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Un magnifique livre et film, Le silence de la mer, conte l’histoire d’un officier allemand mélomane débarquant dans une famille (une jeune fille et son grand-père) qui résiste par son silence à cet envahisseur amoureux de la France, mais ennemi puisqu’on est en temps de guerre. C’est comme ça que commence l’histoire de Suite française, quelque chose d’un rejet de l’ennemi est visible à l’écran malgré le calme apparent.

Synopsis : Été 1940, France. Dans l’attente de nouvelles de son mari prisonnier de guerre, Lucile Angellier mène une existence soumise sous l’oeil inquisitoire de sa belle-mère. L’arrivée de l’armée allemande dans leur village contraint les deux femmes à loger chez elles le lieutenant Bruno von Falk. Lucile tente de l’éviter, mais ne peut bientôt plus ignorer l’attirance qu’elle éprouve pour l’officier…

Un village français

Lucile vit dans le village de Bussy encore provisoirement protégé de la guerre. Elle y attend le retour de Gaston, son mari parti au front. Dans une magnifique demeure, Lucile partage ses journées avec sa belle-mère plutôt austère et d’abord présentée comme « sans cœur » tant elle traite ses métayers avec peu d’égard, leur prenant l’argent qu’ils lui doivent avec mépris. Lorsque l’on débarque dans le film, la voix off de Lucile nous explique que nous sommes au moins de juin, une semaine après les premiers bombardements sur Paris. Dans le calme éphémère qui règne encore au village, une menace sourde se fait entendre, bientôt de plus en plus prégnante lorsque, sur leur route, Lucile et sa belle-mère croisent des réfugiés qui se déplacent par centaines, sans foyer où atterrir et soumis aux aléas des bombardements puisque les ennemis qui ont frappés Paris les ont suivi et bombardent désormais Bussy. Le calme ne reviendra plus. C’est la tempête qui commence, celle du cœur, de l’esprit, des certitudes et de la vie de campagne déjà bien rude qui va devenir soumission.

Remettre les pendules à l’heure

A chaque instant le récit ne fait que remettre en question la bonté de chacun, les confronter à leurs ennemis. Être ou n’être pas humain, voilà la question que pose la guerre et le propos est clair : « pour connaître vraiment les gens, faîtes une guerre ». Quand les allemands débarquent à Bussy, la caméra est au cœur de l’église où les paroissiens écoutent la messe leur dire qu’il faut être solidaires en ces temps de division profonde, n’être qu’un (et indivisible). Au sein de l’église cet esprit-là demeure dans la prière, mais il est bientôt ébranlé par un tremblement cadencé : les pas de l’ennemi. Les allemands sont là. Les premières à quitter l’église sont la belle-mère et Lucile qui la suit docilement. Regroupés sur la place, les villageois écoutent les allemands leur dire que les nouvelles valeurs sont désormais le droit au travail ainsi que la famille. Pourtant, ces familles-là vont être bouleversées par l’arrivée, dans les meilleurs foyers, d’un officier qui prendra ses quartiers. Madame Angellier (la belle-mère) est claire, en s’éloignant du rassemblement, là encore la première, elle exprime sa rébellion : « je ne vivrais jamais à l’heure allemande ». C’est donc tout naturellement que l’accueil est très froid quand Bruno Von Falk arrive dans la demeure des deux femmes. Il a l’air plutôt doux, cordial bien qu’un peu brutal. Il remet d’ailleurs les pendules à l’heure, non pas symboliquement, mais véritablement comme pour faire écho à la résistance de Madame Angellier. Lucile est une femme docile, sûre de la méchanceté de sa belle-mère et de la bonté de voisins proches, des fermiers qui vivent avec leurs deux enfants. Le mari, Benoit, est blessé et profondément remonté contre la bourgeoisie comme les allemands. Un sanguin. L’ennemi envahit donc la demeure des deux femmes qui se refusent à tout signe de faiblesse devant lui.

Guerre et amour

Pourtant, très vite, une petite flamme s’allume dans le cœur de Lucile quand elle entend Bruno jouer un morceau au piano qui lui est inconnu. Leur première discussion tourne d’ailleurs autour de la musique. Mais ce qui va pousser Lucille, qui est encore dans le jugement, dans les bras de son ennemi, c’est la découverte de l’infidélité de son mari avant la guerre. Son monde est ébranlé bien plus par cette nouvelle que par la pénurie qui se fait partout sentir. Cette âme pure va peu à peu se confronter à la réalité du monde. La caméra prend le temps d’observer son visage, et les frémissements de sa peau. Ce visage va d’ailleurs peu à peu se durcir, elle prendra des décisions qui la font enfin gouverner sa vie. C’est d’abord dans le rêve qu’elle s’égare. Loin du regard réprobateur de sa belle-mère, elle se laisse aller à son amant bien que leur étreinte soit brisée. Il n’y a aucun mot d’amour échangé entre eux, juste des corps qui s’attirent. Car dans leurs yeux, ils voient bien qu’il y a quelque chose qui les lie profondément, une humanité. Mais Bruno est un soldat, avec du sang sur les mains. S’il nous est montré tantôt comme un exécutant, tantôt comme un chef, c’est pour le rendre duel, jamais ni héroïque, ni complètement salaud. D’ailleurs, dans ce film personne n’est montré ainsi. Avec une exactitude assez bluffante, la reconstitution proposée n’est pas qu’un décor, c’est un théâtre des mœurs, des sentiments, des actes. Des lettres que des voisins envoient aux allemands pour se dénoncer les uns les autres aux petits actes qu’ils font sans en retirer aucune gloire, chacun fait comme il peut avec sa conscience. Le film ne se propose pas comme une démonstration de force, il observe finement la quintessence d’un monde où l’homme est fait pour être guerrier et la femme pour son repos, comme un officier allemand peu scrupuleux le fait remarquer au couple de fermiers, amis de Lucile. Une autre femme dira d’ailleurs « je travaille tout le temps, il ne me reste que l’amour ». La question des idylles entre les soldats allemands et certaines femmes françaises a toujours été très cinématographique. On connaît le sort réservé à la libération aux femmes qui avaient eu des liaisons avec l’ennemi. Pourtant, dans l’esprit de Lucille, il y a tout un tas de questions, elle reconnaît tantôt Bruno comme son semblable et le rejette bientôt violemment.

Classicisme et pudeur

La mise en scène reste très classique, de la musique très « sentimentale » aux mouvements de caméra qui s’approchent au plus près des émotions, mais aussi surprennent les regards volés. Même quand un homme est exécuté pour l’exemple, le traitement choisi par le réalisateur est sobre, il ne part dans aucune effusion. Mais cette pudeur et cette maîtrise vient aussi des acteurs qui n’en font jamais trop. On retrouve avec plaisir Matthias Schoenaerts, ici transformé (loin de Bullhead) et d’une maîtrise éclatante car elle cache mille émotions qui se déploient au fur et à mesure du film. Il en est de même pour la belle Michelle Williams qui n’est pas que ça, c’est aussi une âme qui pense, qui vit et qui se questionne. Le reste du casting vaut aussi le détour. Ce qu’on sent dans ce film, c’est la nécessité de tout englober, d’essayer de comprendre l’ennemi autant que ceux qui sont censés être des alliés. Une nécessité d’autant plus prégnante que le film est l’adaptation d’un roman inachevé écrit par Irène Némirovsky, dont on n’a découvert le manuscrit que bien des années après son écriture. Ce qu’Irène n’a pu écrire, c’est notamment le manuscrit qui s’intitule La paix, qu’elle n’a pas connue puisqu’elle fut déportée en 1942, année de sa mort. C’est sa fille qui l’a publié des années après, le livre a d’ailleurs été couronné d’un Prix Renaudot. Mais la paix on la sent pourtant dans le cœur de Bruno comme de Lucile quand ils partagent ensemble quelques notes de musique, une « suite française » qui relie leurs esprits à jamais. C’est ça leurs mots d’amour. Un film touchant principalement parce qu’il n’en fait jamais trop, malgré son classicisme. Le seul bémol : que tous parlent anglais au beau milieu de la France, c’est assez incongru. Au final, rien de « neuf », mais une belle fresque romanesque magnifiée par des interprètes pudiques et sensibles.

Fiche Technique – Suite Française

Genre : Guerre, Drame – Sortie le 1 avril 2015
Réalisateur : Saul Dibb
Scénariste : Saul Dibb, Matt Charman, d’après l’œuvre de Irène Némirovsky
Distribution : Michelle Williams (Lucile), Matthias Schoenaerts (Bruno von Falk), Kristin Scott Thomas (Madame Angellier), Ruth Wilson (Madeleine Labarie), Lambert Wilson (Le Vicomte de Montmort)
Producteurs : Simon Oakes, Tobin Armbrust, Ben Holden Richard Jackson
Directeur de la photographie : Eduard Grau
Compositeur : Rael Jones ( et Alexandre Desplat pour la musique au piano jouée par Bruno)
Monteur : Christopher Dickens
Distributeur : UGC Distribution

Suite Française trailer

Prix de la mise en scène au dernier festival de Cannes, suivi de nombreux prix et nominations dans divers festivals, en attendant les oscars ou le film a 5 nominations : meilleur réalisateur : Bennett Miller, acteur : Steve Carell, acteur dans un second rôle : Mark Ruffalo, scénario original : E. Max Frye et Dan Futterman, puis maquillages : Bill Corso et Dennis Liddiard. Foxcatcher était très attendu, surtout pour la prestation de Steve Carrel, encensé depuis des mois.

Synopsis: Inspiré d’une histoire vraie, Foxcatcher raconte l’histoire tragique et fascinante de la relation improbable entre un milliardaire excentrique et deux champions de lutte.

Dans l’antre de l’aigle doré

Le film fait honneur à sa réputation et devrait déjà faire partie des dix meilleurs de cette année. Il met la barre très haut, aussi bien dans la mise en scène, que dans l’interprétation, le scénario ou encore, la photographie. Après Night Call, Whiplash ou A Most Violent Year entre autres, le cinéma américain continue son introspection, en offrant un visage de plus en plus sombre de son pays. Mais à la différence de ces trois films, il s’inspire d’une histoire vraie, ce qui le rend encore plus glaçant et effrayant.

Nous sommes dans les années 80, celles du libéralisme, initié par Ronald Reagan, le nouveau président des Etats-Unis en 1982. Avec le capitalisme à outrance, cette nouvelle politique accentua les inégalités sociales. C’est dans ce contexte politique et social, que les frères Schultz, Mark et Dave, remporte l’or aux jeux olympiques de Los Angeles en 1984. Trois ans plus tard, on retrouve Mark, s’entraînant dans l’anonymat avec son frère Dave devenu un entraîneur respecté et reconnu. Mark est un homme solitaire, vivant dans l’ombre de son aîné, un homme stable, marié à Nancy et père de deux enfants. Face à la réussite et la stabilité de son frère, Mark semble nourrir une forme de jalousie en lui, s’exprimant lors de leurs affrontements durant les entraînements. Mais un jour, Mark va recevoir un coup de téléphone de la part du secrétaire de John Eleuthère Du Pont, un philanthrope, héritier de la famille Du Pont et se présentant comme l’homme le plus riche des Etats-Unis. Cette rencontre, entre deux hommes socialement à l’opposé, de même qu’intellectuellement, va dramatiquement changer le cours de leurs vies.

Ce fait divers, qui a défrayé la chronique en 1996, devient un thriller psychologique sombre et étouffant, ou plane un sentiment de malaise permanent, dès l’apparition de Steve Carell. Son interprétation est monstrueusement terrifiante. C’est un homme célibataire, héritier milliardaire, au physique disgracieux et vivant dans l’ombre d’une mère castratrice, ayant les traits de Vanessa Redgrave. Son visage est dénué d’émotions, son regard vide, sa voix monotone et son caractère lunatique, fait de lui un homme froid comme la mort. Il devient un père de substitution pour Channing Tatum, qui ne démérite pas face à lui. Mais c’est un esprit influençable, qui va devenir le jouet de cet homme riche, excentrique et s’offrant un athlète, comme il s’offre un char, un trophée en subventionnant une compétition, ou une équipe olympique de lutte, car pour lui, tout à un prix et donc, il peut acquérir tout ce qu’il désire.

Mais tout n’est qu’illusion et l’argent n’achète pas tout. C’est un homme frustré, il vit par procuration sa passion du sport, à travers Channing Tatum. En dehors de la relation père/fils qui s’installe entre eux, il y a aussi cette homosexualité refoulée qui transpire dans leurs corps à corps. Au début absent, Steve Carell se fait de plus en plus présent durant les entraînements, jusqu’à s’octroyer le rôle de coach, en finançant une fiction sur la préparation qui doit les mener aux Jeux Olympiques de Séoul en 1988.

La réalisation est sobre, Bennett Miller colle sa caméra aux corps, filmant leurs nuques, leurs épaules voûtées et leurs frustrations sur leurs visages tristes. l’éclairage est sombre, avec une absence de couleurs dans la photographie. Il n’y a pas de chaleur dans leurs vies, elle perce parfois après une victoire, ou le champagne coule à flots, au son du « Fame » de David Bowie, mais elle est éphémère. La solitude de Steve Carell, comme celle de Channing Tatum offre peu de joie, dans leurs mornes vies. Au contraire de Mark Ruffalo, personnage secondaire, mais si important. Sa vie de famille, lui permet de trouver le sourire, de respirer, pendant que son frère étouffe, sous le joug de son mentor.

Bennett Miller a pris le parti de ne montrer que le côté obscur de l’histoire, en gommant tout espoir d’évasion. On est comme Channing Tatum, enfermé dans la propriété de Steve Carell, couper du monde extérieur, des loisirs, de la vie. C’est un manipulateur, il nous étouffe, on est pris au piège et cette fin glaçante, enterrant le rêve américain en une image, s’imprègne durablement dans la rétine.

A travers ce drame, Bennett Miller apporte sa pierre à la démystification de ce pays, en mettant à mal le rêve américain, avec ce personnage de John Eleuthère du Pont. Steve Carell, Channing Tatum et Mark Ruffalo, livrent chacun, une immense performance. Même si le premier concoure pour l’oscar du meilleur acteur, c’est difficile de les dissocier, tant ils semblent indissociables l’un de l’autre.

C’est le film de ce début d’année, le coup de poing direct au foie, nous laissant au bord du ko, tant l’oxygène se faire rare, dans l’univers dérangeant et malsain, de cet homme, qui n’en a que l’apparence.

Fiche technique : Foxcatcher

USA – 2014
Réalisation : Bennett Miller
Scénario : E. Max Frye et Dan Futterman
Distribution : Channing Tatum, Steve Carell, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Anthony Michael Hall, Vanessa Redgrave, Tara Subkoff et Lee Perkins
Musique : Mychael Danna et Rob Simonsen
Photographie : Greig Fraser
Montage : Jay Cassidy, Stuart Levy et Conor O’Neill
Production : Anthony Bregman, Megan Ellison et Bennett Miller
Sociétés de production : Annapurna Pictures et Likely Story
Société de distribution : Sony Pictures Classics
Durée : 130 minutes
Genre : drame, thriller
Date de sortie française : 21 Janvier 2015

Invincible : Un exercice d’autocélébration nationale indigeste et daté

Synopsis: L’incroyable destin du coureur olympique et héros de la Seconde Guerre mondiale Louis « Louie » Zamperini dont l’avion s’est écrasé en mer en 1942, tuant huit membres de l’équipage et laissant les trois rescapés sur un canot de sauvetage où deux d’entre eux survécurent 47 jours durant, avant d’être capturés par la marine japonaise et envoyés dans un camp de prisonniers de guerre.

Auréolé outre-Atlantique d’un retour autant critique que public dithyrambique, le plaçant derechef comme un solide concurrent aux Oscars, et ce malgré son absence manifeste aux Golden Globes, Invincible (en VO Unbroken) s’affichait au fur et à mesure de sa promotion teintée d’autocélébration héroïco-centrée, comme une réponse contemporaine et actualisée des odes à l’humain et à la guerre, comme le furent avant Lawrence d’Arabie du grand David Lean ou Mémoires de Nos Pères du tout aussi grand Clint Eastwood.

2 grands noms, si ce n’est légendes auxquelles Angelina Jolie a souhaité se confronter, voire se conformer à travers une histoire sacrant plus que jamais la résistance et la puissance de l’être humain à travers ses moments les plus sombres. Un souhait honnête, se plaçant au diapason de la carrière de la metteuse en scène, qui a entamé au cours de la dernière décennie, une transformation radicale, la faisant se muer d’une jeune actrice rebelle, tatouée et très extravertie, à un modèle d’humanisme, de féminité et d’engagement, n’hésitant pas à troquer ses robes affriolantes pour des tenues d’ambassadrice de bonne volonté de l’ONU tout en arpentant les contrées meurtries par les guerres civiles que sont le Darfour, la Namibie ou encore la Thaïlande.

A travers ce combat de tous les instants, occupant maintenant une très grande partie de sa vie, s’est aussi affirmé ses besoins de cinéma. Des besoins, qui là encore, se devaient d’illustrer le profond penchant humaniste qu’elle a endossé. Des besoins qui ont ainsi donné un premier long métrage difficile, ambitieux et accompli avec son remarqué Au Pays du Sang et du Miel, évocation douloureuse et exacerbée d’un amour impossible sur fond de guerre de Bosnie. On n’en retiendra au final que très peu, si ce n’est une prédisposition à enchaîner sur un futur long-métrage, les tenants d’une ambitieuse fresque sacrant l’humain : la guerre.

On le sait la guerre a toujours revêtuoripeaux de changements sur les personnes s’y engageant. Rite initiatique, passage à l’âge adulte, affirmation de valeurs, autant de dénominations tendant à se rapprocher inexorablement d’une amère vérité : la guerre altère les perceptions, révèle des comportements cachés et détruit autant psychologiquement que physiquement. Un constat alarmant quoique prévisible, pourtant initiateur de certaines des plus belles et des plus héroïques histoires que peut recenser un conflit.

Comment ainsi oublier la trame du Il faut Sauver le Soldat Ryan, qui malgré son caractère fictive, n’en est pas moins inspirée d’une histoire somme toute réelle ? Ou celle du prochain The Imitation Game avec le mathématicien méconnu Alan Turing ayant par son travail contribué à la victoire des Alliés ? Autant d’histoires que la Seconde Guerre Mondiale renferme en elle, et qui parfois, au hasard d’un coup de chance peuvent se voir remises sur le devant de la scène, tant pour raviver la mémoire du soldat que pour constituer un legs historique ou une preuve intrinsèque de la puissance de l’être humain. L’occasion ainsi pour Angie de pouvoir affirmer plus que jamais ses envies.

Et à bien des égards, celle d’Invincible se voulait davantage comme un manifeste de l’humain et de sa force que comme une vaine itération de la toute-puissance de l’armée américaine, parachevant de la sorte le questionnement humaniste plus qu’apparent d’Angelina Jolie, sachant conjuguer affirmation de la primauté de l’humain autant hors que face caméra. Car, alors que le film pose sa trame dans le Pacifique, proche pourrait-on penser de Guadalcanal ou des plages d’Iwo Jima, c’est avant tout un soldat qui occupe l’écran. Un soldat italo-américain qui plus est promis à un destin hors du commun et qui a pourtant dû attendre sagement près d’un demi-siècle avant de se voir porté à l’écran. Son nom : Louis Zamperini.

L’Histoire avec un grand H

Véritable arlésienne car acquise par les studios Universal dès 1957, l’histoire de Louie Zamperini avait ainsi tout d’une histoire à l’américaine, convoquant autant abnégation, courage que réussite. Des éléments déjà grandiloquent auxquels il faudra ajouter un élément de taille et non des moindres : sa véracité. Car ce qui force le respect avec l’histoire de ce jeune italo-américain, c’est bel et bien de savoir qu’elle est réelle. Et à la vue de cette vie, facile est de comprendre pourquoi les studios de cinéma et finalement Angelina Jolie ont su voir dans ce récit de guerre hors norme un fascinant morceau d’Histoire à raconter.

Car encore relativement méconnu sur le vieux continent, ce qui constitue une tare, tant le parcours de cet Italo-Américain laisse pantois et admiratif, l’histoire de Louie Zamperini a tout d’une épopée humaine où coïncident force, endurance et courage.

Issue de la vague d’immigration italo-américaine du début du 20^ème siècle, le jeune Louie Zamperini nous est ainsi montré d’emblée comme un garçon à problème. Violent, rebelle, et se voulant déjà comme un adulte, celui-ci est montré dans ses moins bons moments, faits d’incertitude, d’illégalité, le tout saupoudré d’un étrange sentiment, qui au fur et à mesure du développement du récit, s’éclaircira jusqu’à apparaitre en pleine lumière : sa hargne. Le poussant à ne jamais baisser les bras et à ne pas laisser tomber, cette hargne va devenir l’atout de ce jeune homme pour qui sa frêle condition physique et son statut social ont fait naitre une rage, qu’il parviendra à canaliser par la course à pied.

Une discipline physique illustrant l’extrême motivation de cet homme qui en ce sport trouvera son exutoire et sa manière d’échapper à la rue qui lui tendait si injustement les bras tout en le transformant en légende vivante, quand en 1936, il foulera la piste des Jeux Olympiques de Berlin, avant de s’envoler dans les airs du Pacifique, pour participer à la Seconde Guerre Mondiale.

Une guerre, qu’il passera un temps dans les airs avant de voir son avion abattu par l’armée japonaise au cours d’un raid aérien, le laissant lui, ainsi que deux amis, errer dans un canot de sauvetage, 47 jours durant, à l’assaut du soleil, des requins et de la soif ; avant de se voir très injustement encore interné dans un camp de prisonniers japonais, où il subira bien évidemment les brimades de certains, trop heureux de compter un athlète olympique dans leurs rangs.

Quand la fascination vire à l’obsession.

Toutefois, à la vue de ce projet à l’apparence inoubliable, une question demeurait en suspens : un destin extraordinaire suffit-il pour en faire un film extraordinaire ?

Là, était toute la question. Car Invincible, de par les nombreux choix animant sa mise en scène et de par les thématiques qu’il cherchait à aborder prenait de nombreux risques.

Car en cherchant à compiler autant les errances de l’enfance, la question de l’immigration, que le récit de survie exemplaire, tout en omettant d’induire une quelconque remise en question des personnages qu’elle filme, laissant ainsi planer le plus parfait manichéisme sur l’ensemble, Angelina Jolie, malgré son ambition et ses envies, ne détourne que très peu des autres parangons du genre.

Pire, vu son souhait vif, si ce n’est ardent de proposer qu’uniquement la vérité, comme indiqué par son écriteau « a true story« , différant déjà des cadors américains en la matière, apposant le « inspired by«  comme preuve de modifications stylistiques ou artistiques, elle laisse dérouler une intrigue, belle sur le papier, mais ne présentant au demeurant aucun potentiel cinématographique, ne se résumant qu’à un empilement de scènes, tantôt héritées du passé, tantôt du présent, sublimé par le travail de Roger Deakins (Skyfall, Fargo), chef opérateur, qui sait à tout instant illustrer la petitesse de l’homme face au géant combat qui s’offre à lui, mais entachée par une mise en scène virant à l’obsession voire l’admiration béate.

Manquant alors clairement de recul sur son œuvre, Jolie en vient à appuyer inutilement de sous-propos héroïques une mise en scène déjà référencée et qui n’a pour but que d’exposer un pur produit de l’Amérique triomphante, engoncé finalement dans linéarité odieuse, paralysant le récit fait de fulgurance visuelle, pauvreté verbale et ficelles scénaristiques usées jusqu’à la corde.

On en retiendra alors une reconstitution plutôt honnête et des acteurs engagés, jouant dans une ode au dépassement de soi inégale dont la forme fait cruellement défaut à la beauté du fond, rendant ce morceau d’Histoire ainsi assimilable à une gentille hagiographie d’un personnage en tout point de vue exceptionnel, exposé à un long calvaire doloriste autocélébrateur.

Invincible – Bande annonce officielle VOST

Fiche technique: Invincible (Unbroken)

États-Unis – 2014
Réalisation: Angelina Jolie
Scénario: William Nicholson, Richard LaGravenese, Joel Coen, Ethan Coen
d’après: le livre de: Laura Hillenbrand
Interprétation: Jack O’Connell (Louis Zamperini), Domhnall Gleeson (Russell Allen « Phil » Phillips), Garrett Hedlund (Commandant John Fitzgerald), Jai Courtney (Hugh « Cup » Cuppernell), Miyavi (Mutsushiro Watanabe), Finn Wittrock (Francis « Mac » McNamara), Maddalena Ischiale (Louise Zamperini), Vincenzo Amato (Anthony Zamperini)…
Photographie sous-marine: Simon Christidis
Distributeur: Universal Pictures International France
Date de sortie: 7 janvier 2015
Durée: 2h17
Genre:
Image: Roger Deakins
Montage: Tim Squyres, William Goldenberg
Musique: Alexandre Desplat
Producteur: Matthew Baer, Angelina Jolie, Erwin Stoff, Clayton Townsend
Production: Universal Pictures, 3 Arts Entertainment, Legendary Pictures, Jolie Pas

Véritable institution de l’horreur à la gothique dans les années 50 à 70, la Hammer a donné vie à nombre de monstres populaires sur grand écran, avant de connaître le déclin dans les années 80. Revenus sur le devant de la scène il y a deux ans grâce à La Dame en Noir, film sympathique doté d’un budget minuscule, les studios ont décidé de poursuivre la stratégie qui leur a apporté le succès.

Synopsis : Pendant la Seconde Guerre mondiale, huit écoliers accompagnés par la directrice de l’école et une jeune enseignante, quittent Londres pour se mettre à l’abri dans le petit village de Crythin Gifford. Ils s’installent dans une vieille demeure sur une petite île au large de la côte. Leur présence va bientôt réveiller une épouvantable force maléfique…

La relique de la mort

Fort de recettes record de plus de 130 millions de dollars à travers le monde (record pour la Hammer, s’entend), les producteurs ont rapidement mis en chantier une suite, centré sur le même « monstre » qui terrorisait Daniel Radcliffe. Voici donc La Dame en Noir partie pour devenir la nouvelle égérie du groupe. Pour combien de temps encore ?

Le spectre de l’ennui

L’entreprise est en effet délicate. Combien de franchises se sont ainsi créées qui ne finissaient pas par sombrer dans le ridicule ou la lassitude du spectateur après le film de trop (voire les deux ou trois) ? D’autant que, s’il pouvait paraître rafraîchissant de voir enfin surgir un film qui s’éloigne un peu du style en vogue aux États-Unis, La Dame en Noir premier du nom n’était pas non plus un chef d’oeuvre du genre. L’ambiance gothique était travaillée, peut-être un peu trop, et les montées d’adrénaline se faisaient souvent attendre. Le second film, bien entendu, reprend plus ou moins les mêmes recettes, et tente de les moderniser en transportant l’action quarante ans plus tard, en pleine Seconde Guerre Mondiale.

Un cadre qui aurait pu servir de toile de fond à une réflexion sur la cruauté de la guerre et ses premières victimes : les enfants, comme le faisait si bien Guillermo Del Toro dans l’excellent Labyrinthe de Pan. Las, le conflit n’est ici qu’une toile de fond, et une excuse pour une histoire un peu ridicule de jeunes orphelins éloignés de la zone des conflits dans une maison déserte. Une idée qui tourne vite mal, on s’en doute, et qui paraît si peu crédible que même certains personnages vont s’en étonner. Autre problème, si le huis-clos fonctionnait déjà difficilement dans le premier opus, il explose ici carrément en vol, et le dernier tiers devient franchement risible.

La maison est en carton

Non pas que le reste du film soit un exemple non plus. La réalisation de Tom Harper peine à provoquer des frissons, quelques idées sont à noter qui pourraient être intéressantes, mais celui-ci a trop souvent à retomber dans le cliché. On a l’impression d’avoir déjà vu certains plans des milliers de fois, et le rythme du scénario est bien trop lent pour permettre des montées d’angoisse. Du coup, pour compenser, Harper tombe dans la facilité en utilisant le raccourci favori de tout bon réalisateur de film d’horreur feignant : le jump-scare. Certes, il en abuse moins que d’autres, mais ceux-ci sont tellement risibles qu’ils provoquent l’effet inverse de celui recherché.

L’esthétique gothique, elle, est toujours là, plutôt bien mise en avant par une photographie soignée, malgré dix premières minutes un peu délicates. Dommage qu’elle ne suffise plus à assurer l’ambiance, comme c’était le cas dans le premier volet. À ce rythme-là, il a peu de chances que La Dame en Noir rejoigne les rangs des monstres classiques de la Hammer, aux côtés des Dracula, Frankenstein et autres momies…

La Dame en Noir 2 – Fiche Technique

Angleterre – 2014/Titre orignal: The Woman in Black 2: Angel of Death
Genre : Horreur, Thriller
Réalisateur : Tom Harper
Scénariste : Jon Crooker, d’après l’oeuvre de Susan Hill
Distribution : Phoebe Fox (Eve Parkins), Helen McCrory (Jean Hogg), Jeremy Irvine (Harry Burnstow), Oaklee Pendergast (Edward)
Producteurs : Simon Oakes, Tobin Armbrust, Ben Holden Richard Jackson
Directeur de la photographie : George Steel
Compositeur : Marco Beltrami
Monteur : Mark Eckersley
Production : Hammer Films Production, Talisman Productions
Distributeur : Metropolitan FilmExport

Taken 3, : Une copie du Fugitif divertissante mais mal réalisée

Synopsis : Après un retour au calme avec sa famille, l’ex agent spécial Bryan Mills est de nouveau confronté à un tragique incident lorsque celui-ci constate la mort de Lenore son ex-femme. Alors que la police prend en charge l’enquête et arrête Bryan, il réussit à s’échapper. Désormais traqué, il n’a plus d’autres choix que de fuir, forcé de faire la lumière sur le crime dont on l’accuse et découvrir le véritable meurtrier…

Après la trilogie du Transporteur, Taken est devenue la franchise la plus lucrative d’EuropaCorp. Il faut dire que le premier, même s’il avait été boudé par la presse lors de sa sortie en salles, avait tous les ingrédients pour être un divertissement sympathique : un héros charismatique, une mise en scène très énergique, de l’action à gogo… Des atouts que n’avait pas su reprendre convenablement la suite, se présentant alors comme un vulgaire copié-collé mollasson et bien trop invraisemblable du précédent long-métrage. De quoi appréhender ce Taken 3, concocté par la même équipe que le 2 et qui se vante de retrouver Liam Neeson en tête d’affiche après que ce dernier ait accepté un gros chèque de la part de la production. Un nouveau produit purement commercial estampillé EuropaCorp et bâclé jusqu’à la moelle ? Pas tant que cela !

La première cible des cinéphiles purs et durs sera sans nul doute le scénario, comme souvent chez Besson. En même temps, comment ne pas pester devant autant de clichés, d’invraisemblances et de manque d’originalité et d’âme ? C’est sûr que de ce point de vue-là, les Taken sont de très mauvais films. Mais jamais un opus n’a prétendu être autre chose qu’un divertissement. Il suffit de voir le premier film, qui faisait rapidement entrer le spectateur dans le feu de l’action sans que celui-ci ait le temps de reprendre son souffle. Alors ne blâmer pas Taken 3 pour son script dit « bidon », il n’a nullement l’intention d’être à la hauteur d’un Shakespeare. Juste l’ambition de divertir, ni plus ni moins, et il s’en sort pas trop mal grâce à son concept : ne pas reprendre la trame scénaristique du premier film (pays étranger, enlèvement, le héros tue tout le monde et sauve ses proches), chose qu’avait fait le 2. Taken 3 fait partir la franchise sur de nouvelles bases et c’est plutôt rafraîchissant. Alors oui, le film se présente comme une pâle copie du Fugitif (et pas dans les plus petits détails), recycle pas mal de séquences issues d’autres divertissements (dont un final qui rappelle celui du Transporteur 2) et ne cache pas ses invraisemblances même vis-à-vis de la saga (le fait d’avoir un Stuart rajeuni par rapport au premier Taken). Mais il remplit son cahier des charges en livrant au public une enquête simple et entraînante à suivre, tout en s’intéressant aux personnages et rendant leurs enjeux plus intéressants à suivre. Sans oublier quelques références bienvenues aux autres opus, comme la réplique « Bonne chance ! ». Chose que Taken 2 n’avait pas réussi à faire, et c’est déjà ça !

Ensuite, d’autres spectateurs critiqueront le fait de retrouver l’oscarisé Liam Neeson dans un énième rôle d’ex-agent badass au bout du rouleau. Il est vrai que l’acteur est abonné à ce type de personnage depuis – tiens, tiens ! – le premier Taken (soit 2008). Mais en même temps, les gens semblent beaucoup l’apprécier dans ce genre de divertissement, il est donc normal que les producteurs se l’arrachent dans des longs-métrages de ce calibre. Et même s’il se retrouve à cachetonner comme un certain Nicolas Cage, Neeson reste bien plus prestigieux que ce dernier. Taken 3 en est le nouvel exemple en date : le comédien ne crève pas l’écran niveau interprétation, cela va de soit, mais son charisme reste intact et sa façon de jouer est assez bonne pour que le public s’attache à lui. Quant aux autres comédiens (Forest Whitaker, Maggie Grace…), ils sont loin du cabotinage habituel des productions Besson et cela fait plaisir à voir.

Le gros défaut de Taken 3 revient néanmoins à son réalisateur Olivier Megaton, qui avait déjà massacré le travail de Pierre Morel (cinéaste du premier opus), avec la suite. Celui qui pourrait être nommé comme le recycleur de Besson, ne s’occupant que de suites de franchises (Le Transporteur 3, Taken 2 et 3) ou bien de projets lointains (Colombiana, un temps annoncé comme la séquelle de Léon portant sur le personnage Mathilda), s’est nettement amélioré par rapport au film précédent, il faut bien l’avouer : les séquences d’action sont plus énergiques, plus entraînantes et plus palpitantes, à tel point que vous verrez des course-poursuites avec des voitures valdinguant dans les airs et des explosions à tout-va. Même les scènes au corps-au-corps se révèlent bien plus percutantes, sans que cela n’atteigne le niveau du premier film. Mais cela n’enlève rien au fait qu’Oliver Megaton est un mauvais réalisateur. Parce qu’il livre un divertissement à la mise en scène impersonnelle aux allures de clips ? Toutes les productions Besson possèdent cette étiquette. Non, le problème est que le bonhomme ne sait pas faire un film d’action. Atteint d’une mollesse extrême dans Taken 2, il plonge ici dans le too much question dynamisme : la caméra tremble dans tous les sens faisant perdre les points de repère spatio-temporels aux spectateurs, pour finaliser le tout par un montage qui enchaîne des plans d’une durée inférieure à une seconde chacun. Le résultat est tout simplement illisible et fait perdre le fil des séquences du film, même quand l’action ne pointe pas encore le bout de son nez, toujours à cause de ce montage qui semble sauter du coq à l’âne bien trop souvent (cela se remarque dans l’introduction du film). Si Taken 3 ne se montre pas à la hauteur du 1 à son tour, c’est encore une fois la faute à ce cinéaste que semble pourtant apprécier Luc Besson au point de lui donner la plupart de ses productions à réaliser.

Cela ne fait aucun doute, Taken 3 n’est pas le meilleur film d’action, perdant ses nombreux atouts de divertissement bien calibré dans une réalisation véritablement mauvaise. Mais la catastrophe qu’avait été Taken 2 est évitée haut la main, grâce à un scénario qui oriente la saga sur de nouveaux horizons, du peps et un Liam Neeson toujours aussi charismatique, permettant au film de n’être jamais ennuyeux (c’est toujours mieux qu‘Expendables 3 et Lucy). Taken 3, le dernier de la franchise ? À en croire le comédien et le chiffre que fera ce long-métrage au box-office, il faudra bien s’attendre à ce qu’un quatrième opus voit le jour. Pourquoi pas ? Du moment que Besson trouve un autre réalisateur ou fasse de nouveau appel à Pierre Morel, aucune raison d’être contre !

Taken 3 – Bande-annonce

Fiche technique – Taken 3

France – 2015
Réalisation : Olivier Megaton
Scénario : Luc Besson et Robert Mark Kamen
Interprétation : Liam Neeson (Bryan Mills), Maggie Grace (Kim Mills), Forest Whitaker (Franck Dotzel), Famke Janssen (Lenore Mills), Dougray Scott (Stuart St. John), Leland Orser (Sam Gilroy), Sam Spruell (Oleg Malankov), Don Harvey (Garcia)…
Date de sortie : 21 janvier 2015
Durée : 1h49
Genre : Action
Image : Eric Kress
Décors : Sébastien Inizan
Costumes : Olivier Bériot
Montage : Audrey Simonaud et Nicolas Trembasiewicz
Musique : Nathaniel Méchaly
Budget : 48 M$
Producteurs : Luc Besson et Michael Mandaville
Productions : EuropaCorp et M6 Films
Distributeur : EuropaCorp Distribution

Auteur de la critique : Sebi Spilbeurg

Souvenirs de Marnie est le dernier film du studio Ghibli, voire le dernier tout court. A sa sortie en Juillet 2014 au Japon, ce fût un flop, comme Le Conte de la princesse Kaguya et avec la retraite d’Hayao Miyazaki, après son Le vent se lève, le studio pourrait ne pas se remettre de cette dernière déconvenue. C’est le second film d’Hiromasa Yonebayashi, après Arrietty et le petit monde des Chapardeurs (2011), qui fût un succès critique et financier. L’histoire est inspirée du roman When Marnie was there de Joan G. Robinson.

Synopsis : Anna, une petite fille, est envoyée en vacances par sa mère adoptive chez de la famille pour prendre l’air et se reposer. Là-bas, elle fait la connaissance de Marnie, fille de son âge aux longs cheveux blonds.

Marnie et Anna, des amies pour la vie

La première partie, avec la découverte du personnage d’Anna, est particulièrement réussie. Cette jeune fille, mal dans sa peau, souffrant d’être adoptée, tout en étant fille unique, se réfugie dans le dessin pour oublier sa vie. Mais après une forte crise d’asthme, sa mère adoptive l’envoie reprendre des forces à la campagne, chez sa tante et son oncle.

On retrouve la simplicité des films du studio Ghibli, avec l’éloge de la vie au grand air, loin de ses grandes villes polluées, détruisant le métabolisme de l’être humain, tout en le rendant superficiel. Ce village en bord de mer, semble d’un autre temps, absence de technologies modernes : télévision, ordinateurs et portables. Mais aussi une nourriture plus saine : légumes et poissons, péchés et cultivés par eux-mêmes. Anna trouve rapidement ses marques dans cet univers, même si les filles de son âge, la perturbent toujours autant, par leurs conversations futiles et leurs rêves d’un ailleurs meilleur, dans une grande ville avec de beaux garçons.

Elle est attirée par une vieille maison abandonnée en bord de mer. Elle en rêve même et ne peut s’empêcher de s’y rendre, malgré la marée. Elle va y faire la connaissance de Marnie et devenir son amie. Dès cet instant, le film bascule dans la mièvrerie, avec ses deux amies passant leurs temps, à se prendre dans les bras et en se disant des mots doux, encore et encore…. Cela devient lassant, long et forcément ennuyeux. Les films du studio Ghibli ont la particularité, de satisfaire aussi bien, le public adulte, que celui des enfants. Ce n’est pas le cas cette fois-ci, du moins dans la seconde partie.

Malgré une trame trop prévisible, le film n’est pas dénué de tendresse. On est ému, face aux événements se déroulant dans les dernières minutes. Même si la poésie est moins présente, si le fantastique est trop classique, si les personnages sont rares et caricaturaux, malgré une affection particulière pour Toichi. Hiromasa Yonebayashi ne fait ni preuve d’imagination, ni d’audace. On se laisse porter par la beauté de l’animation, de cette douce musique, englobant parfaitement chacune des images, tout en restant discrète.

Souvenirs de Marnie est malgré tout, un film de bonne facture, mais le studio Ghibli ne semble plus en mesure de fédérer un large public. Les périodes fastes, aussi bien artistiques, que commerciales, semblent révolues. On sent une perte d’identité dans ses dernières productions, malgré des thèmes récurrents, dont la nature reste le plus fort. Ce dernier film est-il le chant du cygne ? Ce serait dommage de disparaître sur cette dernière note manquant de résonance.

Souvenirs de Marnie (Omoide no Marnie) – Bande annonce

Fiche technique : Souvenirs de Marnie

Omoide No Mani
Japon – 2014
Réalisation : Hiromasa Yonebayashi
Scénario : Keiko Niwa, Masashi Andō et Hiromasa Yonebayashi
Distribution : Sara Takatsuki (Anna Sasaki), Nanako Matsushima (Yoriko), Susumu Terajima (Kiyomasa Oiwa), Toshie Negishi (Setsu Oiwa),Ryôko Moriyama (La veille dame), Kazuko Yoshiyuki (Nan), Hitomi Kuroki (Hisako)..
Musique : Takatsugu Muramatsu
Production : Yoshiaki Nishimura et Toshio Suzuki
Sociétés de production : Studio Ghibli et Walt Disney Studios Entertainment
Société de distribution : Tōhō
Genre : Animation
Durée : 103 minutes
Date de sortie française : 14 Janvier 2015

Marjane Satrapi a été sélectionnée au festival d’Alpe d’Huez début 2015 (qui s’est déroulé du 14 au 18 janvier) pour son dernier film. Disons qu’au premier abord ça ne ressemble pas vraiment à la réalisatrice de Persepolis d’être sélectionnée dans un festival récompensant des comédies. Cette catégorie surprend d’autant plus pour The Voices qui est loin d’être une comédie au sens classique du terme.

Synopsis : Jerry vit à Milton, petite ville américaine bien tranquille où il fabrique des baignoires. Célibataire, il n’est pas célibataire pour autant dans la mesure où il s’entend très bien avec son chat, Monsieur Moustaches, et son chien, Bosco. Jerry voit régulièrement sa psy, aussi charmante que compréhensive, à qui il révèle un jour qu’il apprécie de plus en plus Fiona – la délicieuse anglaise qui travaille à la comptabilité de l’usine. Bref, tout se passe bien dans sa vie plutôt ordinaire – du moins tant qu’il n’oublie pas de prendre ses médicaments. 

Nouveau monde

The Voices est un hybride, un film transgenre. Si on rit franchement, on est aussi plongé en plein gore. Le film est un petit bijou d’humour noir, une œuvre profondément décalée. C’est tantôt un film de tueur en série, une comédie musicale (avec ses chansons heureuses), mais aussi une comédie romantique (mais sans amour qui dure). En fait, comme le dit très bien la réalisatrice : « [le film] repose sur un type qui ne voit pas les choses comme les autres« *. Et quel type : un schizophrène qui parle à son chat (un sacré diablotin) et à son chien (un « bon chien »), tout autant qu’aux têtes de ses victimes. Jerry ne voit la réalité comme elle est qu’une seule fois : le jour où il reprend ses médicaments. Le reste du temps, ses seuls moments de sérieux sont ceux où il est chez sa psy et s’interroge sur le bien fondé de ses actes, accepte d’être jugé par une entité suprême (ici dieu), mais pas d’être enfermé. Il n’y a pas à proprement parler de morale dans le film, puisqu’on sait que ce que fait Jerry est « mal », l’important est de détailler ce qui se passe dans son esprit, à l’intérieur de lui. On rit et on a peur, sans frontière. Le film joue avec de nombreux codes et les détourne. Le gore est suggéré, le sang gicle tellement qu’il devient irréel, qu’on le met à distance. Les meurtres sont trop graphiques pour être simplement de l’horreur qui créer l’effroi. Dans les yeux de Jerry, les corps morts ne pourrissent pas.

C’est le chat finalement qui est le plus ancré dans la réalité, balançant à Jerry toute la vérité que pourtant on cache : l’exploitation au travail, le désamour des filles pour Jerry et surtout les médicaments qui rendent la réalité trop fade. Comme il emballe les baignoires dans son usine toute rose, Jerry découpe et emballe les corps dans des tupperwares. Le nombre de boîtes nécessaires est d’ailleurs calculé au poids près – celui des différentes victimes – car dans The Voices, tout est dans les détails, souvent savoureux. La mise en scène parvient à accentuer le côté « jouissif » du film. On débarque dans le film comme dans la mélodie du bonheur, avant de basculer peu à peu dans le gore. Milton est d’abord un endroit où l’on fait des piques-niques, la chenille et où on va au karaoké. D’ailleurs, Jerry va boire tranquillement des verres avec ses copines. De l’essence de la femme à la petite naïve amoureuse, Jerry passe par toutes les phases : l’abandon et le désir de « fonder un foyer ». Or, si toutes ses femmes sont magnifiques, ce n’est pas le portrait d’un pervers sexuel pour autant, Fiona, très féminine, est vue comme un ange par Jerry, c’est d’ailleurs un accident qui lui coûte la vie. L’élément déclencheur qui a fait de Jerry un tueur l’a laissé enfant pour toujours, c’est là qu’il vit, dans l’enfance. Et il va peu à peu découvrir qu’il est un vrai tueur. Il tue toutes les femmes (en 3 victimes) – leur essence du moins – de la « femme fatale » à celle qu’on ne regarde pas forcément, mais qui a beaucoup de désir. Pour incarner ces personnages hauts en couleurs, Marjane Satrapi s’est très bien entourée, de Gemma Arterton à Anna Kendrick (superbe) pour les rôles féminins. Mais c’est surtout Ryan Reynolds qui est ici parfait : de toutes les voix, complètement flippant, mais aussi profondément attachant. C’est un paumé magnifique, tellement pris dans sa folie qu’il nous ferait presque oublier qu’on nage en plein délire sanguinaire.

Inclassable

L’univers est foutraque du début à la fin, et surtout à la fin ! Sans se prendre au sérieux, il en dit beaucoup sur tous les états de la schizophrénie, en épousant la forme de la pensée d’un malade. La caméra suivant à pas feutrés cet homme dans son univers tout modifié où il ne peut agir seul, alors qu’il planifie tout seul puisque les « voix » qu’il entend sont les siennes (mais avec un accent écossais pour le chat !). Pourtant, l’analyse est simple : ses pensées à lui, il ne les refoule pas, il les vit, contrairement à nous tous qui refoulons les idées noires pour garder un équilibre. Or, The Voices est le film d’un déséquilibre. Plus rien n’est perçu normalement.

Après avoir parlé de son enfance iranienne (Persepolis), puis écrit un joli conte musical (Poulet aux prunes) et une histoire de mafia, entre comédie et thriller (déjà!), Marjane Satrapi, habituée à écrire elle-même ses scénarios, s’est dit cette fois, en lisant le scénario d’un autre, « non de Dieu, qu’est-ce que c’est que ce truc, il faut que le fasse »**. Voilà qu’elle a ajouté son regard affûté sur une intériorité particulière pour livrer un film étonnant, parfois kitsch (mais c’est assumé !), souvent hilarant et parfaitement maîtrisé. Le film a également été primé lors de l’Etrange Festival (organisé chaque année au Forum des images) d’un prix du Nouveau Genre. Une nouveauté qui se ballade entre un Shining sous acide et l’esthétique déjantée d’un Wes Anderson.

*Citation issue du dossier de presse du film

**Interview donnée à France 3

The Voices – Bande annonce

Fiche technique – The Voices

Réalisation : Marjane Satrapi
Scénario : Michael R. Perry
Interprétation : Ryan Reynolds (Jerry, Monsieur Moustaches, Bosco), Gemma Arterton (Fiona), Anna Kendrick (Lisa), Jacki Weaver (Dr. Warren), Ella Smith (Alison)
Date de sortie : 11 mars 2015
Durée : 1h43
Genres : Comédie, Policier, Thriller
Image : Maxime Alexandre
Costumes : Bettina Helmi
Montage : Stéphane Roche
Musique : Olivier Bernet
Directeur de production : Jens Enderling

Synopsis : Paris, Le Trocadéro. Math, Marie, Pacman, JP, Guillaume et Toff se retrouvent tous les jours au Dôme, derrière le Palais de Tokyo. C’est là où ils font du skate, s’amusent et se défoncent, à deux pas du monde confiné des arts qu’ils côtoient sans connaître. Certains sont inséparables, liés par des vies de famille compliquées. Ils vivent l’instant, c’est l’attrait de l’argent facile, la drague anonyme sur Internet, les soirées trash « youth, sex, drugs & rock’n’roll ».
Toff, filme tout et tout le temps……

Le vieil homme et l’amer 

Les films de Larry Clark ont permis la découverte d’un certain nombre de jeunes talents plutôt arty tels que Chloë Sevigny, Rosario Dawson ou encore Michael Pitt, et avec son premier film Kids, a vraisemblablement mis sur orbite Harmony Korine , son scénariste, qui depuis a livré entre autres le très beau Spring breakers.

Son travail jusque-là est cohérent et plein de sens,  montrant des jeunes confrontés à une réalité compliquée (le sida et la drogue dans Kids, l’assassinat d’un autre jeune dans Bully, un film aux airs de revenge movie se basant sur des faits réels, l’inceste dans Ken Park ou encore la ghettoïsation des jeunes latino de la banlieue de Los Angeles dans Wassup rockers, son plus beau film à ce jour). Le travail pointe la noirceur du monde des adultes et la nécessité pour les jeunes de rester groupés et entre eux, au mieux dans le cadre d’une saine activité comme le skateboard, au pire dans la consommation de drogues et dans différentes expériences sexuelles limite.

Un travail cohérent, même s’il est interpellant dans sa frontalité, largement autobiographique dans ce qu’il fait écho à sa propre jeunesse baignée de sexe, de drogue et de rock and roll. Un travail radical et sans concession, censuré dans bon nombre de pays, regorgeant de scènes explicites et plus ou moins dérangeantes, mais une œuvre qui a fait sens jusque-là.

Jusque-là, car dans ce nouveau film, The smell of us, rien ne va plus. Quand Larry Clark choisit de s’intéresser de près à la jeunesse parisienne, le contenu social de son cinéma n’est plus lisible et les provocations multiples deviennent des coquilles vides ennuyeuses, répétitives et malsaines. Ayant mûri ce projet dit-il depuis son passage en France lors de la sélection de Kids au Festival de Cannes, il a franchi le pas, dans un contexte de tournage cauchemardesque, avec des acteurs en grève et d’autres comme Lukas Ionesco, le personnage principal, qui en gardent jusqu’à ce jour encore un traumatisme violent. Son projet a dû sans doute s’appuyer sur l’idée d’une certaine liberté en France, d’une certaine liberté d’expression comme on a pu en avoir la preuve dans ces tous premiers et funestes jours de Janvier 2015, de la possibilité encore d’aller où on veut sans subir la censure, la bien-pensance anglo-saxonne, l’opprobre morale… Seulement voilà, ce qui a marché dans un contexte californien ou new-yorkais ne fonctionne pas du tout à Paris, ce qui a touché avec les scénarios d’Harmony Korine ne résonne pas avec celui de son scénariste français Mathieu Landais, alias Scribe.

Le voilà donc, Larry Clark parmi une bande de skaters, sur une Place de Trocadéro déserte, payant de sa personne la défection de Pete Doherty pour le rôle de Rockstar, un homme déchu, vautré dans sa propre urine, couvert de sa propre bave avinée, ivre et abruti de sa médiocrité, sur lequel les jeunes skaters font des figures, et qui finit par ramper tel un ver pour sortir de leur trajectoire. Dès images terribles dès la première séquence, mais des images qui ne fonctionnent pas. La séquence ressemble davantage à une performance qu’à une vraie séquence de vie, les jeunes semblent s’ennuyer, les personnages certes, puisque c’est inscrit dans le récit, mais aussi les acteurs, ce qui est nettement plus problématique. Même la belle prestation de Michael Pitt comme chanteur de rue grunge (comme en écho à son rôle de Blake/Kurt Cobain dans Last days de Gus van Sant) ne parvient pas à animer l’ensemble.

Rockstar aime s’entourer d’un groupe composé de beaucoup de jeunes garçons et d’une jeune fille, des jeunes censés être à la dérive, les uns jouant les escort boys dans une veine homoérotique assez prononcée, et l’une se morfondant, personne ne voulant coucher avec elle car « on est en 2013, tout le monde est gay ». De fait, tout le monde couche avec des hommes vieux et/ou des femmes flétries, pour quelques grosses poignées d’Euros. Larry Clark lui-même joue le vieux pervers fétichiste, en reprenant cette fois-ci le rôle de Bouli Lanners pressenti mais tombé malade au moment du tournage. De jeunes fils à papa qui se prostituent donc, alors que le besoin d’argent n’est pas flagrant, des jeunes dont on renifle la nuque avec avidité ou dont on lèche les orteils avec des grognements plus bestiaux que suggestifs, entrecoupés  de « Mon petit garçooonnne » à la limite de la pédophilie. Des scènes inutiles et éprouvantes, car tournant à vide, sans aucun sens à leur donner. Des scènes d’un réalisateur qui a l’air lassé par son propre sujet si ce n’est son propre cinéma.

Larry Clark  introduit dans son dispositif un personnage qui filme tout avec son smartphone, un personnage qui n’est pas sans rappeler le jeune Larry Clark photographiant ses camarades de Tulsa en train de se droguer ou de faire l’amour, ou de se droguer en faisant l’amour (cf les livres Tulsa & Teenage lust). Le personnage d’un voyeur dans un film de voyeur, et la boucle est bouclée…

Seule une  séquence hallucinée avec Dominique Frot, extraordinaire dans l’abjection de son personnage de mère monstrueuse engendre quelques frémissements, l’illusion d’une vérité dans le film de Larry Clark. Pour le reste, on reste complètement à la marge, désolé pour un réalisateur qui n’est plus que l’ombre de lui-même et en même temps furieux de la manipulation de ses jeunes acteurs qui sourd de son film. Un mauvais film à oublier bien vite, en espérant qu’il ne sera pas la triste conclusion d’une filmographie singulière et intéressante.

The smell of us : Bande annonce

The smell of us – Fiche Technique

Titre original : –
Réalisateur : Larry Clark
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 14 janvier 2015
Durée : 92 min.
Casting : Lukas Ionesco (Math), Diane Rouxel (Marie), Théo Cholbi (Pacman), Hugo Behar-Thinières (JP), Ben Yaiche (Guillaume), Maxime Terin (Toff), Larry Clark (Rockstar), Dominique Frot (Mère de Math)
Scénario : Mathieu Landais aka Scribe, Larry Clark
Musique : Howard Paar
Chef Op : Hélène Louvart
Nationalité : France
Producteur : Gérard Lacroix, Christophe Mazodier, Pierre-Paul Puljiz
Maisons de production : Polaris Film Production & Finance, Morgane Production, Polyester
Distribution (France) : Jour2fête