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C’est parce qu’il est devenu incontournable dans les études psychologiques, au point d’être régulièrement cité dans les débats sur la part de culpabilité des bourreaux dans le cas de génocides, que le livre La Soumission à l’autorité de Stanley Milgram pouvait, en toute légitimité, mériter d’être le sujet d’un long-métrage.

Synopsis: En 1961, à l’Université de Yale, Stanley Milgram, un professeur en relations humaines, fait des expériences sur la volonté de cobayes à accepter des ordres malgré leur propre morale. A la fois décriés par ses pairs lui reprochant un manque d’éthique et considérés comme une référence, ces tests vont faire de Milgram un expert renommé.

Mais comment évoquer au cinéma de telles expériences ? Deux formes cinématographiques viennent naturellement à l’esprit : un biopic du Dr. Milgram relatant le parcours du scientifique pour asseoir sa reconnaissance professionnelle ou alors un documentaire expliquant ces fameux travaux et leur influence dans le domaine. Le réalisateur Stanley Almeyreda, qui a réalisé aussi bien des fictions que des documentaires, va tenter une approche qui oscillera constamment entre les deux formats. Sans être un biopic complet de sa vie, Experimenter est pourtant pensé à la manière d’une reconstitution de la carrière de Milgram en donnant le rôle à Peter Sarsgaard (Blue Jasmine, Stricly Criminal…). Mais, dénué d’autre enjeux que la compréhension des tenants et aboutissants des expériences, en éludant tous les autres aspects du personnage au point de réduire sa femme (Winona Rider, l’ancienne star des années 90 à présent snobée par les studios) à une figure sans autre intérêt que de servir de néophyte à qui il expliquerait ses travaux , le film prend des allures explicatives dignes du documentaire. Avec du recul, il semble certain que d’avoir opté de façon radicale pour l’une ou l’autre des deux formules, qu’il s’agisse d’une biographie futile ou d’un empilement d’images d’archive, n’aurait pu être que rédhibitoire à l’approche d’un tel sujet.

C’est justement en s’inspirant des images d’archives, des vidéos filmées par Milgram dans lesquels il expliquait face caméra en quoi son parcours l’a poussé à une certaine curiosité de l’observation du rapport des Hommes à l’autorité, que le réalisateur a décidé d’utiliser un processus similaire. Il faut admettre que briser le quatrième mur n’est à présent plus quelque chose de choquant. En fait, depuis qu’il a été popularisé  par la série House of Cards, il semble même que cet effet de style soit devenu une solution de facilité pour ne pas avoir à introduire ces personnages de façon diégétique (comme ce fut le cas dans The Walk) ou alors d’expliquer ce que l’intrigue contient de plus complexe (ce que The Big Short fait allègrement). Avec Experimenter, Almeryda n’hésite donc pas à user de ce moyen, entre autres (l’usage de fonds verts d’une qualité d’époque en guise de décors est une idée astucieuse mais injustifiée), pour donner à sa mise en scène une dimension didactique et superficielle. Parfois intelligemment mise à profit dans cette volonté de distanciation, l’omniprésence de cette voix-off explicative souligne aussi malheureusement le manque-à-gagner qu’a le scénario à ne prendre le temps d’approfondir ses personnages. L’impression d’assister à la version commentée d’une reconstitution sans effort dramaturgique d’images d’archive devient même par moment si prégnante que l’on en vient finalement à se dire qu’un documentaire aurait été, pour un tel résultat, plus approprié.

Malgré ce sentiment d’être tenu par la main qui se révèle des plus gênants, Experimenter réussit son intention première, celle de nous familiariser et de nous intéresser aux théories de Stanley Milgram. L’incapacité ou le manque de volonté – cela reste difficile à déterminer – du réalisateur à rendre ces personnages attachants a pour conséquence première de faire des expériences l’élément central de la narration. Pourquoi alors les avoir placées au début du film ? On en revient encore une fois au gros souci du long-métrage, à savoir ne pas avoir pris le temps d’installer ses personnages pour créer une intrigue les entourant. Une approche scénaristique qui rend impossible toute empathie et complique donc la moindre adhésion aux enjeux des protagonistes. Aussi intéressantes que puissent être les thèses que le psychologue tâche de nous inculquer, tout le développement dramaturgique qui les entoure s’averrera superflu, et finalement seul le capital sympathie des acteurs nous permet de l’assimiler. C’est en cela que le casting se révèle être d’une formidable efficacité,  tant de mauvais choix auraient fait du résultat final un document lourdement verbeux, alors que la fraîcheur apportée par le duo Sarsgaard/Rider, ainsi que les acteurs secondaires, aussi sous exploités soient-ils (dont l’excellente apparition de Kellan Lutz et Dennis Haysbert), lui donne un gout de légèreté qui nous permet suivre sans déplaisir ce que le scénario a de plus didactique et superflu.

Experimenter : Fiche Technique

Pays d’origine : États-Unis
Réalisation : Michael Almereyda
Scénario : Michael Almereyda
Casting: Peter Sarsgaard (Stanley Milgram), Winona Ryder (Menkin « Sasha » Milgram), Edoardo Ballerini (Paul Hollander), Vondie Curtis-Hall (Curtis)…
Direction artistique : Deana Sidney
Costumes : Kama K. Royz
Montage : Kathryn J. Schubert
Musique : Bryan Senti
Production : Michael Almereyda, Uri Singer, Fabio Golombek, Aimee Schoof, Isen Robbins, Danny A. Abeckaser, Per Melita
Sociétés de production : Intrinsic Value Films, Jeff Rice Films, FJ Productions, BB Film Productions
Sociétés de distribution : Septième Factory
Budget : NR
Langue : Anglais
Durée :  90 minutes
Genre : Biopic, documentaire, drame
Dates de sortie : 27 janvier 2016
Festival : Sélection officielle des festivals de Dauville et Sundance

Jamais programmatique, l’œuvre des frères Larrieu commence pourtant à avoir une couleur reconnaissable entre toutes : ces collines et ces montagnes (depuis les Pyrénées de leurs films du début jusqu’au Plateau suisse de l’Amour est un crime parfait), ce verbe foisonnant, ces corps incarnés, ces acteurs fidèles (Mathieu Amalric que l’on ne verra certes pas cette fois-ci, Karin Viard, ou encore Sergi Lopez dans un rôle secondaire mais toujours tenu avec beaucoup de présence). 21 nuits avec Pattie est une sorte d’aboutissement en même temps qu’un nouveau point de départ dans leur cheminement, avec un accès facilité à leur univers.

J’ai horreur de l’amour

Sur un chemin baigné de poussière et de soleil, Caroline apparaît (Isabelle Carré, incroyablement fraîche, éternellement juvénile). Elle se dirige vers une belle villa en contrebas, qui aboutit sur une piscine où 3 hommes entièrement nus sont offerts à son regard indéchiffrable. On apprend qu’elle est chez Isabelle, sa mère qui vient de mourir, dont elle s’enquiert avec des manières distantes et presque un sourire aux lèvres de l’endroit où elle repose. Il est très troublant de la voir ainsi, vide d’émotion, devant la dépouille de sa mère, même si on découvre vite que c’est une femme qu’elle connaît très peu, au fond.  Caroline est pâle, frêle, dépourvue de passion, à l’inverse de la truculente Pattie (Karin Viard, en léger surjeu comme souvent ces temps-ci), amie et intendante de Zaza (le surnom donné à Isabelle par tous ses amis du village) : au bout de 10 minutes, Pattie dévoile sa vie sexuelle avec des phrases aussi crues que poétiques, qui évoquent par exemple le plus violent des vents d’Espagne incapables de sécher certaines de ses moiteurs.

Caroline est venue pour enterrer sa mère, fermer la maison qu’elle a l’intention de revendre dès que possible, et repartir dans sa vie parisienne dès le lendemain. Une vie visiblement où son mari Manuel (Sergi Lopez) n’est plus qu’un colocataire qui lui est quasi-étranger…Mais la disparition du corps de la défunte dès le premier soir l’oblige à rester plus longtemps que prévu.

21 nuits avec Pattie, 3 en réalité, est un film initiatique où Caroline s’éveille à elle-même. Le whodunit lié au mystère de la disparition du cadavre est finalement un joli prétexte à d’autres objectifs visés par les frères Larrieu. Il introduit par ailleurs le personnage de Jean, qui se dit être un ami proche d’Isabelle, un être cryptique délicieusement interprété par André Dussolier. De même, l’enquête qui s’ensuit permet de retrouver avec beaucoup de plaisir Laurent Poitrenaux en capitaine de gendarmerie décalé, comme il était un juge d’instruction décalé face à Mathieu Amalric dans l’Amour est un crime parfait.

L’objectif est donc là, dans un double cheminement de Pattie et de Caroline. Caroline, tout d’abord, qui fait sauter ses verrous un à un au contact de ces personnes qui vivent dans la jouissance et l’exultation (la daube préparée avec l’animal percuté par la voiture de Caroline avant d’arriver au village, le vin d’Alain, un des amants de Pattie,  qui coule à flots lors des nombreux dîners festifs de la petite bande, les corps dénudés sous la pluie ou dans la piscine, les mains baladeuses d’André -incroyable Denis Lavant en bouc satyrique et virevoltant-, et Pattie bien sûr, exubérante en chef qui, pour paraphraser Laurence Ferreira Barbosa, a « horreur de l’amour », mais aime le sexe). Et justement, l’autre itinéraire qui intéresse les frères Larrieu, c’est celui de Pattie, qui fait l’apprentissage de l’amour et de la tendresse, d’une langue qui lui est étrangère, de postures qui lui sont inconnues et dans lesquelles pourtant elle se coule avec beaucoup de naturel.

La réussite de 21 nuits avec Pattie vient de ces directions multiples qui font que le rythme ne baisse jamais, avec des incursions dans le fantastique quand les cinéastes ne font pas parler, mais danser les morts (avec la gracieuse chorégraphe Mathilde Monnier dans le rôle de Zaza), font briller les yeux du diable, un peu à la manière d’Apichaptong Weerasethakul dans Mon Oncle Bonmee ou de Carlos Reygadas dans Post Tenebras Lux, pour marquer la terreur de Caroline, sa terreur face à un désir qui ne cesse de gonfler et qui ne demande qu’à s’échapper et à être assouvi…tant de clins d’œil que l’on retrouve jusque dans le dispositif formel puisque l’œil de la caméra, ouvert sur un 1:33 définitivement revenu au goût du jour ces dernières années, s’amuse et s’agrandit vers le 1:85 dans une merveilleuse scène où on sent que la pluie torrentielle a lavé Caroline de toutes ses réticences pour nous la révéler lumineuse enfin, abandonnée enfin, dans cette nuit de la pleine  lune, décor de tous les fantasmes…

Avec 21 nuits avec Pattie, les frères Larrieu atteindront sans doute un public élargi, grâce à l’ambiance faussement légère empruntée par leur film, alors que le propos reste finalement le même, une variation sur le même thème, celui des tourments de l’âme humaine, celui qui fait dire à Caroline : « quand je m’éloigne, j’ai peur qu’il n’arrive quelque chose ; quand je reste, j’ai peur qu’il ne se passe rien ». Un bon mot certes, mais une vision inquiète de la vie. Heureusement que la propension des frères Larrieu à chanter une belle ode à la vie équilibre ce pessimisme.

21 nuits avec Pattie est un beau film français qu’il ne faut pas hésiter à aller voir et à défendre avec vigueur.

Synopsis : Au cœur de l’été, Caroline, parisienne et mère de famille d’une quarantaine d’années, débarque dans un petit village du sud de la France. Elle doit organiser dans l’urgence les funérailles de sa mère, avocate volage, qu’elle ne voyait plus guère. Elle est accueillie par Pattie qui aime raconter à qui veut bien l’écouter ses aventures amoureuses avec les hommes du coin. Alors que toute la vallée se prépare pour les fameux bals du 15 août, le corps de la défunte disparaît mystérieusement…

21 nuits avec Pattie – Bande annonce

21 nuits avec Pattie – Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 25 Novembre 2015
Réalisateur : Arnaud & Jean-Marie Larrieu
Nationalité :          France
Genre : Comédie
Année : 2015
Durée : 115 min.
Scénario : Arnaud & Jean-Marie Larrieu
Interprétation : Isabelle Carré (Caroline Montez), Karin Viard (Pattie), André Dussollier (Jean), Sergi López (Manuel Montez), Laurent Poitrenaux (Pierre, le gendarme), Denis Lavant (André), Philippe Rebbot (Jean-Marc), Jules Ritmanic (Kamil), Mathilde Monnier (Isabelle, dite Zaza)…
Musique : Nicolas Repac
Photographie : Yannic Ressigeac
Montage : Annette Dutertre
Producteurs : Francis Boespflug, Bruno Pésery
Maisons de production : Arena Film, Pyramide Production
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : –
Budget : –

Avant d’être le film d’un cinéaste et d’une distribution cinq étoiles, The Big Short : Le Casse du siècle est avant tout le film d’un auteur : Michael Lewis. Il est à l’origine du roman The Big Short : Inside the Doomsday Machine (édité chez Sonatine sous le nom Le Casse du siècle) dont la parution en pleine crise économique lui a permis de truster pendant 28 semaines la liste des best-sellers du New York Times.

Cet auteur remarquable est reconnu pour être également derrière les adaptations ovationnées qu’ont été Le Stratège (six nominations aux Oscars) et The Blind Side (Oscar de la Meilleure Actrice pour Sandra Bullock). Connu outre-Atlantique pour ses récits et analyses économiques, Michael Lewis est rapidement devenu la coqueluche du cinéma hollywoodien tant chacun de ses ouvrages adaptés a été acclamé par le public et la profession. Ce n’est pas un hasard si Brad Pitt, qui tenait le premier rôle dans Le Stratège, a financé The Big Short via sa société de production, Plan B. A la tête de ce film, affublé d’un titre français qui renvoie au titre de l’ouvrage paru dans l’hexagone, on retrouve Adam McKay. Si ce nom vous échappe, les amateurs de comédies barrées américaines ne peuvent ignorer son existence tant il est perçu comme l’un des grands manitous de la comédie US avec Judd Appatow, ce dernier l’ayant produit à ses débuts. On lui doit notamment les succès de Very Bad Cops, Frangins malgré eux, Ricky Bobby : roi du circuit ou Présentateur vedette : la légende de Ron Burgundy. Le retrouver à la tête d’un scénario économique complexe et -paradoxalement- décomplexé pourrait sembler surprenant. Mais Adam McKay a tenu à être de la partie, acceptant même de donner une suite à Ron Burgundy (Légendes Vivantes) pour que la Paramount lance le feu vert et lui laisse la réalisation. Il faut dire que le succès critique et commercial du Loup de Wall Street a donné des idées aux pontes du studio. Alors revenir sur l’histoire vraie d’investisseurs illuminés qui ont parié sur la crise plutôt que tenter de l’en empêcher, c’est un matériau forcément idéal pour le cinéma tant il dévoile le cynisme et l’ironie du monde impitoyable de la finance.

De l’art d’être un visionnaire sans scrupules

Ce casse du siècle, il est orchestré par trois groupes d’investisseurs qui indépendamment vont miser sur la chute du marché immobilier et ce qu’ils prévoient comme la chute du Capitalisme. Aux motivations diverses (gloire, argent, vérité), ces insensés regardent les événements se déroulant devant leurs yeux avides de certitude jusqu’à ce que l’improbable se produise, pour leur plus grand plaisir de donner tort à tout le monde. Car à l’époque, leurs prédictions ont été moquées par toute la profession. Ils ont été la risée des conférences et ont dû batailler pour convaincre leur hiérarchie qu’ils étaient dans la raison la plus totale. Mais en même temps que ces salariés répondent à une quête de la rentabilité, ils parient néanmoins sur une situation économique mondiale inédite qui les touchera directement : la chute de tout un système qui entraînera avec eux des populations dont le seul tort aura été d’avoir fait confiance à ceux qui manipulent l’argent. Les conséquences sont ce qu’elles sont : Crise économique de 2008, des millions de personnes à la rue, du chômage, la crise en Grèce, en Espagne, etc. Et nous, spectateurs, on assiste à ce petit théâtre cynique qui se joue dans les hautes tours de Wall Street. Adam McKay ne nous épargne pas la complexité des discussions économiques et l’enjeu capital de toutes ces transactions. Mais il trouve la formule adéquate pour expliciter les situations : il brise le quatrième Mur. A plusieurs reprises, Ryan Gosling s’exprime à la caméra tout comme certaines célébrités (un analyste financier ou plus surprenant une plantureuse actrice, un cuisinier gastronomique ou une chanteuse pop) viennent proposer une explication ou une métaphore d’une opération financière difficilement compréhensible pour des non-initiés. Ainsi on assiste à un Ryan Gosling évoquant sa cool-attitude et la vanité du milieu dans lequel il évolue, ou bien une Margot Robbie jouant son propre rôle et proposant sa définition du mot «subprimes» dans une baignoire, tandis que Selena Gomez illustre un investissement risqué à travers une partie de jeu de la roulette. Il s’agit de moments qui servent à dynamiser l’intrigue tout en apportant une dose d’humour que l’on retrouve tout le long du film, sans qu’il soit trop pesant laissant une saveur autant dramatique que comique au film.

Cet humour est surtout porté par un casting qui ne semble s’être jamais aussi lâché sur ce tournage tant chacun apporte à sa manière une folie euphorisante. Habitué aux rôles mutiques, Ryan Gosling n’a jamais autant débité de lignes de dialogues dans ce rôle d’un beau-gosse visionnaire et sûr de lui où il témoigne d’un humour salvateur, qu’on lui connaissait déjà dans la comédie Crazy, Stupid, Love. Dans ce dernier, il avait déjà donné la réplique à Steve Carrell qu’il retrouve ici. Après Foxcatcher, Steve Carrell continue d’interpréter des rôles forts, proches de clowns tristes. Il incarne Mark Baum, un responsable d’investissements qui surmonte difficilement le suicide de son frère et ne supporte plus l’univers dans lequel il est employé. Sa seule motivation est de prouver au monde que ce petit jeu de la finance est une bombe à retardement et que le temps est bientôt imparti. Seule la future réjouissance de montrer au monde entier la stupidité de ces sans-scrupules l’excite dans la vie. Christian Bale offre une partition étonnante de Michael Burry, un docteur réorienté, présomptueux sympathique, désinvolte et qui découvre tous les rouages de ce qui va amener l’économie mondiale à sa perte. Après 12 Years a Slave, Brad Pitt se donne à nouveau le bon rôle dans un film qu’il produit puisqu’il interprète un ancien trader repenti, épuisé par ce monde cynique et sordide. Dans un ultime échange, il délivrera la morale du film lorsque les fous célébreront leur victoire. Ce n’est pas tant un reproche puisqu’il incarne avec tout le sérieux et la maturité qu’on lui connaît ce personnage sage et déterminé. On pourra reprocher l’absence de rôles féminins forts, Melissa Leo et Marisa Tomei étant brièvement présentes dans l’intrigue ou à la tête de rôles faibles (la bonne épouse pour la seconde). Etonnant de la part d’un cinéaste qui s’était justement évertuer à revendiquer le machisme du milieu de la télévision dans Présentateur vedette : la légende de Ron Burgundy et revaloriser la femme dans le monde journalistique. Non pas que Adam McKay ne leur accorde pas d’importance ici, car on peut également voir ce choix comme une manière d’accentuer la stupidité de ce qui s’est passé dans les hautes sphères financières dominés par un monde de mâles. C’est donc un casting absolument dément qui porte ce film et dont l’interprétation collective mériterait une récompense pour l’ensemble de cette distribution.

Adam McKay livre donc un film aux antipodes de ce que l’on aurait pu en attendre. Chaque séquence fourmille d’idées décapantes qui témoignent de l’absurdité de ce qui se passe dans les bureaux de Wall Street : soit une économie mondiale entre les mains de moutons aveuglés se dirigeant droit dans la gueule du loup. Rien de nouveau sous le soleil donc mais la représentation que donne Adam McKay du monde de la finance trouve le juste équilibre, entre une jeunesse de golden boys matérialistes et immoraux et la génération précédente qui travaille avec certains codes moraux ancrés, mais soumis à la loi du marché.  Tout en livrant son film le plus profond, le cinéaste ne s’émancipe jamais de son esprit barré et les dialogues percutants du film peuvent en témoigner. Cette vivacité des dialogues permet de donner au film un rythme survitaminé dont la succession d’images parfois épileptiques est d’une véritable réjouissance. Sans compter que le film semble parfois jouer à la frontière du documentaire et de la fiction. Entrecoupant son action d’images d’archives ou simplement d’illustrations (souvent décalées), le cinéaste montre le déroulement des événements de manière fictive et les conséquences de manière réelle et figée. Ce parti-pris témoigne d’un choix artistique pertinent tant il offre un parallèle bouleversant entre l’exultation des conférences financières à Las Vegas et la misère des nouveaux expulsés. C’est tout ce décalage, que l’on retrouve dans la bande-son composée de quelques morceaux de métal, qui participe à l’étonnante partition d’un film décapant et corrosif.

Avec ce casting des plus prestigieux, The Big Short est un outsider improbable dans la course aux Oscars. C’est tout ce que l’on souhaite à ce film qui a su traiter de l’épineux problème de la crise économique dans un pays qui n’a pas encore surmonter ses erreurs passés et qui continue pourtant à commettre les mêmes. La fin dans ce sens est d’une ironie sans nom et laisse le constat palpable d’acteurs de l’économie qui ne savent plus s’arrêter. De la maîtrise de sa mise en scène à la maestria des dialogues et la profondeur de son propos, The Big Short – Le Casse du Siècle est autant un divertissement rythmé qu’un film nécessaire, insolent et dopé à l’ironie. Magistral.

Synopsis: Wall Street. 2005. Profitant de l’aveuglement généralisé des grosses banques, des medias et du gouvernement, quatre outsiders anticipent l’explosion de la bulle financière et mettent au point… le casse du siècle ! Michael Burry, Steve Eisman, Greg Lippmann et Ben Hockett : des personnages visionnaires et hors du commun qui vont parier contre les banques… et tenter de rafler la mise!

Bande Annonce Officielle VOST

Fiche Technique: The Big Short : Le Casse du siècle

Pays d’origine: Etats-Unis
Genre: Comédie dramatique
Durée: 130min
Sortie en salles: 23 décembre 2015

Réalisation: Adam McKay
Scénario: Adam McKay et Charles Randolph, d’après le roman de Michael Lewis
Distribution: Brad Pitt (Ben Rickert), Christian Bale (Michael Burry), Ryan Gosling (Greg Lippmann), Steve Carell (Steve Eisman), Melissa Leo (Georgia Hale), Marisa Tomei (Cynthia Baum), Karen Gillan (Evie), Rafe Spall (Danny Moses)
Photographie : Barry Ackroyd
Décors : Linda Lee Sutton
Costume: Susan Matheson
Montage: Hank Corwin
Musique: Nicholas Britell
Producteurs : Dede Gardner, Brad Pitt, Louise Rosner
Sociétés de Production: Paramount Pictures, Plan B
Distributeur: Paramount Pictures
Budget : NR
Récompenses: Oscar 2016 du Meilleur Scénario Adapté, Hollywood Film Awards 2015 du Meilleur Réalisateur

Septième plus gros succès dans les salles françaises en 2013, Les Profs avait su attiré pas loin de 4 millions de spectateurs, alors que le top 10 annuel n’était composé que de titres américains. Et comme partout ailleurs (les studios hollywoodiens ne sont finalement pas les seuls à se fourvoyer de la sorte), qui dit réussite commerciale dit forcément suite! Et l’adaptation de la bande-dessinée n’échappe donc pas à la règle en cette année 2015. Résultat : un score moins imposant que le précédent mais qui reste tout aussi exorbitant (presque 3,5 millions d’entrées). Mais honnêtement, Les Profs 2 n’a vraiment pas de quoi se vanter.

Recalé en beauté !

Il est vrai que le premier opus n’était déjà pas folichon. Certes, celui-ci n’avait aucune prétention si ce n’est celle de promettre amusement et bonne humeur (ce qu’il faisait) pendant la durée de son visionnage, avec un casting qui s’éclatait réellement et une première partie en sketchs (comme pour Les Sous-Doués) plutôt réussies. Mais très vite le film partait dans le n’importe quoi typique des comédies françaises à gros budget pour finalement n’être qu’un divertissement lourdingue qui ne faisait pas vraiment honneur à la BD d’origine (malgré des personnages bien retranscrits) ni au cinéma français dans son ensemble. Avec cette suite, autant dire que le public n’en attendait pas grand-chose, si ce n’est le même constat. Au final, si le plaisir de revoir les mêmes comédiens (hormis Didier Bourdon remplaçant Christian Clavier) est là et qu’un sourire se dessine sur le visage des spectateurs à quelques moments du long-métrage, regarder Les Profs 2 s’avère bien plus douloureux que prévu.

La faute revenant – on s’en serait douté à l’avance – au scénario, qui roule sans se cacher sur les acquis du précédent opus: après une première partie cumulant des cours sous forme de sketchs, l’autre moitié du long-métrage s’intéressant plutôt à un fil conducteur narratif tenant difficilement la route car partant dans tous les sens. Vous enlevez la fraîcheur (bien que cela soit un bien grand mot) du premier film, et vous aurez des gags et un humour qui ne marche plus du tout dans cette suite. En effet, Les Profs 2 se repose sur les lauriers du premier en reprenant ses situations comiques (la prof sexy mettant en émoi ses élèves, la prof bombardant ses élèves de craies, le prof de sport à côté de la plaque…) sans vraiment les modifier. Même, en termes de comédie en générale, Les Profs 2 n’invente strictement rien, reprenant bêtement les nombreux clichés maintes et maintes fois réalisés sur les différences culturelles entre la France et l’Angleterre (à commencer par l’accent british). Sans parler des blagues référentielles mille fois vues qui ne font plus du tout leur effet (la traversée du passage piéton par les Beatles). Non, Les Profs 2 n’a décidément rien pour lui, si ce n’est se montrer monotone au possible, poussif, ennuyeux, et assez vulgaire par moment.

Du coup, le rythme du film en pâtit, n’ayant pas grand-chose à nous proposer de concret. Peut-être deux ou trois gags de situations, et encore! Cela, il faut également le mettre sur le compte de Kev Adams, véritable star du film. Et pour cause, alors qu’il n’était que secondaire dans le premier opus, il se retrouve ici propulsé au rang de personnage principal de l’histoire, recalant du coup les fameux profs (pourtant bien présents sur l’affiche et le titre) au second plan. Rien que la présence de son rôle dans l’intrigue n’en est que plus vaseuse (« On amène Boulard avec nous parce qu’il n’a pas eu son Bac l’année dernière »). Un fait qui, mine de rien, nuit grandement au rendu final, ne se présentant alors que comme une énorme promotion du jeune humoriste qui, au lieu de retranscrire le comique propre à la bande-dessinée, reprend le sien sans vergogne histoire de faire plaisir à ses fans. Sauf que voilà, ce n’est plus Les Profs 2 mais plutôt un énième one man show de Kev Adams, aidé par des acteurs. Ni plus ni moins!

Les Profs premier du nom ne volait pas bien haut, sa suite loupe les rattrapages en beauté. Bien plus paresseuse et molle, ne se reposant que sur ses têtes d’affiches et le succès de son prédécesseur, elle ne mérite pas du tout son score au box-office, faisant ainsi de l’ombre à des films nationaux qui auraient très bien pu se trouver à sa place avec les honneurs qui leur sont attribués. Mais bon, on ne peut pas vraiment contester les choix des spectateurs.

Synopsis :  Sur ordre de la reine d’Angleterre, les profs du lycée Jules-Ferry sont enlevés par les services secrets britanniques pour les besoins d’une mission : redonner goût à Vivienne, petite-fille de la souveraine, aux études afin qu’elle devienne un digne successeur de la monarchie. Et pour cela, ils vont devoir enseigner dans le meilleur lycée du Royaume-Uni…

Les Profs 2 – Bande-annonce

 Fiche technique – Les Profs 2

France – 2015
Réalisation : Pierre-François Martin-Laval
Scénario : Pierre-François Marin-Laval et Mathias Gavarry, d’après la bande-dessinée de Pica et Erroc
Interprétation : Kev Adams (Boulard), Isabelle Nanty (Gadys), Didier Bourdon (Cutiro ‘Tirocu’), Pierre-François Martin-Laval (Antoine Polochon), Arnaud Ducret (Eric), Stefi Celma (Amina), Raymond Bouchard (Maurice), Fred Tousch (Albert)…
Date de sortie en salles : 1er juillet 2015
En Blu-ray/DVD depuis le : 2 novembre 2015
Durée : 1h32
Genre : Comédie
Image : Régis Blondeau
Décors : Franck Schwarz
Costumes : Eve-Marie Arnault
Montage : Thibaut Damade et Claire Fieschi
Musique : Matthieu Gonet
Budget : 16 M€
Producteur : Romain Rojtman
Productions : UGC, Les films du premier, TF1, TF1 Films Production, TF1 Droits Audiovisuels, Umedia, Canal +, Ciné +, TMC, Soficinéma 11 et Poisson Rouge Pictures
Distributeur : UGC Distribution

Alors que la franchise s’était totalement effacée de l’inconscient collectif et ce malgré un spin-off étonnement efficace (The Marked Ones), voici que Paranormal Activity revient hanter les salles en cette année 2015 avec un cinquième opus, sous-titré Ghost Dimension. L’occasion de faire oublier la publicité mensongère faite autour de la saga (« la plus effrayante du moment ») ? Le pitoyable Paranormal Activity 4 qui avait fait couler cette dernière ? De conclure sur la trame établie au fil des épisodes ? Cela mérite bien une critique pour répondre à ces interrogations !

Synopsis : Venant tout juste de s’installer dans leur nouvelle maison avec sa femme Emily et sa fille Leila, Ryan découvre dans leur garage un carton contenant des cassettes sur l’enfance de Katie et Kristi ainsi qu’une caméra spéciale pouvant détecter les choses invisibles à l’œil nu. En visionnant les vidéos, Ryan va prendre connaissance de ce qui est arrivé aux deux jeunes filles et comprendre qu’il se produit la même chose autour de la sienne…

Une suite n’ayant plus peur d’user d’artifices pour exister

Première chose ayant frappé les esprits quand les premières bandes-annonces sont apparues : l’utilisation de la 3D pour un film en found footage. Un concept certes ambitieux que semble ici mettre en avant la promotion du film en ne faisant que parler d’autres dimensions (le titre de l’opus, le scénario incluant une caméra spéciale…) mais qui, disons-le d’office, détruit à lui seul les fondements de ce style de mise en scène. En effet, le found footage, de base, avait été utilisé pour nous faire croire à l’authenticité d’un film, et même si celui-ci pouvait proposer une intrigue flirtant avec le fantastique (Cloverfield, Chronicle, Projet Almanac). C’est pour cela que le genre horrifique s’était vite lancé dans des projets de ce style (Le projet Blair Witch, [REC]), ce réalisme et l’implication du public engendrée par celui-ci aidant à créer des œuvres tendues et angoissantes. Mais en utilisant la 3D, à savoir des effets qui sortent de l’écran, le found footage perd ainsi toute crédibilité. Certes, il s’agit-là de jump scares pouvant se montrer efficaces sur le coup. Cependant, il est navrant de voir à quel point une saga est prête à tout et n’importe quoi pour envoyer valser ses idées premières pour tenter ce qu’elle n’a jamais réussi à faire : apeurer le spectateur. Et dans un film sans ambiance n’ayant que quelques moments de frayeurs à proposer, cela se présente comme un artifice tape-à-l’œil qui ne fonctionne jamais.

Et pour cause, avec ce cinquième opus, la franchise Paranormal Activity revient à ses principales carences qui en faisaient une saga du cinéma d’horreur mal aimée. Il est vrai que contrairement aux opus précédents, ce Ghost Dimension ne met pas une cinquantaine de minutes à démarrer, l’intrigue devenant pour le coup un peu plus captivante que la normale. Aidé qui plus est par des comédiens bien plus convaincants que les précédents. Devenant pour le coup l’un des épisodes les plus divertissements (même si cela reste un bien grand mot) de toute la franchise. Mais même si le film essaye de ne pas perdre notre attention en piochant des éléments scénaristiques à droite à gauche (les enregistrements vidéo à la Sinister, une porte vers une autre dimension à la Poltergeist…), il installe une monotonie malvenue à cause du retour des séquences en caméra « posée ». Celles où les protagonistes décident de surveiller leur maison de nuit pendant que tout le monde dort, et durant lesquelles il faut attendre que quelque chose se passe, parfois en vain. Ghost Dimension abuse de ses passages, perdants ainsi l’attention du public qu’il avait pourtant su capter au début à cause d’une inévitable monotonie.

Un cheminement chaotique vers un final qui tourne au grand n’importe quoi, tout simplement. Du haut de ses 10 millions de dollars, le long-métrage donne (enfin ?) un dénouement à son pénible fil conducteur via une histoire de partage de corps (un démon tentant de posséder quelqu’un pour apparaître dans le monde réel) et d’exorcisme à la Conjuring, le tout en se voulant spectaculaire. Et alors là, c’est une orgie aux effets spéciaux : maison qui tremble, meubles qui bougent dans tous les sens, apparitions démoniaques, personnages transpercés par une sorte de bras-tentacule… Ghost Dimension va même jusqu’à se permettre des délires en CGI pour aboutir à une dernière scène quelconque, semblable aux opus précédents, qui se présente telle une fin ouverte et le témoin d’une saga tournant irrémédiablement en rond. Un bazar monstre qui confirme l’effet donné avec l’utilisation de la 3D, à savoir que ce cinquième film n’a clairement plus rien de réaliste. Quelque part, cela donne une sorte de dynamisme à l’ensemble, tout en le faisant virer dans le grotesque pur et dur.

Si Ghost Dimension ne se révèle pas aussi ennuyeux que ses pairs, il reste néanmoins un Paranormal Activity dans l’âme.  La saga va-t-elle s’arrêter pour autant malgré un scénario stipulant que c’est bien la fin ? Le film ayant largement rentabilisé son budget (à 740%), il reste fort à parier que les producteurs ne vont pas s’arrêter là. Quitte à lui donner un reboot, vu que maintenant, il s’agit du seul prétexte pour que les studios puissent poursuivre une franchise en perdition ou faisant du surplace.

Paranormal Activity 5 : Ghost Dimension – Bande-annonce

Fiche technique – Paranormal Activity 5 : Ghost Dimension

Titre original : Paranormal Activity 5 : The Ghost Dimension
États-Unis – 2015
Réalisation : Gregory Plotkin
Scénario : Jason Pagan, Andrew Deutschman, Adam Robitel, Gavin Heffernan et Brantley Aufill, d’après les personnages créés par Oren Peli
Interprétation : Chris J. Murray (Ryan), Brit Shaw (Emily), Ivy George (Leila), Dan Gill (Mike), Olivia Taylor Dudley (Skyler), Chloe Csengery (Katie), Jessica Tyler Brown (Kristi), Don McManus (Kent)…
Date de sortie : 21 octobre 2015
Durée : 1h35
Genres : Horreur, épouvante
Image : John W. Rutland
Décors : Nathan Amondson
Costumes : Lisa Lovaas
Montage : Michel Aller
Musique : aucune
Budget : 10 M$
Producteurs : Jason Blum et Oren Peli
Productions : Paramount Pictures et Blumhouse Productions
Distributeur : Paramount Pictures

Fort d’une carrière jusque là émaillé par deux virées dans des genres ultra codifiés qu’il a réussi à subvertir par sa mise en scène (en atteste son Brasier de la Colère, drame social converti en revenge-movie), il semblait inévitable que le réalisateur Scott Cooper tâte du pied le monde de la criminalité et du gangstérisme, autant pour le vivier presque intarissable d’histoires confrontant l’humain à des choix moraux décisifs (en somme tout le crédo des Brasiers de la Colère), que pour son attrait maladif jusqu’ici porté sur ces grandes pages de l’histoire américaine.

Synopsis: James J. Bulger, alias « Whitey » Bulger, devint l’un des membres fondateurs du gang de Winter Hill de Boston dans les années 70. Son ascension dans le monde de la pègre fut aidée par John Connolly, un ami d’enfance devenu un agent du FBI.

Et le voilà donc à la manière de Michael Mann ou Martin Scorsese avant lui, à poser sa caméra sur l’épaule d’un gangster dans la plus pure tradition du genre – boule de nerfs, violence accrue et démarche imposante-, ayant sévi dans les faubourgs de Boston et rapidement devenue figure inconditionnelle de la criminalité US : James « Whitey »Bulger. 

Si à première vue, l’entreprise peut se révéler être casse-gueule, au vu des codes archi balisés déjà posés par le genre, Cooper ne semble curieusement pas s’en faire.
Ouverture sombre, titre dévoilé progressivement, musique angoissante, le début de Strictly Criminel laisse déjà transparaitre toute l’ambition du réalisateur, celle de vouloir éviter à tout prix de sombrer dans le récit rise and fall, systématique du film de gangster, pour au final composer avec les codes d’un genre de film, que l’on attendait peu à voir transposé dans la vie d’un gangster redouté : ceux du film d’horreur.

Le Monstre Bulger.

Ou plus précisément, du film de monstre. Car la plus grande idée déployée à l’écran est de constamment ramener à l’idée que Bulger, aidé par une mise en scène qui le transforme en être fantomatique, et dont l’aura plane jusque sur tous les pores du film, est un monstre.
Monstre de violence (en atteste une mort violente curieusement hors champ) d’avidité, et d’ingéniosité, Bulger est surtout un monstre par sa dimension physique. Yeux bleus perçants, crâne dégarni, chicots jaunis, et voix suave quasi gutturale, Bulger incarne autant un monstre au pouvoir dévastateur lorsque mise devant la caméra, que ce fantôme, cette masse noire (faisant directement référence au titre original) inspirant la crainte et la peur, lorsque absent du score de Cooper. Tel un trou noir attirant en son centre les relents de bon en chaque homme, Johnny Depp campe en définitive un personnage à la fois effrayant, mais dont la nature, badass à souhait finit de charmer le spectateur, qui se révélera peut être un penchant inavoué pour la violence poisseuse et directe. C’est d’autant plus frappant que plus le film avance, et plus cette humanité, et cette morale jusque là ardemment défendue par le réalisateur et retranscrite à l’écran par les acteurs Benedict Cumberbatch (jouant un sénateur et accessoirement le frère de Depp) et Joel Edgerton (agent du FBI et ami d’enfance de Bulger), se retrouve pervertie par l’aura menaçante de Depp, un peu comme si le personnage phagocytait par sa seule présence à la fois l’intrigue principale et les principaux développements psychologiques des personnages.

Un bandit qui vampirise l’écran

Et il faut le comprendre. S’ouvrant par les confessions à la police de tous ses hommes de main et seconds, Bulger inspire la crainte. Omniprésent dans le film, puisque jouant sur le procédé autosuggestif de la mise en scène de Cooper, Depp est de tous les plans. Une prépondérance qui au fur et à mesure du déroulé du film atteint ses limites, quitte à faire naître le premier gros défaut du métrage. Car en se focalisant essentiellement sur le personnage, ses tourments et sa violence sans limite, le film en vient à délaisser tout le reste. Enchainant les apparitions fugaces de personnages portés bien haut par des grosses pointures (Kevin Bacon, Corey Stoll, Jesse Plemmons, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Dakota Johnson) et peu aidé par une mise en scène classique ne faisant qu’affirmer le vampirisme dégagé par Depp, le scénario vient à s’enliser dans un récit somme toute binaire voyant le criminel prospérer dans ses activités criminelles et la police et le FBI, dupés par ce génie criminel, essayant tant bien que mal de le coincer dans un jeu du chat et de la souris intense, mais terriblement pesant.

Parti-pris de mise en scène, ou rythme défaillant, difficile à dire, mais cet essai qu’a tenté Cooper d’apposer sa marque sur le genre semble à la fois ingénieuse, mais aussi terriblement datée. N’est pas Scorsese qui veut. Mais ce serait injuste de réprimer cet essai sur cette seule lenteur, quand bien même le film prend le pari d’exister dans l’ombre de ses modèles tout en s’affranchissant de leur style et en proposant un style qui lui est propre, entre une photographie maitrisée, et une direction artistique de toute beauté, sachant à l’instar de la French ou The French Connection, rendre grâce à l’âge d’or de la criminalité américaine. Et rien que pour ça, Strictly Criminal vaut le coup d’œil, car réussir à troquer et affirmer les valeurs, la loyauté et le respect en porte étendard d’un gang gangrené par la violence, il fallait oser.

Strictly Criminel: Bande-annonce

Strictly Criminal: Fiche Technique

Titre original : Black Mass
Titre français : Strictly Criminal
Réalisateur : Scott Cooper
Scénario : Scott Cooper, d’après le livre Black Mass: The True Story of an Unholy Alliance Between the FBI and the Irish Mob de Dick Lehr et Gerard O’Neill
Distribution: Johnny Depp, Kevin Bacon, Benedict Cumberbatch, Joel Edgerton
Direction artistique : Jeremy Woodward
Décors : Stefania Cella
Costumes : Kasia Walicka-Maimone
Photographie : Masanobu Takayanagi
Montage : David Rosenbloom
Musique : Junkie XL
Production : Scott Cooper, Brett Granstaff, Brian Olivier, Tyler Thompson, Patrick McCormick, Brett Ratner, John Lesher et Christi Dembrowski
Producteurs délégués : Gary Granstaff, Phil Hunt, Compton Ross et Lauren Selig
Sociétés de production : Cross Creek Pictures et Exclusive Media Group
Société de distribution : Warner Bros., Warner Bros. France (France)
Budget : 53 millions de dollars1
Pays d’origine : États-Unis
Langue originale : anglais
Genre : film de gangsters, thriller, drame