En forte résonance avec l’actualité récente du Chili, où un évêque accusé d’avoir couvert des agissements pédophiles vient pourtant d’être confirmé dans ses fonctions par le pape François, et ce malgré de très fortes protestations des catholiques eux-mêmes, au Chili comme dans les autres parties du globe, en forte résonance avec tous les pays du monde où l’église catholique a été montrée du doigt pour de faits similaires, El Club est une histoire née presque accidentellement lorsque le cinéaste Pablo Larraín est tombé sur un article de presse montrant le sort de Mgr Francisco Cox, un autre évêque du très pieux et conservateur Chili, « élargi » par sa hiérarchie vers une maison luxueuse en Europe au lieu de faire face à la justice de son pays.

Synopsis: Dans une ville côtière du Chili, des prêtres marginalisés par l’Eglise vivent ensemble dans une maison. L’arrivée d’un nouveau pensionnaire va perturber le semblant d’équilibre qui y règne…

Sin City

Une genèse accidentelle donc, mais une exploitation méthodique et glaçante de son sujet par le réalisateur, malgré un temps de tournage très limité. Commençant par une image aux tonalités tellement éteintes que l’on croirait voir un métrage en noir et blanc, El Club montre un homme (Alfredo Castro, un habitué des films de Pablo Larraín) au bord de l’océan qui joue avec son chien, un lévrier – « la seule espèce de chien mentionnée dans la Bible » -. Plus tard, il rejoint une maison un peu en retrait, où une femme nettoie la terrasse à grande eau, et un autre homme donne à boire à un vieillard sénile. Plus tard encore, on voit ces mêmes hommes assister de loin à une course de lévriers, à l’écart de la population. Seule la femme est au bord du champ de courses. Les scènes d’intérieur frappent par leur grain qui apporte encore plus d’opacité à film qui ne livre aucune de ses recettes à ce stade. Cette épaisse granulosité, et le gris bleu triste qui baigne la plus grosse partie du film sont le résultat du choix du cinéaste d’utiliser des filtres d’anciennes caméras soviétiques, de son choix de poser d’emblée une chape sur ces personnages.

L’histoire de ces hommes et de cette femme reste mystérieuse jusqu’à ce qu’un nouveau « pensionnaire », le père Lazcano, rejoigne le « Club » : il s’agit là en fait de curés écartés de leurs paroisses respectives pour diverses lourdes fautes, et qui vivent ici pour « prier et se repentir ». Les règles de vie, sommaires mais édifiantes –pas de douche prolongée, pas de masturbation, entre autres interdictions-, sont expliquées au nouveau venu par la femme, Sœur Monicá (époustouflante Antonia Zegeres, épouse complice du réalisateur à la ville, toute en sourires dangereusement naïfs), de manière assez abrupte, quasi surréaliste, conférant un humour noir et grinçant à la situation. On comprend petit à petit que ces hommes, sous la férule de cette femme, sont confinés dans cette maison isolée d’un village côtier isolé (la Boca de Navidad) , autant pour faire pénitence qu’en réalité pour se cacher.

A l’issue d’évènements dramatiques suivant l’arrivée de Lazcano, un autre prêtre, le père Garcia (Marcelo Alonso) est dépêché à la maison : un de ces « nouveaux curés » comme dit Sœur Monicá , un prêtre « très instruit… et très beau » comme dit comiquement le supérieur hiérarchique venu l’emmener ici. Il est là pour « gérer les situations de crise », autrement dit pour étouffer les scandales possibles liés aux évènements récents, sous couvert de thérapie psychologique en fouillant les âmes pour mieux les sauver. On découvre avec incrédulité les méfaits de ces prêtres et de cette sœur, car tous ont un lourd passé, et on observe avec encore plus d’incompréhension leur déni : déni de viol, de pédophilie, de rapt de bébé, de complicité de torture et de moult turpitudes humaines. Même leur homosexualité, mise au rang de crime, est niée.  Ce faisant, Pablo Larraín ne verse pas dans la condescendance :  il n’excuse rien, la crudité et le détail des accusations égrenées par une des victimes étant suffisamment explicites et accusateurs, mais il laisse le champ aux « délinquants » d’exposer leur point de vue candide, un point de vue façonné pour eux par leur église.

Le film du jeune chilien est une charge contre la grande hypocrisie de cette église, la pénitence et la prière étant la réponse divine et unique aux crimes commis, et en aucun cas la confrontation à la justice humaine. L’impunité et l’absence de culpabilité sont au centre du film. De fait, la prison dorée où on peut parier sur des courses de chien et boire à volonté n’est pas une vraie pénitence. La maison des prêtres, ce club d’un genre nouveau, symbolise l’église qui couve l’indéfendable en son sein, et le père Garcia quant à lui représente une vague conscience vite étouffée par la peur du scandale. Il est évident qu’à aucun moment, le souci de cet « homme instruit », qui veut incarner « la nouvelle église », n’a été de ramener ses frères à la Justice.

Les dernières scènes du film ne font que confirmer la détermination de tous à échapper au jugement des hommes, les protagonistes allant jusqu’à perpétrer les crimes les plus cruels.

Intelligemment construit, El club montre toutes les facettes de son sujet, l’impunité de certains prêtres fautifs, essentiellement pédophiles, depuis le point de vue presque insoutenable des victimes (personnifiées par le ténébreux Sandokan, lui même interprété par Roberto Farías, vu également dans No, le précédent film du réalisateur), jusqu’aux positions de l’église et des défroqués eux-mêmes, dans une mise en scène très stylisée malgré une fadeur apparente. Un film cathartique dans un des pays les plus conservateurs de l’Amérique, et qui ne fait pas toujours la part belle aux victimes de nombreux actes de pédophilie de la part de prêtres pas très catholiques, avec une vingtaine de prêtres recensés à ce jour…

El Club – Bande annonce 

El club – Fiche technique

Titre original : El Club
Date de sortie : 18 Novembre 2015
Réalisateur : Pablo Larraín
Nationalité : Chilien
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 98 min.
Scénario : Guillermo Calderón, Pablo Larraín, Daniel Villalobos
Interprétation : Roberto Farías (Sandokan), Antonia Zegers (Hermana Mónica), Alfredo Castro (Padre Vidal), Alejandro Goic (Padre Ortega), Alejandro Sieveking (Padre Ramírez), Jaime Vadell (Padre Silva), Marcelo Alonso (Padre García)…
Musique : Carlos Cabezas
Photographie : Sergio Armstrong
Montage : Sebastián Sepúlveda
Producteurs : Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín
Maisons de production : Fabula
Distribution (France) : Wild Bunch Distribution
Récompenses : Grand Prix du jury (Ours d’Argent) : Berlinale de Février 2015
Budget : –

C’était notre petit cocorico à la dernière Mostra, et pourtant le nouveau film de Christian Vincent (Les Saveurs du palais, La discrète) sort dans un anonymat immérité. Auréolé du meilleur scénario et du prix d’interprétation pour un Fabrice Luchini exécrable mais amoureux; L’Hermine est une des bonne surprise française de cette fin d’année.

Synopsis: Michel Racine est un Président de cour d’assises redouté. Aussi dur avec lui qu’avec les autres, on l’appelle  » le Président à deux chiffres « . Avec lui, on en prend toujours pour plus de dix ans. Tout bascule le jour où Racine retrouve Ditte Lorensen-Coteret. Elle fait parti du jury qui va devoir juger un homme accusé d’homicide. Six ans auparavant, Racine a aimé cette femme. Presque en secret.

One lovely man

Christian Vincent s’installe dans le Palais de Justice de Saint Omer (Pas de Calais) pour ne peu le quitter, et déroule une dramaturgie douce amère, dans laquelle les errances sentimentales s’entremêlent avec une affaire judiciaire morbide. Luchini (Michel Racine) endosse la cape régalienne d’un président de Cour d’Assise dont l’état grippal, et le divorce qu’il traverse, n’excusent jamais sa misanthropie ; un personnage forcément savoureux donc, et qui encore une fois témoigne du talent du comédien.

Clé de voûte et plaque tournante du récit, Michel Racine conduit le procès d’un jeune homme accusé d’avoir tué sa jeune fille à coups de rangers. Mais lorsqu’une des jurés se révèle être une ancienne désillusions amoureuses, c’est une cour discrète et hantée qui s’engage entre les deux pièces de cette douloureuse procédure pénale. Car c’est avant tout un procès que filme le réalisateur, et plus qu’un procès c’est la justice qui est mise sur un piédestal ; incarnée par ce vieux président grincheux qui rappelle constamment son titre, mais aussi par l’avocat de la défense, le procureur de la République etc…. Autant d’étiquettes qui s’animent dans un ballet très rigoureux, où la théâtralisation contraste davantage avec la réalité des enjeux, et où ce jury de néophytes détonne forcément sur cet appareil judiciaire, dans l’inconfort de leur position et l’effritement de leur intime conviction. Ce sont eux qui trancheront. Alors évidemment, on touche au classique ici, Sidney Lumet et ses 12 Angry men trotte dans notre tête, mais le refus du huis clos et la prolétarisation des jurés nous en éloignent aussi.

Tout comme Henry Fonda avait réussi à rendre les débats captivants, suffocants; l’Hermine produit des effets similaires. Notamment grâce à ce contrôle du procès, à ce protocole qui nous inonde, aux témoignages qui s’enchainent et qui se contredisent, à ces expertises crues nous rappelant la noirceur du sujet. Et toujours ce Michel Racine, vêtu de son hermine en chef d’orchestre routinier, qui suspend l’audience lorsque ses réminiscences l’emportent, mais dont l’acuité avec laquelle il porte son regard sur l’affaire, et de façon plus générale sur le rôle de la justice, est très intelligente. Dans ses dialogues avec les jurés, ou plutôt ses discours, le film nous touche de toute sa finesse; sur la nuance entre le  verdict et la vérité et la frustration qu’il en ressort, sur la place des faits vis à vis  des droits.  Des monologues  discrets et courts, dont l’écriture est à montrer dans les écoles de droit comme de cinéma.

Le film aurait d’ailleurs pu tomber dans une mélasse de démonstrations judiciaires, et de misérabilisme social déprimant. Mais Christian Vincent prend tout cela à contrepied, et sans dédramatiser pour autant, il nous emmène sur un terrain beaucoup plus doux, celui du souvenir heureux, du badinage, et de la poésie interrompue par les sms. L’actrice danoise Sidse Babett Knudsen (Borgen), révélation du film; contraste avec son adorateur, plus humaniste et empathique. Cette francophone convertie  nous amadoue immédiatement et rend la langue française délicieusement musicale, comme avait pu le faire Anna Karina par le passé. Luchini joue aussi beaucoup avec sa voix, faussement intéressée voir franchement désintéressée avec ses collègues, impérieuse et sûre dans le tribunal, mais très fébrile dès qu’il s’agit de parler avec cette docteur. Tout l’intérêt du film réside dans cette alternation de moments graves puis légers, toujours présidé par cet homme triste, mais drôle à son insu. Un clair obscur touchant et subtil, porté par deux formidables acteurs.  

L’Hermine: Bande-annonce

Fiche Technique : L’Hermine

Réalisateur: Christian Vincent
Scénario: Christian Vincent
Interprétation: Fabrice Luchini, Sidse Babett Knudsen, Eva Lallier, Corinne Maserio, Sophie Marie Larrouy, Fouzia Guezoum, Simon Ferrante, Abdallah Moundy
Musique: Claire Denamur
Producteurs: Matthieu Tarot, Sidonie Dumas
Photographie: Laurent Dailland
Montage: Yves Deschamps
Sortie: 18 novembre 2015 (Mostra de Venise 6 septembre 2015)
Genre: Comédie dramatique

« Pourriez-vous réaliser un film avec une femme dans le rôle principal ? »

C’est la question que pose Emmanuel Burdeau à Judd Apatow dans le livre d’entretien (avec un texte d’introduction à la vie comique) Judd Apatow, Comédie Mode d’Emploi (disponible par Capricci), page 88. « Absolument » répondait le cinéaste en 2010. En ce mois de Novembre de l’année 2015 est sorti son nouveau film, Crazy Amy (Trainwreck), qui conte justement le récit d’un personnage féminin.

Amy Schumer interprète Amy dans Crazy Amy, écrit par Amy Schumer… Et réalisé par Judd Apatow…

Amy est incarnée par une actrice tout aussi crazy voire plus, Amy Schumer. Une humoriste et même plus que ça, puisqu’elle est l’auteur, et notamment la créatrice de son propre show sur la chaîne câblée Comedy Central : Inside Amy Schumer…décidément son nom est partout. Car Amy Schumer est devenue une véritable marque, un concept fructueux basé sur un personnage génial et drôle, ancré dans notre quotidien avec des situations universelles – d’où le choix d’un film à regarder en couple –, et d’autres beaucoup plus folles et quelque peu incroyables liées à sa situation de « star ». Elle incarne d’autres ambivalences : elle peut être la jolie et gentille fille – très sexualisée tout de même – tout en étant hyper-vulgaire et « garce ». L’actrice/créatrice interprète ainsi son propre statut de « star », ou alors parodiera nombre de publicités et de films, ou encore se présentera comme Amy, l’américaine moyenne rencontrant des situations qu’on peut connaître dans notre quotidien.

Et toutes ces facettes d’Amy Schumer se retrouvent dans Crazy Amy, qu’elle a scénarisé. On a la situation de départ un peu hors du commun : une journaliste people – rédactrice au Snuff Magazine (vous avez compris l’attaque du film contre ce type d’écrits) – ayant accès facilement aux stars et gagnant très bien sa vie en écrivant des bêtises monstres telles qu’on en trouve en France dans Voici et Paris Match entre autres. Et le « love interest », Aaron – interprété par l’excellent Bill Hader avec qui elle a travaillé sur sa série (voir vidéo ci-dessous) – est un médecin du sport responsable de la réussite de bon nombre des plus grands sportifs du monde. Terre à terre, Amy est perdue sentimentalement lorsqu’elle rencontre Aaron, elle qui a été habitué à des aventures sexuelles très rapides. Elle sortait ainsi avec un bodybuildé homosexuel refoulé – interprété par le très drôle et juste John Cena – sans s’attacher à lui.

Son père est un type bien, dans le fond, mais souvent blessant et notamment raciste et homophobe, aimant provoquer. C’est aussi un homme qui aurait aimé l’unité familiale qu’il a lui-même détruite pour satisfaire de simples désirs. Il a continué à aimer la mère de ses deux filles, regrettant certainement ses actes. En même temps, s’il apprécie Aaron énormément, plus que tous les autres, son « bad side » rappliquera et il dira à Amy qu’elle est comme lui, son père, suggérant ainsi qu’elle serait volage et que son couple ne tiendra pas. Aussi la sœur d’Amy ne veut plus lui payer une maison de repos aussi chère. Elle en veut encore à son père pour avoir autant blesser leur mère et pour avoir mené cette vie délurée.

Ci-dessus, un sketch d’Inside Amy Schumer, Celebrity Interview avec Bill Hader, Comedy Central, 2015.

Les déplacements entre le quotidien et l’« upground » alimenteront tout le film…

…jusqu’à la réconciliation finale, trop cool, pop, et fun pour être réalisable dans nos vies. On aurait préféré une fin plus honnête, plus humaine, plus crédible, plus douce-amère à la manière d’un film de Nancy Meyers ou même de Judd Apatow. On peut penser à la fin en délire de comédie-musicale de 40 toujours puceau (40 years old virgin, 2005) lorsqu’après avoir consommé son mariage, Cal – interprété par Steve Carell – se met à chanter l’amour. La caméra alterne alors plans sur le lit et plans sur toute la joyeuse bande d’acteurs et d’invités du mariage dansant, chantant, s’amusant tels des enfants inconséquents. Il s’agissait réellement d’une séquence qu’on a pu / qu’on pourrait vivre entre amis / en famille.

Mais ici, la danse et le chant avec Amy n’ont pas lieu dans un contexte quotidien, ou encore cette idée d’amusement enfantin et généreux. Elle danse avec les cheerleaders des Knicks de New-York, véritable chorégraphie sportive, pour laquelle elle s’est relativement entraînée mais elle reste la star du show, mise en avant par les danseuses. Après tout, c’est sa réconciliation. Et même lorsqu’elle rate ses pas et gestes, car mal entraînée physiquement ou peu souple, elle ne le fait pas pour s’amuser, elle rate involontairement. Et c’est ça qui manque à Crazy Amy, cette force des personnages à rater, s’amuser de leur échec pour mieux mettre en avant leur caractère, leurs autres qualités et leurs réussites. A de nombreuses reprises, Judd Apatow a dit s’intéresser aux perdants, aux malchanceux de la vie… Ainsi, il leur donnait une chance d’explorer leur potentiel tout en restant eux-mêmes, des personnes gentilles, imparfaites, ne menant pas le rêve américain mais rencontrant les facettes grises de la vie américaine où rien ne semble totalement ni blanc ni noir. Chez ses héros, le blanc se révélait au-delà de leur part obscure, et même, mieux que ça, leur gris s’élevait héroïquement.

Ci-dessus la chanson favorite d’Aaron, qu’il écoute à pleine puissance notamment lorsqu’il opère

« Une chanson nulle » dira Amy, ratée, probablement détestée par son auteur poursuivra-t-elle. C’est parce qu’il ne se rend pas compte de sa qualité, répondra le personnage de Bill Hader, un personnage véritablement Apatow-ien, prêt à assumer son côté « gris », voir le paragraphe ci-dessous.

Amy est justement « trop géniale » dès le début, même en étant vulgaire et trash, elle arrive à être « sexy » et brillamment drôle. Dans ses pires moments, Amy reste drôle, fun et jolie, la « crazy weird but so cool woman » – aussi popularisée par Zooey Deschanel – qu’on aimerait tous connaître dans nos vies et qu’on tend à beaucoup trop rencontrer au cinéma et à la télévision : Rita (2012), New Girl (2011), etc. On peut citer un moment exemplaire : lorsqu’elle se prépare à tromper l’amour de sa vie avec un jeunot de seize ans, une blague survient et on sympathise avec, ou presque. Même lorsqu’elle ne respecte pas Aaron, il y a une autre raison derrière qui pourrait justifier son acte. Ainsi Amy n’est pas si crazy que ça, beaucoup moins que Cal, ou encore que les protagonistes de Freaks and Geeks (1999) et En Cloque, Mode d’Emploi (Knocked Up, 2007). Si Apatow n’a pas perdu ses talents de conteur et de réalisateur de comédie humaniste, s’il n’a pas perdu ses images formidables tournées en pellicule ou son sens du gag et de l’humour à échelle humaine – ancré dans notre réalité emplie de références, de comique assumé et passionné par ses personnages, et de gags purement cinématographiques –, il semble que beaucoup de ses réflexions en terme de personnages et d’histoires soient relativement contrées par l’actrice-scénariste-créatrice. L’irrévérencieuse et provocante Amy Schumer a finalement révélé ses limites ou plutôt explicité ses caractéristiques, ses trucs et astuces à travers le cadre trop humain pour elle de Judd Apatow.

« La comédie vient de là. Je n’ai aucune envie de voir un film sur deux personnes qui s’entendent à merveille. Ce n’est pas drôle. Je n’aime pas les comédies romantiques sur deux personnes délicieuses apprenant à se connaître. La comédie romantique m’ennuie. Je préfère voir les choses s’effondrer. Je sais qu’il existe d’autres types de femmes, j’y viendrai dans les films à venir… »

Ainsi parlait Apatow en 2010 à Emmanuel Burdeau toujours dans le même ouvrage cité précédemment. Et pourtant, Crazy Amy est plus une comédie romantique (avec son lot d’épreuves et ses étapes classiques) – certes « burnée », très drôle, excellemment réalisée avec certaines nuances et tout de même ce regard propre au réalisateur – qu’une comédie dans le sens d’Apatow finalement. On pourrait même aller jusqu’à dire que c’est La comédie romantique d’Amy Schumer imaginée, écrite, interprétée, et coproduite par Amy Schumer – ainsi, plus que multifonctionnelle, nos yeux se tournent vers les personnalités d’Orson Welles et d’Edward Norton –, qu’un film du grand Judd Apatow. En reste un bon film – à l’introduction purement parfaite – qui mériterait plus de réflexion et surtout d’informations à son égard afin de pouvoir mieux le comprendre, notamment vis-à-vis du travail du cinéaste sur celui-ci et de la place du film dans sa carrière.

Synopsis : Depuis sa plus tendre enfance, le père d’Amy n’a eu de cesse de lui répéter qu’il n’est pas réaliste d’être monogame. Devenue journaliste dans un magazine masculin frivole, Amy vit selon ce crédo – appréciant sa vie de jeune femme libre et désinhibée loin des relations amoureuses, qu’elle considère étouffantes et ennuyeuses ; mais en réalité, elle s’est un peu enlisée dans la routine. Quand elle se retrouve à craquer pour le sujet de son nouvel article, un brillant et charmant médecin du sport nommé Aaron Conners, Amy commence à se demander si les autres adultes, y compris ce type qui semble vraiment l’apprécier, n’auraient pas quelque chose à lui apprendre.

Crazy Amy: Bande annonce

Crazy Amy: Fiche Technique

Titre original : Trainwreck
Date de sortie française : 18 Novembre 2015
Date de sortie U.S. : 17 Juillet 2015
Réalisateur : Judd Apatow
Scénariste : Amy Schumer
Casting : Amy Schumer, Bill Hader, Brie Larson, Colin Quinn, John Cena, Vanessa Bayer, Ezra Miller, Lebron James (dans son propre rôle), Mike Birbiglia…
Directeur de la photographie : Jody Lee Lipes
Chef monteur : William Kerr
Directeur artistique : Deborah Jensen
Chef décorateur : Kevin Thompson, accompagné de la décoratrice Nithya Shrinivasan
Musique : Jon Brion
Production : Judd Apatow, Barry Mendel, Joshua Church, Amy Schumer
Société de production : Apatow Productions, Universal Pictures
Société de distribution : Universal Pictures International

Enfin, on vous conseille de lire l’intéressant article de l’Express sur le film et le phénomène Schumer, disponible ici.

Fort d’une troisième partie qui s’affranchissait finalement du divertissement faussement exaltant proposé jusque alors, et qui donnait enfin à voir le cœur de son sujet politico-tyrannique, autant dire que Hunger Games : La Révolte Partie 2 était attendu. Autant pour la conclusion qu’il mettrait un point d’honneur à apporter que pour cette révolte qui gronde et qui n’attendait que d’éclater depuis le premier métrage en 2012, le film disposait ainsi d’un certain potentiel dont il se devait d’user pour enfin donner à voir cette révolte promise par le titre. Une seule question demeurait pourtant et non des moindres : celle du ton employé !

Synopsis: Alors que Panem est ravagé par une guerre désormais totale, Katniss et le Président Snow vont s’affronter pour la dernière fois. Katniss et ses plus proches amis – Gale, Finnick, et Peeta – sont envoyés en mission pour le District 13 : ils vont risquer leur vie pour tenter d’assassiner le Président Snow, qui s’est juré de détruire la jeune femme. Les pièges mortels, les ennemis et les choix déchirants qui attendent Katniss seront des épreuves bien pires que tout ce qu’elle a déjà pu affronter dans l’arène…

Poursuivra-t-il sur la lancée esquissée par le dernier qui prenait à bras le corps les composantes de son sujet, entre guerre de perception et d’influence, propagande et rébellion, ou suivra-t-il la veine de ces nombreux divertissements faisant fi du contexte dans lequel ils s’insèrent pour finalement relâcher les gaz et donner à voir une conclusion en forme de chevauchée des Walkyries sous acide où la bienséance ne trouve plus sa place ?

Une conclusion à la tonalité confuse

Un choix ayant visiblement infusé la vision du metteur en scène Francis Lawrence qui, non soucieux de faillir à son statut d’homme à tout faire du studio, embrasse les deux tableaux à la fois, quitte à faire perdre à son film un élément non négligeable : son feu sacré. Conséquence directe de la division du roman final en deux films, cet épisode de la saga paie ainsi par son absence flagrante de faits à apposer sur ses images.

Fort d’un sous-texte politique déjà éludé dans le précédent long-métrage, le film ne pouvait et même ne devait qu’alors embrasser cette veine rebelle et héroïque qu’on était en droit d’attendre. Malheureusement pour nous, cette rébellion, sans doute pour épouser l’étonnante sobriété qui habite l’ensemble, se paie le luxe de ne figurer qu’en filigrane de l’œuvre. Un comble quand le film en vient à désigner cet événement comme le faire valoir du métrage qui aurait de fait gagné à améliorer son titre ou son ambition, c’est selon. Mais outre ce choix curieux mais pas forcément répréhensible, c’est vers le scénario même que les principaux reproches peuvent se tourner. Si l’on sait gré à ce dernier d’inclure en son sein toutes les thématiques qu’un sujet de la trempe d’HG dispose, à savoir gestion de l’après dictature, jeux de pouvoirs et d’influence, sans pour autant prendre le pas sur le reste, on ne peut qu’être consterné de voir le scénario préférer étayer la romance entre Peeta (campé par un Josh Hutcherson lobotomisé), et Katniss (jouée par une Jennifer Lawrence curieusement bien en deçà de ses dernières interprétations du Geai Moqueur) que donner à voir l’intrigue de ce volet qu’on attendait bien plus frondeuse et héroïque.

Un scénario au diapason de ce désordre

Pour autant, le script n’est pas forcément le seul fautif dans l’histoire. S’il demeure cohérent et se couple parfaitement aux oripeaux techniques déployés par le film (que dire de la photographie et de la musique impeccable, ou des références disséminées çà et là), reste que le trop-plein de personnages, privé d’une ossature solide et viable qui fragilise l’ensemble. Jusqu’alors vecteur de l’étonnante réussite de l’ensemble de la saga, le casting semble ici plat, quitte à s’effondrer comme un château de cartes, l’intrigue ne leur permettant plus une ossature digne de ce nom. Et au jeu des interprétations ratées, personne ne semble ainsi épargné entre une Julianne Moore surjouant les traits de la présidente Coin, un Philip Seymour Hoffman en retrait, un Woody Harrelson reconverti en side-kick du personnage de Katniss ou encore une Elizabeth Banks, dont la prestation n’a jamais été aussi immonde que ses tenues. Conséquence malheureuse de la division en deux films du roman conçu pour clore les pérégrinations du Geai Moqueur, cette deuxième partie n’aura servi en réalité qu’à alimenter la cash-machine hollywoodienne pour un résultat relativement décevant puisque obligeant à voir un récit non dénué de qualités accuser le coup d’une division ayant amoindri ses enjeux et par extension sa surprise.

Hunger Games, La Révolte partie 2 : Bande-annonce

Hunger Games, La Révolte partie 2 : Fiche Technique

Titre original : The Hunger Games: Mockingjay – Part 2
Réalisation : Francis Lawrence
Scénario : Danny Strong, d’après Hunger Games : La Révolte de Suzanne Collins
Interprétation: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks (Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Julianne Moore (Présidente Alma Coin), Donald Sutherland (Président Coriolanus Snow)…
Direction artistique : Philip Messina
Décors : Philip Messina
Costumes : Kurt and Bart
Photographie : Jo Willems
Montage : Alan Edward Bell et Mark Yoshikawa
Musique : James Newton Howard
Production : Nina Jacobson et Jon Kilik
Sociétés de production : Color Force et Lions Gate Film
Sociétés de distribution : Lions Gate Film (États-Unis), Metropolitan Filmexport (France), Entertainment One (Canada)
Budget : 125 millions $
Genre : action, drame, science-fiction dystopique
Durée : 137 minutes
Date de sortie : 18 novembre 2015

Etats-Unis – 2015

Sandu Patrascu (Teodor Corban) est un homme tranquille, bon, rigoureux, à la manière du Serious Man des frères Coen : bon mari, bon père, bon fils. Quand par exemple il prend conscience de sa silhouette qui commence à s’enrober légèrement, c’est sans tergiversation que Patrascu prend le chemin du jogging avec son chien Jerry.

Synopsis: En rentrant chez lui, Pătrașcu perçoit derrière une porte au deuxième étage de son immeuble les bruits d’une violente dispute amoureuse. Quelques heures plus tard le corps d’une femme est découvert. Ses soupçons se portent sur Vali, le voisin du premier. Et pourtant Pătrașcu ne se rend pas à la police… même lorsque Vali commence à s’immiscer dans sa vie et dans sa famille…

A serious man

Quand ensuite il rentre chez lui, il refuse les bons petits plats de sa femme Olga (Oxana Moravec) pour se  cantonner à une petite salade propre à son régime, tout ça entre des gestes affectueux envers sa femme, et des gestes protecteurs envers son fils Matéi (Ionut Bora). Sandu Patrascu est rigoureux et bon. Il sait ce qu’il à faire, il fait ce qu’il a à faire.

Mais un jour, en revenant de son jogging quotidien, il entend une dispute éclater entre Laura, sa jeune voisine du dessous et Vali (Iulian Postelnicu), de toute évidence son amant. En sortant de l’appartement, ce dernier, un voisin également, surprend Patrascu, oreille tendue vers la porte, faisant mine de remettre le collier du chien. Le soir même, on apprend le décès de la jeune femme, dans des circonstances troubles et peu définies. Quand la police vient faire son enquête de routine dans le voisinage, Patrascu ne dit rien au commissaire, comme il n’a rien dit à sa femme non plus.

Le film de Radu Muntean est un étrange thriller tendu de bout en bout, alors même que ce qui y est raconté ne sort jamais de l’ordinaire. Cette sorte de naturalisme très caractéristique du nouveau cinéma roumain (Cristian Mungiu, Cristi Puiu ou Corneliu Porumboiu pour ne citer qu’eux), souvent utilisé pour mettre en avant les dysfonctionnements de la société roumaine, et sa tristesse aussi (Bucarest est rarement filmé de manière avantageuse), ce penchant pour le réalisme est ici à son comble, allant jusqu’à citer les meilleures marques de disque dur pour l’ordinateur familial ou le nom des pires attaquants dans le club de football du coin. Des détails qui se rajoutent aux détails, des scènes d’une vie quotidienne roumaine quasi-bourgeoise et qui pourtant installent cette tension qui ne quitte jamais l’écran.

Voilà en effet un homme (merveilleusement joué par Teodor Corban que l’on a déjà vu cette année dans un registre autrement plus verbeux, avec l’excellent Aferim de Radu Jude), voilà un homme qui tait un lourd secret, mais qui continue de vaquer à ses occupations (avec sa femme Olga, ils possèdent une société qui s’occupe de prendre en charge les tracasseries administratives d’immatriculation de voitures), à la fois comme si de rien n’était, mais en même temps, avec une inquiétude grandissante que l’on lit dans ses yeux et son corps tout entier. De tous les les plans, Patrascu ne peut pas échapper au spectateur, et probablement pas à sa conscience. Ayant pris soin de brosser jusque-là un portrait plutôt flatteur du protagoniste, Radu Muntean écarte le risque d’un jugement trop hâtif de la part du spectateur pour le laisser au contraire s’interroger pendant tout le film sur la motivation de Patrascu à ne pas livrer l’assassin. Est-ce la peur de complications administratives dont il connaît les arcanes pour en avoir fait son métier ? Est-ce la peur d’envoyer un innocent dans les griffes de la justice ? Est-ce plus globalement l’héritage d’une société post-Ceaușescu qui fuit les « histoires » autant que faire se peut ?

Fait de petits riens (la silhouette inquiétante de Vali, le présumé assassin, derrière une vitre, sa mère qu’il découvre familière de ce dernier, un fils qui joue à Street fighter avec le même dans son propre domicile, Vali lui-même qui veut utiliser ses services professionnels, etc.), le récit semble faire du surplace tout en étant pourtant efficace dans sa capacité à nous tenir en haleine. De plus, le cinéaste arrive avec cette ambiance très minimaliste à montrer des bribes de la société roumaine : un machisme ambiant par-ci («Si elle est morte, c’est parce que c’est une pute» dit-on en parlant de Laura, la victime) ; de la bureaucratie quasi-kafkaïenne par-là (le travail de Patrascu est disséqué de manière clinique dans ses moindres détails, et le résultat fait froid dans le dos); et toujours cet humour noir propre au cinéma de son pays (Patrascu a choisi  la voix de Ceaușescu comme sonnerie de son téléphone).

Mais à force de faire dans le low-key, Muntean finit par raser le bitume et se prendre les pieds dans le tapis, car la tension qu’il préserve tout au long du film accouche d’un non-événement. Même s’il assiste à une sorte d’explosion finale vers la fin du récit, filmée par ailleurs avec beaucoup de maîtrise, le spectateur va au-devant d’une certaine déconvenue à l’image de celui qui allume un pétard mouillé.

Radu Muntean représente l’avant-garde du nouveau cinéma roumain qui est en passe de verser dans l’académisme, tant le chemin en est balisé, et tant il est institutionnalisé avec la pluie de récompenses festivalières qu’ils glanent année après année. Il s’est affranchi de ses aînés, par exemple en limitant les dialogues interminables et surtout le périmètre de ses films aux bornes du sordide qu’on pourrait rencontrer dans les films comme le récent Au-delà des collines de Cristian Mungiu. Si son film précédent, Mardi après Noël, a été un vrai succès d’estime, L’étage du dessous perd un peu trop de matière et devient une pâle copie de ce qu’il aurait dû être…Une semi-déception donc pour le dénouement, mais une réussite indéniable pour le chemin qu’il a pris pour aller jusque-là…

L’étage du dessous – Bande annonce 

L’étage du dessous – Fiche technique

Titre original : Un etaj mai jos
Date de sortie : 11 Novembre 2015
Réalisateur : Radu Muntean
Nationalité : Français , roumain , allemand , suédois
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 93 min.
Scénario : Alexandru Baciu, Radu Muntean, Razvan Radulescu
Interprétation : Teodor Corban (Sandu Patrascu), Iulian Postelnicu (Vali), Oxana Moravec (Olga), Ionut Bora (Matéi), Tatiana Iekel (la mère de Sandu), Vlad Ivanov (Sorin)…
Musique : Cristian Stefanescu / Electric Brother
Photographie : Tudor Lucaciu
Montage : Andu Radu
Producteurs : Dragos Vilcu, François d’Artemare, Alexander Ris, Anna Croneman, Christine Haupt
Maisons de production : BLECK FILM & TV AB, Cine Plus Filmproduktion, Film i Väst, Les Films de l’Après-Midi, Multimedia Est, Neue Mediopolis Filmproduktion
Distribution (France) : Epicentre films
Récompenses : Prix de la production : Festival de cinéma de Hamburg
Budget : 1 000 000 € (est.)