LeMagduCiné

Deux nouveaux albums nous permettent de renouer avec l’humour décalé et parfois trash des éditions Lapin : Ultimex : Strip Club de Gad et Psychanalyse du marine de l’espace de Wandrille. Bien qu’issus de registres totalement différents, ils partagent une volonté de bousculer les conventions et de s’attaquer à des thématiques de société avec un humour subversif et un regard critique. 

Ultimex : Strip Club – Au service de la provocation

Ultimex : Strip Club est, disons-le, une œuvre trash, provocatrice, qui n’hésite pas à faire éclater les tabous. Avec un humour délibérément choquant, elle met en scène Ultimex, un personnage cynique, misogyne et moralement abject, accompagné de son acolyte Steve, dont les déboires sentimentaux et physiques nourrissent le comique de situation. Le ton de l’album est d’emblée annoncé : la série se moque des codes sociaux et de la politique en multipliant les gags autour des stéréotypes et des travers humains. Ultimex n’a aucune limite, et cela se reflète dans une narration qui s’affranchit de toute structure complexe pour privilégier l’humour, en une ou plusieurs cases.

Loin de viser une réflexion profonde sur la société, Ultimex : Strip Club semble davantage être une satire irrévérencieuse, voire une attaque frontale contre les formes de bienséance modernes. Son style graphique sommaire et son humour excessivement osé visent un public averti, à la recherche d’une lecture sans concession. Ce sont principalement ses personnages caractérisés comme des êtres détestables (dans un style Archer) et leurs aventures dénuées de toute morale, parfois à la limite du scatophile, qui constituent le cœur de cette œuvre, la rendant radicale mais aussi largement clivante.

Psychanalyse du marine de l’espace – L’introspection chez les guerriers cosmiques

En contraste avec Ultimex, Psychanalyse du marine de l’espace de Wandrille s’inscrit dans un univers très spécifique, celui des geeks. L’album se penche sur les tourments intérieurs des célèbres marines de l’espace, ces soldats d’élite d’un univers de science-fiction. À travers une série de gags textuels, chaque planche devient une introspection d’un héros de l’espace confronté à des dilemmes psychologiques et émotionnels. Les « enjeux » sont tout aussi absurdes que ceux d’Ultimex, mais la manière de les traiter diffère radicalement : ici, il ne s’agit pas tant de provoquer par la violence ou la transgression, mais plutôt de rire de l’absurdité des conflits internes de personnages par ailleurs redoutables.

Wandrille, avec une approche minimaliste (une planche, un gag, un bon mot), propose un format très court, dans lequel chaque dessin représente un instantané de l’angoisse ou de l’absurde vécu par un marine de l’espace. Cela permet d’offrir un regard décalé sur les frustrations de ces héros. L’humour ici est plus subtil, utilisant le contraste entre la violence supposée et la fragilité des personnages pour construire un univers comique. Le tout est imbibé d’une critique du sexisme, du racisme et des stéréotypes.

En bref

Les deux albums partagent une volonté de dénoncer les travers humains à travers un prisme déformé par l’absurde. Mais là où Ultimex : Strip Club plonge dans un humour volontairement régressif et excessif, Psychanalyse du marine de l’espace choisit une approche plus détournée, où l’absurde se livre sur le divan d’un psy, et se mêle à la satire sociale. Ultimex cherche à choquer par son cynisme, son sarcasme et son nihilisme, tandis que Psychanalyse du marine de l’espace questionne de façon plus douce mais tout de même incisive, en mettant en lumière les contradictions des figures héroïques classiques. C’est une réinterprétation de l’héroïsme stéréotypé, revu sous le prisme de l’introspection psychologique.

Ultimex : Strip Club et Psychanalyse du marine de l’espace illustrent chacun à leur manière une volonté de détourner les conventions, mais dans des registres distincts. Deux approches radicalement différentes, mais qui, à leur manière, interrogent le lecteur sur les travers de nos sociétés et sur les failles humaines. 

Ultimex : Strip club, Gad
Lapin, janvier 2025, 64 pages

Psychanalyse du marine de l’espace, Wandrille 
Lapin, février 2025, 24 pages 

En mai 1937, Patricia Douglas, âgée d’à peine 20 ans, croit toucher du doigt le rêve tant désiré par tant de jeunes femmes de son époque : devenir actrice à Hollywood. Pourtant, c’est un tout autre scénario, sombre et brutal, qui se dessine lors d’une soirée privée organisée par l’un des studios les plus puissants de l’époque, la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). C’est ce drame oublié qu’Halim restitue avec puissance dans son roman graphique Seule contre Hollywood, paru aux éditions Steinkis.

Halim revient sur un événement tragique et précurseur, à l’aube des scandales sexuels qui secoueront plus tard le cinéma américain, anticipant de plusieurs décennies l’affaire Weinstein. Il retrace ici le destin bouleversant d’une jeune femme livrée à elle-même, face à un système rodé à l’impunité et au silence.

La jeune Patricia, embauchée parmi des dizaines de danseuses professionnelles sous couvert de participer à un tournage, découvre bien vite la supercherie : elles sont en réalité invitées à divertir une assemblée exclusivement masculine, venue célébrer les bénéfices records de la MGM. Refusant l’alcool et les avances insistantes d’un salarié, Patricia est agressée. Elle décide courageusement de porter plainte contre un géant d’Hollywood. Dès lors, c’est une véritable machine à broyer qui se met en route. La MGM, toute-puissante, mobilise des moyens considérables pour étouffer le scandale naissant : intimidation, diffamation, corruption de témoins et même enquête parallèle menée par l’agence Pinkerton.

À travers un récit qui a un écho particulier aujourd’hui, Halim met en lumière non seulement la violence vécue par Patricia Douglas mais également le parcours judiciaire kafkaïen qui suivit son agression. La jeune femme se heurte à l’indifférence, voire à la complicité des autorités judiciaires. Son adresse est rendue publique, elle subit des actes de vandalisme et, pire encore, voit sa propre mère, séduite par l’argent offert par la MGM, se muer en un soutien ambigu et défaillant. Après le traumatisme, la solitude ; tous deux sont orchestrés par un système qui organise l’impunité des puissants.

Halim déploie un trait brut et expressif, usant avec justesse d’une palette sobre et austère, dominée par des tons ocres et gris, parfaitement adaptés à l’atmosphère oppressante et surannée du récit. Il rend parfaitement compte des états d’âme de Patricia, aussi obstinée que tourmentée. Au cœur de l’album : les subtilités du procès et les manœuvres procédurales, qui occupent une large place et permettent de mieux comprendre le contrôle tentaculaire qu’exerçait alors la MGM sur la machine judiciaire et médiatique. 

Seule contre Hollywood est une chronique historique ou judiciaire qui s’inscrit pleinement dans une réflexion contemporaine, renforcée par l’écho puissant des mouvements féministes récents tels que #MeToo. Il interroge frontalement la corruption, l’impunité des puissants et la solitude souvent atroce des victimes. Même si son déroulement est un peu convenu, l’album n’en demeure pas moins passionnant, car il nous confronte, sous forme d’écho lointain, à des pratiques qui semblent perdurer à travers le temps. Il rappelle surtout que derrière le faste et le glamour d’Hollywood se cache parfois des réalités sordides, faites de silences complices, de rapports de domination éhontés… et de destins brisés.

Seule contre Hollywood, Halim
Steinkis, février 2025, 112 pages

Avec Vous n’aurez pas les enfants, publié aux éditions Glénat, Arnaud Le Gouëfflec et Olivier Balez proposent une adaptation bouleversante du remarquable travail de l’historienne Valérie Portheret. Ils restituent avec finesse et gravité un épisode poignant de l’histoire française sous l’occupation nazie : l’incroyable sauvetage de 108 enfants juifs du camp de Vénissieux en août 1942.

La France est fragmentée, sous le joug des Allemands, et soumise au gouvernement de Vichy qui, après le traumatisme du Vel’ d’Hiv’, prépare une nouvelle rafle dans la région lyonnaise. À Vénissieux, ce sont plusieurs centaines de Juifs étrangers, dont de très nombreux enfants, qui sont regroupés, prêts à être livrés aux nazis. L’abbé Alexandre Glasberg, fondateur de l’Amitié chrétienne et figure centrale du récit, découvre alors dans les labyrinthes administratifs vichystes une faille potentiellement salvatrice : une obscure liste d’exemptions permettant notamment de soustraire des enfants mineurs non accompagnés à la déportation.

Dans un climat de tension palpable, la vie de ces enfants devient une urgence absolue. Une poignée d’individus déterminés à les sauver va rapidement occuper les premiers rôles. En s’appuyant sur un réseau de solidarité composé de résistants anonymes, d’organisations telles que l’Œuvre de secours aux enfants juifs (OSE), la Cimade ou encore la Main-d’œuvre indigène (MOI), l’abbé Glasberg va orchestrer un sauvetage héroïque. Pour ce faire, des parents doivent accepter d’abandonner volontairement leurs enfants juifs, les laissant sous la tutelle de l’Eglise. Un déchirement qui leur permet d’éviter une mort certaine dans les camps nazis.

Les auteurs donnent corps à un drame historique méconnu. Le trait sombre et précis d’Olivier Balez accompagne et asseoit la gravité des événements, contrebalancée par la force de la solidarité ordinaire. Des citoyens anonymes, des résistants discrets, des représentants d’associations courageuses comme l’OSE, la Cimade ou l’Amitié chrétienne concourent à déjouer les plans de déportation et d’extermination nazis. Face à eux, on retrouve une administration froide, méticuleuse, peu scrupuleuse, celle de Vichy, complice par une bureaucratie aveugle et obéissante des pires atrocités.

Contribution évidente au devoir de mémoire, Vous n’aurez pas les enfants rappelle que la banalité du mal d’Hannah Arendt, ainsi que la médiocrité obéissante d’une majorité, qui a souvent permis le pire par inaction et faiblesse de caractère. Le parallèle avec notre époque est patent : ces héros ordinaires pourraient, à nouveau, devenir nécessaires face à la résurgence des extrémismes.

Voilà une œuvre incontournable, à la fois douloureuse et éclairante, que chacun devrait découvrir et partager. Un témoignage poignant sur la force discrète de la solidarité humaine face à l’horreur.

Vous n’aurez pas les enfants, Arnaud Le Gouëfflec et Olivier Balez
Glénat, mars 2025, 152 pages

Dans L’Âge Bête, Jonathan Munoz explore sa jeunesse à travers le prisme de ses années collège et lycée. Après Petit Journal d’un gros fragile, il nous embarque à nouveau dans les méandres de ses souvenirs d’adolescent, une période pleine de bouleversements, de découvertes et d’émotions contrastées. 

Jonathan Munoz se penche et s’épanche sur une décennie charnière : de ses 11 à ses 20 ans. Sans faux-semblant, il nous fait suivre son évolution, ses interactions sociales, ses premières amours, ses déconvenues, mais aussi les épreuves difficiles de la vie. Les situations qui rythment son quotidien, qu’elles soient marquées par la violence scolaire, la découverte de la sexualité ou la perte d’un parent, dessinent un parcours initiatique qui résonnera forcément avec l’expérience personnelle de nombreux lecteurs.

Les anecdotes sont nombreuses et variées : de la confrontation avec Kader, un caïd de l’école qui menace Jonathan de mort pour une broutille, à son éveil sexuel (en toute autonomie…). Chaque événement est raconté avec la même sincérité, sans fausse pudeur et avec la distance qui permet aujourd’hui d’y apporter ce qu’il faut de légèreté. 

L’humour de Jonathan Munoz repose sur le décalage et l’autodérision. On rit de ses mésaventures, mais on est aussi ému par ses réflexions et ses blessures. La manière dont il retrace ses premiers émois amoureux, ses maladresses adolescentes, ses premiers échecs et son désir de s’affirmer fait écho à un grand nombre d’entre nous. C’est cette universalité qui permet au lecteur de se retrouver dans l’histoire de ce personnage souvent délicieusement pathétique.

Les échanges embarrassants avec les filles, les altercations dans la cour de récréation, les mésaventures cocasses cohabitent avec des sujets plus graves et douloureux. Il en va ainsi de la mort de son père, qui marque évidemment un tournant dans l’histoire de Jonathan Munoz. Ce contraste entre les légèretés de l’adolescence et les épreuves plus sombres qui jalonnent le parcours du jeune garçon renforce le côté doux-amer de l’album, même si le deuil occupe une place relativement chiche en comparaison aux moments plus drôles.

Visuellement, L’Âge Bête fait écho à Petit Journal d’un gros fragile. Le dessin de Jonathan Munoz, toujours aussi simple mais incroyablement expressif, capte parfaitement l’essence des émotions et des moments forts. L’ensemble fait office de miroir de l’adolescence, cette période de la vie où l’on se confronte à soi-même et aux autres, où chaque petite victoire est vécue comme un exploit, mais chaque échec, aussi minime soit-il, semble une catastrophe. 

L’Âge Bête est une bande dessinée touchante, riche de nostalgie, mais aussi pleine d’humour. L’album, d’un humour très « Fluide glacial », vous invite à revivre ces années de transition, avec toute la tendresse et la fraîcheur d’un auteur qui sait parler de la jeunesse sans fard.

L’Âge bête, Jonathan Munoz
Fluide glacial, janvier 2025, 56 pages

Dans le cadre de sa série « Les classiques de l’horreur », la maison d’édition Glénat poursuit son exploration des grands mythes gothiques, avec Frankenstein – Au nom du père. Après une relecture audacieuse du Dracula de Bram Stoker, les auteurs Marco Cannavo et Corrado Roi s’attaquent cette fois au chef-d’œuvre de Mary Shelley, Frankenstein ou le Prométhée moderne, un texte ô combien séminal de la littérature anglaise. Librement inspiré de l’œuvre originelle, cet album renouvelle le mythe tout en respectant les grandes lignes du récit.

Dans cette adaptation tirée au cordeau, Marco Cannavo choisit de centrer le récit sur la relation entre Victor Frankenstein et sa créature, un lien père-fils réinventé, traversé de rancœur, qui constitue le cœur d’une nouvelle interprétation où la douleur le dispute à l’incompréhension. Le créateur et sa créature, ennemis mortels, possèdent chacun des aspérités humaines et monstrueuses, à des degrés insoupçonnés. Le monstre se voit ainsi humanisé, doté de ses propres souffrances et mû par une quête de sens et de liens affectifs qui vont nourrir sa vengeance.

L’histoire se déroule en 1790, à Ingolstadt, en Bavière. Victor Frankenstein n’est encore qu’un jeune et ambitieux scientifique. Il rêve de redonner vie à la chair morte. Après avoir été influencé par le médecin Giovanni Aldini, qui parvient à provoquer des mouvements dans un cadavre décapité, Frankenstein s’enferme dans son laboratoire et parvient à rassembler les morceaux d’un corps dans l’espoir d’accomplir l’impossible. Mais une fois la vie insufflée à sa créature, celle-ci s’échappe, devient une menace et amorce une tragédie qui ne fera que s’accentuer.

Le roman graphique, mené d’une main de maître, opère une transposition subtile du mythe en l’ancrant dans des problématiques contemporaines : la quête de connaissance à tout prix, l’isolement social, l’ostracisme et la monstruosité comme miroir de l’humanité. L’accent mis sur l’aspect paternel et filial de la relation entre Frankenstein et sa créature donne lieu à une lecture plus intime et psychologique, mais aussi plus bien que perturbante. Car les porosités entre le Bien et le Mal, entre le progrès et l’abjection, entre l’humain et l’inhumain, s’avèrent nombreuses et ambiguës. 

Le dessin au noir et blanc, précis et poétique, insuffle à l’album une atmosphère oppressante – et sublime. Les ombres, les contrastes et la texture du trait participent pleinement à l’ambiance de mystère et de terreur larvée qui plane sur le récit. L’adaptation de Mary Shelley n’en est que plus réussie, puisque l’antagonisme central, chargé d’affects, est mis en vignettes avec un sens aigu de l’image… et de l’imaginaire. Effrayante, colossale, la créature suscite pourtant ce qu’il faut de compassion pour que le lecteur soit sensible à sa cause. Victor Frankenstein, quant à lui, brille par ses contradictions, entre génie scientifique et créateur impitoyable, longtemps incapable de prendre la pleine mesure de ses responsabilités.

Frankenstein – Au nom du père est une réussite totale, qui s’inscrit avec brio dans la lignée des adaptations de classiques littéraires par les éditions Glénat. Marco Cannavo et Corrado Roi parviennent à redonner toute sa force à l’histoire de Mary Shelley en l’adaptant à notre époque et en respectant l’essence du texte. À ne pas manquer.

Frankenstein, au nom du père, Marco Cannavo et Corrado Roi
Glénat, mars 2025, 112 pages

Dans Liberté, égalité, s’émanciper, Chadia Chaibi Loueslati livre une œuvre intime et poignante qui explore les luttes invisibles des femmes issues de l’immigration. À travers un récit graphique engagé, l’auteure nous plonge dans son histoire personnelle et aborde les combats collectifs de celles qui se battent pour leur émancipation.

Le point de départ de Liberté, égalité, s’émanciper est un échange tout à fait banal, mais révélateur, entre Chadia et ses deux filles adolescentes. La mère évoque son passé et l’atmosphère de contrôle omniprésent exercé par ses parents. 

En se confiant à ses filles, Chadia se remémore l’inégalité flagrante avec laquelle elle et ses sœurs étaient traitées par leur mère, alors que ses frères jouissaient d’une liberté que leur était strictement refusée. Les filles étaient cantonnées aux tâches ménagères, tandis que les garçons jouaient à la console et profitaient de leur temps libre comme ils l’entendaient. Ces inégalités, vécues au quotidien, constituaient un poids accablant pour la jeune fille. Elles ont forgé sa détermination à se battre pour un changement radical dans sa vie.

C’est une injustice systémique que l’auteure effeuille, ainsi que le mal-être qui en découle. Elle révèle aussi les mécanismes par lesquels elle a trouvé des moyens de contourner cette oppression, dans un combat qui allait bientôt s’étendre à des dimensions plus larges. Ainsi, s’il s’agit au début de recevoir des appels personnels ou de fumer une cigarette en cachette, elle en vient rapidement à claquer la porte et à rejoindre un centre d’accueil religieux afin de se soustraire à des parents jugés trop contrôlants.

Dans Liberté, égalité, s’émanciper, Chadia Chaibi Loueslati aborde des thèmes universels, toujours très actuels, liés à l’émancipation des femmes dans des sociétés où les traditions dominent, notamment dans les familles d’origine maghrébine. On aurait cependant tort de résumer le récit à cette seule dimension : il s’agit bel et bien d’un cri de résistance général contre les injustices du patriarcat et du sexisme, visibles aussi bien dans la sphère privée que publique.

Une ligne de tension apparaît rapidement dans le récit : le contraste entre les attentes culturelles de la famille de Chadia et ses aspirations personnelles. L’emprise des traditions et des règles patriarcales sur la vie des femmes, dans un environnement où le contrôle social est omniprésent, constitue un point d’ancrage majeur et explique le déchirement intérieur que vit Chadia. Cette dernière est tiraillée entre son amour pour sa famille et le désir de se libérer d’une emprise à certains égards néfaste, en raison de codes culturels trop oppressifs. Ce double fardeau se répercute sur son quotidien, mais devient aussi un moteur de son évolution personnelle et de son engagement pour l’émancipation.

Le choix narratif de l’auteure, en mettant en scène un dialogue intergénérationnel entre Chadia et ses filles, permet de poser un regard sur l’évolution des mentalités au sein des familles issues de l’immigration. Tandis que Chadia se souvient de son enfance marquée par des interdictions et des frustrations, ses filles, plongées dans une époque différente, sont ici le miroir des progrès accomplis.

Liberté, égalité, s’émanciper se présente comme une BD engagée, refusant les simplifications et les clichés. L’album constitue un outil de prise de conscience, une incitation à questionner les inégalités, et surtout, à ne jamais cesser de se battre pour une émancipation véritable. Chadia a dû secouer la fourmilière pour que ses parents acceptent son individualité, sa singularité. C’est ce féminisme universaliste de base qui irrigue tout l’ouvrage. Et si ça peut paraître convenu par moments, ça n’en reste pas moins salutaire. 

Liberté, égalité, s’émanciper, Chadia Chaibi Loueslati 
Marabulles, février 2025, 144 pages

Alors que la ségrégation raciale avait encore cours dans les États sudistes, Althea Gibson est devenue la première championne américaine de tennis noire, s’érigeant de ce fait en symbole de résilience et de lutte. White Only (éditions Glénat), de Julien Frey et Sylvain Dorange, permet de redécouvrir cette figure incontournable du sport et de la lutte pour les droits civiques. 

Jeune, Althea Gibson est une enfant d’Harlem, turbulente et sportive, défiant volontiers les garçons sur tous les terrains de jeu. Elle se distingue déjà dans diverses disciplines sportives, notamment le basket et le baseball, mais c’est le tennis qui, très vite, prend le dessus et l’attire irrémédiablement. Pour elle, la raquette est un moyen d’affirmer son identité et de sortir, même si elle l’ignore encore, du cycle de pauvreté et de violence qui menace son quartier.

Son père ne valide pas ses choix sans réserve. Strict, inquiet pour l’avenir de sa fille, il préférerait qu’elle se concentre sur ses études. Mais Althea est déterminée. Et elle a de la suite dans les idées. Le tournant de sa vie sportive se produit en 1940, lorsqu’elle intègre le Cosmopolitan Tennis Club, un club de tennis réservé aux Afro-Américains. C’est le début d’un parcours semé d’embûches mais aussi de triomphes.

Car si la vie d’Althea Gibson passe par l’excellence sportive, la réalité de l’époque n’a rien d’une sinécure. Dans les années 1940, la ségrégation n’est pas uniquement une question de lois : elle s’instille dans les structures sportives, et les joueurs noirs sont systématiquement exclus des compétitions les plus prestigieuses. Le championnat national de Forest Hills, futur US Open, en est un parfait exemple. En tant que Noire, Althea ne peut pas y participer. Mais cette injustice, loin de l’arrêter, la motive au contraire. En 1950, grâce à son travail acharné et à l’appui de figures comme Alice Marble, elle devient la première Noire à jouer dans un tournoi majeur du Grand Chelem.

White Only met en lumière cet aspect fondamental de son parcours. En plus de son talent exceptionnel, la jeune Althea se trouve rapidement à l’avant-garde d’un combat politique dont elle ne maîtrise pas toutes les composantes. Et même si elle ne le cherche pas, elle constitue un modèle pour toutes celles qui lui succèderont. Aussi, entraînée et financée par des mécènes (la famille Eaton, notamment), ses objectifs restent avant tout sportifs ; elle n’en devient pas moins, involontairement, un symbole de résistance contre la ségrégation, ouvrant la voie à d’autres joueurs comme Arthur Ashe et les sœurs Williams.

Avec un dessin semi-réaliste, des couleurs chatoyantes et des décors soignés, White Only parvient parfaitement à capter la tension de la ségrégation, ou les dissensions d’Althea, souvent prise entre deux mondes – celui de la bourgeoisie noire de Harlem et celui des clubs réservés aux Blancs. La mise en scène de ses triomphes dans les grands tournois de tennis, notamment Roland-Garros et Wimbledon, fait également son œuvre. Mais ce que l’on retient surtout, c’est la détermination d’une jeune femme indépendante, obstinée, talentueuse et courageuse. Pionnière dans la lutte pour les droits civiques, Althea Gibson a bousculé les normes raciales d’une Amérique profondément divisée, en accomplissant des exploits sportifs remarquables, au grand dam des fédérations qui cherchaient à lui fermer les portes. 

White Only rend hommage à une femme qui a transcendé les frontières du sport et a ouvert la voie à des générations entières de sportifs noirs. Si elle-même insistait souvent sur le fait que la politique ne l’intéressait pas, il est indéniable que son parcours a résonné bien au-delà des terrains de tennis. À recommander sans hésitation à tous ceux qui s’intéressent à l’histoire du sport, à la ségrégation raciale ou à la puissance du courage individuel dans un monde parfois injuste.

White Only, Julien Frey et Sylvain Dorange
Glénat, février 2025, 152 pages