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Avec Voyage of Time, Terrence Malick signe un documentaire poétique et provocateur sur l’origine du temps, dont les prémices avaient déjà pu être entraperçues dans The Tree of Life.

Synopsis : Hymne à la nature et à l’univers, Voyage of Time s’interroge sur le rôle de l’homme dans le futur. Après ces temps infinis, quel est le sens de notre passage sur Terre ?

De l’infiniment petit à l’infiniment grand à travers les âges. C’est ainsi que Terrence Malick nous convie à son documentaire expérimental où il peut librement s’exprimer sur l’origine de la vie et de l’univers, à travers la Terre et l’espace. Un voyage magnifique devant lequel on ne peut rester indifférent.

Mère, je vais raconter ton histoire

The Tree of Life avait déjà donné un léger aperçu de ce qu’était l’univers, de son origine à l’autorité d’un père tout-puissant sur ses fils, en passant par l’ère jurassique. A croire que Terrence Malick n’en avait pas fini avec la séquence – déjà controversée – des dinosaures et les digressions sur la métamorphose de l’univers. C’est comme s’il signait le spin-off et la version longue de cette séquence où il peut enfin laisser libre cours à son art pour nous livrer une succession de plans d’environnements plus somptueux les uns que les autres. Comme son nom l’indique, il s’agit d’un voyage dans le temps où la caméra n’est jamais figée mais effectue toujours de légers mouvements. A la fois immobile et continue, l’action suit le même rythme que le temps qui passe. Tour-à-tour, l’œil est foudroyé par une beauté indéniable et une puissance émotionnelle remarquable. Ces visions s’avèrent tellement stupéfiantes que l’on s’étonne de pouvoir filmer la nature d’aussi près et avec autant de précision. Plus encore que les prises de vues majestueuses, Terrence Malick nous emmène du plus profond de l’univers au plus près de nous, notamment lorsqu’il laisse des témoignages vidéos bruts capter la misère régnante des quartiers à Los Angeles aux abris de fortune du Tiers-Monde. De ces images découlent l’intérêt fort que Terrence Malick témoigne pour l’espèce humaine à travers l’univers. A l’instar des documentaires de Ron Fricke (Baraka, Samsara), Terrence Malick évoque ainsi les rapports entre l’homme et le temps en s’émancipant des contraintes de la fiction pour écrire à sa manière un poème visuel inédit, grandiose quoiqu’un peu pompeux.

Car dans toute cette ode à la Nature, quelques points noirs récurrents de sa filmographie persistent. Si les films de Ron Fricke se démarquent par leur assumé silence, Terrence Malick laisse toujours une voix-off guider le spectateur dans cet océan de mysticisme. Ici, la narration est commentée par la voix angélique de Cate Blanchett, qui s’adresse vraisemblablement au divin, l’interrogeant sur la matière même de ce qui nous entoure. C’est d’ailleurs ce qui alourdit le plus cette succession d’images épiques où le texte lyrique se trouve à la frontière entre la poésie méditative et la lourdeur d’un discours pompeux pro-catholique. On restera également perplexe devant l’arrivée des humains dont l’aspect fiction (et kitsch) se fait malheureusement bien trop ressentir face à la subtilité réaliste de ce qui avait été capté jusque-là. Et si la séquence des dinosaures de The Tree of Life vous avait déconcertée, celles de Voyage of Time vous feront le même effet tant les reconstitutions en CGI donnent le sentiment d’un passage obligé mais mal abordé. Au fond, c’est aussi ça Terrence Malick, un jongleur entre l’inouï et l’ennui.

Que l’on aime ou pas Voyage of Time, Terrence Malick est de ces cinéastes qui ne laissent jamais insensibles.

Terrence Malick est l’un des rares à nous laisser autant perplexe. Soit on se retrouve devant l’un des plus beaux et plus existentiels films de l’histoire du documentaire, soit devant l’un des nanars New Age les plus coûteux qui ait jamais existé. La stratégie de distribution du film proposée par Mars Films montre bien que Terrence Malick reste l’un des gourous du cercle cinéphile hexagonal. Avec ce dispositif d’une séance unique, les salles de Voyage of Time ont crée l’événement et attirer les foules (20462 spectateurs sur 235 copies pour la seule séance du soir). Preuve s’il en fallait que le cinéaste continue d’intriguer des cinéphiles de niche, qu’ils soient ses adorateurs ou ses détracteurs. Ce qu’il faut retenir au final de Voyage of Time, c’est que Terrence Malick est et reste néanmoins l’un des artistes les plus singuliers du XXème et du XXIème siècle. Voyage of Time est une œuvre incomparable et un incontournable dans la filmographie du réalisateur texan. Pour ceux qui ont loupé cette unique séance, une version Imax de 40 minutes supplémentaires, et commentée par Brad Pitt, sera distribuée plus tard dans l’année. Et comme le réalisateur n’a jamais été aussi productif que ces six dernières années, son prochain film Song to Song est prévu en salles le 12 juillet 2017.

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Voyage of Time : Au fil de la vie : Bande annonce VOST

Voyage of Time : Au fil de la vie : Fiche Technique

Réalisation : Terrence Malick
Scénario : Terrence Malick
Interprétation : Cate Blanchett (narration)
Photographie : Paul Atkins
Montage : Keith Fraase
Musique : Ennio Morricone
Producteurs : Brad Pitt, Dede Gardner, Nicolas Gonda, Sarah Green, Donald Rosenfeld, Andreas Roald, Sophokles Tasioulis, Bill Pohlad, Grant Hill, Tanner Beard, Mary Bing, Yves Chevalier, Donald Rosenfeld, Ryan Rettig
Sociétés de Production : Wild Bunch, Plan B Entertainment, IMAX Corporation, Sycamore Pictures, River Road Entertainment
Distributeur : Mars Films
Festival et Récompenses : Compétition Internationale Mostra de Venise 2016
Genre : Documentaire
Durée : 90 minutes
Date de sortie : 04 mai 2017 (séance unique en salles)

États-Unis, France, Allemagne – 2016

Après avoir réalisé le culte Garden State il y a maintenant plus d’une décennie, Zach Braff signe avec Braquage à l’ancienne un film de commande sans la moindre prétention. Une comédie pépère sympathique et attachante dans l’instant, qu’on oublie aussitôt les lumières rallumées.

Synopsis : Trois retraités octogénaires fauchés décident de braquer la banque qu’ils jugent responsable de leurs problèmes économiques.

Une formule bonne pour la retraite

Zach Braff est une figure marquante de la pop culture pour une bonne partie de sériephiles qui ont pu le découvrir dans l’incontournable sitcom Scrubs. Avec son faciès atypique et sa bonhomie communicative, il est devenu un visage attachant du petit écran, qui lui avait permis d’exploser en 2004 lorsqu’il avait réalisé son premier film, Garden State. Avec cette oeuvre générationnelle saisissante et d’une sincérité débordante, il a très vite acquis un statut culte et a été chéri par un grand nombre de cinéphiles. A tel point que l’attente de 10 ans entre ce premier long métrage et son second fut relativement longue. Wish I Was Here s’imposa comme une suite spirituelle à Garden State, mais le cinéma a évolué plus vite que Zach Braff et beaucoup n’y ont pas retrouvé la même pertinence. Non seulement le projet eu du mal à se monter, mais il n’a pas reçu le succès escompté malgré d’excellentes choses comme sa réflexion sur le temps, l’ambition et la famille. Pourtant, ce semi-échec n’a pas mis Braff dans une impasse qui verrait son ascension au cinéma compromise. Au contraire, moins de 3 ans après son précédent film, il se retrouve à la direction du remake de Going in Style, comédie des années 70 de Martin Brest, qui possède le même titre dans sa version originale mais re-titré en France par Braquage à l’ancienne.

Sur le papier, le projet n’a rien de vraiment excitant hormis son casting 5 étoiles et la présence de Braff derrière la caméra. On éprouve une certaine curiosité à savoir comment il s’en sortirait avec un film de pure commande et en découle donc une petite déception de voir qu’il ne transcende jamais ce qu’il a entre les mains. On retrouve cette direction d’acteurs purement braffienne, saupoudrée d’une touche de loufoque et une science respectueuse de la performance d’acteur qui traduit un vrai amour pour son casting. Ici, les performances ne sont clairement pas transcendantes mais on n’avait pas vu Michael Caine, Morgan Freeman et Alan Arkin aussi inspirés depuis un certain temps. Non seulement ce sont des rôles qui leur permettent de sortir de leurs récentes habitudes mais en plus ils semblent vraiment s’amuser et alimentent avec eux l’enthousiasme du spectateur. On retrouve aussi un Matt Dillon un peu trop caricatural et un Christopher Lloyd dans un rôle surprenant mais surtout Joey King, qui après être devenue une habituée du cinéma de Emmerich, semble trouver en Braff son deuxième réalisateur fétiche. Elle est ici légèrement en retrait mais apporte toujours son énergie communicative à ses scènes. Les acteurs donnent un peu de saveur à un récit en pilotage automatique, exploitant sans les réinventer les mécaniques du film de casse et apportant au tout des blagues plus ou moins inventives autour de la vieillesse. A ce niveau, il n’y a vraiment rien de nouveau sous le soleil et, hormis une scène de vol à l’étalage vraiment hilarante, le film ne surprendra jamais et, au mieux, nous fera sourire.

Pour la réalisation, Zach Braff n’est clairement pas des plus inspirés. L’ensemble est très bien tenu même si la photographie est un peu quelconque et que les musiques déçoivent – surtout quand on connait l’amour de Braff pour celles-ci. Ici, les compositions tombent souvent dans un pathos typique de ce genre de comédie US emplie de bons sentiments. Mais le montage se montre habile, Braff instaure un rythme plaisant et signe un film de casse très propre dans son genre. Il utilise les codes avec habilité et, à quelques rares instants, on retrouve son style pour l’humour visuel. Une rupture de ton cocasse entre deux plans, une transition inspirée dans l’enchaînement d’une scène, etc. On perçoit ici et là quelques petites fulgurances avec, par moments, une utilisation plutôt ludique du split screen. Ainsi, sans forcément s’imposer comme un grand avec une mise en scène somme toute convenue, le cinéaste prouve quand même avoir une certaine maîtrise de son art. Son talent créatif est peut-être ici sur off, mais il reste un réalisateur tout à fait solide.

À l’heure où il arrive en France, Braquage à l’ancienne est déjà couronné de succès. Même si c’est loin d’être un grand film, il s’impose comme une comédie plaisante avec laquelle occuper son dimanche soir. Aussi anecdotique puisse-t-il être, il demeure efficace et semble trouver son public. Braquage à l’ancienne s’est déjà remboursé et engendre pas mal de bénéfices au box office et devrait donc assurer à Zach Braff la possibilité de refaire, sans trop de contraintes, des films plus personnels. C’est au final la fonction première de cette oeuvre qui sonnait comme un passage obligé pour le cinéaste après la déception commerciale que fut Wish I Was Here. L’objectif est en partie rempli : faire passer un moment agréable avec un casting attachant à toute la famille. Ça fonctionne et tant pis si cela manque cruellement de génie et de personnalité.

Braquage à l’ancienne : Bande annonce

Braquage à l’ancienne : Fiche technique

Titre original : Going in Style
Réalisation : Zach Braff
Scénario : Theodore Melfi, d’après le film Going in Style écrit et réalisé par Martin Brest
Interprétation : Michael Caine (Joe Harding), Morgan Freeman (Willie), Alan Arkin (Albert), Joey King (Brooklyn, la petite-fille de Joe), Matt Dillon ( l’agent du FBI Hamer), Christopher Lloyd (Milton),…
Image : Rodney Charters
Montage : Myron I. Kerstein
Musique : Rob Simonsen
Décors : Sara Parks
Costume : Gary Jones
Producteur : Donald De Line
Société de production : New Line Cinema, Village Roadshow Pictures, De Line Pictures et RatPac-Dune Entertainment
Distributeur : Warner Bros.
Durée : 96 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 3 mai 2017

Etats-Unis – 2017

Colossal, le nouveau film de Nacho Vigalondo (avec Anne Hathaway), est sorti le 7 avril dernier aux États-Unis,  et sortira ce 27 juilet en France directement en e-cinema. Nouveau bon film à ne pas avoir les honneurs d’une sortie salle, ou fiasco évité de justesse : la réponse en avant première.

Synopsis : Une femme ordinaire découvre qu’elle est mentalement liée à un lézard géant qui menace de détruire Tokyo.

Après un premier long prometteur entre thriller et comédie noire sur fond de paradoxe temporel (Time Crimes), une rom-com extraterrestre déjantée et le thriller expérimental un peu fouilli mais fréquentable Open windows avec Elijah Wood et l’ex-porn star Sasha Grey (50 nuances de Grey aurait eu bien plus de piment avec elle), Nacho Vigalondo revient avec un concept toujours aussi délirant.

Dans Colossal, le réalisateur espagnol, dont c’est le deuxième film américain, dirige un casting trois étoiles. Face à Anne Hathaway, dans le rôle d’une alcoolique paumée, s’affrontent Jason Sudeikis (Comment tuer son boss ?, Les Miller) et le très fringant Dan Stevens (Downton Abbey, The guest) . Si les acteurs et la mise en scène sont au poil, malheureusement, le mélange de comédie romantique, drame et fantastique ne fonctionne à aucun moment. La caractérisation s’étale pendant plus d’une demi-heure sans rendre attachant aucun des personnages qui gesticulent et blablatent dans le vide. Le personnage de Dan Stevens est inexistant et quant aux deux autres, sensés être amis depuis le lycée, rien ne marche. L’arrivée du surnaturel, via essentiellement des images de journaux télévisées (prolongation des écrans utilisés non stop dans son précédent film (Open windows)), lorgne sur la mode des monster-flicks tels que Pacific Rim, Godzilla ou plus récemment Kong Skull Island. Sensée représenter la psyché des deux personnages principaux, la métaphore sur le monstre qui sommeille en nous n’est ni maline, ni un tant soit peu travaillée et l’humour voulu s’avère totalement plat pour ne pas dire affligeant. Dès lors, on assiste consterné à un ramassis de scènes ni drôles, ni impressionnantes, ni même touchantes qui s’étalent sur près de deux heures. Un ennui colossal pour un film à éviter n’ayant même pas l’avantage d’endormir tant la bêtise qui s’affiche énerve.

Dans la pléthore de bons films fantastiques qui finissent en direct to video chez nous (Triangle et Détour de Christopher Smith, The mist de Franck Darabont et sa sortie en salle limitée à deux/trois petits cinéma parisien), Colossal mérite pour une fois son sort ! Espérons que le prometteur Vigalondo se relèvera de cet échec (le film fait un four à l’étranger) et apprendra qu’on ne peut pas forcément obtenir un bon film en mélangeant tout et n’importe quoi, n’importe comment.

Colossal : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=x3riT3SPwtI

Colossal : Fiche Technique 

Réalisateur : Nacho Vigalondo
Scénario : Nacho Vigalondo
Interprétation : Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Austin Stowell,Tim Blake Nelson…
Montage : Ben Baudhuin, Luke Doolan
Distributeur : Neon
Sociétés de production : Voltage Pictures, Brightlight Pictures
Genre : Comédie, Science fiction, Action
Durée : 1h30
Nationalités : espagnol, canadien
Première sortie : 7 avril 2017 (États-Unis)

Quand la lumière d’une popstar se dissimule derrière l’ombre d’une caméra, voici ce que ça donne. Plus Jamais Seul, sorti ce mercredi 3 mai, est l’œuvre d’Alex Anwandter, un chanteur chilien qui a décidé de briser dans son premier long-métrage, le silence autour de l’homophobie.

Synopsis : Pablo, jeune lycée chilien, est victime d’une agression homophobe. Son père, bouleversé par cet acte discriminatoire, décide de consacrer ses jours à la défense de son fils.

Toucher du doigt l’universel

Créer une fiction à partir d’un épisode réel permettait d’ouvrir la discussion… Alex Anwandter.

En 2012, à Santiago, un jeune homme est victime d’une agression homophobe dans laquelle il perd la vie. Ce garçon, nommé Daniel Zamudio, était fan d’Alex Anwandter. Profondément bouleversé par cette discrimination sociale, l’artiste a décidé de sortir sa plume, et d’écrire son histoire. Ce drame aux allures biographique, n’en est  pourtant pas un. La première partie centrée sur la vie de ce jeune homme, explore son quotidien, traversé par la découverte de sa passion pour le cabaret, son travestissement, ses émois amoureux… jusqu’au jour où tout bascule. Insultes, humiliation et violence gratuites, ces mots sont ceux d’une agression purement discriminatoire. Plus Jamais Seul retrace le destin de Pablo, jeune lycéen, devenu la victime de son orientation sexuelle. Loin d’être un cas isolé, ce film évoque avant tout un drame universel. Il concerne des milliers de personnes chaque jour et dans le monde.

J’avais le désir d’écrire cette histoire en m’éloignant le plus possible de la réalité, je ne voulais surtout pas faire une biographie. Alex Anwandter.

Survivre à la violence, voici le message que souhaitait faire passer Alex Anwandter. Le changement de point vue qui apparaît à la seconde moitié du film, renforce cette volonté d’attirer le regard sur la reconstruction d’une vie, face à un traumatisme. Après s’être premièrement centrée sur le jeune homme, la caméra change de sujet. Nous y découvrons la quotidien d’un père, partagé entre la solitude et l’espoir.  Cette réalité pourrait être celle de n’importe quelle personne sur terre. Cette universalité, conforme à la volonté d’Alex Anwandter, permet de faciliter l’identification des spectateurs. Détourner le regard ou faire face à la violence ? C’est par le biais du choc émotionnel que le réalisateur espère rendre compte de l’immoralité de la situation, et c’est pour cette raison que la scène de l’agression a notamment été travaillée sur la durée. Nous pourrions penser que Plus Jamais Seul est un film militant, s’engageant fermement dans une lutte anti-discriminatoire. Pourtant, le réalisateur semble avoir contourné cette idée, en décidant d’apporter à son drame, un message de tolérance. 

En dehors de sa beauté morale, Plus Jamais Seul connaît des limites. Une longueur omniprésente dans le scénario plonge le spectateur dans une certaine lassitude. Cette paresse était-elle indispensable pour toucher du doigt la gravité du problème ? Même si la logique voudrait que ce drame s’inscrive dans une certaine lenteur, la redondance du schéma narratif semble quelque peu tuer l‘émotion. Et pourtant, Plus Jamais Seul reste un film fort. Ce n’est pas seulement une histoire de combat, mais c’est aussi et surtout une histoire de lien, d’homme à homme, de père en fils.

La relation père-fils renvoie à deux générations en effet mais c’est aussi une métaphore de la transmission de la masculinité : être un homme, qu’est-ce que cela implique ? Qu’est-ce qui se transmet dans une lignée d’hommes ? Alex Anwandter.

Désormais rangé dans la catégorie des artistes polyvalents, Alex Anwandter réussit à délivrer à travers Plus Jamais Seul, un message d’espoir sur lequel est inscrit un unique mot, liberté.  

Plus Jamais Seul : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=OrIGRN6CHaI

Plus Jamais Seul : Fiche Technique

Titre oginal : Nunca vas a estar solo
Réalisateur : Alex Anwandter
Scénariste : Alex Anwandter
Casting : Sergio Hernandez, Andrew Bargsted, Jaime Leva, Antonia Zegers, Benjamin Westfall, Gabriela Hernández, Edgardo Bruna, Astrid Roldan…
Compositeur : Alex Anwandter
Image : Mattias Illanes
Son : Diego Aguilar
Décors : Andrea Contreras
Costumes : Natalia Geisse
Maquillage : Michelle Cervera
Montage : Felipe Galvez, Alex Anwandter
Mixage : Roberto Espinoza
Distribution : Epicentre Films
Une production : 5AM et Araucaria Cine
Genre : Drame, Action
Durée : 1h21
Date de Sortie : 3 Mai 2017

Chili – 2016

Faire cohabiter la fiction et l’aspérité politique peut devenir un casse tête cinématographique. C’est avec son style naturaliste, proche du documentaire, que Adieu Mandalay de Midi Z pointe son regard sur le destin de deux clandestins (Lianqing et Guo) qui passent en catimini les frontières en friche de la Birmanie pour essayer de s’épanouir sur les terres de la Thaïlande.

A partir de ce duo, qui va voir naître un couple, dont les envies semblent malheureusement unilatérales et bien distinctes, Midi Z va construire sa trame et définir par ce biais le mot clandestin. Ce fil rouge va se voir conjuguer au thème principal qu’est la liberté. La démonstration que nous offre le réalisateur ne révolutionne pas la vision même de la clandestinité et le rouage de la jungle mondialisée mais dévoile les conséquences de la déshumanisation des rapports humains. Premièrement, le cinéaste nous présente le clandestin comme étant une personne tributaire de l’environnement duquel il essaye de s’extirper, où l’insécurité financière est quotidienne.

Que cela soit pour passer les frontières ou pour essayer de trouver un premier emploi sans permis de travail, Lianqing est au cœur d’un système où règne la corruption d’autorités locales vénales. Le début du film est schématique et n’est qu’une succession de situations où Lianqing doit passer d’un point A vers un point B. Adieu Mandalay est très factuel dans son processus d’écriture et ne tourne jamais autour du pot. Et c’est dans ces moments-là que l’aspect fictionnel se fait étroit.

Le cinéma de Midi Z n’est pas sans rappeler celui de Tsai Ming-Liang : un cinéma chinois austère qui joue sur la répétitivité et la puissance du temps où la minutie du travail sur le cadre amplifie la fragilité de la condition de vie de personnages en pleine quête d’identité. Fait de plans fixes qui cloisonnent son univers et la folie qui grandit en son sein, Adieu Mandalay incorpore son humanité avec parcimonie. L’émotion, qui se veut subtile et fugace, n’est à première vue, pas la caractéristique première de ce long métrage. Mais par cette froideur naturaliste, qui se propage dans la plonge d’un restaurant ou la chambre d’un hôtel de luxe qui suinte la mort, Midi Z nous immisce avec plus de force dans l’engrenage mécanique et routinier du chemin de croix de ces clandestins qui ne savent pas si le lendemain leur sourira. Ils travaillent, mangent, dorment, cherchent des papiers, payent des commissions. Puis les choses se répètent, encore et encore. Ce n’est que lors de brèves mais sublimes scènes de transport à l’arrière d’une camionnette ou d’un van que Adieu Mandalay respire, lève les yeux au ciel et permet à ses personnages de ressentir une once de liberté dans le creux de leur main.

Mais de cette répétition, l’émancipation à la fois du récit et des personnages s’accroit pour nous faire comprendre l’envie de chacun. Les objectifs de vie et la motivation ne sont pas les mêmes, surtout entre Guo et Lianqing : lui veut gagner assez d’argent pour commencer un petit commerce en Birmanie et elle, rêve d’un peu plus grand. Et cette incertitude sur un futur assez flou est la raison même de l’affaiblissement de la proximité des liens entre les personnages, qui sont pour la plupart du temps hiérarchiques ou d’ordre de créancier. C’est pourquoi le film, et Midi Z, accentuent l’enfermement spatial des personnages et leur isolement émotionnel à la fois par le cadre esthétique et le mutisme évident.

A l’image du couple que forment Lianqing et Guo qui s’avère inexistant. Lui est amoureux, elle froide comme la pierre. Il pense à eux, elle réfléchit à partir. La beauté ne coule pas de source mais elle est bien présente. Dans ce couple qui n’en est pas un, c’est la dureté et la tristesse de deux individualités qui s’opposent. Au travers de la pugnacité de Lianqing, Adieu Mandalay n’est pas simplement un film sur les clandestins, mais c’est aussi et surtout une œuvre qui observe le combat des femmes dans leur cheminement face aux obstacles qu’elles doivent endurer, notamment « l’animalité » des hommes. Adieu Mandalay est à la fois la chronique d’un système qui mène ses jeunes gens à leur perte, habituellement servant de chair à canon et le portrait extrêmement compassionnel d’une dérive humaine qui aboutira à des éclaboussures de sang inévitables.

Adieu Mandalay : Bande Annonce

Synopsis : Liangqing et Guo, deux jeunes birmans, émigrent clandestinement en Thaïlande. Tandis que Liangqing trouve un emploi de plonge dans un restaurant de Bangkok, Guo est embauché dans une usine textile. Sans papiers, leur quotidien est plus que précaire et le jeune couple ne partage pas les mêmes ambitions : si Guo veut gagner assez d’argent pour retourner en Birmanie, Liangqing est prête à tout pour obtenir un visa de travail et échapper à sa condition.

Adieu Mandalay : Fiche Technique 

Réalisation: Midi Z
Interprètes: Kai Ko, Wu Ke Xi
Photographie : Tom Fan
Musique : Giong Lim
Montage : Matthieu Laclau
Production : Patrick Mao Huang
Société de Production : Seashore Images Production
Société de Distribution: Les Acacias
Genre : Drame Social
Durée : 108 minutes

Date de sortie : 26 avril 2017