réalisateur Daniel Burman qui a travaillé sur la série et qui était présent lors de la présentation au festival Séries Mania, rapporte que cette grande équipe lui a permis d’avoir plus de liberté. Au départ, s’il a été intéressé par le projet ce n’est pas pour l’aspect carcéral, en vogue dans le paysage télévisuel (Orange Is The New Black, Oz…) qui n’est pas son genre préféré. Il y voyait surtout une excuse pour réunir tous ces protagonistes aux personnalités hétéroclites qui ne se seraient jamais rencontrés autrement. Il ajoute que la vraie prison se situe dans leur tête. Cette sensation d’enfermement est palpable dans Supermax, et pour Daniel Burman, qui est convaincu que “nous sommes ce que nous cachons”, plus les personnages restent enfermés, plus ils se découvrent eux-même, “ils se libèrent parce qu’ils pactisent avec le diable”.

Ce thriller qui paraît de prime à bord assez sérieux nous surprend en mélangeant les genres, par moment à la limite de l’horrifique, parfois tragique et souvent comique. Il était important pour le réalisateur de mixer les genres et les émotions, “car c’est comme dans la réalité, on passe du rire aux larmes”. Ce mélange doit probablement aussi aux acteurs qui forment un casting quatre étoiles (on retrouve Cecilia Roth qu’on a vu notamment dans Tout sur ma mère de Pedro Almodóvar), c’était aussi le désir de Daniel Burman d’avoir des acteurs à l’univers déjà bien établi pour qu’ils puissent ainsi apporter un peu de leur monde dans la série, d’où cette mixité de ton.

Si Supermax manque parfois d’un peu de subtilité dans le traitement de ses personnages, il serait intéressant de connaitre leur évolution à la suite de ces deux épisodes. La série est néanmoins un bon thriller dynamique aux multiples mystères qui se laisse agréablement regarder et qui devrait promettre quelques surprenantes tournures scénaristiques.

Supermax : Fiche technique

Scénaristes : Mario Segade, Virginia Martinez, Daniel Burman
Casting : Cecilia Roth, Antonio Birabent, Cesar Troncoso, Rubén Cortada, Juan Pablo Geretto, Guillermo Pfening
Réalisateurs : Daniel Burman, Hernan Goldfrid, Bruno Hernandez
Producteurs : Globo, Oficina Burman
Diffuseur : Canal 7 (Argentine)

Argentine – 2017

Nouvelle découverte au festival Séries Mania avec la série allemande 4 Blocks, en présence de son créateur/réalisateur Marvin Kren. Au programme : les péripéties obscures d’un clan de gangsters arabes en plein Berlin-Est ; un Parrain en quête d’un plan-retraite ; ou quand Les Soprano rencontre les caméras de Paul Greengrass et Nicolas Winding Refn sous cocaïne.

Synopsis : Toni prépare en cachette sa réorientation professionnelle pour sortir du trafic de drogues, de la prostitution et du blanchiment d’argent. Mais quand son beau-frère est arrêté lors d’un raid, impossible de quitter la tête du clan de Berlin-Neukölin.

À l’École de la Cité de Luc Besson, les élèves travaillent leur capacité d’analyse d’un film avec certains exercices, dont un, simple et efficace : le High Concept. Un exemple : Ghost in the Shell, c’est RoboCop meets Blade Runner. Pour le cas de la série découverte ce dimanche 16 avril, cela donne ceci : 4 Blocks = The Soprano meets Paul Greengrass & Pusher.

Justement, si le créateur Marvin Kren a déclaré avoir été de loin inspiré par la série de David Chase (et d’autres telles que The Wire) ou encore les nombreux films de gangsters, il a affirmé avoir voulu se fermer face à ses inspirations lors de la création. Et pourtant, 4 Blocks est un Soprano retravaillé dans le contexte de Berlin-Est. Ainsi, les Italo-Américains deviennent Arabo-Allemands ; Tony Soprano devient Toni, un parrain qui veut en finir avec le milieu du crime organisé, et qui peut avoir tendance à se fâcher même s’il reste bien plus droit que le héros de Chase ; le cousin Christopher Moltisanti, drogué et jeune ayant tendance à s’énerver facilement, avec une fiancée un peu superficielle et plutôt sexy, devient le frère de Toni ; du Bada Bing coloré de Tony Soprano à la boite de strip-tease et gogo-danseuses de Toni elle aussi plongée dans une lumière colorée, il n’y a qu’un pas ; et ainsi de suite… Les similitudes sont tellement énormes que « l’inspiration lointaine » n’est pas crédible. De l’enjeu de la taupe – ici un flic infiltré – à celle des rivalités familiales en passant par les problèmes de racisme que supportent les gangsters arabes – de la part de la police et d’autres – et qu’ils cultivent aussi – face au clan turc par exemple –, tout a déjà hélas été raconté ailleurs par Chase ou Simon. Nuançons maintenant en notant l’intérêt de la quête d’une vie tranquille de businessman de la part de Toni, qui, avec sa femme, veut obtenir des passeports allemands. Ou encore l’amour fou de Toni – digne de Montana ici – pour sa fille, qu’il est prêt à protéger jusqu’au bout, au point de menacer son frère. Si on note ainsi quelques nouveautés, « originalités » dira-t-on vite, le show reste hélas avare en nouveautés, que ce soit scénaristiquement ou formellement.

« Tout va très vite à la télévision. »

– Jennifer Getzinger, à propos de la tendance du rythme télévisuel

dans la série documentaire The Art of Television –

Visuellement, le show tendrait à se rapprocher du pluri-style naturaliste-existentiel de la trilogie Pusher de Nicolas Winding Refn, et du visuel documentaire de Paul Greengrass (Bloody Sunday, Jason Bourne). Nous avons ainsi affaire à différentes formes visuelles plus ou moins maîtrisées, et surtout collées les unes aux autres sans véritable cohérence ou recherche de glissement. La construction spatiale de l’action – du mouvement dans l’espace – est en berne. Pour la partie « mystique », très faible, Kren a bien travaillé. Concernant la partie plus documentaire, il est utile et drôle de vous dire que le rédacteur de cet article a eu pour la première fois la nausée face la construction épileptique et non cohérente des scènes d’action et même beaucoup du quotidien. L’évanouissement a été évité de peu. Mais le mal de crâne a su tout de même s’installer.

Le travail sonore s’en est chargé. Tout le show est habité par de la musique. Aucun moment de silence, ou de moment où l’on aurait juste le son diégétique d’une scène calme ou même de rue. 4 Blocks va vous faire écouter du rap, de la musique typiquement orientale – on le suppose –, techno, bande-son d’action stéréotypée, et composition évoquant la noirceur existentielle de ce microcosmos  inspirée – un peu, beaucoup, à la folie – par la musique du film Sicario composée par Johann Johannsson. Il ne s’agit pas ici de faire un reproche à la présence de tel ou tel son, mais de constater une surprésence musicale, ainsi qu’un mixage qui manque – à l’image des différents styles visuels – de glissements.

« Il était important que la série ait un accent authentique. »

– Marvin Kren, lors de la rencontre post-projection –

Malgré tout, 4 Blocks possède un bel atout : son casting. De l’interprète de Toni, formidable de justesse à Frederick Lau (révélation de Victoria – ci à droite), génial de charisme dans le rôle de l’infiltré, les acteurs assurent le travail. Des acteurs qui ne sont apparemment pas tous professionnels, comme l’a expliqué Marvin Kren lors de la rencontre post-projection. Leur participation, comme l’a affirmé le réalisateur, participe au réalisme de la série. Cependant, s’ils sont bons et mêmes très bons au point qu’on ne perçoive pas le fait qu’ils soient des amateurs, ces derniers participent davantage à la mise en place du genre gangsters de la série qu’au réalisme.

Enfin, on notera que l’épisode 2 avait un montage plus abouti que le premier, une réalisation mieux maîtrisée, même si le show garde un rythme rapide dans son récit – qui prend quelques petites tournures intéressantes –, et reste sur-habité par la musique.

 4 Blocks : Fiche Technique

Réalisateur & auteur : Marvin Kren
Scénaristes : Marvin Kren, Hanno Hackfort, Bob Konrad, Richard Kroph
Interprétation : Kida Kodhr Ramadan, Veysel Gelin, Frederick Lau, Almila Bagriacik, Karolina Lodyga, Maryam Zaree
Compositeurs : Stefan Will, Marco Dreckkötter
Producteurs exécutifs : Anke Greifeneder, Quirin Berg
Production : Wiedemann & Berg Television
Distributeur : Turner
Diffuseur : TNT Serie (Allemagne)

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Ce dimanche 16 avril au festival Séries Mania 2017 a été dévoilé en avant-première mondiale le premier épisode d’I’m dying up here, qui suit un groupe d’aventuriers de l’humour en quête de rires, de reconnaissance et de gloire sur la scène du stand-up des années 70.

Avant de commencer à parler sur la série, il faut d’abord avertir que le festival Séries Mania a explicitement demandé à tous les spectateurs de ne rien dévoiler du show (programmé chez Showtime / CBS) qui ne sera diffusé aux États-Unis qu’en Juin. Afin de respecter cette volonté, l’intrigue de l’épisode ne sera pas révélée. Toutefois des éléments seront présentés, sans pour autant gâcher la découverte du show à quiconque lira cet article.

Look vintage et ambiance rock

I’m dying up here prend place dans les années 70s alors que la guerre du Vietnam prend fin. Ainsi le spectateur va se retrouver dans les Los Angeles des seventies, ou presque. Tout est mis en place ici pour nous présenter cette décennie, au point que la reconstitution est exagérée : affiches de Bruce Springsteen, David Bowie ; marques de bière citées, véhicules filmés en marche ; extérieurs avec la fameuse colline « Hollywood » exposée en arrière plan mais presque pointée du doigt… Les vêtements sentent le vécu mais pas les visages souvent artificialisés par un maquillage plus ou moins subtils. Les seventies n’auront jamais été aussi seventies… Regardez les sept premières saisons de Columbo, ou lancez-vous dans Kojak (qui a lieu à New-York) – ces séries ont été filmées pendant cette décennie –, maintenant regardez I’m dying up here. La série est davantage un musée vintage, pop’ et vivant qu’une reconstitution fine et soignée telle qu’on en trouve dans Mad Men.

La réalisation participe à cette proposition « vintage ». En effet, le visuel appelle à se remémorer les photographies en argentique couleur ainsi que le film super 8 : jeu sur la surexposition avec le rendu baveux de la lumière ; couleur générale virant au marron/bois… La série possède ainsi un véritable cachet vintage. Certains apprécieront, d’autres non. Le problème réside dans l’exagération qui y résonne, car celle-ci se retrouve chez d’autres éléments.

En faire trop

En faire trop, voilà ce qui peut justement expliquer cet épisode. Des musiques d’époque à la composition originale, la bande-son est sur-évocatrice. D’un côté il faut évoquer les seventies, de l’autre, évoquer l’étrange, et le drame. Mais y aurait-il un manque de confiance en la capacité d’intérêt du spectateur pour la série ? Pourquoi surdramatiser ? Pourquoi surjouer la carte du rétro/vintage aujourd’hui à son apogée (de la bande-son des Gardiens de la Galaxie à The Nice Guys) ?

Et une autre question qui restera probablement sans réponse : pourquoi Mélissa Léo – interprète de Goldie – en fait toujours trop à un moment alors qu’elle réussit à être juste la plupart du temps ? Que ce soit ici ou au cinéma dans La Chute de la Maison Blanche, ou même Frozen River ?

Man of the Moon en série

On notera que la série est produite par Jim Carrey, qui a véritablement incarné Andy Kaufman, génie comique retranscrit à merveille par Milos Forman dans Man of the Moon (1999). Une impression se fera ressentir lors de la vision du premier épisode d’I’m dying up here, celle d’assister à la théorisation du génie humoristique, à la réflexion de ce travail, et alors à sa construction. La série suit plusieurs comédiens même trop, pourrait-on penser parfois, car l’on aimerait se concentrer véritablement sur le travail de l’un ou l’une d’entre eux. Et pourtant, le fait d’avoir affaire à un ensemble d’individus, s’il a tendance à disperser le récit – à noter qu’un certain flashback et retour au présent peu clair n’aide pas –, permet d’abord de capter tous les acteurs et enjeu de ce cosmos : de Goldie, véritable entité omnipotente quant à l’avenir de ces humoristes –, à l’agent interprété par Alfred Molina décidemment toujours impeccable. Mieux que ça, le dispositif permet d’exposer à quel point la comédie/le rire, soit la cause et l’effet, sont de véritables expériences humaines autant pour le comédien que pour le spectateur, ainsi qu’un labeur de tous instants avec son lot formidable de difficultés et nuances – selon le comédien / la comédienne. Pire que ça, devenir un humoriste fédérateur est une lutte de pouvoirs, un championnat du rire avec ses propres règles, sa propre hiérarchie et ses arbitres – tels que Goldie.

Si un seul épisode a déjà pu accomplir ce formidable travail, on peut espérer que la suite du programme comblera l’aspect dispersé du récit. Quand au cachet vintage, il s’efface lors des scènes d’intérieur sur les scènes de stand-up chez Goldie, où le contexte s’efface pour laisser place aux personnages et à leurs quêtes de rires à gogo, ou du rire ultime. Aussi peut-on espérer que ce cachet sera moins important dans les prochains épisodes, le contexte étant clairement posé dans ce pilote.

Ainsi la série créée par David Flebotte se révèle être une belle surprise, et une nouvelle « affaire à suivre ».

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Bande-annonce : I’m dying up here

https://www.youtube.com/watch?v=pR0PUkGbuto

Fiche Technique : I’m dying up here – pilote

Créateur et scénariste : David Flebotte
Réalisateur : Jonathan Levin
Interprétation : Melissa Leo, Ari Graynor, Michael Angarano, Clark Duke, Andrew Santino, Erik Griffin, RJ Cyler, Al Madrigal, Jake Lacy
Compositeur : Alex Ebert
Production : Showtime
Producteurs exécutifs : Dave Flebotte, Jim Carrey, Michael Aguilar, Christina Wayne
Distributeur : CBS Studios International
Diffuseurs : Showtime (Etats-Unis) / Canal + (France)

États-Unis – 2017

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A l’occasion de la sortie en salle des deux premiers épisodes de Big Little Lies pour le festival Séries Mania, revenons sur cette panoplie de personnages féminins torturés et complexes. Attention spoilers.

Des femmes qui jugent d’autres femmes.

Dans un milieu, celui des nouveaux riches, où les apparences sont primordiales, les femmes de Monterey abordent toutes de grands sourires (figés) en société, communiquant entre elles avec une politesse et un enthousiasme tellement exagérés qu’ils en deviennent comiques. Lors des interviews avec les inspecteurs de police cependant, elles montrent un autre visage, bien moins sympathique et bienveillant. Se critiquant sauvagement, jugeant unetelle sur sa vie sexuelle, ou une autre pour son milieu social, les femmes de la série sont intransigeantes.

Si les hommes ont aussi une place importante, ce sont les femmes qui sont au premier plan dans Big Little Lies. La série s’intéresse particulièrement au regard que portent les femmes sur les autres femmes. La société leur impose de se détester, de se jalouser dès le plus jeune âge et cela se remarque notamment dans la relation avec Abigail et sa mère. L’adolescente s’éloigne de sa mère, qu’elle pense parfaite et qui lui fait alors se sentir mal dans sa peau, elle ne pense pas être à la hauteur à côté d’un tel modèle de perfection. Les femmes de Monterey essaient si désespérément d’avoir l’air parfaites, qu’elles n’osent se confier à leur famille ou à leurs amies proches en toute confiance. Ce n’est que plus tard, dans les derniers épisodes, que Madeline décidera d’être honnête avec sa fille, lui prouvant qu’elle est très loin de la perfection ou que Celeste se confiera à sa meilleure amie, Madeline. Lui avouant adorer travailler, et se sentir coupable de vouloir plus dans sa vie que son rôle de mère. “I’m evil” dit-elle, honteuse.

Les “career moms” et “stay at home moms” se font la guerre dans la série. Dominant Monterey dans son immense villa surplombant la ville, Renata est l’exemple caricatural (du moins au départ) de la “career mom”. Totalement hystérique et tyrannique, elle part en croisade contre Jane et son petit garçon Ziggy qui aurait vraisemblablement étranglé sa fille, Amabella. On s’étonne par la suite, lorsque Jane s’excuse et tente d’instaurer une entente, de la voir si vulnérable et honnête. Car si Renata est protectrice à l’excès avec sa jeune fille, quitte à empirer la situation, c’est par culpabilité. Si elle ne cesse de se vanter auprès de ses “amies” de sa réussite professionnelle, elle est en fait rongée par la culpabilité d’être une “business woman”, d’avoir un métier qui lui prend la plus grosse partie de sa vie, au contraire de ces mères de famille qui se dévouent corps et âme pour leurs enfants bien aimés.

En plus de devoir jongler parfaitement entre vie professionnelle et vie de famille, les femmes de Monterey doivent aussi donner l’impression d’un mariage parfait. Et celles qui attirent les regards grâce à leur sensualité ou celles dont le couple semble être passionné comme au premier jour se font critiquer. Toutes les femmes jalousent le mariage de Perry et Celeste qui semble si parfait et Ed et Madeline remettent leur vie sexuelle en question, s’inquiétant de ne pas faire l’amour aussi souvent et avec autant de fougue que leur couple d’amis.

Une série sensorielle qui appelle à la bienveillance

Si chaque femme se jugent les unes les autres, la série elle, aborde les choses avec beaucoup de bienveillance. Parlant de violence conjugale (qui n’est pas le sujet le plus facile à traiter), de manière très juste, décrivant toute la complexité d’une telle relation. Nous donnant à voir une femme, Celeste, totalement lucide quant à sa situation, mais en conflit avec ses désirs et ses pulsions destructrices. La série nous donne même des clés de compréhension quant au comportement de Perry, sans pour autant justifier ses actes moralement. Big Little Lies dépeint tous les points de vue et les imperfections et failles de chaque personnage.

Le show donne une voix à tous, que ce soit les enfants (ce qui est rare) ou les femmes, leur donnant une seconde chance, nous incitant à porter sur eux un regard indulgent. Cette bienveillance passe par l’audacieuse réalisation de Jean-Marc Vallée et à l’attention portée aux détails. Faisant sans cesse le parallèle entre les personnages et l’océan, Big Little Lies retranscrit la relation dévastatrice de Celeste et Perry notamment grâce à leur maison et à sa décoration froide et ses immenses baies vitrées par lesquelles on peut apercevoir la mer déchaînée s’abattre sur les rochers à la manière des moments de passion (trop) intenses du couple qui finissent inéluctablement dans la violence.

Au contraire de la maison de Madeline, plus cosy et chaleureuse, confortable, à l’instar de son mariage. Pour elle, cet océan, comme elle le dit à sa fille Chloe, représente un monde caché. L’océan de ce côté de la côte est lisse et en dessous de cette vaste surface bleue se trouve un monde au-delà des apparences, au-delà de cette face lisse qu’elle essaie tant bien que mal de garder à longueur de journée.

Quant à Jane, l’océan, d’apparence calme, enfouit un souvenir douloureux qui tente de refaire surface et qui, persistant, lui revient sans cesse à l’esprit à la manière de ses légères vagues qui vont et viennent inlassablement.

Que ce soit les vices destructeurs de Celeste, le perfectionnisme de Madeline ou le traumatisme de Jane, l’océan représente les émotions de ses femmes qui n’ont une vie lisse qu’en apparence mais qui sont en réalité sur le point d’imploser à tout instant sous le poids de leur vie et de la pression sociale. Une pression qui est palpable grâce à la réalisation qui alterne des moments calmes, parfois étouffants, et des moments d’exultation pure. C’est cette scène où Jane, après son footing, s’égosille sur « Dance this mess around » de The B-52’s en dansant énergiquement comme si elle tentait d’exorciser un mal-être profond; ou encore cette scène quand elle craque et se met à sangloter en écoutant « Bloody Mother Fucking Asshole » de Martha Wainwright. Jouant avec la bande-son, Big Little Lies continue de rendre l’instabilité émotionnelle de ces femmes palpable, sensorielle. Accompagnant leurs hauts comme leurs bas, passant d’une soul paisible à des morceaux jouissifs aux notes électro, ou encore un air de piano suintant la mélancolie. Cette atmosphère, ce portrait sensoriel de femmes est magnifiquement résumé dans le générique.

Ces femmes dont on impose une image, celle de la femme parfaite qui sait jongler entre carrière et enfants avec brio, qui restent belles et désirables tout au long de sa vie et qui s’adonne à des parties de jambes en l’air endiablées et régulières avec un mari viril; finissent par jeter ces injonctions dans les escaliers. Dans une dernière scène libératrice, les façades qui commençaient déjà à se fissurer finissent par tomber pour de bon, et on retrouve Madeline, Celeste, Jane, Bonnie et Renata sur la plage en compagnie de leurs jeunes enfants. Ce jour-là, la mer n’est ni déchaînée, ni lisse, elle est mouvante, prête à changer au gré des émotions de ses femmes désormais soudées et solidaires qui acceptent (ou du moins essaient) dorénavant l’imperfection.

Big Little Lies : Fiche Technique

Créateur : David E. Kelley ( basé sur le roman Big Little Lies de Liane Moriarty)
Réalisation : Jean-Marc Vallée
Scénario : David E. Kelley
Interprétation : Reese Witherspoon (Madeleine Mackenzie), Nicole Kidman ( Celeste Wright), Shailene Woodley ( Jane Chapman), Laura Dern ( Renata Klein), Alexander Skarsgard ( Perry Wright), Adam Scott (Ed Mackenzie), Zoe Kravitz ( Bonnie Carlson)
Directeur de la photographie : Yves Bélanger
Musique : Susan Jacobs
Production : David E.Kelley, Liane Moriarty, Barbara A. Hall, Jean-Marc Vallée, Reese Witherspoon, Nicole Kidman
Sociétés de production : Pacific Standard, Blossom Films
Genre : Soap, drame, policier
Format : 7 x 50 minutes
Chaîne d’origine : HBO
Diffusion aux USA : 19 février 2017

Etats-Unis – 2017

Rencontre au sommet ce samedi 15 avril au festival Series Mania 2017 avec la masterclass de Damon Lindelof, scénariste-showrunner-auteur (re)connu pour Lost et The Leftovers.

Ce samedi 15 avril, le président du jury de la 8^ème édition du festival Séries Mania est venu répondre aux questions d’Olivier Joyard (Les Inrocks) et du public. Une masterclass qui est revenue sur l’enfance du créatif, ses débuts professionnels, Lost et The Leftovers.

Premiers émois avec le petit écran :

« J’étais sévèrement négligé, répond Damon Lindelof blagueur, du coup la télévision était mon baby-sitter. »

Scénariste, un rêve d’enfant :

« J’ai toujours aimé raconter des histoires. J’étais un menteur pathologique (…) La vie n’était pas très belle, du coup, je l’ai embellie. »

Les premiers shows télévisuels qui l’ont marqué :

MASH, L’Incroyable Hulk, Shérif, fais-moi peur !, Twin Peaks… « Je pouvais voir à travers une fenêtre qui donnait sur le monde adulte. C’était un peu effrayant, inapproprié. (…) Plusieurs shows m’ont fait dire : je veux faire ça (ou) pourquoi ça n’arrive pas dans la réalité ? »

Lindelof, étudiant-scénariste :

« Je suis allé à l’école du film à New-York où il y avait un programme d’écriture pour la télévision. (…) La télévision n’était pas encore considérée comme un art (…) puis je suis allé à Los Angeles où la vraie renaissance m’attendait. (…) J’ai dû comprendre l’industrie en elle-même. (…) J’ai vu Les Soprano, c’était le début de quelque chose de gros. »

Wasteland (1999), sa première expérience en tant que scénariste :

« Ça a été ma première expérience dans la salle des scénaristes. (…) J’étais juste : ‘’je veux faire ça le reste de ma vie’’ (…) mais ça a été annulé après deux épisodes (après son arrivée). J’ai été promu et viré dans un lapse de temps de six semaines. »

« La 1^ère année est la plus difficile car on apprend au show comment marcher, comment fonctionner. »

– Damon Lindelof –

Débarquement sur Lost, prémices et pilote :

Damon Lindelof travaillait sur Crossing Jordan lorsqu’il lui a été proposé de rencontrer J.J. Abrams. Grand fan d’Alias, il espérait travailler sur cette série mais : « bonne nouvelle, je rencontre J.J. ; mauvaise nouvelle, ce n’est pas pour Alias ».

En effet, Abrams lui propose de retravailler le pilote d’un « stupide show de crash d’avion », commandé par le président  d’ABC. « À la base, l’avion se crashait et on se retrouvait six mois plus tard, avec six personnages (…) comment rendre ça dramatique ? », dit-il.

Lost, explique-t-il, c’est « 65 pour 100 sur l’île, 35 sur les personnages et leur vie avant le crash ». Justement, J.J. Abrams demande : « Et quoi à propos de l’île ? Elle doit être vraiment bizarre ». Aussi le jeune prodige J.J. voulait un crash spectaculaire, mais Lindelof ne pensait pas qu’ils allaient pouvoir le faire. C’était sans compter sur la détermination d’Abrams : « Ils veulent faire le show, pas nous, alors ils paieront ».

« Les personnages doivent conduire l’histoire, pas l’inverse. »

– Damon Lindelof –

Dans la version d’avant-tournage, le héros Jack mourrait à la fin du pilote. Lindelof se remémore à nouveau des propos de J.J. Abrams : « Il meurt et tout le monde est baisé ». La production leur a donné un autre conseil : « Si vous faites cela, les spectateurs n’auront plus confiance ».

« Le processus de casting a participé au processus d’écriture », explique Lindelof. Il a fallu « 31 semaines pour tout terminer (…) c’était essentiellement un gros film ». Entre temps, le responsable de ABC est remplacé, et si le pilote ne reçoit que des avis positifs de la part des grands pontes, le responsable déclare à l’équipe : « C’est super mais nous n’allons pas le sortir ». J.J. Abrams aurait alors dit : « Oh cool on a fait le pilote le plus cher de la télévision ».

Finalement, le même responsable leur déclare peu après : « Vous entrez en production dans six semaines ». Pendant la production, J.J. doit quitter le projet pour coécrire et réaliser de Mission : Impossible III. Lindelof devient alors responsable du show, qu’il essaye de quitter après 6 épisodes. Il recevra de l’aide et reste alors à son poste.

« Je pense que la peur est une émotion incroyablement forte. Ce n’est pas l’expérience la plus plaisante mais c’est nécessaire. On doit aller à travers ses vagues. (..) La peur a commencé à grandir quand c’est devenu un succès. »

– Damon Lindelof –

Lost, la série phénomène :

« (J.J.) voulait que le show soit ressenti comme un film tout en sachant que c’était pour la télévision ».

« Qu’importe ce que les gens pensent de la série dans son ensemble ou de sa fin, je pense que c’est un miracle d’avoir été capable de durer autant », déclare Lindelof. « Je pense que le regret n’est pas quelque chose sur lequel il faut se concentrer. Il faut se pardonner. Avec la vitesse de production de Lost, des erreurs ont été commises oui. »

Damon Lindelof recevra hélas beaucoup de retours violents de la part de fans sur la fin de Lost, malgré le fait qu’elle ait été saluée et récompensée : « ça m’a dévasté (…) je les avais trahis (alors que) je ne les connaissais pas (…) ça a été une année difficile ». Il a alors « décidé de devenir arrogant (…) de ne pas être désolé pour ce qu’on a fait. »

Le mystère et les femmes enfantant seules :

« Un show mystérieux doit avoir une résolution (cependant) un mystère de plus en plus fort est plus intéressant que la découverte. » Sur Lost, « on nous a dit (concernant la fin) : ne faites pas un Twin Peaks ». J.J. a dit : « Je serait content si on faisait un Twin Peaks », la série ayant bouleversé le monde télévisuel, pourquoi ne pourraient-ils pas s’en inspirer ?

À propos des femmes portant la vie : « c’est très Alien pour un homme. Notre physiologie est très différente (…) il y a quelque chose de choquant, par des moyens extraordinaires ». L’idée que Shaw dans Prometheus (2012, Ridley Scott) – dont il a été le scénariste, d’après un premier script de Jon Spaihts – soit enfanté d’un alien par son compagnon plutôt que par un élément extra-terrestre, vient de lui. Il trouvait cela plus intéressant.

« L’idée de séparer le show de ce qu’on veut qu’il soit, de laisser le show être ce qu’il est, est difficile »

– Damon Lindelof, à propos des spectateurs de série

Sur The Leftovers

« Lost était mené par le narratif. The Leftovers est plus de l’ordre du ressentir. » Il revient sur son rapport à la mort : « Je ne suis pas sûr de ce en quoi je crois (…) de ce qui arrive quand on meurt (…) mais ça m’a toujours intéressé. J’aurais aimé être religieux. »

Lindelof explique aussi aimer ce qui n’est pas linéaire. Le découverte de Pulp Fiction l’a touché en cela. Il pense que notre esprit est devenu assez sophistiqué pour pouvoir expérimenter de telles constructions narratives.

Avec The Leftovers, « je continue d’expérimenter. Quand je me sens en sécurité, je m’ennuie. Quand je suis en danger, je suis excité. »

À noter que Lindelof quitta le milieu du cinéma parce qu’il ne se trouvait « pas assez bon en tant que scénariste de film ». Aussi le développement des relations humaines lui semble plus propice à la télévision.

La saison 3 de The Leftovers a été dévoilée à Séries Mania. Celle-ci marquera d’ailleurs la fin de la série développée chez HBO.

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