LeMagduCiné

Avec un synopsis, aussi simpliste, voir risible, on pouvait s’attendre au pire. Finalement, c’est une très bonne surprise. Un film d’action pure et efficace, qui ne s’embarrasse pas d’éléments dramatiques et plante rapidement le décor, par le biais de flashback, permettant d’expliquer dans quel état psychologique, se trouve John Wick.

Synopsis : John Wick, un ancien assassin reprend du service après que des malfaiteurs ont volé sa Ford Mustang et tué son chien, le dernier souvenir de sa femme décédée. 

On ne tue pas les chiens!

Losef Tarasov (Alfie Allen) a tué le chien et volé la voiture de John Wick (Keanu Reeves), il doit mourir et tout ceux qui se mettront sur son chemin, iront le rejoindre en enfer, point.

Malgré sa simplicité, le film fonctionne parfaitement pour diverses raisons : d’abord, il ne se prend pas au sérieux et se permet des interludes aussi drôles, qu’improbables, qui permet de détendre l’atmosphère. Ensuite, car les scènes d’action sont parfaitement chorégraphiées, que ce soit les gunfights ou les corps à corps. On doit cette réussite au duo de réalisateurs Chad Stahelski et David Leitch, dont c’est le premier film et pourtant, c’est maîtrisé du début à la fin. Il faut dire qu’en tant que cascadeurs, ils ont une certaine expérience dans le domaine de l’action. Mais aussi à Keanu Reeves, qui a suivi un entrainement intensif de quatre mois, permettant aux réalisateurs d’être au plus près de lui, conférant une immersion totale au milieu des combats, c’est purement jouissif. Enfin, son casting d’acteurs labellisés HBO : Alfie Allen (Game of Thrones), Dean Winters (Oz), Lance Reddick et Clarke Peters (The Wire), d’autres plus chevronnés : John Leguizamo, Willem Dafoe, Michael Nyqvist et Ian McShane, sans oublier un personnage féminin inoubliable parmi ces mâles débordant de testostérone, Adrianne Oalicki (Friday Night Lights).

En mélangeant tout ce beau monde, en leur offrant à chacun un rôle important, bref ou pas, on se régale de leurs performances. C’est parfaitement réglé, comme le moteur de la Mustang de John Wick. C’est froid, comme la photographie de Jonathan Sela. Les scènes se déroulant de nuit, sous la pluie ou dans l’obscurité d’une boite de nuit, le tout sur une bande son démentielle, renforçant la violence des images et des impacts des balles de John Wick, qui finissent toujours en pleine tête. Cette atmosphère sied bien à la noirceur du film, à cette vengeance aussi froide, que son héros.

La durée du film (1h40), permet de maintenir l’intensité de l’histoire, pour ne pas perdre le spectateur en cours de route. Le seul moment d’accalmie se déroulant dans cet hôtel rempli de criminels en plein New York, mais bénéficiant d’une neutralité; un peu comme la Suisse; ou la violence n’a pas lieu. Une bonne idée parmi tant d’autres dans ce film, qui à l’image de son héros, va droit au but, dans cette série B brillante et dévastatrice.

John Wick : Bande Annonce VOST

Fiche technique : John Wick

USA – 2014
Réalisation : David Leitch et Chad Stahelski
Scénario : Derek Kolstad
Distribution : Keanu Reeves, Michael Nyqvist, Alfie Allen, Adrianne Palicki, Bridget Moynahan, Ian McShane, John Leguizamo, Willem Dafoe, Jason Isaacs, Dean Winters, Lance Reddick, David Patrick Kelly, Bridget Regan.
Photographie : Jonathan Sela
Montage : Elisabet Ronaldsdottir
Musique : Tyler Bates et Joel J. Richard
Production : Basil Iwanyk, David Leitch, Eva Longoria, Chad Stahelski, Mike Witherill et Keanu Reeves
Société de production : Thunder Road Pictures
Société de distribution : Lionsgate
Genre : action
Durée : 110 minutes
Date de sortie en France : 29 Octobre 2014

Auteur : Laurent Wu

La dystopie, ou contre-utopie, est un genre actuellement très à la mode auprès du public adolescent. Cette forme de société caractérisée par un État tout-puissant et des libertés individuelles restreintes, a probablement acquis ses lettres de noblesse grâce à George Orwell et son 1984 ou Aldous Huxley et Le Meilleur des Mondes. Au cinéma, Hunger Games a servi de précurseur, démontrant que les jeunes adultes pouvaient être sensibles à ce genre d’univers futuriste, et ouvrant la voie à plusieurs œuvres du même type. The Giver est un cas un peu particulier, le roman dont il s’inspire datant de plus de vingt ans.

Synopsis : Dans un futur lointain, les émotions ont été éradiquées en supprimant toute trace d’histoire. Seul « The Giver » a la lourde tâche de se souvenir du passé, en cas de nécessité. On demande alors au jeune Jonas de devenir le prochain « Giver »…

Un jeune homme pas comme les autres…

Sa construction est un modèle du genre. Un monde détruit par un événement dont on ne sait rien (comme c’est pratique), une société reconstruite pour correspondre aux idéaux d’une poignée de survivants, et une uniformité imposée pour éviter les risques de conflits. Et, bien entendu, au milieu de ce monde sans relief, notre jeune héros, Jonas, un adolescent qui déclare se sentir différent. D’une folle originalité, on l’aura compris. Ajoutez à cela le meilleur ami rigolo mais un peu lourdeaud, et la bonne copine qui commence à devenir de plus en plus intéressante au fur et à mesure que s’éveillent les hormones ; une famille aimante mais qui ne semble pas comprendre les changements chez leur fils ; une cérémonie de choix qui va influencer sa vie pour les années à venir… Vous obtenez le début de tout bon roman pour un adolescent qui se respecte.

On l’aura compris, The Giver ne brille pas par son originalité. Ce qui le démarque des Hunger Games, Harry Potter et autres Divergente, c’est l’absence d’adversaire clair. Pas d’antagonistes réels, rien qui permette à Jonas de faire ses preuves, aucune épreuve tangible et concrète. Hormis une figure maternelle censée gouverner le monde, mais qui se fait rare, personne ne viendra remettre en question la quête de vérité de notre héros. Résultat, on assiste à une bonne heure d’entraînement sans véritable but, suivi d’un dernier tiers ou les choses s’accélèrent, mais là aussi sans enjeux clairement définis. Ou plutôt, tellement nébuleux, qu’il devient difficile de se projeter, de ressentir toute la charge qui pèse sur ses épaules.

Un univers en noir et blanc

En fait, ce qui fait défaut à The Giver, c’est un univers bien défini. Ici, on ne connaît pas vraiment l’organisation de ce monde, la géographie manque de clarté, de même que l’histoire. Résultat, des incohérences apparaissent très vite dans le comportement des personnages secondaires, qui semblent parfois agir contre la nature qui devrait être la leur. Ce manque singulier de personnalité d’un monde trop froid, trop aseptisé, fait que le spectateur se désintéresse rapidement de l’histoire, puisqu’il ne parvient pas à saisir l’importance de ce qui se joue sous ses yeux. Et se pose la question qui sonne le glas de la crédibilité du film : pourquoi Jonas ? Pourquoi maintenant, et pas avant ? Qu’est-ce qui fait que, jusqu’à son arrivée, personne n’avait tenté d’entreprendre ce qu’il réalise ici ?

Ce manque de cohérence provient probablement du roman, car le film fait ce qu’il peut pour donner corps à cette nouvelle dystopie. La direction artistique est plutôt réussie, le choix du noir et blanc est osé mais s’impose, et les décors, s’ils ne brillent pas par leur originalité, renvoient parfaitement à ce manque d’identité qui caractérise cet univers. Si la mise en scène est parfois un peu maladroite, elle essaie au moins de donner du punch à un scénario qui en manque cruellement. Et tombe, il faut bien le reconnaître, souvent à côté de la cible. Le premier tiers reste intéressant, offrant quelques promesse que la suite, malheureusement, ne tiendra pas. The Giver, comme d’autres avant lui, restera donc au catalogue des bonnes idées pas forcément très bien exploitées.

The Giver – Fiche Technique

USA – 2014
Science-fiction
Réalisateur : Phillip Noyce
Scénariste : Michael Mitnick, Robert B Weide, d’après l’oeuvre de Lois Lowry
Distribution : Brenton Thwaltes (Jonas), Jeff Bridges (Le Passeur), Meryl Streep (La Doyenne), Odeya Rush (Fiona), Cameron Monaghan (Asher), Alexander Skarsgard (le père), Katie Holmes (la mère)
Producteur : Nikki Silver, Jeff Bridges, Neil Koenigsberg
Directeur de la photographie : Ross Emery
Compositeur : Marco Beltrami
Monteur : Barry Alexander Brown
Production : As Is Production, Tonik Production, Walden Media, The Weinstein Company
Distributeur : StudioCanal

Auteur de l’article Mikael Yung

Fury : Une plongée viscérale dans l’enfer des tankistes de la Seconde Guerre Mondiale

Synopsis: Les aventures de cinq militaires, combattant dans un tank appelé Fury, pendant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale… 

Considéré comme l’un des genres matriciels du cinéma, au même titre que les westerns de John Ford et Sergio Leone, le film de guerre est un indéboulonnable de l’art cinématographique. Agissant comme le catalyseur d’une société ayant tour à tour souhaité mépriser, oublier et saluer ces conflits et les soldats y ayant contribué, ou comme la volonté intrinsèque de démontrer les horreurs de la guerre et de dépeindre l’héroïsme de soldats au hasard d’un fait de guerre méconnu, le film de guerre a toujours affiché une étonnante complexité à l’ouvrage, donnant du grain à moudre aux plus sceptiques, encore peu enclins à accepter que la guerre ne se résume pas qu’à d’ignobles affrontements entre gentils et méchants.

Car le film de guerre ne constitue pas qu’un simple défouloir aseptisé hargneux et violent ou se côtoient bon et méchants, prêts à tout pour se tuer l’un l’autre. Cheminement mystique pour certains, moyen de révéler la part d’humanité et de faiblesse d’un homme pour d’autres, ou simple moyen de transformer un individu en homme, la guerre a toujours revêtu ces habits de transformateur, capable par sa seule barbarie d’ébranler les croyances, les pensées et les réflexions des personnes y étant plongées.

Tout ça amenant alors à considérer que le film de guerre, simple genre cinématographique en soi, constitue une preuve de l’évolution des mœurs de la société, changeant lentement au fil des années, telle une blessure prenant le temps pour cicatriser. Des mœurs, qui ont permis en plus de marquer une époque, à scinder le genre en deux parts bien distinctes.

Il y eut d’abord le visage de l’oubli, ou celui du Hollywood des années 1960, ou le moindre fait de guerre était mis en scène, sertis à l’occasion d’acteurs à très haute réputation (Steve McQueen / Lee Marvin / Charles Bronson) et d’une ambiance guillerette quasi comique. L’objectif ici : narrer avec humour ou du moins naïveté des faits d’armes connus ou méconnus, l’humour servant ici à accélérer bien malgré lui le lent processus de reconstruction psychologique des populations civiles, encore outrées et choquées d’avoir assisté à une guerre mondiale.

Puis il y eut, médias aidant, le visage critique. Utilisé à grande échelle à partir du conflit vietnamien, ayant eu droit à une inespérée surmédiatisation, la guerre, loin des figures héroïques dressées par le Hollywood des 60’s, devient sale, retorse, furieuse et surtout personnelle. Délaissant l’héroïque pour la polémique, la guerre est alors propice à dépeindre les événements cachés de tous, tels que l’impact psychologique et la violence furieuse qu’elle provoque au corps et à l’esprit du soldat.

Le film de guerre cessait alors d’être divertissant et se voulait être l’incarnation du non-dit, du caché. Entre faim, froid, folie, crasse, inhumanité, détresse psychologique pré-conflit et post conflit, le film de guerre revêtait des oripeaux chocs, sans concessions en privilégiant l’humain au fait de guerre accompli. Qu’ils soient frappadingues à l’instar du colonel Kilgore d’Apocalypse Now, ou plongés dans une naïveté telle, qu’ils opéraient barbecue et session d’écoute de Creedence Clearwater Revival dans Forrest Gump, ces soldats étaient alors l’incarnation vivante des ravages de la guerre.

Demolition Man !

Des ravages qu’a souhaité filmer David Ayer, metteur en scène bourrin et expéditif s’étant illustré à Hollywood par ses contributions à des productions puissantes telles que le célèbre Training Days ou le bourrin End of Watch, et qui déjà cette année nous avait pondu un vague décalque d’Expendables, avec Sabotage, divertissement old-school bourrin et sans concession, frôlant même la caricature goguenarde.

Pourtant, derrière ce choix pas forcément évident, transpire une volonté claire et perceptible d’Ayer de transcender son style au maximum de son potentiel. Car après avoir scénarisé et filmé les guerres urbaines contemporaines, il était temps de trouver un terrain où Ayer pourrait faire preuve d’une violence et d’une âpreté, qui ne paraissent pas excessives ou démesurées. Et dans un sens, le voir réaliser un film de guerre, était en plus de raviver le genre, sérieusement à l’agonie (évolution de la société oblige), logique. Lui l’artificier bourrin d’Hollywood, plus réputé pour ses récits coups de poings que pour sa dimension humaine, celui noyant la subtilité de ses œuvres, dans une violence terrifiante écrasant littéralement le reste, au risque de transformer chacun de ses films en un vague défouloir sans âme et sans réflexion, celui qui assure une beauté perceptible uniquement par l’éclat des balles et des répliques scabreuses qui fusent, avait enfin trouvé son domaine de prédilection.

Et malgré une campagne de promotion faisant la part belle à un fringuant Brad Pitt, on s’inquiétait un peu de voir que son film, donnant l’air de ressembler à une énième partie de Call of Duty, soit capable de rehausser le genre et surtout de faire la part belle aux tankistes, soldats trop souvent oubliés dans le traitement du conflit et dont l’espérance de vie ne dépassait pas les 5 semaines sur le front.

Pourtant, loin du spectacle d’action outrancier attendu avec Fury, David Ayer signe sans doute son meilleur film en affichant la quintessence de son style, tout en affichant un formidable élan d’humanité. De quoi le classer presque comme un classique du genre !

WELCOME IN THE DIRT !

Ça commence par un mot. FURY, le nom du tank, le nom du film, taillé dans un rouge vif témoignant déjà du festival de violence, de rudesse et de saleté qui se prépare. Puis, le noir de l’écran laisse place à un gris. Quasi crépusculaire, voire anthracite, telle l’évocation d’une plaine désolée, d’un paysage hostile. Ce paysage, boueux, atone, rempli de véhicules en flamme et de soldats morts, parait comme divin tel un au-delà lointain. Terre qui voit alors surgir de la brume, un cavalier allemand. Le temps de le voir déambuler au milieu de cadavres en charpies, que celui-ci est brutalement et sauvagement tué par un coup de couteau en plein œil.

L’occasion ainsi de quitter cette veine hollywoodienne où transpire la fierté et le patriotisme, pour s’enfoncer dans la crasse, l’inconnu et le détestable.

Simple, efficace et surtout mordant. En l’espace de 2 minutes, Ayer poignarde en plein cœur son spectateur, encore ignorant que le mois d’Avril 1945, pourtant précédant la capitulation allemande, fut un mois ou la lassitude et la fatigue des Alliés rencontrèrent la sauvagerie et l’inhumanité des Allemands, qui savant la fin proche, se permettaient de jeter toutes leurs forces dans la bataille pour infliger des pertes maximales à l’ennemi américain. Un contexte rude, sanglant, inhumain et barbare, où l’on découvre l’équipage du tank Fury, composé du chef Wardaddy, campé par un Brad Pitt toujours aussi badass lorsqu’il enfile un treillis, du mécano Graddy (Jon Bernthal), du canonnier Bible (Shia LaBeouf), du conducteur Gordo (Michael Pena) et du bleu Norman (Logan Lerman), simple dactylo, devenu manque d’effectif oblige, co-pilote de ce mastodonte d’acier.

Un équipage hétéroclite lancé dans une mission suicide qui suscite d’abord le rire, tant leur alchimie, durement acquise se ressent au hasard de blagues pas toujours finaudes, mais amenant avec une malice particulière le sentiment de camaraderie, propre à tout film de guerre collectif. Outre le fait que l’exiguïté de cette boite de métal rapproche, c’est surtout par l’horreur que doivent endurer quotidiennement ces 5 lascars que l’aspect fraternel l’emporte. Une camaraderie placée sous le joug autoritaire de Wardaddy, agissant en figure paternelle dominatrice, quasi invincible pour ses hommes, lui attribuant d’ailleurs le rôle de protecteur. Un rôle qui forcément sied guère à Pitt, dont le charme magnétique, et l’assurance sans faille fait illusion auprès de ses hommes, révélant ainsi la glorification militariste des gradés, portés en héros, quand bien même ces derniers restent et demeurent des hommes, capables d’éprouver la peine, la douleur et la souffrance face à des spectacles mortifères abominables.

Une mortification qui ne quittera plus le film, qui en déroulant son intrigue, déploie avec maestria l’horreur, la crasse et le dégoût qu’un conflit peut occasionner. Souvent comparé à Il Faut Sauver le Soldat Ryan, pour son traitement de la guerre, Fury prend le soin de ne jamais tomber dans le sentimentalisme de l’œuvre de Spielberg, et ce pour ne garder que l’essentiel, à savoir un visage de la guerre authentique couplé à festival de pyrotechnie rondement mené, et surtout innovant. Un festival incendiaire, où valdinguent dans la plus grande maîtrise, douille, obus et corps morcelés, provoquant parfois un éclat de rire involontaire, tant la violence souvent excessive parait sans limite. Au milieu de ce maelstrom de dégoût, Ayer décide d’innover en apportant un profil psychologique développé à ses personnages. Fini le sourire éclatant de Steve McQueen, ou l’assurance sans borne de Tom Hanks, les personnages sont lessivés, sales, mal élevés, répugnants, abattus, telles des épaves. Tandis que l’un boit pour se calmer, l’autre se plonge dans la Bible pour chercher un semblant de salut, accentuant ainsi la dimension mystique de la guerre qu’Ayer souhaite prouver. Entre les chants élégiaques du début, les mélodies de requiem du final, et la durée relativement courte dépeinte à l’écran (le film se déroule sur une seule journée de l’aube à l’aube) le film se transforme comme un rite initiatique, une procession de foi, une métaphore dans laquelle s’engage Logan Lerman, le bleu de la bande, et par extension, le spectateur, qui en sortant de celui-ci, se transforme, laissant l’inhumanité et la cruauté de la guerre, le frapper telle une balle perdue, et le transformer de l’intérieur comme de l’extérieur, rendant au film un parfum immersif et philosophique, que l’on aurait jamais attendu dans une œuvre de David Ayer.

Fury : Bande-annonce

Fiche Technique: Fury

États-Unis – 2014
Réalisation: David Ayer
Scénario: David Ayer
Interprétation: Brad Pitt (Don « Wardaddy » Collier), Shia LaBeouf (Boyd « Bible » Swan), Logan Lerman (Norman Ellison), Michael Peña (Trini « Gordo » Garcia), Jon Bernthal (Grady « Coon-Ass » Travis), Jason Isaacs (Cpt. Waggoner), Jim Parrack (Sgt Pete Binkowski), Brad William Henke (Sgt Davis), Xavier Samuel (Lt Parker), Scott Eastwood (Sgt Miles)…
Distributeur: Sony Pictures Releasing France
Date de sortie: 22 octobre 2014
Durée: 2h14
Genre:
Image: Roman Vasyanov
Décor: Andrew Menzies
Costume: Owen Thornton
Son: Paul N.J. Ottosson
Montage: Dody Dorn, Jay Cassidy
Musique: Steven Price
Producteur: Bill Block, David Ayer, Ethan Smith, John Lesher
Production: QED International, Le Grisbi Productions, Crave Films

Critique Bande de filles

Synopsis : Marieme vit ses 16 ans comme une succession d’interdits. La censure du quartier, la loi des garçons, l’impasse de l’école. Sa rencontre avec trois filles affranchies change tout. Elles dansent, elles se battent, elles parlent fort, elles rient de tout. Marieme devient Vic et entre dans la bande, pour vivre sa jeunesse.…

Dahlias Noirs

L’ouverture de Bande de filles, un match de football américain, joliment agrémenté de cheveux quasiment au vent, un match de filles donc, est assez magistralement filmée, comme un ballet, sans un son. C’est pratiquement le même début que pour La naissance des pieuvres, premier film de la même Céline Sciamma qui œuvre ici : un groupe de jeunes filles pratiquant la natation synchronisée. Mais la comparaison s’arrête là, même si les deux films parlent de la même chose, du corps, de la naissance du désir chez les adolescentes, de la quête identitaire, sexuelle ou pas.

Cette séquence introduit la beauté du film : la force est là, mélangée à la féminité, le mouvement des corps, leur fusion aussi, en quelque sorte.

Les sportives sont des filles, des noires pour la plupart, et on les suit à la fin de match, un groupe compact, piaillant joyeusement, un bloc presque impénétrable qui se désagrège en petits fragments silencieux, au fur et à mesure qu’il s’approche de la cité, et que les fragments s’éparpillent chacun dans sa tour. Ce retour dans la nuit se clôt sur Marieme qui se dirige seule et sans la protection du groupe, vers son domicile.

Le film de Céline Sciamma porte sur elle, Marieme, sujet protéiforme par nécessité. Le match est derrière elle, la voici industrieuse, maman de secours pour ses jeunes sœurs, quand à l’orée de la nuit la vraie maman doit rejoindre l’armée des ombres pour nettoyer les bureaux des mieux nantis. La voici rêveuse, amoureuse, avec des étoiles dans les yeux quand ses pas croisent en cachette ceux d’Ismaël. En cachette, pour ne pas subir la loi du grand frère auto-érigé en gardien de la morale. Et la voici, déçue, puis en colère, destinée à un CAP qu’elle ne veut pas faire, plutôt qu’une Seconde générale qu’on lui refuse, une opportunité de vie meilleure qu’elle n’aura pas.

Du coup, Marieme rejoint une bande de filles, de belles filles des cités, conquérantes et fortes en gueule, issues d’une minorité ethnique qu’on n’a pas l’habitude de voir ni sous cet angle, ni globalement sous aucun autre angle. Cette bande de filles, menée par « Lady », magnifique reine de la jungle urbaine, entraîne Marieme  vers un côté d’elle-même qu’elle ne connaît pas : adieu les nattes de jeune fille sage, bonjour les extensions flamboyantes, les habits  affriolants, une nouvelle Marieme éclot, énergique, conquérante, à la limite de la violence. On sent que Céline Sciamma les admire, ces filles, le langage, la beauté de leurs corps, sublimés dans cette séquence où elles louent une chambre d’hôtel pour faire la fête à leur mesure, avec au menu une pizza, des vêtements volés, et une magnifique chorégraphie sur l’air de Diamonds de Rihanna. Filmé dans des tons bleus électriques, Lady, Marieme rebaptisée Vic comme Victoire pour l’occasion,  et leurs copines irradient d’un bien être que cet éclairage rend surnaturel et illusoire.

Le film est composé de trois parties séparées par de longs plans noirs, et cette première partie avec la bande de filles est la plus intéressante et la plus réussie de toutes, dans sa capacité à montrer à quel point leur univers est circonscrit dans des codes qu’il s’agit de ne pas transgresser, mais surtout dans un système qui ne leur fait aucune confiance, que ce soit l’Education Nationale, la vendeuse de chez H&M, ou encore le grand frère qui ne les respecte que quand elles ont prouvé « ne pas être qu’une meuf ». Le film est en mouvement continu, comme les personnages, avec des beaux travellings négociés dans un décor urbain pas forcément porteur.

Mais la lucidité de Marieme lui fait prendre conscience que ce « bonheur » n’est qu’un leurre, une voie sans issue qu’il convient de laisser très vite avant de se prendre le mur. Elle est de tous les plans, mais triste désormais, comme un drogué qui retrouve la terre ferme après l’euphorie du groupe de filles qui l’a portée brièvement vers un possible ailleurs.

Puis, au fur et à mesure que Marieme se cherche, et que la bande de filles disparaît du paysage, le film perd un peu de son energie. De très belles scènes subsistent, comme par exemple celle où Marieme prend l’initiative de la première fois dans l’unique et brève scène d’amour du film, en ayant pour ainsi dire le dessus sur un Ismaël confiant et « consentant ». Pour le reste, le film s’étire en langueur, en longueur. L’actrice semble se disloquer autant que le personnage essaie de se rassembler, elle semble perdue et imprécise, paraît manquer de la conviction nécessaire pour montrer à quel point elle n’est pas bien dans sa vie. La solitude de Marieme gagne le spectateur, son malaise aussi.

Le film de Céline Sciamma est très bien servi par ce quatuor de jeunes banlieusardes qui mettent la caméra à profit pour exister, pour briller aux yeux de la France, en tant que femmes en devenir bien sûr, mais en tant que noires aussi, en tant qu’une part d’une minorité habituellement invisible.

Toutes proportions gardées, Bande de filles fait penser au Wassup Rockers de Larry Clark. Marieme et ses semblables ne sont pas tellement différentes de leurs collègues adolescents latinos à l’avenir bouché, qui puisent les mauvaises décisions dans l’ennui et l’absence de perspectives, et la force dans le groupe. Un film qui donne à réfléchir, à défaut d’émouvoir vraiment.

Fiche Technique : Bande de filles

Réalisateur : Céline Sciamma
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 22 Octobre 2014
Durée : 112 min.
Casting : Karidja Touré (Marieme, alias Vic), Assa Sylla (Lady), Lindsay Karamoh (Adiatou), Mariétou Touré (Fily), Idrissa Diabaté (Ismaël)
Scénario : Céline Sciamma
Musique : Jean-Baptiste de Laubier (Para One)
Chef Op : Crystel Fournier
Nationalité : France
Producteur : Bénédicte Couvreur, Olivier Père, Rémi Burah
Maisons de production : Holdup films, Lilies films, Arte France Cinéma
Distribution (France) : Pyramide Distribution

Ce n’est pas elle qui a raconté son histoire dans un livre* et pourtant c’est sur son visage que le film démarre. Elle regarde, elle a l’air tendue. Ce visage-là, passionné et à vif, embaume le film et le clôt. Vie sauvage ne raconte pas, malgré ses premières images, le combat d’une mère mais la vie de deux enfants, soustraits par leur père.

Déçu que la justice donne les enfants à leur mère par principe, il ne se lance dans aucun combat judiciaire, il s’en va vivre comme il l’entend : loin de la satanique « société de consommation ». Cédric Kahn, le réalisateur, décide de filmer ce parcours avec une précision baignée d’une magnifique lumière et surtout de donner un espace à chacun des membres de cette famille « inspirée de faits réels ». Le film n’est ni noir, ni rose, il est gris, à tout instant, pas dans ses couleurs mais, dans les nuances qu’il donne aux êtres qu’il filme.

Le père de mes enfants

Le film commence brutalement, par une course folle, celle d’une mère qui fuit avec ses trois garçons, sans qu’on ne comprenne rien, et eux non plus. Les enfants refusent cette fuite brutale et semblent tiraillés entre leur père et leur mère. Car c’est d’abord sa fuite à elle, d’une vie qu’elle a pourtant longtemps aimée, que l’on voit, à travers ses yeux. Le père, on ne l’a qu’aperçu que partant, sans savoir qu’il quittait à jamais une femme épousée au pied d’un arbre centenaire, comme un indien. La mère veut rentrer dans les clous, emmener ses enfants à l’école. Elle choisit donc, en toute logique, le combat judiciaire pour obtenir la garde de ses enfants. Ses larmes coulent, mais si elle la porte en elle, elle ne distille aucune haine du père à ses enfants. Lui, débarque enfin tout en cri et en rébellion. Il n’a pas la patience d’attendre que la justice lui donne un droit tel ces « pères en colère » qui grimpent sur des grues pour crier qu’ils sont avant tout des pères, même divorcés ou séparés et que sans enfants, ça n’a pas de sens. Lasse d’attendre donc, il soustrait ses deux enfants à leur mère et à la société. Cette mère-là est inoubliable, pourtant, et c’est une belle idée, Cédric Kahn la laisse de côté, elle et son combat qu’on n’aperçoit que par quelques coupures de journaux, pour se focaliser sur le père.

« Nos enfants ne nous appartiennent pas, ils n’appartiennent à personne » 

Xavier Fortin, le vrai, s’est confié dans un livre écrit avec ses deux fils (Hors système), qui inspire la source même du film de Cédric Kahn. Mais le cinéaste, habitué au hors norme, et aux films âpres et réalistes, pose des questions qui dépassent celles du simple fait divers. Déjà avec Roberto Succo ( il y a 13 ans), il avait atteint autre chose. Ici, l’affaire ne lui sert pas à juger mais à observer. Si le film commence comme un drame, il se poursuit comme une aventure, pleine de suspens. C’est filmé avec précision et minutie, au cœur de la vie sauvage d’un père et de ses deux fils. Ce père, que la mère compare à un gourou, rejette le système, la société, les « beaufs » qui portent les cheveux courts et dorment au chaud, mangent à leur faim, vont à l’école, consomment. La loi ne l’intéresse pas quand elle est contre lui, beaucoup plus quand elle est avec lui, puisqu’il fait lui-même l’école à la maison à ses fils, en leur apprenant à écrire, à compter, à penser … comme lui. Éduquer c’est toujours imposer un style de vie mais c’est surtout le combat de toute une vie. Si ces deux-là s’attachent à leur père, enfants, ils découvrent plus grands, qu’ils n’ont pas consciemment fait de choix, que toutes les ruptures étaient déchirantes. Ils savent qu’ils ont subi une enfance, certes belle et au cœur de la nature, mais aussi une vie de mensonge et de cavale. Kahn s’évertue à remettre ces deux enfants au centre de son récit, de sa caméra, à nous faire comprendre à quel point ils ont été au cœur d’une déchirure puissante. Pas de sentimentalisme ici, mais une sauvagerie toute autre qui fait périr le sens même de la famille. D’une phrase, le père ballait l’identité de ses enfants, qui doivent changer de prénom, et Nora, son ex-femme, « et votre mère ? », « on dit qu’elle est morte ». Voilà, alors qu’il ne cesse de répéter que ses enfants sont des êtres à part entière, qu’ils n’appartiennent à personne, il les force tout de même à une « vie sauvage » et à son éducation à lui, frugale, intense mais aussi parfois désespérément triste, tant elle est aussi un combat pour une pensée unique. Quand les fils grandissent et qu’ils décident eux-mêmes pour eux-mêmes, le père y voit une agression. Ainsi, se couper les cheveux, lire un manga… deviennent autant de signes d’un rejet de son monde à lui. C’est comme ça qu’il les voit. La ville, les autres, le changement, la fin de l’isolement deviennent pourtant une tentation pour ces gamins devenus ados, qui ne savent plus vraiment ce qu’ils ont choisi, ce qui leur a été imposé de force. L’un est plus tenace que l’autre, violemment opposé au père et pourtant complètement attaché à lui. Ses réactions sont totales, entières, passionnées. Il veut faire son chemin seul, tout en cherchant tout autant à tuer qu’à protéger son père. Ses réactions sont changeantes, balbutiantes à l’image de son âge et de ses premiers battements de cœur amoureux.

50 nuances de gris

Le film de Cédric Kahn a deux forces : laisser à chaque protagoniste l’espace pour s’exprimer en refusant d’en juger ne serait-ce qu’un seul, et redonner toute leur place aux deux frères, au centre de ce combat père-mère. Que ce soit la vie sauvage ou un triste pavillon de banlieue, on sait que chacun a sa nuance de gris, que chacun regorge autant d’amour que d’un combat stérile. Sa caméra est précise, elle caresse les êtres, mais elle les casse aussi parce qu’après le soleil, la pluie vient toujours. De la terre nourricière, aux parents qui élèvent, plusieurs questions sont soulevées sur l’éducation et la norme, des questions qui ne trouvent pas de réponses mais sont d’intenses débats. Comme un colosse, comme un chef de clan, comme un père jusqu’au-boutiste, Mathieu Kassovitz est dans un contre-emploi assez fascinant même si l’acteur lui-même ne l’ait pas vraiment dans la vie. Aigri dans les interviews, il livre ici une intensité assez belle que Cédric Kahn, très bon directeur d’acteur, recueille avec brio. Le combat n’est pas encore fini quand la police, après ses filets ratés, vient récupérer les enfants d’une société qu’ils ont été contraints – sans violence – de fuir pendant 10 ans. Leur mère est là, ils ne pensent qu’à protéger, à « sauver » leur père. « Un homme qui a simplement élevé ses enfants, vous ne voulez pas le tuer pendant que vous y êtes ?», répond le plus grand et le plus déboussolé quand les policiers lui apprennent que son père peut faire jusqu’à 5 ans fermes. Voilà que l’on rejoint la mère, devenue plus sage dans  son allure, mais qui demeure une pasionaria (beau choix que Céline Sallette, l’actrice imprime tout le film de sa présence-absence qui ne dure qu’une heure pour nous mais a en réalité duré dix ans pour eux). Cette mère, otage et forcée à aller contre le désir de nature de ses fils, tente de pardonner, et pense avoir vécu des miracles. La scène est intense, elle est à l’image de la fin d’une aventure, du retour à un drame familial, nœud de tout le film. Le seul vrai miracle ici, c’est de montrer qu’éduquer, choisir mais surtout s’aimer « c’est sans fin en fait », comme le dit si bien Cédric Kahn**.

*Le livre, réédité par l’occasion, s’intitule Hors système, 11 ans sous l’étoile de la liberté, a été écrit par Xavier Fortin et ses deux fils

** Dans un entretien sur France Info

A propos du fait divers: trois points de vus, les médias, les deux frères et Cédric Kahn

En mars 2009, Xavier Fortin  est condamné à deux ans de prison, dont vingt-deux mois avec sursis. Onze and plus tôt, il avait récupéré ses deux fils, 6 et 7 ans, chez leur mère. Il ne les ramènera jamais. Vie Sauvage retrace les 11 années de cavale de Xavier, Shahi Yena et Okwari à l’écart de la vie moderne et sociale.  Les médias se sont rapidement emparés de l’affaire, notamment via le combat de la mère, Catherine Martin.

Les deux frères, Shahi Yena et Okwari, ont vu le film et ont déclaré à son propos, sur France Info, « ce film reste fidèle à notre histoire. 60% de réel, 40% de fiction ».

Quant à Cédric Kahn, il a expliqué son choix, pour la deuxième fois, d’adapter un fait divers, sur France Info: « Finalement, quand on rentre dans un fait divers, on s’approprie l’histoire de quelqu’un d’autre. Ce qui est assez beau, c’est qu’on devient soi-même un enquêteur. » Et sur le film en particulier :  » Moi, plus je suis rentré dans cette histoire, plus je me suis dit « c’est ça » et puis « non c’est plutôt ça ». Qu’est-ce que c’est que d’être père, d’être mère, d’être parents, en général? ». Pour réaliser ce film, Cédric Kahn a dû jouer sur la carte de la réconciliation en réunissant la validation de Xavier Fortin, de ses deux fils mais aussi de Catherine Martin, la mère, qui n’a plus beaucoup de contacts avec ses enfants à ce jour.

Bon à savoir : Vie Sauvage n’est pas le premier long métrage sur l’affaire Fortin, un autre film est sorti en avril 2014 sur les écrans français. Il s’agit de La Belle vie de Jean Denizot. 

Synopsis : Philippe Fournier, dit Paco, décide de ne pas ramener ses fils de 6 et 7 ans à leur mère qui en avait obtenu la garde. Enfants puis adolescents, Okyesa et Tsali Fournier vont rester cachés sous différentes identités. Greniers, mas, caravanes, communautés sont autant de refuges qui leur permettront de vivre avec leur père, en communion avec la nature et les animaux. Traqués par la police et recherchés sans relâche par leur mère, ils découvrent le danger, la peur et le manque, mais aussi la solidarité des amis rencontrés sur leur chemin. C’est une vie hors système, où ils se sentent nomades et libres. Une cavale de onze ans à travers la France qui va forger leur identité.

Vie Sauvage : Bande-annonce

Vie Sauvage : Fiche Technique 

Réalisation: Cédric Kahn
Scénario : Cédric Kahn, Nathalie Najem
Interprétation: Mathieu Kassovitz (Paco/Philippe Fournir), Céline Sallette (Nora/Caroline), David Gastou (Tsali, 9 ans), Sofiane Neveu (Okyesa, 8 ans ), Jenna Thiam (Céline)
Photographie : Yves Cape
Montage : Simon Jacquet
Durée: 1h45
Genre: Drame
Date de sortie: 29 octobre 2014

France – 2014

Critique, Le Grimoire d’Arkandias : De la magie mièvre et puérile

Synopsis : Dans le village de Ronenval, tout semble normal. Trop normal pour Théo qui ne rêve que d’une chose : échapper à son destin de boloss. Un jour, il déniche à la bibliothèque un livre de magie qui contient les secrets de fabrication d’une bague d’invisibilité. Avec l’aide de ses meilleurs amis Bonnav et Laura, il décide de fabriquer cette bague.

Trop souvent, le cinéma Français se cantonne à deux genres : la comédie et le policier. Avant toute chose, il convient donc de saluer le courage du producteur, Yves Marmion, qui a accepté de s’aventurer en dehors des sentiers balisés et trop souvent empruntés. Si Le Grimoire d’Arkandias est loin d’être exempt de défauts, il constitue malgré tout un changement bienvenu dans le paysage cinématographique, et on ne peut que souhaiter qu’il soit le premier d’une longue série, à tenter afin d’explorer de nouveaux territoires.

Plus jeune ne veut pas dire plus bête

Il faut dire aussi que la fantasy en France est un genre peu développé en littérature adulte. En l’occurrence, Le Grimoire d’Arkandias est adapté du roman pour enfant d’Eric Boisset. Le public visé est donc forcément jeune, voire très jeune, et cela se ressent. L’atmosphère est résolument tout public, les dialogues ne brillent pas par leur complexité et l’intrigue est réduite au strict minimum. En gros, un gamin comme les autres, voire un peu martyrisé, découvre la recette d’un objet magique qui va lui changer la vie. Un synopsis simple, qui aurait pu donner naissance à un scénario un peu plus complexe. Certes, Le Grimoire d’Arkandias s’adresse aux plus jeunes, mais ce n’est pas une raison pour tomber dans le mièvre.

C’est là le principal reproche adressé au film. On a parfois l’impression qu’il prend résolument les enfants pour des êtres dépourvus de toute intelligence et sens critique. Or, c’est justement à cet âge que se développent les références qui guideront et aiguilleront les goûts, qu’ils stimuleront à l’âge adulte. S’adresser aux plus jeunes, ne veut pas dire faire preuve de condescendance, et ce n’est certainement pas grâce à cette aventure qu’ils vont s’habituer au grand cinéma. Au-delà de l’intrigue simpliste, la réalisation est également loin d’être à la hauteur. Chaque mouvement de caméra est laborieux, et on a parfois l’impression que le cadreur est atteint du syndrome de Parkinson. Même Michael Bay parvient à plus de fluidité, c’est dire.

De l’importance du public cible

De plus, l’autre problème du film, c’est qu’il tombe parfois de manière spectaculaire à côté de sa cible. L’humour très potache et puéril, ainsi que les gags visuels très premiers degrés côtoient des dialogues qui semblent plutôt destinés à des pré-adolescents. Et l’âge du héros laisse à penser que ces derniers sont aussi visés par le film et son propos. À vouloir trop contenter les deux publics, Le Grimoire d’Arkandias risque bien de se fourvoyer. Les plus jeunes passeront à côté de certaines références et vannes un peu lourdes, tandis que les plus âgés auront du mal à se projeter dans ces deux héros résolument immatures.

D’autant que la production a fait le choix de confier les rôles principaux à de jeunes premiers, dont la prestation est pour le moins inégale. Si l’alchimie entre les deux jeunes garçons ne fait aucun doute, ils se laissent parfois déborder par l’enthousiasme, et ont bien du mal à avoir l’air sérieux en sortant des répliques pas toujours très heureuses. Surtout qu’ils sont entourés de plusieurs grands noms de la comédie, qui semblent avoir lancé un concours de celui qui cabotinera le plus. Si Clavier offre une prestation tout à fait correcte, le trio Isabelle Nanty-Anémone-Armelle mérite des claques, tant elles en font des tonnes.

Un premier essai pour le moins mitigé, donc, mais qui a le mérite d’exister. Le Grimoire d’Arkandias risque de se retrouver à la peine en cette période de grosses sorties, et de pâtir d’une cible mal définie. Toutefois, les plus jeunes devraient y trouver leur compte, et s’amuser de cette aventure bancale mais sympathique.

Le Grimoire d’Arkandias – Fiche Technique

France – 2014
Comédie, Fantastique
Réalisateurs : Alexandre Castagnetti, Julien Simonet
Scénaristes : Alexandre Castagnetti, Julien Simonet, d’après l’oeuvre d’Eric Boisset
Distribution : Ryan Brodie (Theo), Timothée Coetsier (Bonav), Pauline Brisy (Laura), Christian Clavier (Arkandias), Isabelle Nanty (Bertha Boucher)
Producteur : Yves Marmion
Directeur de la photographie : Yannick Ressigeac
Compositeur : Clément Marchand
Monteur : Thibaut Damade
Production : Cinéfrance 1888, Les Films du 24, UMedia, TF1 Droits Audiovisuels
Distributeur : UGC Distribution

Auteur : Mikael Yung

Magic in the Moonlight ou le monde des illusions et des faux-semblants.

Synopsis: Le prestidigitateur chinois Wei Ling Soo est le plus célèbre magicien de son époque, mais rares sont ceux à savoir qu’il s’agit en réalité du nom de scène de Stanley Crawford : cet Anglais arrogant et grognon ne supporte pas les soi-disant médiums qui prétendent prédire l’avenir. Se laissant convaincre par son fidèle ami Howard Burkan, Stanley se rend chez les Catledge qui possèdent une somptueuse propriété sur la Côte d’Azur et se fait passer pour un homme d’affaires, du nom de Stanley Taplinger, dans le but de démasquer la jeune et ravissante Sophie Baker, une prétendue médium, qui y séjourne avec sa mère…

Play it again, Sam

Les années passent, et Woody Allen égraine ses films. Il le fait sans forcément séparer le bon grain de l’ivraie. Au bout de 44 films, il est capable de réaliser un film entier quasiment en pilotage automatique, presque sans se fouler. C’est bien dans cette catégorie que se situe ce nouveau film, totalement allénien, agrémenté des punchlines qui font sa signature et semblent être sortis de sa propre bouche, mais hélas peu inspiré, notamment au niveau du scénario.

Soit donc vers la fin des années 20, Stanley Crawford alias Wei Ling Soo, un magicien déguisé en une sorte de Dr Fu Manchu, odieux avec le personnel en coulisses, présomptueux et imbu de sa personne, mais qui s’avère être un Englishman policé et affable dès lors qu’il enlève son masque. Une manière sans doute habile pour Woody Allen d’introduire son sujet : le monde des illusions et des faux-semblants et par extension de l’invisible. Un sujet de prédilection.

Un soir, après une brillante représentation de plus, Stanley est rejoint par Howard, également magicien, opérant dans l’ombre du grand Wei Ling Soo, mais  néanmoins ami ; ce dernier l’invite à venir confondre une jeune medium américaine qui « sévit » sur la Côte et est en passe d’ensorceler le jeune et riche héritier Brice Catledge et sa famille, installés dans le Sud de la France (Woody Allen, ou plutôt sa sœur a écumé la Côte d’Azur pour trouver des spots tous plus splendides les uns que les autres). Stanley a forgé sa réputation sur sa rationalité, son esprit scientifique, et c’est donc incognito qu’avec son ami Howard, il rend visite à cette riche famille britannique, dans l’optique de démasquer la supercherie.

Stanley rencontre Sophie Baker, la jolie et pétillante medium, de près de 30 ans sa cadette, pétri de préjugés sur les prétendues « vibrations mentales » de cette dernière. Très vite pourtant, il est troublé par certaines révélations, et le film va raconter sa transformation par rapport à ses propres repères, (la science, la raison, la tempérance en toutes choses, jusqu’à l’invisible et Dieu), ainsi que l’idylle qui se noue ou pas entre les deux, avec à son apogée une « magie sous un clair de lune », une ouverture de l’Observatoire de Nice vers un ciel romantique en diable.

Le jeu de ces deux acteurs et des personnages secondaires est irréprochable. Colin Firth joue à merveille l’homme qui est revenu de tout, sûr de son bon sens, affichant presque du mépris pour ses semblables qui seraient crédules ou charlatans.  La jeune Emma Stone est une parfaite fausse ingénue, une « illuminée » dont le physique diaphane est en concordance avec cette jeune yankee des années 20, libre et sans le sou, affriolant le bourgeois dans ses adorables tenues Charleston. La tante de Stanley, flegmatique à souhait, une Vanessa incarnée par Eileen Atkins, finit d’apporter une gracieuse touche britannique au film de Woody Allen, tandis que Jacki Weaver, en crédule d’entre les crédules, un sourire niais permanent aux lèvres, apporte la touche de folie.

Et pourtant, le film de Woody Allen peine à nous émouvoir, tant il donne l’impression d’avoir été écrit sur un coin de table. Tout d’abord, l’allusion à la magie et au « monde invisible » est un sujet, qu’en tant que magicien amateur dans sa jeunesse, Woody Allen a déjà exploré dans des films comme Scoop ou encore Le sortilège du Scorpion de Jade. Les thématiques qu’il nous propose, sont celles qui ont émaillé ses films depuis toujours, la question de la mort en tout premier lieu. Sa relation avec Dieu aussi, avec cette scène improbable où Colin Firth s’essaie à la prière, quand sa chère Tante Vanessa se retrouve entre la vie et la mort suite à  un accident de voiture ; il le fait d’une manière si peu convaincue et encore moins convaincante, montrant en un seul plan à quel il ne peut pas s’y résoudre malgré tout, même si la vieillesse avance et que la tentation est grande de se laisser envelopper… La romance est peu crédible et a des allures factices, sans doute à cause de l’écart d’âge entre les deux protagonistes, aucun talent ne pouvant transformer un Colin Firth vieillissant en un perdreau de l’année !

En dehors d’un choix d’acteurs globalement judicieux, le grand talent de Woody Allen est, depuis un certain nombre de films maintenant, de faire confiance au très talentueux Darius Khondji pour la cinématographie. Le film est tourné dans des tons pastels et frais qui correspondent à l’idée qu’on peut se faire du Sud de la France des années 20, la French Riviera des britanniques et autres américains. Il est baigné d’une lumière naturelle superbement restituée, et de cadrages très équilibrés qui trouvent leur apothéose dans une scène de bal (à la villa Eilenroc de Juan-les-Pins) qui ne déparerait pas face au plus épique du Gatsby le magnifique très haut en couleurs de Baz Luhrmann. Darius Khondji en convient lui-même.

Il est maintenant dans les mœurs de parler d’un « bon » Woody Allen, et d’un « moins bon » Woody Allen. Magic in the Moonlight est à ranger parmi les seconds, une sorte de pause après le vrai élan créatif de Blue Jasmine. C’est un film un peu paresseux, mais un film paresseux d’un très grand faiseur, et il reste un plaisir des yeux supérieur à la moyenne de ce qui est donné à voir par les temps qui courent…

Fiche Technique: Magic in the Moonlight

Réalisateur : Woody Allen
Genre : Comédie, Romance
Année : 2014
Date de sortie : 22 Octobre 2014
Durée : 97 min.
Casting : Colin Firth (Stanley), Emma Stone (Sophie Baker), Simon McBurney (Howard Burkan), Catherine McCormack (Olivia), Eileen Atkins (Tante Vanessa), Erica Leerhsen (Caroline), Jeremy Shamos (George),Hamish Linklater (Brice), Marcia Gay Harden (Mme Baker), Ute Lemper (chanteuse cabaret), Jacki Weaver (Grace Catledge)
Scénario : Woody Allen
Chef Op : Darius Khondji
Nationalité : USA
Producteur : Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Edward Walson
Maisons de production : Dippermouth, Gravier Productions, Perdido Productions, Ske-Dat-De-Dat Productions
Distribution (France) : Mars Distribution