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Le Poids des mots.

Après avoir décortiqué le conflit israélo-palestinien, dénoncé les ravages de la guerre du Kippour ou du Liban, le réalisateur israélien controversé Amos Gitaï s’attaque aujourd’hui au lourd sujet de la déportation.
Tsili s’ouvre sur une formidable séquence où l’héroïne danse sous un fond noir sur la musique au violon qui rythmera tout le film. C’est hypnotique et la signification de cette scène d’ouverture se fera naturellement plus tard. La Tsili du titre est une jeune juive échappée de la déportation qui se cache dans la forêt près du camp où est détenue toute sa famille. Ici elle se fabriquera un petit cocon et sera rejointe par un autre juif en cavale. Bien que rescapés de l’horreur des camps de concentration, les deux personnages n’en ont pas moins perdu leur condition humaine, vivant terrés comme des animaux et restant quasi-muet tout au long du film.

Les films d’Amos Gitai sont souvent caractérisés par des plans longs et une réalisation méticuleuse. On retrouve la même recette ici et c’est paradoxalement par le langage quasi-absent que prend sens la mise en scène. Dans Free Zone une palestinienne disait à un israélien ce qu’un juif aurait pu dire à un nazi : « Dommage que les Israéliens ne parlent pas l’arabe comme les Palestiniens parlent l’hébreu, parce que je crois que ça changerait la face des choses ». Une phrase qui résume l’importance de la communication lors d’un conflit aux yeux du cinéaste. C’est par le langage, ces quelques mots prononcés en yiddish, que Tsili accorde la confiance à cet homme et lui ouvre la porte de son cocon. Et c’est par cette absence de parole, qu’il remplace par des bruits incessants d’obus, qu’Amos Gitaï rend compte du caractère inénarrable de la situation, et de l’atmosphère oppressante qui englobe les personnages.

Ainsi vont se substituer à la parole des gestes bien humains. La course incessante de Tsili vers davantage de liberté, les gestes tendres de la jeune femme envers son nouveau compagnon et la musique, ce violoniste qui rassemble tous les rescapés vers un même but, celui d’une quête vers un nouveau monde. La scène d’ouverture prend alors tout son sens. Sans moyen d’expression, muselée, Tsili danse. Et danse. Comme si sa vie en dépendait.

Film court, peu coûteux mais pas sans ambitions, Tsili nous offre un beau moment de cinéma. Rarement le sujet de la déportation, qui trouve de nombreux échos aujourd’hui, n’a été traité avec autant de subtilité et de poésie. Avec Tsili, Amos Gitaï revient à ses thèmes les plus chers et à la quintessence de son cinéma.

Synopsis : Tsili, une jeune juive part se cacher après que sa famille entière ait été déportée dans des camps de concentration. Réfugiée dans une forêt, la jeune fille tente de survivre par ses propres moyens pour échapper à l’enfer qui règne dans la vallée.

Fiche Technique : Tsili

Titre original : Tsili
Date de sortie : 12 Août 2015 (France)
Nationalité : Israélien, français , italien , russe
Réalisation : Amos Gitaï
Scénario : Amos Gitaï, Maire-José Sanselme
Interprétation : Sara Adler, Meshi Olinski, Lia Koenig, Adam Tsekhman, Natalia Voitulevitch-Manor, Andrei Kashkar, Yelena Yaralova
Musique : Alexej Kochetkov, Amit Poznansky
Photographie : NR
Décors : Andrei Chernikov
Montage : Yuval Orr, Isabelle Ingold
Production : Michael Tapuach, Laurent Truchot, Yury Krestinskiy, Pavel Douvidzon, Denis Freyd, Amos Gitaï, Carlo Hintermann, Gerardo Panichi, Luca Venitucci, Leon Edry, Moshe Edry
Sociétés de production : Agav Films, Archipel 35, Hamon Hafakot, Trikita Entertainment, Citrullo International.
Société de distribution : Epicentre Films
Budget : NR
Genre : Drame
Durée : 88 mins
Récompense(s) : NR

Auteur : Jim Martin

Sorti en 2012, Indian Palace, de John Madden (le réalisateur Shakespeare in love) constituait une agréable surprise dans l’univers de la comédie britannique. En faire une suite n’était absolument pas nécessaire, et pourtant cette seconde partie reste au même niveau que le film original et en possède les mêmes qualités.

Synopsis : à Jaipur, en Inde, des retraités anglais continuent à mener leur vie et à se retrouver au « Best Marigold hotel ». Le propriétaire, Sonny, rêve de s’agrandir et d’ouvrir un second hôtel.

Huit personnages en quête d’hôtel
Un petit rappel s’impose, histoire de ne pas se perdre dans les multiples personnages. Indian palace nous racontait l’histoire d’une poignée de retraités britanniques s’ennuyant à mourir dans leur Albion natale et se retrouvant dans le même hôtel plus ou moins délabré à Jaipur, en Inde. Se liant d’amitié avec le propriétaire, ils vont l’aider à retaper l’établissement et vont s’y installer à demeure.
Nous les retrouvons donc, ces personnages qui nous avaient émus ou fait sourire trois ans plus tôt. Muriel Donnelly (Maggie Smith, l’actrice qui tenait le rôle du professeur MacGonagall dans la série des Harry Potter) assiste Sonny dans la direction de l’hôtel et cache sa fierté et son affection sous des apparences très froides. Evelyn (Judi Dench) devient négociante en tissus, sous le regard amouraché d’un Douglas (interprété par l’excellent Bill Nighy) qui n’ose pas lui faire part de sentiments pourtant évidents. Madge (Celia Imrie) hésite entre deux hommes alors que la vie sentimentale de Norman et Carol est plus que mouvementée.

Et Sonny (Dev Patel, vu dans Slumdog Millionaire et Chappie) ? Le seul Indien de l’équipe navigue entre deux projets de rêve. Tout d’abord, il prépare son mariage avec la belle Sunaina (Tina Desai, que l’on peut admirer aussi dans Sense8, la série des Wachowski, où elle tient un des rôles principaux). Le film est d’ailleurs structuré en fonction des préparatifs du mariage et il est divisé en deux parties : La fête des fiançailles (engagement party) et la fête de famille (family party).

Mais Sonny a un deuxième projet, et les deux ambitions vont se télescoper, voire se percuter frontalement le long du film. Il veut racheter un autre hôtel en ruine pour en faire un Second Best Marigold Hotel. Mais les obstacles vont se cumuler : un inspecteur doit venir à l’hôtel en se faisant passer pour un client ordinaire, pour évaluer la capacité de gestion de Sonny. Et un concurrent fait surface, un proche de Sunaina, activant à la fois la rancœur et la jalousie de Sonny.

Un film en équilibre
Le film reprend les mêmes qualités que la première partie : tout d’abord c’est le plaisir de suivre des personnages qui sont très sympathiques, drôles, parfois touchants, et en tout cas loin des héros habituels des comédies romantiques. Dans ce second épisode, le casting est complété par la présence d’un habitué du genre, Richard Gere.
Bien entendu, nous n’échappons pas à la mode des « héros sur le retour ». Il s’agit de montrer que les vieux savent aussi bien y faire que les jeunes. Là où Expendables nous prouvait que les retraités savent encore se battre, Indian Palace nous montre qu’ils peuvent encore être romantiques. Que nous soyons dans un effet de mode cinématographique ne gâche pas le plaisir que nous avons à retrouver cette bande d’acteurs.

D’autant plus que John Madden parvient à établir un équilibre intéressant. Son film reste constamment dans les demi-teintes, échappant à toute forme d’excès qui serait forcément regrettable. L’humour reste généralement subtil, cherchant les sourires plus que les éclats de rire, et toujours respectueux de ses personnages. Il ne s’agit pas de ses moquer de quelqu’un, mais d’accompagner des personnes que l’on apprécie.

De même, les passages plus émouvants ne sont pas non plus dans l’excès. Le cinéaste joue sur l’absence de pathos, voire même une certaine sérénité. Il aime bien aussi lancer de fausses pistes, nous faire croire à l’imminence d’un drame en approche pour mieux pouvoir l’esquiver.
Tout cela n’empêche pas le film d’avoir des défauts. D’abord, il y a des scènes qui sont déjà vues depuis fort longtemps, des passages obligés que l’on se lasse un peu de revoir pour la énième fois. Ainsi, le fameux discours de mariage qui s’adresse à quelqu’un du public…
Enfin, l’Inde présentée dans ce film n’esquive pas les vues de cartes postales. Alors, certes, cela nous donne de belles images, mais le cinéaste évite soigneusement de parler de la réalité sociale indienne. Peut-être est-ce ce qui manque au film, en définitive. Ce qui aurait pu lui faire dépasser le stade du divertissement agréable et en faire un vraiment bon film.

Indian Palace – Suite Royale : Bande annonce

 Indian Palace – Suite Royale : Fiche Technique

Titre original : the second best exotic Marigold Hotel
Date de sortie originale : 1er avril 2015
Nationalité : Royaume-Uni
Réalisation : John Madden
Scénario : Ol Parker
Interprétation : Maggie Smith (Muriel Donnelly), Judi Dench (Evelyn Greenslade), Bill Nighy (Douglas Ainslie), Celia Imrie (Madge Hardcastle), Ronald Pipckup (Norman Cousins), Diana Hardcastle (Carol Parr), Dev Patel (Sonny), Tina Desai (Sunaina), Richard Gere (Guy Chambers), David Strathairn (Ty Burley).
Musique : Thomas Newman
Photographie : Ben Smithard
Décors : Ed Turner
Montage : Victoria Boydell
Production : Graham Broadbent, Peter Czernin
Société de production : Babieka, Blueprint Pictures
Société de distribution : 20th Century Fox
Budget : 10 000 000,00 de dollars
Genre : comédie, romance, drame
Durée : 122’

Family life

Il y a quelques années, Christine Carrière a réalisé Darling, un film assez sombre, basé sur une histoire vraie, mais illuminé par une excellente Marina Foïs à contre-emploi, dans un de ses rôles les plus marquants. Un film qui tenait en haleine, qui osait aller au bout de son propos, un film grave  qui parvenait à faire rire malgré des vies assez tragiques, une réussite dans l’ensemble.

Son nouveau film, Une mère, ne sort pas de ce cadre gris et sombre. Mathilde Seigner y joue le rôle de Marie, la mère de Guillaume, un adolescent de 16 ans en perte totale de repères, accumulant les mauvaises actions. Marie est une mère dépassée par les évènements. Sa vie est terne, dans cette ville du Nord indéfinie et morte, dans ce logement peu avenant, dans ces petits boulots qui n’apportent aucune satisfaction, mais seulement de la fatigue et de la précarité, dans cette relation vaguement amoureuse et peu épanouissante, et surtout dans cette relation mère-fils plus que délétère. Un trop-plein d’accablement qui fait constamment surfer le film sur le fil du sentimentalisme.

Le film est centré sur cette relation entre la mère et le fils. Le mode de communication entre eux n’est jamais le bon, rempli d’agressivité  le plus souvent, de la part d’un fils extrêmement antipathique qui considère sa mère comme l’ennemi, tout comme de la part d’une mère excédée par cette attitude, mais qui ne propose à son fils qu’un visage fermé et sévère. Il est assez éprouvant de les suivre dans leur histoire, car ils n’offrent jamais l’occasion d’être en empathie. L’un et l’autre, filmés dans un quasi huis clos relationnel, jouent leur rôle de manière mécanique et exacerbée, de telle sorte que la sensation du factice envahit souvent le spectateur dubitatif, et ne laisse pas la possibilité qu’une émotion s’échappe du film.

Les agissements de Guillaume sont caricaturaux et proches du cliché, comme issus d’un catalogue du mauvais comportement chez l’adolescent. Impeccable jusqu’alors, que ce soit chez Ursula Meier (l’enfant d’en haut, Home) ou chez Anne Fontaine (Gemma Bovery), Kacey Mottet-Klein ne réussit pas à faire exister pleinement son personnage, et il ne paraît à aucun moment concerné par ce qui se passe. Au contraire, l’agitation extrême, mais surtout vaine, de son personnage l’éloigne du jeune acteur sympathique et talentueux qu’il a toujours été, à croire qu’il ne peut ni ne veut pas assumer ce rôle du méchant et vilain, ou pire, à croire qu’il a perdu son talent en route …

Quant à Mathilde Seigner, elle aussi jouant en dehors de son registre habituel, à défaut de donner de l’épaisseur et de la subtilité à son personnage, faute sans doute à un manque de matière de la part de la réalisatrice, elle arrive au moins à incarner la lassitude extrême du personnage, qui va jusqu’au tabou de la détestation, voire la haine  de son propre fils. Malheureusement, Christine Carrière ne va pas au bout de son idée, et cette bravoure d’une mère qui veut être détachée de son fils présente la même tiédeur que le reste du film. L’indécision de Marie quant à la conduite à tenir par rapport à son fils vient clairement de la réalisatrice, et non du personnage lui-même.

La tentative de rajouter des ponctuations dans le métrage, au travers de « l’histoire d’amour »  de Marie avec son ex-amoureux toujours transi n’est pas non plus une franche réussite. Toute se passe dans la même morosité, le même ton égal utilisé d’un bout à l’autre. Leurs discussions nocturnes sont d’une grande platitude, et portent sur des sujets morbides et faussement philosophiques et qui n’ont pas  leur place dans ce récit. Leurs échanges sont indéfinissables. Ici encore, on sent nettement le manque de parti pris.

Cet article indéfini du titre, Une mère, est symptomatique du film de Christine carrière. Le propos du film n’est pas limpide, on ne sait pas si Marie est une mère comme les autres, une mère spéciale ; on ne sait même pas si, in fine, elle est une bonne ou une mauvaise mère. Elle est une mère que l’on n’a pas envie de défendre, contrairement à une autre mère à laquelle elle fait forcément penser, à l’inoubliable Diane (Fabuleuse Anne Dorval)  dans le film de Xavier Dolan, Mommy, une mère qui est pourtant autrement plus éprouvée que  Marie…

Après ce film très en demi-teinte, il ne reste plus qu’à espérer que Christine Carrière retrouve vite son sens du cinéma pour nous offrir quelque chose de plus consistant à nous mettre sous la dent…

Synopsis: Marie ne parvient plus à gérer Guillaume, son fils de 16 ans. Malgré tous ses efforts, celui-ci est devenu un délinquant, toujours sur la corde raide. Au bout du rouleau, elle est sur le point de baisser les bras, se demandant ce que serait sa vie si elle n’avait pas eu d’enfant. Pierre, son ex toujours amoureux, voudrait la récupérer, faire un bébé avec elle, alors qu’elle se débat comme une diablesse pour mettre de l’ordre dans sa vie. Comme si cela ne suffisait pas, Guillaume, qui accumule les bêtises, est suspecté d’avoir renversé un homme. Alors que leur relation houleuse est au point mort, elle va tenter de recoller les morceaux…

Une Mère : Bande annonce

Une Mère : Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 24 Juin 2015
Réalisateur : Christine Carrière
Nationalité : France
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 100 min.
Scénario : Christine Carrière
Interprétation : Mathilde Seigner (Marie), Kacey Mottet Klein (Guillaume), Pierfrancesco Favino (Pierre), Salomé Dewaels (Suzanne)
Musique : Eric Neveux
Photographie : Jeanne Lapoirie
Montage : Martine Barraqué
Producteur : Nicolas Blanc
Maisons de production : Agat films & Cie
Distribution (France) : Les films du Losange
Récompenses : –
Budget : NR

Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles nous avait déjà fait craqué en 1988 ; il ressort aujourd’hui sur grand-écran pour notre plus grand plaisir.

Synopsis: Bien avant l’apparition de l’homme sur la Terre vivait une paisible race de dinosaures végétariens et pacifiques, les « mangeurs de feuilles ». Mais quand la sécheresse ne les contraignait pas à l’exode, les terribles « dents tranchantes », une espèce de dinosaures carnivores, les attaquaient. Un seul espoir pour sauvegarder la race, rejoindre la vallée des merveilles, où la verdure est abondante.
C’est là que commence l’histoire de Petit-Pied, un dinosaure appartenant à la famille des « longs cous » et séparé de ses parents, suite à un séisme. Au cours de son périple, il est épaulé par d’autres espèces reptiliennes : Cera, une « trois cornes », Ducky, un « grande bouche », Petrie, un « volant », et Spike, un « queue à pointes ».

Un monde merveilleux

C’est un spectacle féerique de dimensions, de couleurs et de graphismes, jusqu’à la musique magique de James Horner, auteur des bandes son de Titanic et Avatar. Réalisé par Don Bluth, ancien animateur des Studios Disney, créateur des Studios Don Bluth, Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles est une animation dans la continuité du dessin-animé traditionnel à l’image des autres productions en association avec Steven Spielberg : Fievel et le Nouveau Monde, Brisby et le secret de Nimh ou encore Anastasia...

Le film nous conte l’histoire de Petit Pied, un bébé diplodocus qui part à l’aventure pour retrouver sa famille dans l’El Dorado des dinosaures. D’emblée, le petit dinosaure nous enchante par sa frimousse adorable, son innocence et son optimisme. Dans sa quête, il est accompagné par d’autres dinosaures aux personnalités très marquées : Beckie le saurolophus passionné et surexcité qui répète « Oui, oui, oui ! » d’une voix chantante doublée, Cera le tricératops au mauvais caractère, Pointu le stégosaure gourmand et Pétrie le ptéranodon qui ne sait pas voler.

La joyeuse tribu nous entraîne dans un périple à travers des paysages désertiques et apocalyptiques pour retrouver le chemin d’une vallée fleurissante et paradisiaque : la Vallée des Merveilles. Une expédition mouvementée au cœur de la Préhistoire. Le titre, Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles, exprime parfaitement les deux aspects de cette animation qui est une rencontre entre l’Histoire et le Merveilleux. Le film permet de développer à la fois l’imagination de l’enfant, sa curiosité et ses connaissances, pour le plus grand plaisir des parents.

Un monde préhistorique

Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles est une animation pour enfants dont l’idée originale est judicieusement trouvée quand on sait que dès la maternelle, les petits ont un engouement pour ces créatures « fantastiques » qui ont pourtant existé. Plus tard, les enfants restent en admiration devant ces géants de la Préhistoire qui développent leur imagination et leur intérêt pour l’histoire et la science. C’est une période extraordinaire, garante du passé et de nos origines, une période mystérieuse pour les petits comme les grands dont on sait peu de choses finalement, en particulier sur l’extinction des dinosaures qui a fait émerger nombre de théories.

Pas étonnant donc que nos bambins en raffolent car l’enfance est aussi un moment où l’on aime se faire peur. Outre le mystère qui plane autour d’eux, ces dinosaures revêtent un caractère terrifiant, monstrueux à l’image du « Grand méchant Loup » notamment en ce qui concerne le Tyrannosaure Rex.

Le psychologue clinicien, Pascal Hachet, explique ce phénomène par ces mots :

« Le plus souvent, on observe la séquence suivante : les enfants sont d’abord saisis par la curiosité qui les incite à les côtoyer par le biais d’images et, parfois, de connaissances plus ou moins poussées. Ils ressentent ensuite de la peur lorsqu’ils découvrent la taille et l’agressivité présumée de la plupart de ces animaux. Enfin, lorsqu’ils parviennent, à force de “ fréquentation ”, à apaiser cette peur, ce qui n’est pas toujours le cas, ils se prennent à aimer plus ou moins intensément ces animaux. »

De par ses atouts artistiques et pédagogiques, le sujet du film Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles tombe à point nommé dans une période du développement de l’enfant qu’il est nécessaire d’alimenter. Avec cette sortie dans les salles, l’occasion de nourrir leurs esprits gourmands avec ce joli conte se présente à nouveau car sur les écrans, ces dinosaures sont fabuleux !

Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles : Bande-annonce

Fiche technique : Le Petit Dinosaure et la Vallée des Merveilles

Titre original : The Land before Time
Origine : USA
Année de production : 1988
Production : Sullivan Bluth Studios, Amblin Entertainment
Durée : 1h09
Auteur : Don Bluth
Réalisation : Don Bluth
Production : Don Bluth, John Pomeroy, Gary Goldman
Producteurs exécutifs : Steven Spielberg, George Lucas, Frank Marshall, Kathleen Kennedy
Scénario : Stu Krieger
Musique : James Horner
Story-boards : Don bluth, Dan Kuenster
Animation : David Brewster, Skip Jones, Patrick Gleeson, Ken Duncan, Michel Gagné, Kent Hammerstrom, Colm Duggan, Jeff Etter, Raul Garcia, Marie Bardwell
Effets Spéciaux : Dorse Lanpher
Direction de l’animation : Dan Kuenster, Ralph Zondag, Linda Miller
Direction de doublage : Jean-Pierre Dorat
Layout : David Goetz

Dans Comme un avion, Michel (interprété par le réalisateur, Bruno Podalydès) voudrait rejoindre la mer avec son kayak, parce que c’est un palindrome et que c’est presque « comme un avion ».

Synopsis : Michel, passionné par l’aéropostale, tombe sous le charme d’un kayak dont la forme lui fait penser à un avion. Il part alors à l’aventure sur une rivière inconnue.

Le temps de l’aventure 

Pourtant, le film nous prend à contre-pied car si le ciel est toujours à portée demain, comme l’eau qui s’écoule le long de la rivière, Michel ne bouge presque pas. Comme un avion devient alors le récit d’un éternel retour. Irrésistiblement attiré par une petite guinguette, Michel tente plusieurs fois de repartir, mais sans y parvenir vraiment, toujours retenu dans cet endroit magique où l’on croise des personnages hauts en couleurs. De la veuve (Agnès Jaoui, superbe et pleine d’envies), à la jeune amoureuse éplorée dont les larmes sont déclenchées par la pluie (Vimala Pons, douce et lumineuse), en passant par deux peintres effrénés. Son aventure à lui se passera ici, il s’y retrouvera, y réfléchira avec toute la force de l’immobilisme. Dans sa première partie, le film s’attache à décrire un homme non pas en plein burn-out, mais plutôt quelqu’un qui a une petite vie bien tranquille, mais dont les rêves n’ont jamais été accomplis parce que la réalité semble les affadir. Ce n’est pas sa femme qui le fait fuir car, comme il lui dit si bien « voyager, ce n’est pas quitter ». D’ailleurs, Bruno Podalydès et Sandrine Kiberlain rendent ce couple très tendre, notamment le temps d’un pique-nique improvisé et d’une étreinte, un au-revoir. Même quand ils se mentent un peu, c’est avec tendresse. Quand il part enfin, c’est au fil de l’eau qu’on voit d’abord Michel, avant qu’il n’échoue dans ce pays des merveilles d’où il ne repart presque plus. Sur sa route ensuite, plus aucune pseudo-guinguette n’aura la saveur de celle-ci.

Le temps de vivre

Michel parle souvent tout seul, ce qui peut paraître étrange et un peu déstabilisant au premier abord, puisqu’il décrit tout ce qu’il fait quand il est dans sa tente. Pourtant, cela ajoute une tendresse au personnage qui, comme un enfant, dit bonne nuit à tous ses objets pour se rassurer avant de dormrir en pleine nature. Michel souffre d’un énorme besoin de tendresse, sa femme, dès le début, explique qu’à leurs âges, ils n’ont plus besoin d’assouvir leurs désirs puisqu’ils les connaissent. Pourtant, ce n’est pas l’avis de Michel qui a encore des désirs aériens et fantasques. Il échange des baisers, des caresses. Derrière lui, comme le petit poucet, il sème presque inconsciemment des indices – la géolocalisation – pour qu’on le retrouve en chemin. Il revient vers sa vie, mieux armé pour la vivre. Un autre palindrome s’est accompli : rêver. Dans ce film très tendre et très doux, immobile et pourtant si tourbillonesque pour le personnage principal, Bruno Podalydès convoque des clins d’oeil, avec ses acteurs, tous connus même pour de la figuration (de Noemie Lvovsky à Pierre Arditi), mais aussi des musiques qui disent simplement le bonheur d’une vie tranquille, libre. C’est (presque) un manifeste pour un choix de vie loin du 100 à l’heure qu’on nous vend à tous les coins de rue. Qu’il fasse appel à Moustaki ou à Manset-Bashung, Poalydès célèbre des instants intenses, frugales, où la beauté du geste compte avant tout, celle de la rencontre aussi. C’est ainsi que « Venus » est présente, partout, dans ces simples mots que le film rend vivants : « L’inévitable clairière amie
Vaste, accueillante
Les fruits à portée de main
Et les délices divers
Dissimulés dans les entrailles d’une canopée
Plus haut que les nues… ». Ces fruits, des cerises dédiées à un être disparu, on peut presque les saisir de derrière l’écran, telles qu’elles sont filmées, comme les femmes du film, toujours prêtes à l’étreinte, belles et dignes quel que soit leur âge. C’est que la poésie a toute sa place ici, comme l’absurde et la mélancolie.

Comme un avion : Bande annonce

Comme un avion : fiche technique

Titre original : Comme un avion
Date de sortie : 10 juin 2015
Nationalité : Française
Réalisation :  Bruno Podalydès
Scénario : Bruno Podalydès
Interprétation : Bruno Podalydès, Sandrine Kiberlain, Agnès Jaoui, Vimala Pons, Denis Podalydès, Michel Vuillermoz
Photographie : Claire Mathon
Décors : Guillaume Deviercy
Montage :Christel Dewynter
Production : Pascal Caucheteux,  Martine Cassinelli
Sociétés de production : Why Not Productions
Sociétés de distribution : UGC Distribution
Budget : NR
Genre : Comédie
Durée : 105 minutes
Récompense(s) : Aucune