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De tout les statuts que Brian De Palma a endossés au cours de sa carrière mouvementée, celui du trublion de la A-List hollywoodienne n’est pas celui qu’il a le moins défendu. Preuve en est avec Le Bûcher des vanités qui demeure, 25 ans après sa sortie, la volée de bois vert la plus mémorable que le réalisateur ait dû affronter. Pas un mince exploit dans une carrière émaillée de cailloux disséminés dans la chaussure de l’industrie.

Outsider

Il suffit de jeter un œil à leur filmographie respective pour comprendre pourquoi De Palma n’est jamais devenu l’équivalent de Martin Scorsese dans la cosmogonie hollywoodienne. Comme lui, De Palma aurait pu devenir ce metteur en scène de prestige bien installé dans son pré-carré situé au sommet des collines de l’industrie, conscient du poids que son aura ajoute à chacun des projets auxquels il s’associe. Bref, une véritable caution institutionnelle pour les quelques productions encore lancées sur une promesse d’excellence faite au public.

Malheureusement, outre qu’il faut bien convenir que De Palma vieillit cinématographiquement beaucoup moins bien que son compère du Nouvel-Hollywood. Le réalisateur n’a vraiment jamais su trouver un compromis durable entre ses velléités et les exigences du circuit mainstream. Par exemple, De Palma aurait pu capitaliser sur le carton des  Incorruptibles, qui réconciliait public et critique autour d’une maestria redevenue fédératrice après une série de bides l’ayant placé sur une pente glissante, pour consolider sa place retrouvée dans l’industrie et entériner son aura. Au lieu de quoi il aligne coup sur coup Outrages et Le bucher des vanités,  deux brulots qui chacun à leur manière agressent la bienséance et mettent sa carrière à nouveau sur la sellette.

Dans l’œil du shitstorm

De fait, ni Outrages, ni Le Bûcher des vanités ne ménagent un quelconque espace de respiration au public, ni ne lui laissent la possibilité de se replier sur ses certitudes. A eux deux, ils cristallisent même la raison pour laquelle De Palma a toujours fait office de paria en sursis dans l’industrie : une volonté constante et renouvelée de confronter son époque à ses interdits intériorisés, dissimulés derrière l’espace de contestation soigneusement délimité et socialement admis. D’autant que conscient plus que quiconque (ou presque) du sens des images et leur capacité à stimuler les zones érogènes du refoulé dans l’inconscient collectif, il sait comment taper là où ça fait mal. Et il ne s’en prive pas. L’enjeu d’une satire sociale ne réside pas seulement dans le contenu, mais surtout dans les représentations sous lesquelles le spectateur est prêt à l’accepter, ou pas.

Or, plus encore qu’Outrages, Le Bûcher des vanités incarne ce refus de jouer dans les clous de la critique intégrée par la société spectacle, toujours prête à regarder son reflet déformé dans le miroir pour peu que le résultat préserve le statu quo. Le film s’ouvre et se conclut d’ailleurs sur une scène qui pourrait faire office de note d’intention, avec cette caste socio-médiatique applaudissant à tout rompre à la représentation de leurs propres déviances. Comme si le show se nourrissait de sa propre critique pour mieux en neutraliser le caractère subversif. Assurément, si De Palma voulait commenter le statut du livre de Tom Wolfe qu’il portait à l’écran, bestseller paradoxalement célébré par ceux-là même qui auraient dû se sentir visés, il ne s’y serait pas pris autrement.

Le torrent d’opprobres que le réalisateur essuya de la part de ceux qui auraient dû constituer la garde rapprochée du film vers sa marche attendue vers le tapis rouge des oscars ne laisse d’ailleurs que peu de place au doute. Le Bûcher des vanités est un film conçu pour épingler les convictions des catéchistes de la satire entendue. Comme à son habitude, le réalisateur ne fait pas dans la demi-mesure et tire au gros calibre sur cet écosystème corrompu et délétère où chacun se satisfait de son propre cynisme. Y compris le personnage de Bruce Willis (tout simplement céleste dans l’emploi de l’alcoolique désabusé qui brandit sa bouteille comme un bouclier entre lui et le monde extérieur), délateur de la perversité d’un système dont il a lui-même croqué la pomme.

La divine comédie

Ainsi, certaines critiques récurrentes qui ont pu être formulées à l’encontre du film -notamment des personnages qualifiés de « caricaturaux »- ne tiennent que si l’on prend en compte les parti-pris très spécifiques de la mise en scène au sang-chaud du cinéaste. Le Bûcher des vanités est conçu comme un opéra dans lequel les personnages exagèrent leur posture et déclament leurs répliques comme s’ils se tenaient sur une estrade. L’emploi régulier de courtes focales déformant les perspectives et les silhouettes des protagonistes accentue ce constat d’un découpage qui hyperbolise ses thèmes et son propos. De Palma ne joue pas la carte de la subtilité : il prend d’assaut la rétine du spectateur et exacerbe la comédie sociale en train de se jouer, offre au mondain et à l’indigné professionnel la monumentalisation de leur caricature. Le réalisateur de Body Double fait finalement ce qu’il a toujours fait, notamment dans ses films les plus controversés : revendiquer l’excès comme horizon de la licence poétique et enfermer les personnages dans une représentation symbolique dont ils sont autant dépositaires que victimes. Soit exactement le parcours d’un héros découvrant l’insignifiance du libre-arbitre au sein du marivaudage social dans lequel il patauge joyeusement, avant de se noyer dans ses remous .

Pas étonnant que son approche n’ait pas fait que des heureux, surtout quand on connait la taille des pincettes dont certains ont besoin pour parler de sujets (le racisme, la ségrégation sociale, la dictature des médias) abordés ici de façon plus que frontale et instrumentalisés par les intérêts et les bassesses de chacun…. De fait, le choix le plus notable du Bûcher des Vanités, et peut-être celui qui a le plus catalysé la haine autour du film, réside  dans la caractérisation du personnage principal. Accusé de vouloir rendre le roman plus commercial avec un héros moins antipathique que son homonyme littéraire (un choix que De Palma regrettera à posteriori), Le Bûcher des vanités tire néanmoins sa force du point de vue adopté. Car c’est bien la volonté de l’auteur de Snake Eyes de traduire en les exacerbant les émois d’un petit connard de rupin pris dans les mâchoires du système, qui confère au métrage la puissance de son propos.

Ainsi, non seulement le seul personnage défendable est celui sur lequel l’opprobre populaire aime décharger sa mauvaise conscience indignée, mais le film nous incite à mettre en perspective un discours attendu à travers le ressenti émotionnel du bourreau social plutôt que de sa victime. De Palma retourne la société spectacle dans le regard d’un homme qui évoluait dans ses hautes strates avant sa descente aux enfers. Et la dévoile telle qu’elle est une fois débarrassé de son amoralité de connivence : monstrueuse et anthropophage de ses ouailles, qui écrase l’individu sous ses besoins de représentations permanentes.

Besoin d’y croire

Il y a toujours eu chez De Palma une candeur et un idéalisme que le réalisateur prenait soin de dissimuler sous la vulgarité de son époque. Comme si sa propre moralité se débattait avec la jouissance manifeste et contagieuse qu’il prenait à portraiturer les travers de ses contemporains. Peu de cinéastes ont su aussi bien que lui mettre cette dualité en perspective au sein même de son cinéma, si ce n’est Paul Verhoeven, dont le Showgirls connut d’ailleurs un sort similaire au film de De Palma (pour des raisons voisines pourrait-on dire). Le Bûcher des vanités ne s’efface pas derrière le spectacle de la violence du système : il nous invite à le vivre depuis un point de vue peu évident, pour percer l’écorce du rire satisfait pour nous donner à voir l’essence d’une humanité corrompue. En d’autres termes, De Palma prend partie plutôt que de neutraliser son point de vue, et essaie de réinjecter un peu d’humanité dans la complaisance généralisée.

On ne peut pas dire que le réalisateur a été récompensé de ses efforts : le film ne récolta que 15 millions de dollars sur ses 47 de budgets, et affronta une tempête de critiques qui annihila toutes ses chances sur la route de la saison à récompenses (Warner se consolera avec Les Affranchis signé… Martin Scorsese !). Plus que jamais d’actualité, Le Bûcher des vanités aurait pourtant peu de chances d’être mieux reçu qu’à l’époque de sa sortie, tant les maux qu’il surligne sont devenus plus proéminents que leur caricature. Ce qui le rend plus que jamais d’actualité.

Le Bûcher des Vanités : bande-annonce

Le Bûcher des vanités : Fiche technique

Titre original : The Bonfire of the Vanities
Réalisateur : Brian De Palma
Acteurs: Tom Hanks (Sherman McCoy), Bruce Willis (Peter Fallow), Melanie Griffith (Maria Ruskin), Kim Cattrall (Judy McCoy), Saul Rubinek (Jed Kramer), Morgan Freeman (le Juge Leonard White), John Hancock (le révérend Bacon), Donald Moffat (M. McCoy), F. Murray Abraham (le procureur Abe Weiss), Kevin Dunn (Tom Killian)
Scénario : Michael Cristofer, d’après le roman Le Bûcher des vanités de Tom Wolfe
Photographie : Vilmos Zsigmond
Musique : Dave Grusin
Montage : Beth Jochem Besterveld, Bill Pankow et David Ray
Décors : Richard Sylbert
Costumes : Ann Roth
Producteur : Brian De Palma
Producteurs délégués : Peter Guber et Jon Peters
Coproducteur : Fred C. Caruso
Productrice associée : Monica Goldstein

États-Unis- 1990

Véritable oeuvre maudite, L’Esprit de Caïn a souvent été considérée comme un film mineur dans la très riche carrière de Brian De Palma. Mais quand on y regarde de plus près, cette création s’avère être un pur moment de cinéma, qui malgré un scénario partant parfois un peu en roue libre aligne de grands moments virtuoses.

Les années 90 n’ont pas commencé de la meilleure manière pour De Palma. Après l’échec de son adaptation du roman de Tom Wolfe, Le Bûcher des vanités, le cinéaste américain revient à ses premières amours avec un thriller schizophrénique qui malheureusement ne trouve pas non plus le succès. Depuis, L’Esprit de Caïn a beaucoup divisé, une grande partie voyant dans ce film une œuvre très mineure limite parodique pour son auteur, alors que d’autres y voient l’archétype du chef d’œuvre maudit. L’un des gros problèmes de L’Esprit de Caïn a longtemps été sa narration, un peu balourde, insérant une romance qui ne semblait pas à première vue à sa place dans cette histoire de kidnappeur d’enfant aux troubles de la personnalité. Cela s’expliquait par un choix de dernière minute de De Palma en ce qui concerne le montage du film et qui a opté pour une narration chronologique afin de ne pas perdre le spectateur. Chose qu’il aura regretté immédiatement après. Cependant un fan néerlandais du nom de Peet Gelderblom a eu la bonne idée au début des années 2010 de restaurer la vision de De Palma et d’essayer à l’aide de son dvd et d’un logiciel de montage de remonter L’Esprit de Caïn en se basant sur le script originel du réalisateur. Grand bien lui en a pris car, grâce à son entreprise, le hollandais a pu redorer le blason du film dont cette « director’s cut » a été approuvée par De Palma lui-même. Sous cette nouvelle forme, L’Esprit de Caïn reprend son aura labyrinthique voulu par son auteur, une œuvre malade mais fascinante.

Au lieu de présenter d’entrée Carter Nix, et son double maléfique Caïn, ce nouveau montage préfère, dans un premier temps, mettre en avant la partie romantique. Résultat, dans les 20 premières minutes, le personnage de John Lithgow est relégué au second plan. De Palma choisit de suivre Jenny, jouée par Lolita Davidovich, qui retrouve un ancien amant, Jack Dante (Steven Bauer). Une esquisse de triangle amoureux se présente alors que Jenny essaie tant bien que mal de ne pas succomber à nouveau au charme de Jack. À la façon de Pulsions qui se concentrait dans sa première partie exclusivement à Angie Dickinson et notamment à ses tourments sexuels, L’Esprit de Caïn ausculte les dilemmes sentimentaux de Jenny. Forcément, le côté voyeur propre à De Palma resurgit mais l’aspect mélodramatique prédomine, bien aidé de la partition de Donagio. En construisant la narration de cette façon, le film déjoue les attentes du spectateur qui se retrouve dans un terrain plutôt incongru. Cela permet également de créer un effet de choc plus important lorsque Carter Nix et Caïn sont présentés au bout de 30 minutes dans une scène à la fois drôle et terrifiante. Si le montage cinéma avait opté pour un ordre chronologique, ce nouveau montage abandonne donc clairement cet optique. Entremêlant rêveries et flashbacks, la première partie de L’Esprit de Caïn s’amuse à semer le chaos dans l’esprit du spectateur. Un nouvel exercice de manipulation des images et de la chronologie dont De Palma a le secret donnant un aspect dédaléen au film. Une décision qui fonctionne à merveille avec le sujet et nous permet d’avoir un aperçu de la personnalité multiple de Carter Nix.

Comme souvent dans les films de De Palma, c’est un meurtre ou un acte dramatique qui enclenche la deuxième partie du film. L’Esprit de Caïn ne fait pas exception et simultanément à l’apparition de la deuxième personnalité de Carter, le film montre lui aussi un autre côté lorgnant vers le thriller horrifique. De Palma s’amuse à malmener sa recette classique en faisant de son coupable, son témoin. Il faut alors compter sur une performance mémorable de John Lithgow pour passer de l’innocent père de famille Carter au cruel psychopathe déviant Caïn. Si à première vue, la performance semble grossière, elle témoigne d’une grandiloquence propre à l’univers de De Palma qui s’avère tout bonnement effrayante. Lithgow s’en donne à coeur joie, armé de ses lunettes de soleils et tirant sur sa clope tel un bad boy. Bien avant James McAvoy dans Split, Lithgow dévoile diverses personnalités ajoutant au panel déjà composé de Carter et Caïn, le personnage de Josh, un gamin de 7 ans et surtout Margo, une dame d’une cinquantaine d’années. Pour accompagner le tout, l’acteur se grime même en vieil homme pour interpréter le Docteur Nix père de Carter et expert en dédoublement de la personnalité.

Mais à côté du Lithgow show, De Palma fait également des siennes et son art de la mise en scène subjugue toujours autant. Si le script peut parfois frôler le nanardesque, n’hésitant pas à aller dans l’excès à de nombreuses reprises, et faisant fi du ridicule dans lequel il s’aventure avec plaisir, l’imagerie qu’il développe est proprement envoûtante.  Le côté schizophrénique du film se répercute à ce niveau. L’apparente absurdité du propos est transcendée par une mise en scène éblouissante dans lequel le mauvais goût devient un moteur simplement captivant. La façon dont le personnage de Caïn est filmé témoigne à lui seul de son côté outrancier et psychotique. Parmi les moments les plus marquants, il y a évidemment ce plan séquence acrobatique suivant le déplacement des policiers accompagnés du Docteur Waldheim de l’étage de la criminelle jusqu’à la morgue. Un plan d’une fluidité exemplaire et qui crée à lui seule une tension, déroulant l’histoire sordide des expériences du docteur Nix pour finir sur un jump scare des plus efficaces. Et puis il y a aussi ces ralentis, utilisés à de nombreuses reprises dans la première partie de façon parfois démesuré (l’empalement), mais qui devient étonnamment virtuose dans le climax tétanisant du film, une séquence tout en ralenti à couper le souffle, où la rhétorique De Palmienne s’exprime à la perfection dans une avalanche de surenchère. De courte durée L’Esprit de Caïn n’en est pas moins une oeuvre foisonnante et typique de son auteur. Grâce à ce nouveau montage il dévoile enfin son vrai visage, le visage d’un film baroque et complètement schizo.

L’Esprit de Caïn – Bande Annonce

L’Esprit de Caïn – Fiche Technique

Titre original : Raising Cain
Scénario et Réalisation : Brian de Palma
Interprétation : John Lithgow (Carter Nix/Caïn/Josh/Margo/Dr Nix), Lolita Davidovich ( Jenny), Steven Bauer ( Jack Dante), Frances Sternhagen ( Dr Waldheim), Gregg Henry ( Lieutenant Terri)
Photographie : Stephen H. Burum
Musique : Pino Donaggio
Montage : Robert Dalva, Paul Hirsch et Bonnie Koheler. Montage Director’s Cut : Peet Gelderblom
Production : Gale Ann Hurd et Michael R. Joyce
Sociétés de production : Pacific Western
Société de distribution : Universal Pictures
Date de sortie en France : 30 septembre 1992
Genre : thriller

Etats-Unis – 1992

A l’occasion de la rétrospective Brian de Palma à la Cinémathèque Française du 31 mai au 4 juillet, LeMagduCiné revient sur les plus grands films du réalisateur.
Phantom of the Paradise est peut-être le premier film « culte » de Brian De Palma, un an après Sœurs de Sang (1973) qui posait déjà les bases de son univers torturé et extravagant, théâtre du kitsch et de l’outrance mais aussi d’une forme de poésie inimitable.

Inspiré du Fantôme de l’Opéra, du Portrait de Dorian Gray et, dans une plus large mesure, du Faust de Goethe, Phantom of the Paradise est l’alchimie parfaite entre un foisonnement de références et une originalité hors du commun. Racontant l’histoire d’un musicien raté qui se voit voler l’œuvre de toute sa vie, le film dépeint une descente aux enfers violente et bariolée, dérangeante parfois, sublimée par une ambiance, des décors et des costumes délirants.

Au-delà de son parti pris visuel radical, Phantom of the Paradise s’est aussi fait un nom pour sa splendide bande-originale, intemporelle, qui magnifie chaque scène tout en se prêtant à l’écoute indépendante. Un mélange difficile à cerner, entre chansons de « boys band » façon Grease, solos de guitare dignes de Pink Floyd, dissonances évoquant les Doors ou encore voix et maquillages en hommage à Kiss. Composée par Paul Williams (qui est aussi l’acteur incarnant Swan), la musique intrigue par ses sonorités électriques presque psychédéliques, et envoûte par ses grandes envolées au piano qui donnent encore plus de relief à la folie des personnages.

Par ailleurs, De Palma déploie un arsenal de techniques cinématographiques impressionnant, dont l’originalité deviendra sa marque de fabrique : passages en vue subjective, écran-scindé pour suivre deux points de vue simultanés (déjà expérimenté dans Sœurs de Sang), et bien d’autres. S’il fallait retenir une scène cristallisant tout le génie du réalisateur, ce serait l’arrivée dans le « Paradise » de Winslow, à peine devenu « le fantôme » : en vue à la première personne, le personnage campé par l’incroyable William Finley monte lentement les marches de l’escalier, tel un Nosferatu moderne, devant les regards horrifiés face caméra des gens qu’il croise. En une poignée de secondes, nous sommes identifiés, nous spectateurs, à la monstruosité de Winslow. Nous sommes à la fois directement impliqués, étant placés au centre des regards, et mis à l’écart puisque nous sommes les seuls à encore ignorer ce qu’il y a de si repoussant dans l’apparence du personnage que nous incarnons.

« Welcome to the Machine »

Dans Phantom of the Paradise, la musique est partout : elle est le cœur même de l’œuvre. L’ouverture se fait sur un concert dont les paroles font écho à ce qui suivra, comme une prophétie : on parle d’un homme qui doit mourir pour être enfin reconnu et devenir célèbre. Le personnage principal, Winslow, est à la recherche d’un brin de reconnaissance : il ne gagnera en considération qu’une fois qu’il sera, en quelque sorte, « mort » en tant que personne et devenu monstre – ou fantôme. L’explosion finale, véritable ébullition esthétique et sonore forçant le respect, clôturera le film de la même manière : en une orgie musicale incontrôlable, dionysiaque.

Mais loin de ne rendre qu’un vain hommage à la musique, De Palma propose une critique acerbe du monde du show-biz et de l’industrie du disque. On parle de « mutiler la musique », pointant du doigt ces producteurs qui réarrangent ou modifient certaines compositions pour des raisons purement marketings et non plus artistiques ; tout comme les producteurs au cinéma peuvent mutiler les films des réalisateurs pour les faire correspondre à des cahiers des charges pré-formatés. La première fois que l’on découvre Swan, avatar de la décadence de cette industrie, c’est à nouveau en vue subjective : son associé lui fait part de ses complots en le regardant dans les yeux, donc en nous regardant dans les yeux, à travers la caméra. Là encore le message est clair : c’est à nous que s’adresse le film, nous derrière notre écran, nous les consommateurs qui entretenons ce mode de fonctionnement pervers.

« Tout ce que je veux, c’est ta voix », confesse Swan à Phoenix (la ravissante Jessica Harper) : les personnes sont négligées, réduites à leur talent de compositeur ou de chanteur, au service d’un business qui ne laisse plus aucune place à « l’humain ». La longue file d’attente de femmes répétant dans l’escalier, en espérant être choisies par Swan, en est le parfait exemple. Toutes identiques et uniformisées, sans s’écouter, elles tentent de chanter plus fort que celle d’à côté : l’industrie musicale est comme une jungle où il faut crier plus fort que son voisin pour survivre, voire être, avec un peu de chance, remarqué.

Néanmoins, l’autre versant du monde de la musique est également égratigné, à savoir les fans. On découvre une foule en délire qui s’apparente davantage à une horde de zombies, un public qui a faim de toujours plus de show, de démesure ; des groupies hystériques capables d’applaudir un meurtre en plein concert sans même s’en rendre compte, réduits à l’état d’animaux sauvages qui déambulent dans ce qu’on appelle, bien ironiquement, « la fosse » – mot en lui-même déshumanisant mais qui porte bien son nom.

Faust a rendez-vous avec Kafka

L’autre grande thématique de Phantom of the Paradise concerne la question de l’identité, de l’aliénation, du double. Ce sont des thèmes récurrents dans l’œuvre de De Palma, qui s’appuie ici sur l’histoire de Faust pour les traiter. Faust est un personnage bien connu de la littérature, qui a vendu son âme au diable en échange de puissance et de pouvoir, ainsi que de jeunesse éternelle. Ici le « pacte faustien » est double : Winslow vend son âme et son humanité à Swan contre un peu de reconnaissance, et Swan lui-même pactise avec son double maléfique afin de rester jeune pour toujours (symbolisant le désir des grandes figures du show-biz de préserver coûte que coûte une image parfaite).

Les noms des personnages sont loin d’être dus au hasard : « Swan » prophétise son propre « chant du cygne » ; « Phantom » symbolise l’artiste dont l’ombre plane toujours au-dessus de son œuvre, et que l’œuvre hante en retour ; « Phoenix » représente l’espoir rédempteur pour Winslow, qui voit à travers elle sa propre renaissance. En effet, lorsque Winslow se fait voler ses partitions, la dépossession de l’œuvre entraîne une forme de dépossession de soi, d’aliénation, comme si une partie de lui-même s’en était allée. Cela pose la question du rapport qu’un artiste entretient avec son œuvre, qui n’est plus qu’un rapport de propriété ; or le lien entre propriété et identité est parfois étroit. Un contrat, une signature sur un bout de papier suffisent à vous donner ou vous retirer toute légitimité vis à vis de votre création. Et de cette injustice naît un mal-être : de cette expropriation naît une aliénation.

Et en ce sens, il y a dans Phantom of the Paradise une vision très kafkaïenne de la bureaucratie et de l’administration, vues comme incompréhensibles et aliénantes. D’une certaine manière, le « Paradise » n’est autre que le « Château » de Kafka : les portes des puissants sont closes, on ne peut accéder à des rapports humains que sur rendez-vous, mais dont l’obtention est rendue plus ou moins volontairement impossible. On est rabaissé au pied de l’échelle hiérarchique sans aucun pouvoir, faisant par opposition de ces hommes « d’en-haut » des sortes d’entités impersonnelles et abstraites. À ce terrible tableau dressé par De Palma, on pourrait y ajouter la corruption, la manipulation de la presse et de l’opinion publique, les contrats interminables que personne ne lit et auxquels on peut faire dire n’importe quoi pour tromper les plus naïfs, etc. De quoi devenir fou, c’est certain.

« Ce film est l’histoire de cette quête de cette musique, de l’homme qui la créa, de la fille qui la chanta, du monstre qui la vola ».

Voilà comment Phantom of the Paradise se résume lui-même. Et pourtant, d’un scénario de départ aussi simple, Brian de Palma parvient à accoucher d’une œuvre d’une richesse inépuisable. Souvent qualifié de film-passerelle, cet ovni cinématographique a autant de quoi fasciner que rebuter, par la radicalité de ses choix esthétiques, par l’extravagance de ses personnages, par le kitsch un peu dépassé mais qui donne un charme inexplicable à l’ensemble, ou encore par ses thématiques sujettes aux multiples interprétations. Si tout n’est pas parfait dans Phantom of the Paradise, force est de constater que la genèse d’une telle œuvre aura marqué, en même temps, l’émergence d’un immense réalisateur qui donnera naissance à de nombreux autres chefs-d’œuvre, et dont le « Paradise » n’était finalement qu’un premier théâtre pour mettre en scène son talent.

Dans un coffret collector, c’est encore mieux !

Un tel film culte a eu tout naturellement droit à son Blu-Ray. Et même plusieurs, puisque Carlotta Films nous a gratifié d’une troisième édition particulière. En effet, c’est bel et bien un coffret Ultra Collector auquel nous avons droit, le sixième de la série du distributeur. A l’extérieur, un superbe boîtier avec un visuel inédit, ainsi qu’un livre de 160 qui contient un entretien avec le réalisateur, des analyses ainsi qu’une revue de presse. De son côté, le Blu-Ray (et les deux DVDs) contiennent le film dans une version restaurée 2K, ainsi que de nombreux bonus qui apportent quantité d’éclairages et d’informations qui permettront aux cinéphiles chevronnés de creuser un peu plus l’amour qu’ils portent à ce film. Une édition indispensable limitée à 3000 exemplaires.

Bande-annonce : Phantom of the Paradise

Fiche technique : Phantom of the Paradise

Réalisation : Brian de Palma
Scénario : Brian de Palma
Interprétation : William Finley, Paul Williams, Jessica Harper
Durée : 92 minutes
Genre : Drame musical, Fantastique
Date de sortie : 31 octobre 1974 (US), 25 février 1975 (FR)

États-Unis – 1974