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Le génocide arménien est un thème compliqué à aborder. Certains tentent d’exposer des faits, d’exposer une période historique, alors que d’autres prennent un réel parti pris et défendent des idées, qu’elles soient arméniennes ou turques.
Une histoire de fou est le second long-métrage de Robert Guédiguian portant sur ce génocide, après Le voyage en Arménie, véritable quête des origines du réalisateur.

Synopsis : Berlin 1921, Talaat Pacha, principal responsable du génocide Arménien est exécuté dans la rue par Soghomon Thelirian dont la famille a été entièrement exterminée. Lors de son procès, il témoigne du premier génocide du 20ème siècle tant et si bien que le jury populaire l’acquitte. Soixante ans plus tard, Aram, jeune marseillais d’origine arménienne, fait sauter à Paris la voiture de l’ambassadeur de Turquie. Un jeune cycliste qui passait là par hasard, Gilles Tessier, est gravement blessé.

Reconnaissance intemporelle

La force du film de Robert Guédiguian réside dans sa narration. Une histoire de fou débute et nous voilà plongés dans un long-métrage en noir et blanc. On comprendra très rapidement qu’il s’agit de faits historiques reconstitués : l’assassinat de Talaat Pacha, reconnu comme l’un des principaux organisateurs du génocide arménien, par Soghomon Tehlirian (interprété par Robinson Stévenin). S’en suit un procès, mais pas n’importe lequel. Le procès qui permettra de rendre justice aux arméniens. Toutefois, la suite du film indique clairement que ces derniers n’ont pas pour désir d’en rester là, et qu’une rébellion continue à se construire, afin d’aller plus loin. Cette différenciation, Robert Guédiguian l’indique par le retour à la couleur, et le spectateur s’immisce dans la vie d’un couple, celui interprété par Ariane Ascaride et Simon Abkarian, accompagné de leur fille, et de leur fils, Aram, qui considère nécessaire le fait de prendre les armes, et de continuer la lutte.

Une histoire de fou n’est donc pas qu’une fresque historique de deux heures et quart. Ce film est également à prendre comme un film humain, un film sur la culpabilité d’une famille, et sur le combat perdu. Car oui, Aram s’engage, Aram lutte, mais Aram blesse. Il blesse, par l’intermédiaire d’un attentat, un civil, Gilles (Grégoire Leprince-Ringuet). Comment se reconstruire ? Comment cette famille, d’ordinaire unie, peut-elle faire pour rester insensible à de tels faits ? Impossible, en somme. C’est dans ces interrogations que Robert Guédiguian percute et agrippe le spectateur. Des questions d’hommes et de comportements citoyens, il y en a dans tous les films du réalisateur, comme dans Les neiges du Kilimandjaro, où tout est histoire du pardon. Et ce sont ces interrogations qui bâtissent la force des films de ce réalisateur.

Mais ces interrogations doivent être filmées et interprétées. Certains trouveront lassant de voir continuellement les mêmes acteurs dans les longs-métrages de Robert Guédiguian, mais c’est ce qui fait leur beauté.
Ariane Ascaride, dans la quête de son fils, et dans la quête du pardon, bouleverse le spectateur. Le temps d’un film, l’actrice, et femme du réalisateur, devient notre mère, cette mère aimante, mais qui, malgré l’amour, sait faire la part des choses. Quant à Simon Abkarian, même s’il tente d’évacuer ses démons, impossible de douter du fait qu’il est meurtri. Cela fait bien longtemps qu’il ne lutte plus. Cela fait bien longtemps qu’il a conscience du mal de ce combat, et il ne veut pas voir son fils là où il a échoué. Simon Abkarian nous bouleverse et grave dans nos esprits une interprétation touchante et juste.
Mais Une histoire de fou n’est pas qu’une histoire de couple. Tous les personnages sont exploités. L’histoire d’amour d’Aram apporte cette touche de romance à un récit sombre. Tous les personnages sont magnifiquement interprétés. La direction d’acteurs de Robert Guédiguian n’est plus à revoir, tellement elle s’avère juste et sans surplus.

D’un point de vue technique, Robert Guédiguian reste fidèle à ses précédents œuvres. Pas d’excès de mouvements de caméras ou d’effets en tous genres. Certains aimeraient un brin de folie et de partis pris plus osés, mais non, le réalisateur filme des faits de manière brute. Une histoire de fou ne dégage pas une compassion trop appuyée, car, même s’il se passionne pour son pays d’origine, l’Arménie n’est jamais mise sur un piédestal. Par sa caméra, Robert Guédiguian l’embellit, lui prouve son amour, mais a conscience qu’il s’agit d’un combat qu’il sera compliqué de contenter.

Oui, Une histoire de fou aborde des faits sujets à controverse, mais Robert Guédiguian réussit son coup, et nous offre une histoire qui passionnera le spectateur, et qui l’instruira. Et, une fois de plus, on remercie cette « bande » d’acteurs de nous offrir un jeu fort et empli d’émotions, mais qui ne chavire dans aucun pathos.

Une histoire de fou Extrait vidéo

Fiche Technique: Une histoire de fou

Date de sortie : 11 novembre 2015
Nationalité : Française
Réalisation : Robert Guédiguian
Scénario : Nicholas Pileggi, Martin Scorsese
Interprétation : Simon Abkarian, Ariane Ascaride, Grégoire Leprince-Ringuet, Syrus Shahidi, Robinson Stévenin…
Musique : Alexandre Desplat
Photographie : Pierre Milon
Décors : Michel Vandestien
Montage : Bernard Sasia
Producteurs : Robert Guédiguian, Marc Bordure, Sabine Sidawi Hamdan
Société de distribution (France) : Diaphana Distribution
Genre : Drame, Historique
Durée : 135 minutes

Il faut oser. Commencer un film par un générique de fin et une voix off du réalisateur pensant avoir raté son film. Est-ce un aveu d’échec, le film étant terminé avant même d’avoir commencé ? Cette frustration fait sans doute resurgir les difficultés rencontrées avec la direction du musée du Louvre pour tourner le film. À moins qu’Alexandre Sokourov se soit vu dépassé par le projet cinématographique ambitieux et unique dans lequel il s’est lancé…

Synopsis : 1940. Paris, ville occupée. Et si, dans le flot des bombardements, la guerre emportait La Vénus de Milo, La Joconde, Le Radeau de La Méduse ? Que deviendrait Paris sans son Louvre ? Deux hommes que tout semble opposer – Jacques Jaujard, directeur du Louvre, et le Comte Franz Wolff-Metternich, nommé à la tête de la commission allemande pour la protection des œuvres d’art en France – s’allient pour préserver les trésors du Musée. Au fil du récit de cette histoire méconnue et d’une méditation humaniste sur l’art, le pouvoir et la civilisation, Alexandre Sokourov nous livre son portrait du Louvre.

Ce n’est pas la première fois que le cinéaste russe se lance un défi hors-norme. Rien n’est trop ambitieux pour rendre hommage à ces temples de la culture ! En 2002 Sokourov tourne L’Arche Russe dans les couloirs de l’Ermitage, premier long-métrage (réellement) tourné en un seul plan-séquence. Francofonia est, lui, un film-essai entremêlant des séquences documentaires, des images d’archives réelles et fictives avec de pures scènes oniriques. Tout cela pour parler du Louvre sous l’Occupation allemande. Une reconstitution historique est alors mise en œuvre pour expliquer comment le musée a pu survivre à l’invasion nazie.

L’Histoire racontée est malheureusement assez sommaire. Sokourov se contentant d’un résumé condensé et un peu idéalisé des faits, notamment sur le rôle joué par la Kunstschultz dans la préservation des arts. Mais la portée historique du film est vite balancée par un autre versant, celui d’un hommage émouvant au rôle de la préservation de la culture des musées. L’entente entre le directeur du Louvre Jacques Jaujard et le comte Franz von Wolff-Metternich révèle le rôle de l’art pour la nation. Et seul celui-ci a eu le pouvoir de créer une vision commune entre allemands et français pendant la guerre. Main dans la main, au nom de l’art. Ce que Francofonia nous montre in fine, c’est que c’est avant tout l’aura du Louvre qui a permis sa survie.

La francophonie du titre ne fait sans doute pas allusion à la langue française, puisqu’on y entend davantage du russe et de l’allemand. Il désignerait davantage le poids de la France dans le monde culturel dont le Louvre est le principal étendard. Même si le film n’est pas exempt de multiples défauts, il reste un objet passionnant, repositionnant les musées au centre de notre civilisation. Loin de prendre son envol, la Victoire de Samothrace restera pour toujours à Paris, tout comme ses centaines de colocataires sauvées du vestige des siècles par la France. Et c’est ce qui fait, entre autres, l’importance politique du Louvre.

Alors, qu’Alexandre Sokourov se rassure. Son Francofonia est probablement raté eu égard à la grandeur de ses autre films. Mais il reste un objet passionnant qui, même dans ses maladresses, réussira à toucher le plus grand nombre pour son éloge de la culture, aussi imparfaite soit-elle.

Trailer de Francofonia, Le Louvre sous l’Occupation

Francofonia : Fiche Technique

Titre original : Francofonia
Date de sortie : 11 Novembre 2015
Nationalité : Russe, Français, Allemand, Néerlandais
Durée : 88 min.
Genre : Drame, Historique
Auteurs : Alexandre Sokourov
Réalisateur : Alexandre Sokourov
Casting : Louis-Do de Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth, Johanna Korthals Altes
Chef opérateur : Bruno Delbonnel
Assistant réalisateur : Alexei Jankowski, Marina Koreneva
Chef opérateur son : André Rigaut, Jac Vleeshouwer
Montage son : Emil Klotzsch
Chef costumière : Colombe Lauriot Prevost
Monteur : Alexei Jankowski, Hansjorg Weissbrich
Producteur : Françoise Etchegaray
Distributeur : Sophie Dulac Distribution
Le film a été présenté en sélection officielle à la Mostra de Venise 2015.
Budget : xxx

Bien avant son premier long métrage en 2007, Rendez-vous à Brick Lane, Sarah Gavron nourrissait l’ambition de mettre en scène le combat des suffragettes, terme inventé par la presse britannique pour tourner en dérision les activistes du mouvements en faveur du suffrage des femmes. Elle trouve en les personnes de Abi Morgan (emmy award pour The Hour, Shame de Steve McQueen, La Dame de Fer), scénariste, Alison Owen et Faye Ward, productrices, des collaboratrices d’exception pour travailler sur une oeuvre engagée durant plusieurs années jusqu’en 2014, date à laquelle Pathé accepte de financer et distribuer le film.

Par ailleurs, Cameron McCracken, producteur exécutif et directeur général de Pathé UK, annonce: « Ce qui m’a immédiatement attiré dans ce projet, c’est son caractère impérieux et viscéral. Il ne s’agit pas d’un film d’époque nostalgique qui célèbre avec calme les avancées majeures des droits des femmes, mais d’un rappel brutal des sacrifices consentis et du chemin qu’il reste à parcourir aux femmes pour atteindre l’égalité. » Sarah et Abi se sont plongées dans les journaux intimes et les mémoires inédits de ces femmes, dans les dossiers de la police et dans les textes universitaires pour recontextualiser au mieux cette lutte pour les droits en 1912.

Synopsis: Au début du siècle dernier, en Angleterre, des femmes de toutes conditions décident de se battre pour obtenir le droit de vote. Face à leurs revendications, les réactions du gouvernement sont de plus en plus brutales et les obligent à entrer dans la clandestinité pour une lutte de plus en plus radicale. Puisque les manifestations pacifiques n’ont rien donné, celles que l’on appelle les suffragettes finissent par avoir recours à la violence pour se faire entendre. Dans ce combat pour l’égalité, elles sont prêtes à tout risquer: leur travail, leur maison, leurs enfants, et même leur vie. Maud est l’une de ces femmes. Jeune, mariée, mère, elle va se jeter dans le tourbillon d’une histoire que plus rien n’arrêtera…

De gauche à droite : Abi Morgan, Sarah Gavron, Anne-Marie Duff, Helen Pankhurst (arrière petite fille d’Emmeline Pankhurst), Meryl Streep, Laura Pankhurst (arrière arrière petite fille d’Emmeline Pankhurst), Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Alison Owen, Faye Ward

On n’arrête pas une révolution en marche

La viscéralité est donc l’atout premier de cette oeuvre brute et pleine d’énergie, mais au détriment d’autres atouts qui auraient été nécessaires. En effet, en se concentrant sur cette ouvrière Maud, épouse et mère de famille, l’intrigue suit de manière trop linéaire les convictions de ce groupuscule, qui apparaît isolé dans un société encore bien trop ancrée dans un patriarcalisme conservateur. La durée d’une heure et quarante six minutes semble bien trop courte pour l’ampleur scénaristique et les choix sont portés sur un seul personnage, Maud alias Carey Mulligan, qui perd ce qu’il a de plus cher, son époux et son fils pour un combat qui peine encore à être gagné aujourd’hui notamment en Arabie Saoudite. Les autres personnages secondaires, mais pourtant primordiaux, incarnés par Anne-Marie Duff, Helena Bonham Carter et Meryl Streep ne sont que des pions d’un échiquier plus ou moins maladroitement agencé. L’émotion reste souvent en surface malgré des performances extraordinaires. La réalisatrice raconte qu’elle ne désirait pas écrire le biopic d’un personnalité publique. Elle décide donc d’explorer comment l’injustice peut mener à la radicalisation et comment les gens peuvent être attirés par le fondamentalisme et tout sacrifier à un idéal. En cette période de crise, cette volonté n’en paraît que plus juste et l’écho est retentissant. Il est pourtant regrettable de constater que l’évolution de cette femme établie et qui ne connaissait rien de ce mouvement, puisse en si rapidement se rallier à cette cause qui n’est plus à remettre en question. Le parti-pris est alors un facteur évident pour l’adhésion empathique. Aucune surprise notoire cependant, le récit ne surprend guère et par conséquent, finit par se rattacher à cette individualité reconstituée. Cette naïveté pure et abstraite qui nous fait ressentir en même temps que les personnages, qui nous inclut dans les événements racontés, est retransmise par le regard de ces actrices, figures de proue isolées par des gros plans instantanés, qui se veulent être pris sur le vif. Il est difficile dans l’ensemble de faire abstraction du maquillage, des costumes et de la reconstitution, tant l’effet peut paraître criard.

« Prenez conscience du clivage genré »

Certaines scènes sont époustouflantes et la déflagration résonne par ellipses. L’effet yo-yo perturbe les sens. Entre ennuis et admiration, Les Suffragettes ne cesse d’osciller entre deux émotions contraires. La faute à l’agencement trop ordonné de l’intrigue qui elle-même manque de spontanéité. Lorsque la bande annonce épate et émeut par la grandiloquence historique, le film manque de relief ou plutôt fait preuve de trop fortes irrégularités. Le décor sublime est mal exploité par des gros plans hasardeux. La caméra ne vient jamais cueillir l’émotion profonde chez l’acteur qui lui est pourtant excellent, avec un bémol pour Anne-Marie Duff qui parfois grimace. Carey Mulligan prouve une fois de plus l’étendue de son talent et mérite amplement une récompense pour sa performance, malgré l’écriture superficielle de son personnage qui aurait gagné à être moins « joli ». Le personnage d’Helena Bonham Carter, arrière petite fille du premier ministre qui à l’époque était le pire ennemi des suffragettes, est inspirée d’Edith Garrud qui a enseigné le ju-jitsu à ces femmes en pleine rébellion et a formé le groupe des gardes du corps qui entouraient et protégeaient Emmeline Pankhurst. Ben Whishaw réussit avec sympathie à devenir l’époux macho qui peine à s’occuper seul de son fils. Il commente: « Les hommes du film sont pris au piège d’une masculinité en voie d’extinction, ils n’ont aucun autre modèle auquel se raccrocher quant à l’avenir. » Puis, il y a le mari d’Edith Ellyn entièrement rallié à la cause. Pire qu’un pion, il n’est qu’un faire valoir invisible. Pour terminer le trio stéréotypés, l’inspecteur Arthur Steed aka Brendan Gleeson effectue, au contact de femmes qui se battent, un revirement de conscience trop peu discret pour être remarquable. Trois partout et le genre occupe le devant de la scène, quitte à devenir tape à l’oreil. « Prenez conscience du clivage hommes/femmes » nous avertit l’équipe à majorité féminine avec peu de subtilité ni de profondeur. On regrette que de si grands acteurs puissent remplir des cases aussi abruptement.Sarah Gavron avoue que « les actrices ont été séduites, à la lecture du scénario, par la découverte des actions coup de poing menées par les suffragettes, cette nécessité de se battre comme les hommes pour se faire entendre, car il serait très rare pour des femmes d’incarner des personnages aussi passionnés. » D’une cela est défendable, il suffit de voir la filmographie de Martin Provost, le dernier Much Loved, Thelma et Louise… De deux, le choix de se concentrer sur cette femme ordinaire régi par cette prise de conscience soudaine dans une spirale décisive permet à cette histoire un virement vers l’intime relativement surprenant. L’impression de ne savoir où se placer entre épopée historique et récit ordinaire, ampleur sans précédent et intime combat configure aux troisième long métrage de Sarah Gavron un goût d’inachevé. Il est étrange de se rendre compte cependant qu’un même film puisse être apprécié différemment en fonction du contexte socio-politique. L’avant et l’après d’un événement marquant participe au revirement d’appréciation. L’intérêt se gonfle et la sensibilité s’aiguise à la deuxième vision. Sensible(s) à la dominance esthétique, violet, blanc, vert, couleurs associées au mouvement des suffragettes. Sensible(s) à la photographie de l’espagnol Edu Grau, qui a éclairé A Single Man (et qui a dû surmonter son aversion pour le vert!), au format Super 16, jusqu’à 4 caméras portées simultanément pour conférer du réalisme et du dynamisme au lieu de styliser comme le film historique a tendance à le faire. Sensible(s) à cette d’époque d’avant-guerre, où la femme n’était qu’une ouvrière esclave et épouse fidèle. Mais par dessus tout, sensible(s) à la musique d’Alexandre Desplat qui propose un accompagnement orchestral aucunement nostalgique, une métamorphose musicale en somme, qui confère l’urgence au cœur du film avec des accords non résolus, des progressions via des impulsions, des percussions, cordes, piano, et des cornes. De la valse doucement sinistre de « Demonstration » jusqu’au tremblement des cordes aigus de « Children Taken« , la bande son est calme et tendue. Finalement, les dates qui défilent au crédit, sur les pays autorisant le vote aux femmes, participent à cette prise de conscience que le spectateur finit nécessairement par effectuer au sortir de la salle.

Toucher en plein cœur, malgré une mise en scène qui manque certainement de relief et de singularité, Les Suffragettes fait de l’intime un combat universel pour nos droits fondamentaux, transformant pourtant le singulier en pluriel apolitique. Libertés, Égalités, Sexualités. On a dit « apolitique » !

Les suffragettes extrait vidéo

Fiche Technique: Les suffragettes

Réalisation : Sarah Gavron
Scénario : Abi Morgan
Casting : Carey Mulligan (Maud Watts), Helena Bonham Carter (Edith Ellyn), Brendan Gleeson (L’inspecteur Arthur Steed), Anne-Marie Duff (Violet Miller), Ben Whishaw (Sonny Watts), Meryl Streep (Emmeline Pankhurst)
Genre : Drame, historique
Nationalité : Royaume-Uni
Date de sortie : 18 novembre 2015
Durée : 1h46
Directeur de la photographie : Edu Grau
Chef monteur : Barney Pilling
Chef décoratrice : Alice Normington
Maquillages et Coiffures: Sian Grigg
Compositeur : Alexandre Desplat
Producteurs : Faye Ward, Alison Owen
Production : Ruby Films, Film4, BFI, en association avec Ingenious Media, avec la participation de Canal+ et Ciné+
Distributeur : Pathé

Le cinéaste James Wan s’était fait connaître au plan international avec Saw, extraordinaire thriller horrifique qui deviendra une série à succès. Sa maîtrise du glauque et sa capacité à instaurer une ambiance angoissante ont alors été remarquées. Quelques années plus tard, après quelques échecs commerciaux, il renoue avec le succès en réalisant les deux premiers films de la série Insidious (entrecoupés de l’excellent Conjuring).

Wan and Whannell
Insidious, c’est une trilogie (pour le moment) qui joue sur la frontière entre notre monde et celui des morts. Rien de révolutionnaire dans le genre, mais, une fois de plus, le cinéaste savait faire preuve d’une grande maîtrise de ses effets et éviter les pièges des films d’horreur.
Succès oblige, un troisième chapitre a donc été produit, et confié au fidèle collaborateur de Wan, Leigh Whannell, scénariste et acteur dans Saw et Insidious, entre autres, et dont ce sera la première réalisation. Mais qu’est-ce que Whannell va pouvoir apporter à la série ? Et sera-t-il à la hauteur de son désormais célèbre prédécesseur ?

Un épisode de série
Ce Chapitre 3 reprend des caractéristiques de l’ensemble de la série, histoire de rappeler aux spectateurs qu’on est en terrain connu. Ainsi, au bout d’une minute de film, on voit apparaître le personnage d’Elise, medium qui parvient à entrer en contact avec les morts, et un des personnages centraux des Insidious. Vers la fin, nous retrouverons aussi Specs et Tucker, deux autres personnages importants de la trilogie. Le thème de l’esprit d’un mort qui s’attaque à une personne vivante s’impose très vite, ce qui entraîne l’inévitable petite promenade dans le monde des morts. Enfin, le film est émaillé de références et de clins d’œil à ceux qui connaissent les deux premiers films (ce qui n’est pas indispensable pour pouvoir suivre celui-ci, il faut le préciser).

Ce film fait donc bien partie de la série des Insidious, il n’y a aucun doute là-dessus. Le problème, c’est qu’il n’a rien à apporter aux précédents. Cette histoire est indépendante des deux autres films, il ne s’agit pas d’un préquel et il n’y a ici aucune révélation à attendre sur les personnages principaux.
Du côté de l’histoire, rien de nouveau là non plus. Nous avons l’éternel lieu commun de l’adolescente possédée, que les amateurs du genre ont déjà tellement vu que ça en perd tout intérêt. Seule Elise peut garder les spectateurs en suspens au milieu de toute cette banalité.
La réalisation, enfin, cumule les effets classiques du genre : les coups dans le mur et les bruits au plafond, les ombres dans le lointain, les lampes qui ne fonctionnent pas, les appartements abandonnés et poussiéreux dont les meubles sont recouverts de draps, et les sempiternels jump-scares, devenus le fléau des films d’horreur actuels.
Car, au lieu de passer son temps à tenter d’instaurer une ambiance pour vraiment faire peur, Whannell préfère faire sursauter ses spectateurs avec quelques effets que l’on voit venir de loin.
Clairement en-dessous des opus signés Wan, ce Chapitre 3 n’est pas une catastrophe cinématographique, c’est juste un énième film anonyme où le spectateur ne peut se départir de son impression de déjà-vu.

Synopsis : quelques années avant les événements des films précédents, Quinn Brenner, une jeune adolescente sans histoire, demande à la medium Elise de rentrer en contact avec sa mère, décédée d’un cancer.

Insidious Chapitre 3 : Bande Annonce

Insidious Chapitre 3 : fiche technique

Titre original : Insidious Chapter 3
Scénariste et réalisateur : Leigh Whannell
Avec Stefanie Scott (Quinn Brenner), Lin Shaye (Elise), Dermot Mulroney (Sean Brenner), Leigh Whannell (Specs), Angus Sampson (Tucker), Hayley Kiyoko (Maggie)
Producteurs : Jason Blum, Oren Peli, James Wan.
Photographie : Brian Pearson.
Montage : Tim Alverson
Musique : Joseph Bishara
Société de production : Blumhouse
Société de distribution : Sony Picture Releasing
Budget : 10 000 000 $
Pays : Etats-Unis
Date de sortie (aux USA) : 5 juin 2015
Date de sortie du DVD : 25 novembre 2015
Durée : 1h37
Film interdit en salles aux moins de 12 ans

Sur OCS Géants, le 3 décembre, soirée Spéciale Censure à Hollywood

Préambule du Code Hays:

« Principes généraux :

1. Aucun film ne sera produit qui baissera les standards moraux de ceux qui le voient. La sympathie du spectateur ne doit jamais être jetée du côté du crime, des méfaits, du mal ou du péché.
2. Seuls des standards corrects de vie soumis aux exigences du drame et du divertissement seront présentés.
3. La Loi, naturelle ou humaine, ne sera pas ridiculisée et aucune sympathie ne sera accordée à ceux qui la violent »

Il est difficile de croire que l’une des périodes les plus fastes de la (courte) histoire du cinéma était aliénée à ce point par une administration qui contrôlait tout ce qui était dit, tout ce qui était montré. Difficile de croire également, que pesait sur chaque réalisateur, sur chaque scénariste cette épée de Damoclès faite de morale et de bienséance. D’autant plus avec notre perception actuelle où les libertés d’expression, de pensée, et de création sont sacralisées, parfois même au détriment de principes tout aussi défendables… Pourtant, il faut admettre que la production de l’époque n’a pas forcément subi économiquement et artistiquement le diktat quasi prosélyte imposé à Hollywood. Car malgré cela, des années 30 à la fin des années 60, les grands studios accouchent des films les plus mythiques : les actrices ont réussi à rendre la pudeur suave, et les auteurs ont maquillé la violence et la débauche. C’est dans ce numéro d’équilibriste que nous entraînent Clara et Julia Kuperberg ; réalisatrices et productrices à la tête de  WichitaFilms This is (Orson Welles, présenté à Cannes et à Deauville). Les deux sœurs continuent leur exploration du cinéma américain ; ici avec une approche sociétale : entre studios, politique, et population. Puisque ce que l’on acceptait de voir sur les toiles n’était que le reflet des dynamiques tantôt libérales tantôt conservatrices, qui agitaient les Etats-Unis

Le documentaire n’a à peine le temps de balayer ces 3 décennies de censure qu’il prend déjà fin, un film presque trop court donc (52 min), mais qui à le mérite d’être digeste en plus d’être éclairant. Le dispositif est simple : deux historiens du cinéma, des images d’archives, et des extraits des plus grands classiques, le tout retraçant chronologiquement l’influence de la censure sur la production hollywoodienne. Du pré Code à la déliquescence des tabous. Il nous est donc compté comment les cinémas ont été désertés à la fin des années 20, obligeant les auteurs à rendre leurs films plus subversifs, plus érotiques, plus attractifs pour le grand public. Au grand dam des instances religieuses et des populations très pieuses du pays, des ligues sont organisées qui entament une résistance endiguant réellement la fréquentation des salles, boostée par un cinéma plus corrosif. La réaction des studios ne se fait pas attendre, effrayés par la possibilité du boycott ou de la censure de leurs investissements (le cinéma n’était pas protégé par le premier amendement à l’époque, qui défendait la liberté d’expression), Hollywood accepte de se museler en interne. En mars 1930, le sénateur, et président de la Motion Pictures Producers and Distributors Association, William Hays établit le Code de Censure, un texte écrit un an plus tôt par deux ecclésiastiques. Un Code qui mettra du temps à s’imposer, puisque c’est seulement quatre ans plus tard qu’il deviendra vraisemblablement effectif, une application stricte qui coïncide avec l’arrivé à la tête de la Production Code Administration de Joseph Breen. Il dirigera d’une main de fer l’organisation pendant vingt ans, faisant prôner la sainte morale catholique sur le cinéma américain, prohibant tout ce qui pouvait choquer ou déranger l’audience. Une mise sous tutelle du 7^ème art au bénéfice de l’ordre public et des bonnes mœurs.

Mais le documentaire s’affaire surtout à démontrer comment cette censure a finalement desservi le cinéma. Puisqu’un film ne pouvait sortir en salle sans le tampon de Joseph Breen, il fallait évidement se plier au Code ; mais cela n’empêchait en rien de s’aventurer sur le terrain du non-dit, et de l’implicite ! Les auteurs, les réalisateurs ont redoublé d’ingéniosité dans leur dialogue et leur mise en scène pour finalement améliorer considérablement la qualité de leurs œuvres, et contourner l’interdit. De Lubitsch à Hitchcock, de Wyler à Wilder, les plus grands cinéastes ont sévi durant l’apogée du Code Hays ; les sœurs Kuperberg nous proposent de découvrir comment leurs œuvres n’ont jamais pâtit des barrières dressées par la censure. De la même façon, les actrices parmi les plus sublimes du cinéma ont fleuri durant cette période, parfois même sans se conformer aux canons de la femme au foyer, bonne épouse et bonne mère. Le beau sexe devient mauvais genre, alors que la morale catholique tient toujours de main de fer les studios Hollywoodiens ! Les Audrey, Ingrid, Grace et autres Marylin trônent sur les affiches et deviennent des symboles de grâce et de disgrâce, dans leurs rôles de femmes fatales, irrévérencieuses, ou volages.

Un documentaire captivant mais auquel on peut reprocher un brièveté quelque peu frustrante, mais qui tombera sans doute à point lorsqu’il sera diffusé après Lolita de Stanley Kubrick, le 3 décembre sur OCS.

La censure à Hollywood – documentaire sur OCS géants

LA CENSURE A HOLLYWOOD : de l’hyper sexualisation des films « pré-code » au Code Hays, écrit et réalisé par Clara et Julia Kuperberg, documentaire de 52 minutes diffusé sur OCS Géants le 3 décembre à 22h30 dans le cadre d’une soirée spéciale Censure à Hollywood.

Avec : Thomas Doherty, Craig Detweiler
Montage : Julia Kuperberg, Clara Kuperberg
Production : Wichita Films
Photographie et Son : Peter Krajewski, Mitch Espe
Mixage : Thierry Moizan
Distribution à l’étranger : Poorhouse International
Avec la participation de OCS et du CNC

Code Hays

I- Crimes

Ceux-ci ne seront jamais présentés d’une telle façon à créer la sympathie avec le criminel ou inspirer d’autres avec un désir d’imitation. 

1. Meurtre

a. La technique du meurtre doit être présentée de manière à ne pas encourager l’imitation.

b. Des meurtres brutaux ne doivent pas être présentés en détail.

c. La vengeance n’est pas justifiée dans un film où l’action se passe dans l’époque actuelle (moderne).

2. Les méthodes criminelles ne doivent pas être explicitement présentées.

a. Les techniques pour le vol, le cambriolage et le dynamitage de trains, de mines, de bâtiments, etc., ne doivent pas être présentées en détail.

b. L’incendie criminel doit être soumis aux mêmes sauvegardes

c. L’utilisation d’armes à feu doit être limitée.

d. Les méthodes utilisées dans la contrebande ne doivent pas être présentées.

3. Le trafic de la drogue ne doit jamais être présenté.

4. On ne montrera pas la consommation de spiritueux dans la vie américaine, sauf dans les cas où cela fait partie intégrante du scénario ou des caractéristiques d’un personnage.

II- Sexe

L’institution du mariage et l’importance de la famille sont primordiales.

1. L’adultère, parfois nécessaire dans le contexte narratif d’un film, ne doit pas être présenté explicitement, ou justifié, ou présenté d’une manière attrayante.

      2. Scène de passion:

a. Ils ne doivent pas être présentées sauf s’ils sont essentielles au scénario

b. Des baisers excessifs ou lascifs, des caresses sensuelles, des positions et des gestes suggestifs ne doivent pas être montrés

3. Séduction et viol :

a. La suggestion est permise (rien de plus) et seulement lorsqu’il s’agit d’un élément essentiel du scénario

b. Ils ne sont jamais un sujet approprié pour la comédie.

4. Toute référence à la perversion sexuelle est formellement interdite.

5. L’esclavage de personnes de race blanche ne doit pas être présenté.

6. La présentation de rapports sexuels entre les personnes de race blanche et celles de race noire est interdite.

7. L’hygiène sexuelle et les maladies vénériennes ne sont pas des sujets appropriés au cinéma.

8. La naissance d’un enfant (même en silhouette) ne doit jamais être présentée.

9. Les organes sexuels d’un enfant ne doivent jamais être visibles à l’écran.

III. Grossièreté

La présentation de sujets vulgaires, répugnants et désagréables doit être soumise au respect des sensibilités des spectateurs et aux préceptes du bon goût en général.

IV. Obscénité

L’obscénité dans le mot, dans le geste, dans la chanson, dans la plaisanterie, ou même simplement suggérée est interdite.

V. Blasphème

Le blasphème (incluant les mots « God », « Lord », « Jesus », « Christ », « Hell », « S.O.B », « damn », « Gawd ») est strictement interdit.

VI. Costume

1. La nudité (réelle ou suggérée) est interdite ainsi que les commentaires d’un personnage à ce sujet (allusions à…).

2. Les scènes de déshabillage sont à éviter sauf lorsqu’il s’agit d’un élément essentiel du scénario.

3. L’indécence est interdite.

4. Les danses lascives et les costumes trop révélateurs sont interdits.

VII. Danses

1. Les danses qui suggèrent ou représentent des relations sexuelles sont interdites.

2. Les danses qui comportent des mouvements indécents doivent être considérées comme obscène.

VIII. Religion

1. Aucun film ne doit se moquer de la religion sous toutes ses formes et de toutes les croyances.

2. Les ministres ne peuvent pas être dépeints comme des personnages comiques ou comme des bandits.

3. Les cérémonies de n’importe quelle religion définie doivent être présentées avec beaucoup de respect.                                                                                               

IX. Emplacement

La présentation de chambres à coucher doit être dirigée par le bon goût et la délicatesse.

X. Fierté nationale

1. La présentation du drapeau se fera toujours de manière respectueuse.

2. L’histoire des institutions, des gens connus et de la population en général d’autres nations sera présentée avec impartialité.

XI. Titres

Des titres licencieux, indécents ou obscènes ne seront pas employés.

XII. Sujets Répugnants

Les sujets suivants doivent être traités avec beaucoup de prudence et de bon goût :

1. Les pendaisons et les électrocutions légales (punition d’un criminel).

2. La brutalité et l’horreur.

3. Le tatouage (marquer au fer) d’animaux et d’êtres humains.

4. La cruauté envers les enfants ou les animaux.

5. La vente des femmes et la prostitution.

6. Les opérations chirurgicales.

Les Anarchistes : Un film d’époque ambitieux mais superficiel

Synopsis : Paris, 1899. Jean Albertini est un gardien de la paix embauché par le préfet de Police  pour infiltrer une bande d’anarchistes. Etant lui-même très pauvre, il n’a pas d’autre choix que d’accepter, quitte à devoir quitter sa petite-amie, son dernier lien affectif puisqu’il est lui-même orphelin. En approchant le groupe, Jean va faire la rencontre de Judith, une jeune femme pleine de rage, et à laquelle il va rapidement s’attacher. De là va naitre un profond dilemme moral vis-à-vis de sa mission de délation.

La reconstitution que nous propose Elie Wajeman, à l’occasion de son second long-métrage après le polar Alyah en 2012, nous renvoie dans le Paris de la fin du 19^ème siècle, à l’époque où les premiers anarchistes étaient les ennemis publics. C’est en utilisant le schéma scénaristique du film d’infiltration que le réalisateur nous fait découvrir les coulisses de ces groupuscules clandestins. L’enjeu du choix entre la mission d’espionnage et la culpabilité de dénoncer des personnages auxquels le héros va s’attacher apparait alors comme le cœur de l’intrigue. Et alors que l’histoire d’amour nait, sans surprise, entre ce policier et une belle idéaliste à la tête du groupe, la dramaturgie semble toute tracée. Mais Wajeman réussit à nous surprendre en ne se focalisant pas sur le dilemme moral de ce policier. Au contraire, l’ambiguïté quant à sa volonté d’aller jusqu’au bout de sa mission reste tenace jusque dans la conclusion. L’interprétation irréprochable de Tahar Rahim aide beaucoup à imposer ce doute relatif autour des motivations réelles de son personnage d’anti-héros, et le doux mélange de brutalité et de sensualité dont fait une nouvelle fois preuve Adèle Exarchopoulos apporte du piquant à la romance qui sert de moteur mélodramatique à ce scénario au déroulé somme toute assez convenu.

L’élément qui semble intéresser le jeune cinéaste n’est donc pas, comme pouvaient l’être Claude Sautet ou Martin Rett quand ils réalisaient respectivement Max et les Ferrailleurs et Traître sur commande (deux modèles du genre auxquels le contexte des Anarchistes fait immanquablement penser), la difficulté de l’infiltré à composer pour se faire une place parmi les brigands. Le choix de la structure du film, alors qu’il aurait pu être propice à un véritable suspense, est davantage un prétexte pour poser un regard extérieur sur les doutes internes d’un groupe d’activistes, hésitant entre négociations politiques et actions terroristes. En cela, le film réussit à atteindre une thématique parfaitement d’actualité puisque, si l’on peut reprocher au scénario de ne pas développer son contexte socio-politique, la problématique du bien-fondé d’une action brutale pour imposer ses idées et le sentiment d’affirmation que la jeunesse peut trouver en se rebellant contre l’Etat se retrouvent bel et bien être le nœud de l’intrigue. Et c’est là que l’on s’aperçoit que les rôles secondaires sont tous d’excellents choix. D’abord, le très attachant Biscuit, incarné par Karim Leklou (déjà brillamment remarqué cet été dans Coup de Chaud), puis les deux « pôles idéologiques » du groupuscule que sont le très modéré Elisée et le plus radical Eugène, le premier sous les traits de Swann Arlaud et le second de Guillaume Gouix, deux jeunes acteurs de plus en plus visibles dans le cinéma français, et enfin le chef de la Police est interprété par Cédric Kahn, plus connu pour son travail de réalisateur que d’acteur (même s’il était déjà présent dans le premier film d’Elie Wajeman), qui apporte à son rôle une rigueur suffisamment nuancé pour ne pas en faire une caricature manichéenne.

Et pourtant, malgré un casting plein de talent et un sujet prometteur traité de façon émouvante, Les anarchistes laisse derrière lui un certain gout d’inachevé. Ce sentiment est en partie la faute à un décalage entre le fond et la forme. Aussi belles qu’elles puissent être, la mise en scène naturaliste très épurée et la photographie nimbée de filtres bleus d’une incroyable froideur vont à contre-sens avec les causes et conséquences de l’esprit de révolte de ses personnages. Ni l’ambiance sordide des conditions de travail dans l’usine ni la violence des actes de terrorisme ne se font ressentir dans cette réalisation éthérée. De plus, l’écriture reste constamment évasive sur les revendications profondes de ces anarchistes, délaissant la dimension politique au profit d’un souffle romantique dans la description du mouvement subversif. Le rapport de force entre les militants pacifistes et les militants violents auraient pu être un excellent moyen de cristalliser troubles sociaux et les contradictions intellectuelles de cette période  charnière de l’ère industrielle, mais le parti-pris de donner à leurs débats un écho contemporain fait passer le film à coté de cet enjeu historique.

Les images léchées et les dialogues très littéraires font des Anarchistes une œuvre pleine d’élégance, mais ils sont paradoxalement un frein à la force subversive propre à l’idéologie anarchiste qu’elle prend pour support. Trop édulcorée et prévisible, la trame de ce film d’infiltration ne vaut finalement que pour la passion électrique et le mélodrame qui naitra de la relation entre les deux anti-héros au cœur de ce récit inoffensif.

Les anarchistes : Bande-annonce

Les Anarchistes : Fiche technique

Date de sortie : 11 novembre 2015
Réalisateur : Elie Wajeman
Nationalité : France
Genre : Historique, Drame, Thriller
Année : 2015
Durée : 101 minutes
Scénario : Elie Wajeman, Gaëlle Macé
Interprétation : Tahar Rahim (Jean Albertini), Adèle Exarchopoulos (Judith Lorillard), Swann Arlaud (Elisée Mayer), Karim Leklou (Biscuit), Guillaume Gouix (Eugène Levèque)…
Musique : Gloria Jacobsen
Photographie : David Chizallet
Montage : François Quiqueré
Producteur : Lola Gans
Maisons de production : 24 Mai Production
Distribution (France) : Mars Distribution
Récompenses : Chistera de la meilleure interprétation masculine pour Tahar Rahim au Festival international des jeunes réalisateurs de Saint-Jean-de-Luz 2015
Budget : NR

Voilà une image du film de Rolf de Heer qui justifie les éloges dithyrambiques à son égard : une étrange Pietà composée de Bubby (Nicholas Hope), un enfant enfermé dans un corps d’adulte qui tient dans ses bras Rachael (Rachael Huddy), une femme amoureuse enfermée dans un corps tourmenté, empêché… une image forte, violente même, dans ce qu’elle suscite comme émotions.

Synopsis: Séquestré depuis sa naissance par sa mère, Bubby ignore tout du monde extérieur qu’il croit empoisonné. L’arrivée de son père, dont il était tenu éloigné, va bouleverser sa vie. Le jour de ses 35 ans, Bubby va enfin sortir. Il découvre un monde à la fois étrange, terrible et merveilleux où il y a des gens, de la pizza, de la musique et des arbres…

Pietà

20 ans après sa sortie en France et suite à la présence du cinéaste Rolf de Heer au festival Lumières de Lyon au mois d’Octobre dernier, Bad Boy Bubby ressort dans les salles françaises pour le plus grand bonheur des cinéphiles qui aiment les chemins de traverse, les expériences insolites, les œuvres déjantées et les films cultes.

Le cinéaste australien (36 œuvres à son compteur) est connu pour ne jamais refaire la même chose, et sa filmographie est protéiforme ; par exemple, son dernier opus en date, Charlie’s Ccountry, ne peut pas être plus éloigné de Bad Boy Bubby, son quatrième film qu’il a mis 10 ans à tourner. Tandis qu’au travers de Charlie (David Gulpilil), un aborigène las de se battre contre un système auquel il ne veut pas se plier et parti se réfugier dans le bush de ses origines, Charlie’s Country fait la part belle à la nature dans un rythme lent et presque lancinant, Bad Boy Bubby évoque davantage des paysages sombres ou lugubres, post-industriels dans une ambiance généralement frénétique. Et c’est véritablement un film expérimental que le cinéaste a voulu livrer au spectateur, avec un travail considérable sur le son et la lumière.

Victime d’une mère, puis plus tard d’un père éminemment abusifs, Bubby est un homme de 35 ans qui ne connaît rien de la vie en dehors des 4 murs sans fenêtre du taudis dans lequel sa mère Florence le tient emprisonné.  Tel l’Enfant sauvage de François Truffaut, il vit souvent au ras du sol avec les rats et cafards qui écument leur logement. Assez suffocant, le début du film ne laisse aucun répit au spectateur qui, en faisant face à tout ce que Bubby subit (et la palette est large !), se trouve rapidement acquis à sa cause. Supervisé par le directeur de la photographie Ian Jones, 31 de ses collègues chefs opérateurs vont se succéder pour mettre en lumière les différentes scènes du film, et dans ces premières séquences, les ambiances se suivent et se ressemblent pour dessiner un univers très glauque à l’image des horreurs qui se succèdent à l’écran. Et pourtant, à aucun moment on n’approche du voyeurisme, car le cinéaste montre infiniment de respect pour son personnage. Bubby nous émeut déjà, avec son franc sourire qui quitte rarement son visage.  Même si elle est assez éprouvante, la description de cette famille extrêmement dysfonctionnelle est réalisée sans pathos par Rolf de Heer, qui opte pour un regard quasi-documentaire.

Lorsqu’enfin le protagoniste sort de ce cloaque, le cinéaste donne le ton, car c’est sur une nuit noire que Bubby débouche, signe de la noirceur, de la laideur ou de la complexité de la vie du dehors qu’il ne va cesser de rencontrer au long de son voyage immobile dans cette ville d’Adélaïde. Des rencontres, il va en faire, de l’accorte soldate de l’armée du salut à la gironde infirmière d’un centre de polyhandicapés, du groupe de rockers qui profite de lui autant qu’il profite du groupe, au scientifique athée (« an inferior being, maybe » dit-il, en parlant de Dieu), des gamins violents avec un chaton (une des raisons qui limitent l’audience du film dans des pays comme les USA), et des féministes violents avec lui-même, sans parler du traumatisme de « la Bête » rencontrée en prison ; des multiples polyhandicapés qui sont comme lui dans la souffrance, tous se montrent à lui avec la violence du monde moderne, et pourtant tous, couche par couche,  le refaçonnent pour qu’il devienne enfin l’homme qui n’a pas pu surgir de l’enfant qu’il est resté…

Il est intéressant de voir combien le cinéaste réussit à appliquer à cet homme adulte l’apprentissage enfantin qui consiste à répéter inlassablement ce qui est dit et fait par les autres autour de lui, sans rien comprendre de ce que cela signifie, créant ainsi les quiproquos et les situations «comiques» du film. L’acteur Nicholas Hope, sorti de l’anonymat par ce très grand rôle, a bénéficié d’un tournage chronologique qui lui a permis de reproduire à la perfection les expressions entendues dans les séquences précédentes ; c’est ce genre d’astuce et tellement d’autres idées qui confèrent à Bad Boy Bubby son rang de film culte. Ainsi, le splendide travelling arrière lors du fameux discours antireligieux du scientifique (une belle métaphore de l’infiniment petit –les atomes-  vers l’infiniment grand), le premier aperçu par Bubby des lumières de la ville sur fond de chants «célestes», ou encore cet extraordinaire plan de coucher de soleil après un double meurtre qu’on ose rapprocher d’une image fordienne. Soulignons enfin la place primordiale de la musique dans le film, puisque beaucoup des déplacements de Bubby dans la ville sont précédés de la découverte par lui de chants, de morceaux d’orgue, de violon ou de cornemuse, ou encore de rock and roll dans un ensemble très cohérent.

Bad Boy Bubby est à la fois une satire féroce et un conte poétique, avec donc cette fameuse Pietà où Bubby concentre toute l’humanité : la compassion, l’amour, la tristesse mais la joie aussi, des sentiments qui, petit à petit, lui rendent une consistance d’être humain à l’égal des autres, en même temps qu’un but dans une vie initialement vouée à n’être que végétative.

Une très belle expérience de cinéma, pour un public averti, dont il faut profiter de la ressortie française sur grand écran pour l’apprécier pleinement dans sa version restaurée.

Bad Boy Bubby – Bande annonce

Bad Boy Bubby – Fiche technique

Titre original : Bad Boy Bubby
Date de sortie : 11 Novembre 2015 (Reprise)
Réalisateur : Rolf de Heer
Nationalité : Australie, Italie
Genre : Comédie, Drame
Année : 1993
Durée : 114 min.
Scénario : Rolf de Heer
Interprétation : Nicholas Hope (Bubby), Claire Benito (Mam, la mère), Ralph Cotterill (Pop, le père), Natalie Carr (La soldate Armée du salut), Carmel Johnson (Angel), Norman Kaye (Le scientifique), Racahel Huddy (Rachael)…
Musique : Graham Tardif
Photographie : Ian Jones (Et 31 autres…)
Montage : Suresh Ayyar
Producteurs : Rolf de Heer, Hijiri Taguchi
Maisons de production : Bubby, Fandango
Distribution (France) : Nour films (pour la reprise)
Récompenses : Grand prix du Jury : Rolf de Heer – Mostra de Venise 1993,
Meilleur acteur : Nicholas Hope, Meilleur réalisateur : Rolf de Heer, Meilleur scénario : Rolf de Heer, Meilleur montage : Suresh Ayyar – Australian Film Institute 1994
Meilleur réalisateur : Rolf de Heer : festivals de Venise, Valenciennes et Seattle.
Budget : 700 000 AUD