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Ce n’est pas vraiment la banana…

Prendre part au succès de la franchise Moi, moche et méchant pour ensuite envahir notre quotidien sous forme de divers produits dérivés… les Minions sont décidément partout ! Et comme si cela ne suffisait pas, voilà que les petites gélules jaunes s’offrent un film rien que pour elles, pour le plus grand plaisir des fans. Mais des personnages connus pour leurs petites apparitions et leurs gags cartoonesques de courte durée peuvent-ils tenir la distance sur un long-métrage faisant 1h30 ? C’est la grande question que tout le monde doit se poser, surtout après être passé par Les Pingouins de Madagascar qui n’est clairement pas resté dans les mémoires malgré l’aura de ses protagonistes. Et malheureusement, c’est la même chose qui se produit ici avec ces chers Minions…

Après, il faut faire la part des choses : les Pingouins de la trilogie Madagascar ont beau être appréciés, ce sont tout de même les Minions qui l’emportent, leur célébrité ayant eu un plus grand impact dans la culture populaire. En effet, il est désormais impensable de rencontrer quelqu’un dans la rue qui ne les connaisse pas, la Terre entière ayant littéralement succombée à leur charme fou. Une simplicité apparente (question look), une personnalité bien à eux (une maladresse et un langage caractéristiques), un humour universel qui fait mouche… voilà d’où ces petits personnages tirent leur charisme sans faille que le public espère retrouver dans ce long-métrage. Si le charme opère toujours au point que Les Minions se présente tel un divertissement sympathique et plaisant à regarder (le rendu visuel se révèle encore plus élaboré que pour Moi, moche et méchant 2), la sauce a tout de même du mal à prendre.

Pourtant, le film avait une base scénaristique plutôt solide (la quête d’un super-vilain à seconder) qui reflétait à merveille l’esprit des Minions. Mais une fois ce postulat posé, le film ne fera qu’enchaîner les séquences sans aucune imagination, ayant l’impression de constamment tourner en rond. La faute étant que Les Minions ne propose aucune trame secondaire digne de ce nom, ne se concentrant que sur ses trois personnages principaux qui ne répondent présents que pour amuser la galerie. De ce fait, le long-métrage livre des protagonistes de seconde zone (Scarlett Overkill, son mari Herb, la famille Nelson…) sans saveur ne parvenant pas à égaler ceux de Moi, moche et méchant. Un constat qui empêche donc le spectateur de se plonger pleinement dans l’aventure et de suivre bêtement (mais non sans plaisir) les situations rocambolesques de ses stars qui manquent d’émotion et de fantaisie.

Mais même du point de vue humoristique Les Minions déçoit. Non pas que le film ne soit pas drôle : l’ensemble peut se vanter d’avoir des séquences totalement loufoques et réussies qui sauront arracher quelques sourires voire de franches rigolades. Mais si ces dernières marchent, c’est parce qu’elles sont à l’image des gags propres aux Minions : courtes et cartoonesques. Malheureusement, pour justifier sa durée de 1h30 et afin de toucher un plus large public (alors qu’il n’en avait franchement pas besoin), le film étire la plupart de ces situations comiques sans exprimer la moindre folie pourtant si caractéristique aux personnages au point d’avoir des airs de déjà-vu. Si les petits gags sont présents, ils ne sont pas assez nombreux pour effacer ce sentiment d’ennui qui s’installe au fur et à mesure que le visionnage s’approche du générique de fin. Un sentiment qui plus est accentué par cette impression d’avoir un film sans queue ni tête, semblant longuet par moment et ne se montrant jamais aussi imprévisible que les scènes de Moi, moche et méchant. D’autant plus que les bandes-annonces se sont montrées un peu trop généreuses, dévoilant la quasi intégralité des scènes dont les plus marquantes. À la limite, les spectateurs riraient plus avec la dose d’humour référentielle livrée dans ce divertissement (la culture hippie, les clichés anglais…). Mais comme Les Minions s’adressent avant tout aux plus jeunes, il est vraiment dommage de remarquer pendant la séance que ce sont plus les adultes qui s’amusent (à cause de cette surabondance de clins d’œil culturels) et non les enfants, ces derniers se plaignant que le spectacle soit « trop long ». Un comble !

La messe est dite : les Minions, comme la plupart des personnages de leur espèce, ne peuvent tenir la distance sur une durée plus conséquente qu’à l’accoutumée. Si le long-métrage se montre sympathique, jamais il n’arrive à retrouver la folie et l’imagination qu’usaient les créateurs pour rendre ces gélules jaunes si attachantes et hilarantes, se contentant de leur charisme populaire et de rien d’autre. Fort heureusement, un troisième opus de Moi, moche et méchant serait actuellement en préparation. Et même si la qualité de cette suite ne soit pas assurée d’avance, il est déjà certain que les Minions sauront retrouver toute leur fantaisie absente de ce spin-off/préquelle. Comme quoi, ce sont les plaisanteries les plus courtes qui sont les meilleures.

Synopsis : Depuis la nuit des temps, les Minions, petit êtres jaunes et maladroits, sont en quête du méchant le plus ambitieux de l’histoire afin de le servir. Mais après des siècles d’isolement et de dépression pour avoir détruit par leur incompétence leurs maîtres, trois d’entre eux appelés Kevin, Stuart et Bob décident de partir à la recherche d’un nouveau méchant. Leur route va ainsi croiser celle de Scarlet Overkill, une élégante et ambitieuse femme qui projette de dominer le monde et devenir la première femme super-méchante…

Les Minions : Bande-annonce

Les Minions :Fiche technique

Titre original : Minions
États-Unis – 2015
Réalisation : Pierre Coffin et Kyle Balda
Scénario : Brian Lynch, d’après les personnages créés par Ken Daurio et Cinco Paul
Doublage : Pierre Coffin (les Minions), Sandra Bullock (Scarlet Overkill), Jon Hamm (Herb Overkill), Michael Keaton (Walter Nelson), Allison Janney (Madge Nelson), Steve Coogan (le professeur Flux et le garde de la Tour de Londres), Jennifer Saunders (la Reine), Geoffrey Rush (le narrateur)…
Date de sortie : 8 juillet 2015
Durée : 1h31
Genre : Animation
Direction artistique : Olivier Adam
Montage : Claire Dodgson
Musique : Heitor Pereira
Producteurs : Janet Healy et Chris Meledandri
Production : Illumination Entertainment
Distributeur : Universal Pictures International

L’amitié fait partie intégrante du cinéma de Louis Garrel, dont le premier court métrage, Mes Copains, célébrait sa bande de potes. En 2011, il réalisait La Règle de trois avec son complice Vincent Macaigne et Golshifteh Farahani. Habitué de la Croisette, Louis Garrel était donc tout naturellement présent cette année à Cannes avec son premier long métrage, Les Deux amis, sélectionné pour la Semaine de la critique.

Synopsis : Clément, figurant de cinéma, est fou amoureux de Mona, vendeuse dans une sandwicherie de la gare du Nord. Mais Mona a un secret, qui la rend insaisissable. Quand Clément désespère d’obtenir ses faveurs, son seul et meilleur ami, Abel, vient l’aider. Ensemble, les deux amis se lancent dans la conquête de Mona.

A trois on y va

Il y réunit à nouveau le trio de La Règle de trois pour un badinage amoureux et amical, inspiré de Marivaux. Ici pourtant, plus que l’amour, c’est l’amitié, et sa rupture, entre deux hommes, loin de la franche camaraderie, qui domine. Clément admirait Abel, jusqu’à ce que son égoïsme lui devienne insupportable. Épaulé par Christophe Honoré, dont on sent la plume dans chaque dialogue, Louis Garrel réalise une comédie amoureuse, qui se veut à la fois légère et rythmée, avec comme point d’orgue, le sentiment et sa retranscription à l’écran. Dans le film de Louis Garrel, on court beaucoup, on se parle aussi, sans vraiment s’écouter, le tout dans un chassé-croisé de près de 48 heures dans les rues de Paris. Vincent Macaigne y joue (encore) un paumé envahissant et attachant, écarté de la société par son statut d’intermittent alors que Louis Garrel est (encore) un dandy blasé et charmeur. Golshifteh Farahani y est solaire et plus libre, malgré son statut de prisonnière, que les deux amis, enfermés dans une relation d’amitié qui ne fonctionne plus.

On a failli rester amis

Louis Garrel parle de sentiment, mais sans s’appesantir. C’est certainement ce qui le distingue, dans ce film du moins, de son père Philippe Garrel, pour lequel l’amour est toujours un grand drame bourgeois et théâtral. La musique de Louis Garrel est plus légère, faite de petits mensonges, de piques et d’un corps à corps très chorégraphique entre le trio filmé. Ce que Clément demande, c’est de l’affection, une attention particulière et du temps alors que Mona n’en a précisément pas à offrir, puisqu’elle doit retourner chaque soir dans sa cellule. Le secret qu’elle garde donne lieu à un quiproquo et à une scène de train assez hilarante. Abel, quand à lui, cherche à tout maîtriser et prend les choses en main, quitte à s’approprier les mérites d’une réussite. C’est un papillon, il vole de femmes en femmes comme l’insecte ailé vole de fleurs en fleurs. Louis Garrel tente de filmer l’impalpable, le sentiment et sa lenteur, sa décantation, sa naissance et son explosion. Pourtant, son film semble rapide, dès le prologue, expédié en quelques minutes, là où de nombreux films prennent beaucoup (trop) de temps à psychologiser et contextualiser leurs histoires. Le feu de l’action démarre assez vite, tout comme la fin de l’amitié d’Abel et Clément. Ainsi, cette fin est filmée comme une rupture amoureuse, dans les mots et dans les gestes. Mona déclenche cette crise du sentiment, c’est d’ailleurs toujours elle qui marche en avant quand le trio est réunit. S’il va vite, Louis Garrel s’accorde aussi des pauses à l’aide de ralentis plus ou moins bien sentis. Il montre aussi que le sentiment, l’amour comme la colère, est un combat. Ce n’est ainsi pas anodin si quand Abel et Mona accompagnent Clément sur un tournage d’u film où il fait de la figuration, c’est de mai 68 qu’il est question (thème très cher à Garrel père), avec cette phrase « ça ne fait que commencer, continuons le combat », soit cette lutte pour conquérir l’autre, faire durer un sentiment aussi fort et complexe que l’amitié. Les trios sont légions dans le cinéma, la troisième entité venant toujours relancer un couple en fin de course, tout en en brisant finalement la structure. Si le film sonne parfois faux c’est qu’il est filmé et joué comme un hors temps irréel, loin des conventions sociales, tous les personnages étant coupés de la société par leur statut : prisonnière, écrivain sans projet littéraire et acteur-figurant. Avec beaucoup de déjà-vu, baigné dans une sensibilité particulière, Louis Garrel réalise un film triangulaire, élégamment mis en scène, sans pour autant marquer durablement les esprits. Les deux (ex) amis semblent démunis à la fin, avec comme seule perspective, l’amour à venir et qu’ils vivront pour eux-mêmes, en solitaire.

Les Deux amis : bande annonce

Les Deux amis : Fiche technique

Titre original : Les Deux amis
Date de sortie : 23 septembre 2015
Nationalité : Française
Durée : 100 minutes
Réalisation : Louis Garrel
Scénario : Louis Garrel et Christophe Honoré
Interprétation : Louis Garrel, Vincent Macaigne, Golshifteh Farahani
Musique : Philippe Sarde
Photographie : Claire Mathon
Décors : Jean Rabasse
Montage : Joëlle Hache
Production : Olivier Père, Anne-Dominique Toussaint
Sociétés de production : Les Films des Tournelles, Arte France Cinéma
Sociétés de distribution : Ad Vitam
Budget : NR
Genre : Comédie dramatique
Récompense(s) : Sélection Semaine de la critique Festival de Cannes 2015.

Deuxième long-métrage du réalisateur et acteur norvégien Ole Giæver, Natür Therapy (Out of Nature) nous embarque dans une randonnée spirituelle durant laquelle Martin (interprété par Ole Giæver lui-même) va enchaîner prises de conscience et réflexions sur lui-même.

Synopsis : Martin entame une randonnée solitaire dans les montagnes norvégiennes. Il se laisse aller à ses pensées à la fois fantaisistes et profondes, infantiles et existentielles, et, surtout, il porte un regard sans concession sur lui-même et sur ceux qu’il a laissés derrière lui.

Pensées abjectes

Durant 80 minutes, Martin est le personnage unique, même si sa famille ainsi que ses amis sont présentés. Et s’il est amené à faire des rencontres, jusqu’à assouvir des fantasmes tordus – bien qu’inaboutis – avec des inconnues, il est le pivot de ce long métrage qui le cloisonne dans une remise en question sans réel fond, ne relevant que d’un simple psychotique, d’une simple envie de tout envoyer balader. Cette randonnée, Martin la transforme en thérapie, là où le côtoiement de la nature serait davantage l’occasion d’imaginer des fantasmes morbides, obscènes ou toutes sortes de pulsions qu’il ne peut satisfaire dans la vie. Tout cela sans que personne ne puisse le voir, ni l’entendre.

En réalisant Natür Therapy (Out of Nature), Ole Giæver n’a pas fait les choses à moitié, se retrouvant devant et derrière la caméra. Défi risqué et à moitié réussi. Malgré un jeu nuancé offrant une palette variée d’émotions, avec une voix off tantôt chevrotante, tantôt confiante, Martin apparait comme un personnage ingrat, désagréable et macho, aux tendances exhibitionnistes (nous sommes amenés à zieuter à plusieurs reprises son sexe). Impossible d’éprouver une quelconque empathie pour lui. Mais ne serait-ce pas ce qu’il est vraiment ? Son mépris assumé dans ses réflexions ne ferait-il pas de lui un salopard ? Ne se dévoilerait-il pas sous sa vraie personnalité lorsque personne ne le regarde ? Ainsi, Natür Therapy (Out of Nature) est également un film sur la reconstruction d’un homme, sur la quête de soi.

L’image bleutée, plutôt pâlotte, ne déroge pas à l’image que l’on se fait du cinéma nordique où un certain esthétisme est de mise, doublé d’une propension à la contemplation. Entre deux prises de conscience, viennent s’immiscer divers plans de la nature, à la manière d’un documentaire sur les grandes prairies qui couvrent les pays scandinaves. On peut ainsi se demander si 80 minutes, ce n’est pas trop long et si le film n’aurait pas été plus intense réduit à un moyen métrage d’une cinquantaine de minutes. Natür Therapy (Out of Nature) est en effet très lent, il multiplie les plans-séquences en une continuité temporelle suivant en temps réel cette randonnée. Les nombreux gros plans qui le jalonnent enferment Martin dans sa quête de soi et dans sa constante interrogation sur lui-même. Les plans plus larges, quant à eux, l’isolent au sein d’un monde vide, aussi bien d’humains que de sens. Mais cette randonnée a-t-elle réellement un sens ? N’est-elle pas que le déni d’une vie dans laquelle son héros ne se retrouve pas ? La randonnée est une boucle, un cercle vicieux, autant pour Martin que pour les spectateurs. Le jeune marcheur se remet sans cesse en question et ne cesse de s’interroger sur sa sexualité et sur une vie passive dans laquelle il ne semble pas se retrouver. Martin est un personnage moribond, lassé, qui se voit voué à l’échec, à la recherche d’une échappatoire qui le ferait quitter une routine qu’il considère nauséeuse mais qu’il affectionne pourtant. Natür Therapy (Out of Nature) nous livre ainsi les ressentis de son personnage, principalement sexuels, simultanément à de nombreuses mises à nu physiques de celui-ci.

Ce deuxième film de Ole Giæver ne peut que rappeler Near Death Experience, film français réalisé en 2014 par le duo fantasque Gustave Kervern/Benoit Delépine dans lequel Paul, interprété par Michel Houellebecq, fait également le choix de quitter son logis. S’en suivent des réflexions et interrogations personnelles plus abouties et convaincantes.

Natür Therapy (Out of Nature) : Fiche technique

Titre original : Mot Naturen
Date de sortie : 9 septembre 2015
Nationalité : Norvège
Réalisation : Ole Giæver
Scénario : Ole Giæver
Interprétation : Ole Giæver, Rebekka Nystabakk, Marte Magnusdotter Solem
Musique : Ola Fløttum
Photographie : Oystein Mamen
Décors : NR
Montage : Frida Eggum Michaelsen, Ole Giæver
Production : Maria Ekerhovd
Sociétés de production : Mer Film
Sociétés de distribution : Epicentre Films
Budget : NR
Genre : Drame, comédie.
Durée : 80 mins.
Récompense(s) : NR

Commençant comme un film social que Les frères Dardenne auraient pu réaliser, avec une héroïne en proie à une certaine forme de fracture sociale, Melody est un film aux multiples facettes qui se termine en apothéose dans un maelstrom  d’humanité à fleur de peau.

Synopsis : Melody, modeste coiffeuse à domicile, est prête à tout pour réaliser son rêve : ouvrir son propre salon de coiffure. Contre une importante somme d’argent, elle accepte de porter le bébé d’une autre et rencontre Emily, riche Anglaise qui cherche désespérément à en avoir un…

Un enfant de toi

Melody est une jeune coiffeuse à domicile que l’on voit dans la première scène chez une vieille dame. Pour un shampoing et une pose de bigoudis, la vieille dame lui donne près de 100 €, geste généreux qu’elle justifie par son « envie que de bonnes choses (lui) arrivent ». Une jeune femme attachante et gentille donc, que l’on retrouve plus tard de porte cochère en porte cochère, son sac au dos, cherchant visiblement un endroit sûr pour dormir un peu.

Ces premières images s’apparentent en effet beaucoup à certains des films des frères Dardenne pour lesquels le réalisateur belge Bernard Bellefroid ne cache pas son admiration (et qui l’ont aidé considérablement pour son premier court-métrage). Une réalité sociale rapportée sans fioritures, mais suffisamment âpre pour qu’au détour d’une discussion avec une amie, Melody lui rétorque : « Faire ça est moins dangereux que d’être pauvre ». Une phrase qui en dit plus long que certains discours pseudo-pédagogiques sur les conséquences néfastes de la précarité.

Melody veut s’extirper de ce danger, de cette précarité, et envisage d’ouvrir un salon de coiffure. Avec les économies glanées euro par euro chez une vieille dame ou l’autre, elle réussit à mettre une option sur un local déglingué. Pour le reste, sans aucun espoir d’accéder à un prêt bancaire, elle se résout à s’inscrire sur un site de GPA (gestation pour autrui) afin de louer son ventre et faire quelques profits. Très vite, son annonce rencontre preneuse.

Le reste du film raconte la rencontre entre les deux femmes, Melody (Excellente Lucie Debay, star montante belge d’un certain cinéma francophone) qui a la jeunesse et la désinvolture, et Emily (Rachael Blake, actrice aguerrie parfaite dans le rôle à tous les stades) qui a l’argent, et au début du film la condescendance qui va avec. Le propos est de ramener le débat sociétal sur la GPA vers une dimension humaine, étoffée par l’histoire personnelle passée et présente de chacune des deux femmes.

Le spectre des différents sentiments qui animent le tandem est très bien décrit : tout d’abord une sorte d’inconscience et de froideur autour du sujet, comme s’il ne les concernait pas vraiment, ni l’une, ni l’autre. La GPA n’est qu’un objet de transaction marchande, un moyen facile et pratique d’arriver à ses fins.  Puis petit à petit, elle sort de ce cadre commercial pour entrer dans la relation intime de deux personnes qui s’apprêtent à partager leur vie et  la vie d’un individu en devenir, depuis sa mise au monde jusqu’à son éducation. Petit à petit, leur relation se modifie et s’enrichit.  Elles expérimentent tour à tour la méfiance et la confiance, la bienveillance et le ressentiment, la colère et la complicité joyeuse. Tout est amené assez subtilement par Bernard Bellefroid. Melody et Emily sont deux solitudes meurtries qui se sont trouvées, dans une douceur et une sobriété de mise en scène qui éloignent tout pathos, alors même que le scenario est riche en rebondissements plus ou moins théâtraux.

Melody est un film plus complexe qu’il n’y paraît sur la naissance des sentiments, sur la filiation, ou encore sur la question de la responsabilité. Ces sentiments et situations sont comme mis dans un écrin par un sens magnifique du décor, avec des  tournages en milieu naturel, la forêt qui entoure la très belle maison de la riche Emily, cette mer qui borde l’endroit où elles sont parties ensemble dans une sorte de kidnapping réciproque, en attendant le bébé, et dans une ambiance mélancolique qui sied au propos. C’est un film poignant composé de plusieurs scènes portées par deux actrices vraiment émouvantes, des scènes sans aucun apprêt qui présentent les choses essentielles : le sentiment d’appartenance, enfin, pour la jeune Melody ; le sentiment d’accomplissement, enfin, pour une Emily qui a pourtant l’habitude du pouvoir de vie et de mort sur les centaines d’employés de sa société. 

Rachael Blake confirme ce qu’on a vu d’elle dans Sleeping Beauty, le film de l’australienne Julia Leigh : une actrice peu exubérante qui habite intensément des rôles qui semblent taillés sur mesure pour elle. Lucie Debay, qui a le rôle titre, n’est pas en reste, malgré son plus jeune âge, elle impressionne dans le registre de ce qu’elle sait montrer (et jouer, n’ayant pas eu peur depuis Melody d’interpréter le rôle de Corinne, la femme néo-nazie du « Français » du récent film de Diastème). Elles ont reçu conjointement le prix de la meilleure actrice à la session 2014 du Montréal World Film Festival, ce qui vient valider à raison le travail en commun qu’elles ont fourni sur le film de Bernard Bellefroid.

Melody : Bande annonce

Melody : Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 6 Mai 2015
Réalisateur : Bernard Bellefroid
Nationalité : Belgique, Luxembourg, France
Genre : Drame
Année : 2014
Durée : 90 min.
Scénario : Bernard Bellefroid, Carine Zimmerlin, Anne-Louise Trividic
Interprétation : Rachael Blake (Emily), Lucie Debay (Melody), Don Gallagher (Gary), Laure Roldan (Marion), Clive Hayward (Norman), Lana Macanovic (Dr. Sirenko)
Musique : Frédéric Vercheval
Photographie : David Williamson
Montage : Jean-Luc Simon
Producteur : Patrick Quinet,  Claude Waringo,  Gilles Padovani, Serge Zeitoun
Maisons de production : Artémis Productions, Liaison Cinématographique, Mille et une Films, Samsa Film
Distribution (France) : Damned Distribution
Récompenses : Prix de la meilleure actrice partagé par Rachael Blake et Lucie Debay en 2014 au Montréal World film Festival
Budget : NR

Tale of tales, une peinture baroque grandiose mais chargée d’un profond désespoir

Synopsis : Adaptation de trois des cinquante chapitres qui forment le roman Le Conte des Contes (ou Pentamerone) de Giambattista Basile: Celui d’une reine que l’envie d’enfanter pousse à tous les sacrifices, celui d’un roi charmeur tombant amoureux d’une inconnue au simple son de sa voix et celui d’une princesse qui souffre du manque d’affection de son père obsédé par un étrange insecte.

Il n’y a rien d’étonnant que Tale of tales ait à ce point divisé la critique à Cannes tant le virage opéré par Matteo Garonne est radical. Celui qui s’est fait connaitre du public international avec son excellent Gomorra (qui, pour rappel, donnait une image de la mafia napolitaine avec un réalisme proche du documentaire) signe à présent une fable fantastique aux allures gothiques qui, de plus, est tourné en anglais. De quoi désarçonner certains spectateurs qui y verront un retournement de veste à des fins purement commerciales. Et pourtant, le réalisateur défend une certaine continuité : Celle de confronter le réel et l’irréel, la vérité au mythe. Si cette velléité de décortiquer ce qui peut être réaliste dans cette adaptation de contes fantasmatiques est un argument difficile à défendre, le second est davantage recevable. Avant de s’essayer au cinéma, Garonne était féru de peinture. En réunissant une équipe technique composée d’amateurs de tableaux, il s’est assuré de mettre au point une fresque d’une qualité picturale remarquable.

Dès lors que l’on se laisse absorber par cet univers onirique, on plonge dans des aventures, plus ou moins abouties, portées par un excellent casting international. Dans trois royaumes, trois histoires de femmes (de trois âges différents) sont la base d’une narration qui prend la forme d’un film choral. Dans le rôle de la reine tourmentée par sa stérilité, Salma Hayek est impressionnante de froideur. A ses côtés, on remarque un John C. Reilly qui offre une scène de combat maritime impressionnante. Le récit qui va découler de la naissance de leur fils, qui rencontrera ses sosies, est sans conteste le segment le plus flou de l’ensemble du scénario. De son côté, Vincent Cassel réussit à donner à son personnage un charisme que l’on avait plus vu chez lui depuis longtemps. Son histoire, qui le lie à une femme à la double apparence, est incontestablement la partie la plus drôle du film. Enfin, la fable concernant la princesse délaissée par son père, elle profite du physique toujours dérangeant de Toby Jones dont la folie est palpable. Mais plus que les prestations de ce casting de stars, ce qui rend Tale of Tales hypnotique c’est la sophistication avec laquelle Garonne filme ces mythes et légendes, faisant de certains plans des images qui nous scotche à la rétine, tels qu’ Elisabeth Keanner nue dans les bois ou bien encore Salma Hayek dévorant un cœur de dragon.

Mais si le film est si dérangeant, c’est que son irréprochable direction artistique est mise au profit d’un monde où, derrière un certain faste monarchique, tout est laid et parfaitement amoral. Alors que le fait de voir princes et princesses, fées et sorcières, ogres et monstres, donne l’impression d’assister à un Disney, tout dans ce scénario à priori enfantin se fait rapidement rattrapé par sa dimension érotique et malsaine. Et c’est là que l’argument de la confrontation entre le réel et l’irréel que défendait son réalisateur prend tout son sens. En effet, si les premières minutes du film posent les bases de ce monde féérique, en se risquant à rendre certaines scènes fantastiques lourdaudes, voire franchement grotesques, dès lors que les conséquences que vont avoir ces actions sur les personnages va prendre une tournure plus terre à terre, on passe clairement du rêve éveillé au pur cauchemar. C’est parce que la conclusion est, pour chacun des protagonistes, assimilable à un drame aux antipodes du happy-end auquel il semblait prédestiné, que l’on peut affirmer que la thématique principale est la désillusion.
Même s’il est scénaristiquement inégal, Tale of tales est une œuvre d’une qualité visuelle absolument bluffante, qui profite de la présence d’acteurs parfaitement dirigés. Mais, plus une peinture baroque ou un banal conte de fées, Tale of tales est avant un film déroutant qui nous démontre que, quelque soit les apparats oniriques qu’il puisse prendre, l’espoir est toujours rattrapé par un certain fatalisme.

Tale of Tales : Bande-annonce

Tale of tales : Fiche technique