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A Love You est le premier film du jeune réalisateur Paul Lefèvre (Lucy, Malavita) tiré de son court-métrage de fin d’études ; son petit « Bébé » en somme. Présenté au Festival international Génération Court en 2010, A Love You (le court-métrage porte le même titre que le film) fut remarqué par le producteur Alain Etoundi puis par Luc Besson. Par la suite, Paul Lefèvre a réécrit le scénario pour en faire cette comédie géniale et hilarante qui promet d’être un vrai succès.

Une comédie humaine :

Pendant les 90 minutes du film A Love You, les rires des spectateurs envahissent la salle tant les situations drôlesques et originales se succèdent presque avec cohérence et naturel. Les trois héros représentent avec beaucoup de réalisme une génération éprise de liberté et le public se reconnaît en eux. Leur fraîcheur, leur humour, leur charisme et leur simplicité les rendent sympathiques et presque accessibles. Manu (Paul Lefèvre), Fred (Antoine Gouy, Brèves de comptoir, L’Enquête, la série Casting de Pierre Niney) et Juliette (Fanny Valette, La Loi de Murphy, Templeton, César du Meilleur Jeune Espoir Féminin pour La Petite Jérusalem) sont à la fois délurés, excentriques et émouvants de naïveté. En fait, ils sont tout simplement inexpérimentés et leurs joyeuses péripéties ne sont pas si éloignées de notre réalité.

Chez les autres personnages de A Love You, humour et émotions sont aussi au rendez-vous dans un large éventail de caricatures. Dominique Pinon (La Cité des Enfants Perdus, Alien, la Résurrection, L’Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Pivet) incarne un mendiant épicurien avec beaucoup de tendresse et de malice. Vincent Leyris interprète à la perfection un rôle de macho vicelard et sa réplique « Matez-moi ces p… !!! » est bien partie pour devenir une phrase d’anthologie ! Sur la route qui les conduit vers le grand amour, Fred et Manu croiseront ainsi une prostitué, un routier illettré et homosexuel refoulé, une équipe de rugby, un rasta hippie, deux torrides suédoises, un prêtre métaleux et tout un panel de personnages dont ils tireront une belle leçon existentielle.

Un grand cri d’amour :

Vous l’aurez compris, le scénario est tordant, la mise en scène sensationnelle, les acteurs géniaux mais A Love You est une comédie qui sonne tellement vrai par moment. Certaines scènes sentent le vécu et s’inspirent des souvenirs et des rencontres de Paul Lefèvre comme le fameux tatouage mal orthographié « A Love You » que le réalisateur a aperçu sur le bras d’un inconnu.

A Love You est le voyage initiatique de deux jeunes hommes en quête de romantisme – et d’autonomie aussi. Manu (Antoine Gouy) est un passionné, un idéaliste un peu fleur bleue qui croit au grand amour et au coup de foudre. Fred (Paul Lefèvre) au contraire, est terre à terre et matérialiste. Mais tous les deux partagent une amitié sincère l’un pour l’autre. Ensemble, ils vont traverser la France et abattre des montagnes à la recherche de l’amour. Est-il au bout du chemin ou se trouve-t-il plus près qu’on ne le pense ? Est-il dans ce couple de personnes âgées qui les prendra en stop ?

Au regard des situations critiques et des rencontres colorées, nos joyeux compères vont se remettre en question, revoir leurs priorités et redonner de la valeur à la vie et aux sentiments. A Love You est une fable audacieuse et optimiste sur le sens de la vie, de l’amour et de l’amitié. Et de ce film est née une véritable amitié entre les trois acteurs qui parlent déjà d’un prochain film…

Synopsis : Au lendemain d’une soirée très arrosée, deux jeunes étudiants de la région parisienne se lancent dans un périple pour retrouver une inconnue. La belle a donné rendez-vous à l’un d’eux pour le soir-même à Avignon. Mais, après un accident de voiture, les vrais ennuis commencent…

A LOVE YOU : Bande-annonce

Fiche technique : A Love You

Stand, c’est le second long-métrage du jeune réalisateur Jonathan Taieb : un film engagé, fort, à la fois très doux et très violent, marqué d’un réalisme intemporel et poétique.

Synopsis : A Moscou, un jeune couple, Anton (Renat Shuteev) et Vlad (Andrey Kurganov), est témoin passif d’une agression. Plus tard, ils apprennent qu’un crime homophobe a été commis au même moment et au même endroit. Aussitôt, Anton décide de lancer une enquête, mais sa soif de vérité n’a d’égal que les peurs et l’amour de Vlad. La quête qu’ils vont mener les conduit vers un avenir incertain. 

La liberté d’être qui l’on est

« Je voulais des situations universelles et atemporelles », nous a confié le réalisateur, « il n’était pas question de donner des leçons de morale ou une conduite de vie à un peuple dont je ne connais pas la culture ». Jonathan Taieb n’avait jamais mis les pieds en Ukraine : ce qu’il voulait avant tout, c’était ajouter sa pierre à l’édifice de la liberté, à l’image d’Anton, son personnage principal, un héros déterminé à rendre justice à un semblable qu’il n’a jamais vraiment connu.

Taieb n’as pas choisi son sujet au hasard : Stand s’ancre dans une réalité virtuelle terrifiante en Russie et dans les pays de l’Est qui témoigne d’une banalisation aggravée de l’homophobie : Taieb s’inspire directement de ces vidéos mises en lignes sur les réseaux sociaux, de passages à tabac de gays, des crimes homophobes qui restent impunis en Russie et en Ukraine. Ce sont ces « vidéos révoltantes », extrêmement violentes, qui ont catalysé son désir de faire un film sur le sujet. Selon Taieb, ces agressions se sont multipliées depuis l’adoption, en juin 2013, de la loi visant à interdire « la propagande des minorités sexuelles » afin de « protéger le psychisme des enfants ». Les « déviants » sexuels sont tous mis dans le même panier, l’homosexualité confondue avec la pédophilie.

La triste réalité est loin d’être seulement virtuelle : c’est la vie quotidienne de la communauté LGBT qui s’apparente à un lourd et pesant secret. Anton et Vlad habitent ensemble, mais ne se touchent pas en dehors, ne s’embrassent pas, ne quittent pas leur appartement en même temps pour qu’on ne remarque pas qu’ils vivent ensemble. Le réalisateur parvient parfaitement à rendre à l’image cette pression permanente, filmant ses personnages en caméra subjective, de dos, comme s’ils étaient réellement suivis. Dès qu’un personnage extérieur apparaît dans le cadre, il est flou, lointain, menaçant.

Stand est, par son titre même, un film engagé : lève-toi, contre les discriminations et les injustices, semble nous dire Jonathan Taieb. Malgré tout, le long-métrage se construit sur la nuance, sur des personnages ambivalents et une fin ouverte qui fera sûrement couler beaucoup d’encre. Le réalisateur rejette le manichéisme et les bons sentiments : pas de bons ni de méchants dans Stand, c’est au spectateur de prendre position. D’où le rôle clé et pourtant neutre du mystérieux Andrey, qui accepte d’aider Anton dans sa quête de vérité : pourtant, l’on se demande pendant les dix dernières minutes si ce n’est pas lui qui a mené Anton à sa perte.

Malgré quelques fragilités et longueurs –une scène de fin qui se veut peut-être trop magistrale -, Stand est d’une incroyable qualité esthétique au vu des conditions de tournage : Taieb a tourné en onze jours en Ukraine, en totale clandestinité, avec une équipe réduite de sept personnes, un tournage mouvementé entre les interventions de la police et le froid glacial. L’équipe avait préparé un faux scénario qu’elle ressortait pour la police, une histoire d’amour à l’eau de rose. Le réalisateur se rappelle que « tout le monde était très engagé, très impliqué ». Son but ultime, c’était de « ramener le film en France ».

C’est chose faite, puisque Stand a été sélectionné dans plus de 41 festivals internationaux et sera distribué dans plus de 10 pays, dont la France.

Merci à Jonathan Taieb et à son équipe pour leur accueil et leur gentillesse !

Bande-Annonce STAND VOST – Sortie le 24 Juin

Fiche technique : Stand

Date de sortie : 24 juin 2015
Réalisateur : Jonathan Taieb
Scénario : Jonathan Taieb, Constance Fischbach, Frédéric Jean-Jacques, Anthony Robin
Distribution : Renat Shuteev, Andrey Kurganov, Andrey Koshman, Ekaterina Rusnak, Veronika Merkoulovav, Yevgen Baranov, Tanya Baranova, Daniel Baranov, Natalia Baranova, Ellen Slusarchi
Traduction : Andrey Kurganov
Directeur de la photographie : Jonathan Taieb
Montage : Anthony Robin
Son : Yves Capus, Jean-Marc Cedot, Théo Grand, Remi Durel, Julie Tribout
Producteur : Jonathan Taieb Frédéric Jean-Jacques Kalin Linsberg Sami Chlagou

Mais que peut-il bien se passer dans nos têtes ? Quel mécanisme étrange ? Qui régit donc tout notre système de pensées ? À la manière de Il était une fois la vie – en bien plus drôle évidemment – les studios Pixar signent avec Vice-Versa une de leurs plus belles créations.

Vice-Versa, une œuvre pédagogique

Ils réinventent notre monde intérieur en le peuplant de petites créatures qui contrôleraient l’esprit via les émotions : Joie qui nous apprend à aimer la vie, Peur qui nous protège, Colère qui nous défend, Dégoût qui nous caractérise et même Tristesse qui nous soulage. Une œuvre teintée de réalisme finalement quand on sait que nos émotions dirigent bien souvent nos décisions et nos actes.

Dans Vice-Versa, on s’intéresse au cas de la petite Riley, 11 ans, en lutte avec ses parents qui veulent déménager, en lutte avec ses émotions qui la submergent. Un passage compliqué qui se situe à un des moments clef de la vie : la prépuberté. Dès lors, on comprend à quel point il est difficile de mettre de l’ordre dans nos pensées quand notre vie est bouleversée et à plus forte raison dans celles d’un enfant qui grandit. Avec des métaphores très imagées, le film nous explique ce qu’est la déprime et comment s’installe la mélancolie : les « Îles » qui s’écroulent, les souvenirs qui deviennent pénibles et nous attristent et ceux qu’on préfère oublier. Restent la Colère, le Dégoût et la Peur, qui prennent le dessus sur les autres émotions, pendant que la Joie et la Tristesse sont oubliées, rejetées. Pour retrouver un équilibre et la sérénité, il faut accepter toutes ces émotions et les laisser s’exprimer. Vice-Versa est une œuvre pédagogique intelligente et émouvante qui donnent à réfléchir aux enfants sur leur caractère et leurs comportements.

Un conte philosophique

Vice-Versa rend ses lettres de noblesse aux sentiments et aux souvenirs en les associant à des valeurs morales. Tout événement de la vie est représenté comme une expérience enrichissante et un patrimoine social et culturel qui sera classé, trié, réutilisé ou oublié. C’est une ressource, un outil qui permettra à l’enfant de se construire et de grandir, de forger sa personnalité, de juger du bien et du mal, de développer ses goûts et ses préférences (l’« Île du Hockey sur glace » ou celle des « Boys Bands »). Vice-Versa nous offre une lecture poétique de la philosophie et de la morale (« Île de l’Honnêteté », « Île de la Famille »). Comme avec Là-haut, Pete Docter touche à nos sentiments et à notre âme d’enfant avec justesse, il valorise les souvenirs, la famille et le bonheur sans pour autant en renier la Tristesse, mal nécessaire pour avancer dans la vie, se consoler et se consolider.

Vice-Versa est une introspection, un voyage intérieur au cœur de la Pensée profonde. Avec ce film d’animation, véritable documentaire animé, le jeune spectateur met du sens sur ces éléments flous qui composent la Pensée : le rêve, l’imagination, la mémoire, la conscience, le subconscient. Il découvre comment naissent les peurs mais aussi la peine et la mélancolie. Avec beaucoup d’humour et de sensibilité, on apprend que, tout comme la personnalité qui n’est pas fixe, les émotions non plus ne sont pas cloisonnées, elles ont besoin les unes des autres, elles se complètent, elles évoluent, elles changent. Comme nous. Finalement, Vice-Versa est une très jolie fable éducative et optimiste.

Synopsis : Le QG qui contrôle le cerveau de Riley, 11 ans, est dirigé par la Joie, qui veille au bonheur de la petite tandis que Peur (la voix de Pierre Niney, Un Homme Idéal) s’occupe de sa sécurité. Colère rend la justice, Dégoût fait le ménage mais Tristesse (voix de Marilou Berry, Joséphine) ne comprend pas vraiment son rôle. Très perturbée par son déménagement, Riley perd ses repères et s’embrouille dans ses émotions. Joie et Tristesse vont alors s’égarer dans les recoins les plus obscurs de la Pensée : la Mémoire à long terme, le Pays de l’Imagination, la Pensée Abstraite, ou la Production des Rêves tandis que le QG sera entre les mains de Peur, Colère et Dégoût.

Vice-Versa : Bande-annonce officielle de l’animation Pixar

https://www.youtube.com/watch?v=SYLrpcNTVwE

Fiche technique : Vice-Versa

Titre original : Inside Out
Titre français : Vice-Versa
Titre québécois : Sens Dessus Dessous
Réalisateur : Pete Docter et Ronnie del Carmen
Scénario : Pete Docter et Michael Arndt
Musique : Michael Giacchino
Producteurs : Jonas Rivera et John Lasseter
Sociétés de production : Pixar Animation Studios et Walt Disney Pictures
Société de distribution : Walt Disney Studios
Pays d’origine : USA
Langue originale : Anglais
Format : couleur-Dolby Digital
Genre : animation, comédie
Durée : 94 minutes

« Ce sont dans les vieux films d’horreur, qu’on fait les meilleurs remakes » selon le proverbe très à la mode dans les studios hollywoodiens en manque d’idées originales, après avoir inondé les écrans de remakes insipides d’Halloween, Evil Dead, Carrie, Maniac, Massacre à la tronçonneuse (déjà de Tobe Hooper) entre autres. C’est un autre classique qui va être mis à mal, en l’occurrence Poltergeist, référence de l’épouvante des années 80. Le film reprend la même trame, tout en modifiant quelques aspects scénaristiques, sans que cela influe sur les événements.

Méfiez-vous de l’écureuil!

En trente ans, le visage des Etats-Unis a bien changé. Dans le film original, on retrouvait une famille s’installant dans une maison en banlieue, symbole de la réussite sociale, après que le mari ait obtenu une belle promotion. Ici, c’est tout le contraire, la crise a fait des dégâts, la banlieue est à l’abandon, ses rues sont aussi vides que délabrées. C’est dans ce contexte économique difficile, que la famille Bowen, se retrouve à occuper une immense maison proche de lignes à haute tension. Eric Bowen (Sam Rockwell) est au chômage, il oublie sa situation dans l’alcool et sa femme Amy (Rosemarie DeWitt), au foyer et auteure en plein processus créatif. Comme toute famille modèle américaine, ils ont des enfants, au nombre de trois. Kendra (Saxon Sharbino) est l’aînée, en pleine crise d’adolescence, le nez rivé sur son portable, ordinateur ou téléviseur, tout en faisant preuve d’insolence et d’égoïsme. Griffin (Kyle Catlett) est le seul garçon, peureux de tout, il reste constamment dans les jambes de sa mère. Enfin, il y a Madison (Kennedi Clements), la petite dernière, celle qui répète les gros mots qu’elle entend et discute avec un ami imaginaire, mais pas tant que ça.

La mise en place se fait rapidement, on ne perd pas de temps, surtout que le spectateur est censé connaitre l’histoire, tant le film a été pillé ou parodié. En dehors de cela, on se retrouve plus dans un film proche du nanar, mais grâce à la débauche d’effets spéciaux réussis, ne sera finalement qu’un échec de plus dans le genre épouvante, venant s’ajouter aux Ouija, The Pyramid ou Annabelle, des œuvres originales, mais navrantes. Poltergeist ne relève pas la niveau, malgré un casting intéressant, avec Sam Rockwell qui déçoit rarement. Sans sa présence, sa nonchalance et son ironie, le film aurait été un long calvaire dès le début. Son personnage n’est pas des plus sympathiques, mais il semble en roue libre et s’amuse à se moquer de tout le monde, au point qu’on a l’impression, qu’il ne croit pas vraiment au projet et si c’est le cas, on le comprend en sortant de la séance. La petite Kennedi Clements est toute mignonne, elle joue bien de sa bonne bouille et amuse la galerie, lorsqu’elle balance un gros mot avec son immense sourire, mais tout s’effondre, dès que cela devient plus sérieux, avec l’apparition des esprits frappeurs. Enfin, sérieux, c’est un bien grand mot, tant il est difficile d’accrocher à un film ou les jump scares sont inefficaces.

Le film ne fait jamais peur, c’est surement pour cela qu’il sort en période estivale, pour mettre à profit la climatisation, comme seul moyen de donner des frissons. Ce remake du film de Steven Spielberg, euh pardon de Tobe Hooper, donne juste l’envie de revoir la version originale et d’oublier celui-ci. Comme souvent, la bande-annonce dévoile la plupart des « grands » moments du film, c’est dire à quel point on ne sera jamais surpris, au point d’attendre impatiemment le clap de fin, pour mettre un terme à ce moment gênant. Le film tente de se démarquer, en modifiant le rôle de chacun, en donnant le beau rôle aux enfants. Le peureux Kyle Catlett se retrouve être le véritable héros de l’histoire, mais avant cela il faut supporter ses moments de fragilité. Il faut avouer qu’il n’est pas aidé, en héritant de la chambre se trouvant sous le toit, avec un velux où les branches d’un arbre immense se font menaçants, dès que la nuit tombe. Ses parents sont un peu sadiques, non ?
Il est difficile d’être en empathie pour des personnages plutôt pénibles, à l’image de Saxon Sharbino, en caricature de l’adolescente insolente et qui agace facilement dans son pseudo jeu d’actrice. Rosemarie DeWitt est bien fade, elle est totalement éclipsée par Sam Rockwell, confirmant qu’il est le plus intéressant de tous. Jusqu’à ce que Jared Harris débarque, pour redonner un léger coup de fouet, pour nous sortir de notre torpeur, en clone de Max Von Sydow dans l’Exorciste. Il balance deux/trois réflexions prêtant à sourire, mais cette lueur d’espoir n’aura pas de suite et on replonge dans le confort de nos fauteuils . Décidément, rien ni personne ne va sauver le film du naufrage.

Le réalisateur Gil Kenan n’est pas à la hauteur du projet. Malgré la présence de Sam Raimi à la production, l’impression d’être devant un produit surfant sur l’aura de la version originale est grande, d’autant que la 3D utilisée pour attirer le spectateur dans les salles, est ici sans intérêt. Il est difficile de ne pas rire devant le ridicule des situations ou des dialogues, au point de répondre à la question de Rosemarie DeWitt : Who you gonna call?  On a envie de répondre : Ghostbusters! C’est impossible de prendre ce remake au sérieux. Le clown ne fera peur qu’aux personnes atteintes de coulrophobie et on attend toujours le digne successeur de Ça.
Pour être dans l’air du temps, on a ce moment improbable ou Boyd (Nicholas Braun) demande à Kyle Catlett, si sa sœur a vraiment disparu, ou si c’est une tentative pour se faire de l’argent et d’avoir sa télé-réalité, car son père est au chômage….Mais il y a tout moment de la positivité dans ce marasme, avec le père qui va vider sa bouteille de whisky, après avoir vécu un moment éprouvant, comme quoi croiser la route d’un poltergeist, a aussi de bonnes conséquences. On pourra aussi apprécier le monde souterrain, particulièrement réussi visuellement, il fallait bien ça pour justifier un budget de 62M$. C’était vraiment pour trouver des qualités à un film, qui n’en contient que trop peu.

Poltergeist est un remake de plus, à agrafer au tableau du déshonneur des studios hollywoodiens. Autant revoir la version de 1982, même si les effets sont devenus kitsch. Elle reste en tous points supérieure à ce navet, qui vous fera perdre 1h34 de vos précieuses vies.

Synopsis : Lorsque les Bowen emménagent dans leur nouvelle maison, ils sont rapidement confrontés à des phénomènes étranges. Une présence hante les lieux. Une nuit, leur plus jeune fille, Maddie, disparaît. Pour avoir une chance de la revoir, tous vont devoir mener un combat acharné contre un terrifiant poltergeist.

Poltergeist – Extrait Clown [Officiel] VOST HD

Poltergeist : Fiche technique

Réalisation : Gil Kenan
Scénario : David Lindsay-Abaire
Distribution : Sam Rockwell, Rosemarie DeWitt, Jared Harris, Jane Adams, Saxon Sharbino, Kyle Catlett, Kennedi Clements, Susan Heyward et Nicholas Braun
Musique : Marc Streitenfeld
Photographie : Javier Aguirresarobe
Décors : Patricia Larman
Montage : Jeff Betancourt et Bob Murawski
Production : Sam Raimi, Nathan Kahane, Roy Lee et Roger G. Tarpet
Sociétés de production : Vertigo Entertainment, Mandate Pictures, Lions Gate Films Inc., Metro Goldwyn Mayer, Fox 2000 Pictures et Ghost House Pictures
Société de distribution : Twentieth Century Fox France
Budget : 62 000 000 $
Genre : Épouvante/Horreur
Durée : 94 mn
Date de sortie française : 24 Juin 2015