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Commençant comme un film social que Les frères Dardenne auraient pu réaliser, avec une héroïne en proie à une certaine forme de fracture sociale, Melody est un film aux multiples facettes qui se termine en apothéose dans un maelstrom  d’humanité à fleur de peau.

Synopsis : Melody, modeste coiffeuse à domicile, est prête à tout pour réaliser son rêve : ouvrir son propre salon de coiffure. Contre une importante somme d’argent, elle accepte de porter le bébé d’une autre et rencontre Emily, riche Anglaise qui cherche désespérément à en avoir un…

Un enfant de toi

Melody est une jeune coiffeuse à domicile que l’on voit dans la première scène chez une vieille dame. Pour un shampoing et une pose de bigoudis, la vieille dame lui donne près de 100 €, geste généreux qu’elle justifie par son « envie que de bonnes choses (lui) arrivent ». Une jeune femme attachante et gentille donc, que l’on retrouve plus tard de porte cochère en porte cochère, son sac au dos, cherchant visiblement un endroit sûr pour dormir un peu.

Ces premières images s’apparentent en effet beaucoup à certains des films des frères Dardenne pour lesquels le réalisateur belge Bernard Bellefroid ne cache pas son admiration (et qui l’ont aidé considérablement pour son premier court-métrage). Une réalité sociale rapportée sans fioritures, mais suffisamment âpre pour qu’au détour d’une discussion avec une amie, Melody lui rétorque : « Faire ça est moins dangereux que d’être pauvre ». Une phrase qui en dit plus long que certains discours pseudo-pédagogiques sur les conséquences néfastes de la précarité.

Melody veut s’extirper de ce danger, de cette précarité, et envisage d’ouvrir un salon de coiffure. Avec les économies glanées euro par euro chez une vieille dame ou l’autre, elle réussit à mettre une option sur un local déglingué. Pour le reste, sans aucun espoir d’accéder à un prêt bancaire, elle se résout à s’inscrire sur un site de GPA (gestation pour autrui) afin de louer son ventre et faire quelques profits. Très vite, son annonce rencontre preneuse.

Le reste du film raconte la rencontre entre les deux femmes, Melody (Excellente Lucie Debay, star montante belge d’un certain cinéma francophone) qui a la jeunesse et la désinvolture, et Emily (Rachael Blake, actrice aguerrie parfaite dans le rôle à tous les stades) qui a l’argent, et au début du film la condescendance qui va avec. Le propos est de ramener le débat sociétal sur la GPA vers une dimension humaine, étoffée par l’histoire personnelle passée et présente de chacune des deux femmes.

Le spectre des différents sentiments qui animent le tandem est très bien décrit : tout d’abord une sorte d’inconscience et de froideur autour du sujet, comme s’il ne les concernait pas vraiment, ni l’une, ni l’autre. La GPA n’est qu’un objet de transaction marchande, un moyen facile et pratique d’arriver à ses fins.  Puis petit à petit, elle sort de ce cadre commercial pour entrer dans la relation intime de deux personnes qui s’apprêtent à partager leur vie et  la vie d’un individu en devenir, depuis sa mise au monde jusqu’à son éducation. Petit à petit, leur relation se modifie et s’enrichit.  Elles expérimentent tour à tour la méfiance et la confiance, la bienveillance et le ressentiment, la colère et la complicité joyeuse. Tout est amené assez subtilement par Bernard Bellefroid. Melody et Emily sont deux solitudes meurtries qui se sont trouvées, dans une douceur et une sobriété de mise en scène qui éloignent tout pathos, alors même que le scenario est riche en rebondissements plus ou moins théâtraux.

Melody est un film plus complexe qu’il n’y paraît sur la naissance des sentiments, sur la filiation, ou encore sur la question de la responsabilité. Ces sentiments et situations sont comme mis dans un écrin par un sens magnifique du décor, avec des  tournages en milieu naturel, la forêt qui entoure la très belle maison de la riche Emily, cette mer qui borde l’endroit où elles sont parties ensemble dans une sorte de kidnapping réciproque, en attendant le bébé, et dans une ambiance mélancolique qui sied au propos. C’est un film poignant composé de plusieurs scènes portées par deux actrices vraiment émouvantes, des scènes sans aucun apprêt qui présentent les choses essentielles : le sentiment d’appartenance, enfin, pour la jeune Melody ; le sentiment d’accomplissement, enfin, pour une Emily qui a pourtant l’habitude du pouvoir de vie et de mort sur les centaines d’employés de sa société. 

Rachael Blake confirme ce qu’on a vu d’elle dans Sleeping Beauty, le film de l’australienne Julia Leigh : une actrice peu exubérante qui habite intensément des rôles qui semblent taillés sur mesure pour elle. Lucie Debay, qui a le rôle titre, n’est pas en reste, malgré son plus jeune âge, elle impressionne dans le registre de ce qu’elle sait montrer (et jouer, n’ayant pas eu peur depuis Melody d’interpréter le rôle de Corinne, la femme néo-nazie du « Français » du récent film de Diastème). Elles ont reçu conjointement le prix de la meilleure actrice à la session 2014 du Montréal World Film Festival, ce qui vient valider à raison le travail en commun qu’elles ont fourni sur le film de Bernard Bellefroid.

Melody : Bande annonce

Melody : Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 6 Mai 2015
Réalisateur : Bernard Bellefroid
Nationalité : Belgique, Luxembourg, France
Genre : Drame
Année : 2014
Durée : 90 min.
Scénario : Bernard Bellefroid, Carine Zimmerlin, Anne-Louise Trividic
Interprétation : Rachael Blake (Emily), Lucie Debay (Melody), Don Gallagher (Gary), Laure Roldan (Marion), Clive Hayward (Norman), Lana Macanovic (Dr. Sirenko)
Musique : Frédéric Vercheval
Photographie : David Williamson
Montage : Jean-Luc Simon
Producteur : Patrick Quinet,  Claude Waringo,  Gilles Padovani, Serge Zeitoun
Maisons de production : Artémis Productions, Liaison Cinématographique, Mille et une Films, Samsa Film
Distribution (France) : Damned Distribution
Récompenses : Prix de la meilleure actrice partagé par Rachael Blake et Lucie Debay en 2014 au Montréal World film Festival
Budget : NR

Tale of tales, une peinture baroque grandiose mais chargée d’un profond désespoir

Synopsis : Adaptation de trois des cinquante chapitres qui forment le roman Le Conte des Contes (ou Pentamerone) de Giambattista Basile: Celui d’une reine que l’envie d’enfanter pousse à tous les sacrifices, celui d’un roi charmeur tombant amoureux d’une inconnue au simple son de sa voix et celui d’une princesse qui souffre du manque d’affection de son père obsédé par un étrange insecte.

Il n’y a rien d’étonnant que Tale of tales ait à ce point divisé la critique à Cannes tant le virage opéré par Matteo Garonne est radical. Celui qui s’est fait connaitre du public international avec son excellent Gomorra (qui, pour rappel, donnait une image de la mafia napolitaine avec un réalisme proche du documentaire) signe à présent une fable fantastique aux allures gothiques qui, de plus, est tourné en anglais. De quoi désarçonner certains spectateurs qui y verront un retournement de veste à des fins purement commerciales. Et pourtant, le réalisateur défend une certaine continuité : Celle de confronter le réel et l’irréel, la vérité au mythe. Si cette velléité de décortiquer ce qui peut être réaliste dans cette adaptation de contes fantasmatiques est un argument difficile à défendre, le second est davantage recevable. Avant de s’essayer au cinéma, Garonne était féru de peinture. En réunissant une équipe technique composée d’amateurs de tableaux, il s’est assuré de mettre au point une fresque d’une qualité picturale remarquable.

Dès lors que l’on se laisse absorber par cet univers onirique, on plonge dans des aventures, plus ou moins abouties, portées par un excellent casting international. Dans trois royaumes, trois histoires de femmes (de trois âges différents) sont la base d’une narration qui prend la forme d’un film choral. Dans le rôle de la reine tourmentée par sa stérilité, Salma Hayek est impressionnante de froideur. A ses côtés, on remarque un John C. Reilly qui offre une scène de combat maritime impressionnante. Le récit qui va découler de la naissance de leur fils, qui rencontrera ses sosies, est sans conteste le segment le plus flou de l’ensemble du scénario. De son côté, Vincent Cassel réussit à donner à son personnage un charisme que l’on avait plus vu chez lui depuis longtemps. Son histoire, qui le lie à une femme à la double apparence, est incontestablement la partie la plus drôle du film. Enfin, la fable concernant la princesse délaissée par son père, elle profite du physique toujours dérangeant de Toby Jones dont la folie est palpable. Mais plus que les prestations de ce casting de stars, ce qui rend Tale of Tales hypnotique c’est la sophistication avec laquelle Garonne filme ces mythes et légendes, faisant de certains plans des images qui nous scotche à la rétine, tels qu’ Elisabeth Keanner nue dans les bois ou bien encore Salma Hayek dévorant un cœur de dragon.

Mais si le film est si dérangeant, c’est que son irréprochable direction artistique est mise au profit d’un monde où, derrière un certain faste monarchique, tout est laid et parfaitement amoral. Alors que le fait de voir princes et princesses, fées et sorcières, ogres et monstres, donne l’impression d’assister à un Disney, tout dans ce scénario à priori enfantin se fait rapidement rattrapé par sa dimension érotique et malsaine. Et c’est là que l’argument de la confrontation entre le réel et l’irréel que défendait son réalisateur prend tout son sens. En effet, si les premières minutes du film posent les bases de ce monde féérique, en se risquant à rendre certaines scènes fantastiques lourdaudes, voire franchement grotesques, dès lors que les conséquences que vont avoir ces actions sur les personnages va prendre une tournure plus terre à terre, on passe clairement du rêve éveillé au pur cauchemar. C’est parce que la conclusion est, pour chacun des protagonistes, assimilable à un drame aux antipodes du happy-end auquel il semblait prédestiné, que l’on peut affirmer que la thématique principale est la désillusion.
Même s’il est scénaristiquement inégal, Tale of tales est une œuvre d’une qualité visuelle absolument bluffante, qui profite de la présence d’acteurs parfaitement dirigés. Mais, plus une peinture baroque ou un banal conte de fées, Tale of tales est avant un film déroutant qui nous démontre que, quelque soit les apparats oniriques qu’il puisse prendre, l’espoir est toujours rattrapé par un certain fatalisme.

Tale of Tales : Bande-annonce

Tale of tales : Fiche technique

Le Poids des mots.

Après avoir décortiqué le conflit israélo-palestinien, dénoncé les ravages de la guerre du Kippour ou du Liban, le réalisateur israélien controversé Amos Gitaï s’attaque aujourd’hui au lourd sujet de la déportation.
Tsili s’ouvre sur une formidable séquence où l’héroïne danse sous un fond noir sur la musique au violon qui rythmera tout le film. C’est hypnotique et la signification de cette scène d’ouverture se fera naturellement plus tard. La Tsili du titre est une jeune juive échappée de la déportation qui se cache dans la forêt près du camp où est détenue toute sa famille. Ici elle se fabriquera un petit cocon et sera rejointe par un autre juif en cavale. Bien que rescapés de l’horreur des camps de concentration, les deux personnages n’en ont pas moins perdu leur condition humaine, vivant terrés comme des animaux et restant quasi-muet tout au long du film.

Les films d’Amos Gitai sont souvent caractérisés par des plans longs et une réalisation méticuleuse. On retrouve la même recette ici et c’est paradoxalement par le langage quasi-absent que prend sens la mise en scène. Dans Free Zone une palestinienne disait à un israélien ce qu’un juif aurait pu dire à un nazi : « Dommage que les Israéliens ne parlent pas l’arabe comme les Palestiniens parlent l’hébreu, parce que je crois que ça changerait la face des choses ». Une phrase qui résume l’importance de la communication lors d’un conflit aux yeux du cinéaste. C’est par le langage, ces quelques mots prononcés en yiddish, que Tsili accorde la confiance à cet homme et lui ouvre la porte de son cocon. Et c’est par cette absence de parole, qu’il remplace par des bruits incessants d’obus, qu’Amos Gitaï rend compte du caractère inénarrable de la situation, et de l’atmosphère oppressante qui englobe les personnages.

Ainsi vont se substituer à la parole des gestes bien humains. La course incessante de Tsili vers davantage de liberté, les gestes tendres de la jeune femme envers son nouveau compagnon et la musique, ce violoniste qui rassemble tous les rescapés vers un même but, celui d’une quête vers un nouveau monde. La scène d’ouverture prend alors tout son sens. Sans moyen d’expression, muselée, Tsili danse. Et danse. Comme si sa vie en dépendait.

Film court, peu coûteux mais pas sans ambitions, Tsili nous offre un beau moment de cinéma. Rarement le sujet de la déportation, qui trouve de nombreux échos aujourd’hui, n’a été traité avec autant de subtilité et de poésie. Avec Tsili, Amos Gitaï revient à ses thèmes les plus chers et à la quintessence de son cinéma.

Synopsis : Tsili, une jeune juive part se cacher après que sa famille entière ait été déportée dans des camps de concentration. Réfugiée dans une forêt, la jeune fille tente de survivre par ses propres moyens pour échapper à l’enfer qui règne dans la vallée.

Fiche Technique : Tsili

Titre original : Tsili
Date de sortie : 12 Août 2015 (France)
Nationalité : Israélien, français , italien , russe
Réalisation : Amos Gitaï
Scénario : Amos Gitaï, Maire-José Sanselme
Interprétation : Sara Adler, Meshi Olinski, Lia Koenig, Adam Tsekhman, Natalia Voitulevitch-Manor, Andrei Kashkar, Yelena Yaralova
Musique : Alexej Kochetkov, Amit Poznansky
Photographie : NR
Décors : Andrei Chernikov
Montage : Yuval Orr, Isabelle Ingold
Production : Michael Tapuach, Laurent Truchot, Yury Krestinskiy, Pavel Douvidzon, Denis Freyd, Amos Gitaï, Carlo Hintermann, Gerardo Panichi, Luca Venitucci, Leon Edry, Moshe Edry
Sociétés de production : Agav Films, Archipel 35, Hamon Hafakot, Trikita Entertainment, Citrullo International.
Société de distribution : Epicentre Films
Budget : NR
Genre : Drame
Durée : 88 mins
Récompense(s) : NR

Auteur : Jim Martin

Sorti en 2012, Indian Palace, de John Madden (le réalisateur Shakespeare in love) constituait une agréable surprise dans l’univers de la comédie britannique. En faire une suite n’était absolument pas nécessaire, et pourtant cette seconde partie reste au même niveau que le film original et en possède les mêmes qualités.

Synopsis : à Jaipur, en Inde, des retraités anglais continuent à mener leur vie et à se retrouver au « Best Marigold hotel ». Le propriétaire, Sonny, rêve de s’agrandir et d’ouvrir un second hôtel.

Huit personnages en quête d’hôtel
Un petit rappel s’impose, histoire de ne pas se perdre dans les multiples personnages. Indian palace nous racontait l’histoire d’une poignée de retraités britanniques s’ennuyant à mourir dans leur Albion natale et se retrouvant dans le même hôtel plus ou moins délabré à Jaipur, en Inde. Se liant d’amitié avec le propriétaire, ils vont l’aider à retaper l’établissement et vont s’y installer à demeure.
Nous les retrouvons donc, ces personnages qui nous avaient émus ou fait sourire trois ans plus tôt. Muriel Donnelly (Maggie Smith, l’actrice qui tenait le rôle du professeur MacGonagall dans la série des Harry Potter) assiste Sonny dans la direction de l’hôtel et cache sa fierté et son affection sous des apparences très froides. Evelyn (Judi Dench) devient négociante en tissus, sous le regard amouraché d’un Douglas (interprété par l’excellent Bill Nighy) qui n’ose pas lui faire part de sentiments pourtant évidents. Madge (Celia Imrie) hésite entre deux hommes alors que la vie sentimentale de Norman et Carol est plus que mouvementée.

Et Sonny (Dev Patel, vu dans Slumdog Millionaire et Chappie) ? Le seul Indien de l’équipe navigue entre deux projets de rêve. Tout d’abord, il prépare son mariage avec la belle Sunaina (Tina Desai, que l’on peut admirer aussi dans Sense8, la série des Wachowski, où elle tient un des rôles principaux). Le film est d’ailleurs structuré en fonction des préparatifs du mariage et il est divisé en deux parties : La fête des fiançailles (engagement party) et la fête de famille (family party).

Mais Sonny a un deuxième projet, et les deux ambitions vont se télescoper, voire se percuter frontalement le long du film. Il veut racheter un autre hôtel en ruine pour en faire un Second Best Marigold Hotel. Mais les obstacles vont se cumuler : un inspecteur doit venir à l’hôtel en se faisant passer pour un client ordinaire, pour évaluer la capacité de gestion de Sonny. Et un concurrent fait surface, un proche de Sunaina, activant à la fois la rancœur et la jalousie de Sonny.

Un film en équilibre
Le film reprend les mêmes qualités que la première partie : tout d’abord c’est le plaisir de suivre des personnages qui sont très sympathiques, drôles, parfois touchants, et en tout cas loin des héros habituels des comédies romantiques. Dans ce second épisode, le casting est complété par la présence d’un habitué du genre, Richard Gere.
Bien entendu, nous n’échappons pas à la mode des « héros sur le retour ». Il s’agit de montrer que les vieux savent aussi bien y faire que les jeunes. Là où Expendables nous prouvait que les retraités savent encore se battre, Indian Palace nous montre qu’ils peuvent encore être romantiques. Que nous soyons dans un effet de mode cinématographique ne gâche pas le plaisir que nous avons à retrouver cette bande d’acteurs.

D’autant plus que John Madden parvient à établir un équilibre intéressant. Son film reste constamment dans les demi-teintes, échappant à toute forme d’excès qui serait forcément regrettable. L’humour reste généralement subtil, cherchant les sourires plus que les éclats de rire, et toujours respectueux de ses personnages. Il ne s’agit pas de ses moquer de quelqu’un, mais d’accompagner des personnes que l’on apprécie.

De même, les passages plus émouvants ne sont pas non plus dans l’excès. Le cinéaste joue sur l’absence de pathos, voire même une certaine sérénité. Il aime bien aussi lancer de fausses pistes, nous faire croire à l’imminence d’un drame en approche pour mieux pouvoir l’esquiver.
Tout cela n’empêche pas le film d’avoir des défauts. D’abord, il y a des scènes qui sont déjà vues depuis fort longtemps, des passages obligés que l’on se lasse un peu de revoir pour la énième fois. Ainsi, le fameux discours de mariage qui s’adresse à quelqu’un du public…
Enfin, l’Inde présentée dans ce film n’esquive pas les vues de cartes postales. Alors, certes, cela nous donne de belles images, mais le cinéaste évite soigneusement de parler de la réalité sociale indienne. Peut-être est-ce ce qui manque au film, en définitive. Ce qui aurait pu lui faire dépasser le stade du divertissement agréable et en faire un vraiment bon film.

Indian Palace – Suite Royale : Bande annonce

 Indian Palace – Suite Royale : Fiche Technique

Titre original : the second best exotic Marigold Hotel
Date de sortie originale : 1er avril 2015
Nationalité : Royaume-Uni
Réalisation : John Madden
Scénario : Ol Parker
Interprétation : Maggie Smith (Muriel Donnelly), Judi Dench (Evelyn Greenslade), Bill Nighy (Douglas Ainslie), Celia Imrie (Madge Hardcastle), Ronald Pipckup (Norman Cousins), Diana Hardcastle (Carol Parr), Dev Patel (Sonny), Tina Desai (Sunaina), Richard Gere (Guy Chambers), David Strathairn (Ty Burley).
Musique : Thomas Newman
Photographie : Ben Smithard
Décors : Ed Turner
Montage : Victoria Boydell
Production : Graham Broadbent, Peter Czernin
Société de production : Babieka, Blueprint Pictures
Société de distribution : 20th Century Fox
Budget : 10 000 000,00 de dollars
Genre : comédie, romance, drame
Durée : 122’