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Inspiré du roman de 1880 de la suisse allemande Johanna Spyri, Heidi a été maintes fois adapté mais jamais à un tel niveau d’esthétisme. Certes, ce classique de la littérature de jeunesse n’avait encore jamais été produit sur grand écran mais le résultat est d’une grande qualité visuelle et scénique.

Synopsis : Abandonnée par sa tante à son grand-père qui vit seul dans les Alpes Suisses, Heidi apprivoise vite le vieux monsieur et s’épanouit dans cette vie libre et sauvage aux côtés de son ami Peter. Bientôt, la petite fille est forcée de retourner à la civilisation et placée dans une famille bourgeoise à Francfort où sévit une gouvernante des plus autoritaires. Là-bas, elle se liera d’amitié à une jeune fille handicapée, Clara, mais peut-on vivre heureux loin de la nature ?

Une caméra mobile, vibrante, vivante presque, suit tour à tour Heidi, Grand-Père ou Peter, en alternant des plans rapprochés et intimes et d’autres plans plus larges des paysages. Dans les verts pâturages ou chez le grand-père, les couleurs sont toujours éclatantes et chatoyantes, jusque dans les scènes d’intérieur où filtrent des lueurs qui figurent la liberté et le bonheur de la fillette. Au travers d’une image impeccable et lumineuse, on découvre une montagne luxuriante en même temps que la petite Heidi, guide touristique au sourire éclatant et véritable bouffée d’oxygène. Il faut dire que la jeune actrice, Anuk Steffen, est parfaite dans ce rôle qu’elle interprète avec délicatesse et fraîcheur. 

Heidi, un film visuel :

Le réalisateur primé de Rose et Le Petit Fantôme est un habitué des adaptations de livres pour enfants et c’est avec une profonde sensibilité qu’il filme des plans serrés sur les visages des protagonistes, fixant les émotions, photographiant un récit presque muet où les images parlent d’elles-mêmes. Dans la première partie du film, les dialogues sont réduits à leur strict minimum, donnant une dimension intelligible à l’image. Grand-Père n’est pas très bavard, c’est le moins qu’on puisse dire, il n’est même pas nommé dans le film : il s’appelle Grand-Père, point. Heidi et Peter parlent peu aussi mais dans l’abondance de cette nature, nul besoin de mots tant les visages, les regards, les cadrages et les teintes en disent long. Les couleurs et la lumière suffisent à signifier la joie au paradis alpin, quelles que soient les saisons. Les paysages de montagne sont clairs et purs autant que la nature est incorruptible. De même, les tons sombres suggèrent la maladie ou la pauvreté comme dans la maison de Peter ou dans celle de Clara.

Dès la deuxième partie, la photo s’assombrit et se ternit, comme voilée, tandis que les dialogues, eux, se multiplient. Heidi est désormais prisonnière de la ville de Francfort enveloppée d’une fumée grisâtre, piégée au sein de cette maison calfeutrée de rideaux épais, et prisonnière de la bienséance, du savoir et du langage. Aussi, lorsque la gouvernante se lance dans son long monologue éducatif, la seule fuite possible pour Heidi est de s’endormir ! Et c’est ce qu’elle fera chaque nuit en s’évadant dans ses rêves, dans la peau d’un aigle royal. Car Heidi est un film visuel avant tout où la parole est presque néfaste et porteuse de calomnies comme ces rumeurs qui courent sur Grand-Père ou les mensonges proférés par la tante. Et le vieil homme de conseiller ainsi à Heidi de « regarder » pour voir la vérité.Si la parole est malfaisante, c’est dans le silence et les gestes que Heidi trouve le vrai réconfort et elle aura tôt fait d’apprendre les rudiments de cette vie rustique et minimaliste à Clara. Le langage semble donc inutile au pays des plaisirs simples mais la lecture (taxée de futilité par Peter) s’avérera salvatrice au cœur de la civilisation. En prime, on assiste avec respect et assentiment à une belle leçon de pédagogie de la part de la grand-mère de Clara. Finalement, Heidi choisira le langage écrit au langage oral pour retranscrire ce monde visuel qui l’entoure. Une fin peut-être un peu facile et expéditive au regard de ce film habile et harmonieux tant dans ses images que dans son jeu.

Heidi : Bande-annonce officielle

Fiche Technique : Heidi

Family Entertainment – Sortie nationale le 10 février 2016
Origine : Allemagne / Suisse 2014, 111 minutes
Casting : Bruno Ganz, Katharina Schüttler, Maxim Mehmet, Hannelore Hoger, anuk Steffen, Quirin Agrippi, Isabelle Ottmann
Réalisateur : Alain Gsponer
Scénario : Petra Volpe Biondina
Compositeur : Niki Reiser
Producteurs : Reto Schärli, Lukas Hobi, Uli Putz, Jakob Claussen
Coproducteurs : Rodolphe Buet, Kalle Fritz, Isabel Hund, Urs Fitze
Producteur exécutif : Jens Oberwetter
Directeur de la photographie : Matthias Fleischer
Chef monteur : Michael Schaerer
Chef décorateur : Christian M. Goldbeck
Directrices du casting : Corinna Glaus, Daniela Tolkien
Directeurs de production : Sofie Scherz, Claude Witz
Ingénieur du son : Sebastian Schmidt
Mixage : Marco Teufen, Olaf Mehl
Costumes : Anke Winckler
Coiffure, maquillage : Georg Korpas, Juliane Hübner
Distributeur France (Sortie en salle) : StudioCanal
Caméra : Matthias Fleischer
production : Zodiac Pictures, Claussen + Putz Filmproduktion
Coproduction : StudioCanal, Schweizer Radio und Fernsehen, Teleclub AG
Format : numérique / 2.35: 1 (Cinémascope)
Son : Dolby Digital

The Danish girl est l’attraction cinématographique du moment (13 nominations dont 4 aux oscars). Adapté du roman éponyme de David Ebershoff, lui même inspiré du journal rédigé par la première femme à avoir subi une chirurgie de réattribution sexuelle, le film se veut un biopic de Lili Elbe née Einar Wegener, pionnière transsexuelle dans les années 20.

Synopsis : The Danish Girl retrace la remarquable histoire d’amour de Gerda Wegener et Lili Elbe, née Einar Wegener, l’artiste danoise connue comme la première personne à avoir subi une chirurgie de réattribution sexuelle en 1930. Le mariage et le travail de Lili et Gerda évoluent alors qu’ils s’embarquent sur les territoires encore inconnus du transgenre.

La récente réception de ce film a été, comme toujours, accompagnée de nombreux reproches. Beaucoup le considère comme un mélodrame trop sirupeux et taillé pour les oscars. Et ce à raison, car tout semble l’indiquer. En effet, le thème est à la mode (on aura vu récemment sortir le superbe Laurence anyways de Xavier Dolan, le plus fade Une nouvelle amie de François Ozon, et dans l’actualité, les changements de sexe de Lana Wachowski ou Caitlyn Jenner par exemple), le réalisateur l’est aussi (Tom Hooper déjà oscarisé avec Le discours d’un roi, et connu pour ses productions très académiques), Eddie Redmayne semble être quant à lui le nouvel acteur à la mode, oscarisé l’an dernier pour son interprétation sensible de Stephan Hawkins dans Une merveilleuse histoire du temps. Alexandre Desplat à la musique (et à la partition musicale très lancinante) et Danny Cohen à la photographie complètent cette équipe composée sur mesure pour rafler un maximum de statuettes.

Cependant, le film évite tous les travers que ce genre de production peut engendrer. On n’y retrouve ni les défauts des biopics souvent trop lisses, ni le pathos excessif des œuvres académiques. Et ainsi, le film se révèle incroyablement juste et d’une finesse rare, une ode poignante et engagée pour la différence, un récit sensible et poétique sur une romance aussi tragique qu’enivrante. Tom Hooper utilise son intelligence émotionnelle et la met au service de cette merveilleuse histoire avec délicatesse et sensibilité.

Einar Wegener est un peintre reconnu et exposé qui reçoit les louanges d’un univers mondain où il ne se sent pas très à l’aise. Discret et délicat, l’homme a épousé Gerda, charmée par sa sensibilité. La complicité du couple s’impose alors. La femme se révèle être indépendante et tient à forger sa propre place dans un microcosme artistique peu ouvert au travail des femmes. Tom Hooper nourrit l’approche en se concentrant sur l’interaction entre Einar et Gerda, à l’instar de leurs échanges de regard ou de leur présence corporelle au sein du cadre. L’intimité apparaît être le maître mot.

Gerda assiste impuissante à la transformation de son mari, entre lutte, culpabilité, incompréhension et résignation, le spectateur assiste avec émotion à la dévotion de cette femme pour son époux, qui a la sagesse de comprendre que ce dernier n’est pas face à un choix, mais sombre vers une fatalité. Elle l’accompagnera jusqu’au bout, en faisant fi de ses propres sentiments, et démontrant ainsi une abnégation sans faille, et on ne peut plus touchante.

Le film distille ce qu’il faut de troubles, d’émotions et de beauté (notamment la scène, magnifique, où Einar reproduit les gestes d’une fille de joie derrière une vitre, symbole du peu de distance qu’il y a entre lui et elle, entre lui et la femme qui vit dans son corps masculin) pour ne jamais tomber ni dans le sensationnel ni dans le complaisant qu’un sujet pareil pouvait susciter, mais au contraire offrir un bel écrin à ces deux-là, unis dans leur amour et le tumulte de leur existence.

La performance remarquable d’Eddie Redmayne n‘empêche pas le spectateur de trouver le personnage de Lili/Einar assez antipathique par moments. Elle/il est effroyablement égocentrique; alors certes elle/il se bat pour retrouver sa propre identité, le film met l’accent sur la compréhensible détresse de son épouse, qui elle aussi subit énormément ce changement, tandis que Lili ne semble pas vraiment s’en soucier. S’ensuit alors un attachement plus fort au personnage de Gerda, qui est peut être la fameuse Danish Girl au final, ouverte et éprise d’un amour si fou pour Einar qu’elle ne met que peu de temps à accepter Lili comme étant sa remplaçante. En cela, le film a l’audace de dessiner une relation ambiguë, peu conventionnelle et poussant à remettre en perspective la conception même d’une relation amoureuse. Il consacre une véritable transcendance de l’amour par delà les frontières du sexe.

Peinture vivante d’un pionnier assumant sa transidentité sous forme de fresque romanesque à la sensibilité renversante et esthétiquement soignée (des costumes aux décors d’époque), le film réussit par ailleurs un pari risqué. Pour donner résonance au métier des deux protagonistes et à leur amour pour la toile, Hooper voulait que ses images ressemblent à des tableaux. En effet, inspiré des peintures de Hammershoi, un peintre danois, Hooper est allé jusqu’à recréer une réplique de l’appartement de ce dernier et Danny Cohen, en jouant sur les éclairages et le cadrage, a donné vie aux tableaux d’Hammershoi a travers les plans de Danish girl en capturant la douceur incroyable des longues soirées d’été du nord et la coloration singulière, un gris bleu sourd qui représente l’univers très austère dans lequel Einar vit, n’est pas sa place et duquel Lili a besoin de s’échapper.

Les performances des deux acteurs, en lice tous deux pour les oscars d’interprétation, sont remarquables. Ils incarnent les rôles avec justesse et une grande sensibilité. Eddie Redmayne semble bien parti dans la lignée de Tom Hanks oscarisé en 1993 pour Philadelphia puis en 1994 pour Forrest Gump ainsi que pour perpétuer la malédiction Léonardo DiCaprio. Quant à Alicia Vikander, elle se place comme une voleuse de vedette en puissance tant son interprétation tout en émotions est notable.

The Danish Girl, peut-être le grand gagnant de la cérémonie des Oscars 2016 ?

En outre, en cette année 2016, le film est un bel hommage au chanteur David Bowie qui a fait partie de ceux qui ont milité pour l’acceptation des transgenres dans la société.

The Danish Girl: Fiche technique

Réalisation : Tom Hooper
Scénario : Lucinda Coxon d’après « The Danish girl » de David Ebershoff
Interprétation: Eddie Redmayne (Einar Wegener / Lili Elbe), Alicia Vikander (Gerda Wegener), Ben Whishaw (Henrik), Amber Heard (Ulla Paulson), Sebastian Koch (Dr Warnekros), Matthias Schoenaerts (Hans Axgil), Adrian Schiller (Rasmussen), Emerald Fennell (Elsa), Henry Pettigrew (Niels)…
Direction artistique : Grant Armstrong
Décors : Eve Stewart
Costumes : Paco Delgado
Photographie : Danny Cohen
Montage : Mélanie Oliver
Musique : Alexandre Desplat
Producteur(s): Tim Bevan, Eric Fellner, Anne Harrison, Tom Hooper, Gail Mutrux
Production: Working Title, Pretty Pictures
Pays d’origine : États-Unis, Royaume-Uni et Allemagne
Langue : Anglais
Durée : 120 minutes
Distributeur: Universal Pictures International France
Récompenses : Oscar 2016 de la meilleure actrice dans un rôle secondaire pour Alicia Vikander
Date de sortie: 20 janvier 2016
Durée: 2h
Genre : Drame, Biopic

Auteur : Clement Faure

Il y a de ça à peine plus de dix ans, Frédéric Schoendoerffer était considéré comme un réalisateur innovant participant à un prétendu « renouveau du polar français », qui   avait pour tête de file Olivier Marchal et faisait suite à une néfaste décennie pendant laquelle la notion de « polar français » se limitait aux séries Julie Lescaut et Navarro.

Synopsis : Un groupe de 7 malfrats français se répartissent entre quatre voitures pour organiser un go fast afin de transporter 1,3 tonne de résine de cannabis entre Malaga, au sud de l’Espagne, et Creil, en région parisienne. Malheureusement pour la petite équipe,  le voyage ne va pas se passer comme prévu.

En réalisant deux thrillers inaboutis mais plus réalistes que ses contemporains (Scènes de crimes en 2000 et Agents secrets en 2004), Schoendoerffer s’est imposé comme un cinéaste à suivre, mais les choix douteux (donner un rôle ambigu à Eric Cantonna, quelle idée !) qui ont suivi lui firent rapidement perdre beaucoup en crédibilité. A l’occasion de son sixième film, il se penche sur le phénomène des go fast, ces convois véhiculés de drogue à travers l’Europe que l’ouverture des frontières ont rendus si peu risqués, auquel le belge Olivier Van Hoofstadt avait déjà consacré un film, sobrement intitulé Go fast,  en 2007. En prenant le parti-pris de se concentrer sur les chauffeurs plutôt que sur les policiers à leur recherche, le scénario s’offrait l’opportunité de développer les enjeux de l’organisation de ces trafics. Toutefois, la narration ira se concentrer sur le voyage en berline sans prendre le temps de chercher à en comprendre les mécanismes, les tenants et les aboutissants. Ne restent donc que des scènes filmées depuis les habitacles des bolides, ce genre de scènes où l’importance des dialogues doit tenir la route, ce que n’arrive assurément pas à garantir l’écriture de Schoendoerffer.

Au vu du temps que le scénario nous fait passer avec eux, la caractérisation ultra-caricaturale des sept personnages est certainement l’élément le plus répulsif de ce Convoi. Entre le petit nouveau un peu naïf (Madi Belem), le dur à cuire au sang chaud (Tewfik Jallab), la tchatcheur imbu de sa personne (Léon Garel) et la belle-gueule mutique qui suinte la coolitude (Benoit Magimel), le réalisateur semble avoir convoqué tous les poncifs les plus surexploités du genre –autant du film de gangster que du western– en les doublant d’une imagerie malséante du petit banditisme vu par un œil extérieur bien-pensant (la plupart d’entre eux sont musulmans avec tous les clichés qui vont avec… à vous de juger), la petite brochette de hors-la-loi au cœur de cette fiction sent le réchauffé et n’arrive pas à convaincre. Si encore leurs conversations réussissaient à capter quelque chose d’original dans leur psychologie ou à creuser une part sociologique dans leurs motivations… mais il n’y a définitivement rien à trouver de ce côté-là, tant chaque ligne de dialogue ne fait que creuser plus encore leur insupportable crétinerie. Difficile dès lors de reprocher aux jeunes comédiens leur interprétation dépersonnalisée tant leurs rôles sont creux et la direction d’acteurs semble paresseuse. Le huitième personnage, la seule femme du casting, est sans conteste le seul auquel il soit possible de s’attacher. Non pas que Reem Kherici livre une prestation qui élèverait le niveau, mais son rôle de victime d’une prise d’otage (sur les routes espagnoles, les bandits français tombent en toute logique sur une française !) la rend moins antipathique que tous les stéréotypes de malfrats.

La façon dont le suspense démarre doucement jusqu’à cette fameuse prise d’otage peut laisser présager un rythme soutenu, d’où la déception de voir la tension redescendre dans cette ennuyeuse série de dialogues crétins. Il faudra alors attendre le dernier quart d’heure du film pour qu’un semblant de course-poursuite démarre enfin, qu’une once d’ambivalence se révèle dans les liens entre les personnages, et qu’enfin le tout s’achève dans une fusillade particulièrement illisible. Qu’il s’agisse de la trahison de l’un des truands ou de la prise d’otage qui se transforme en syndrome de Stockholm, rien dans cette résolution n’a de quoi surprendre. Ni un film d’action nerveux ni un thriller haletant, Le Convoi n’est décidément rien qu’une de ces trop nombreuses séries B incapable de répondre à ses ambitions. La mauvaise maitrise des courses de voitures rend le concept même du film laborieux à se mettre en place, et le seul parti-pris formel qu’est l’idée de calquer à ses images les filtres jaunes du Traffic de Soderberg n’est pas non plus quelque chose d’assez innovant ni justifié pour donner au résultat final une quelconque légitimité artistique.

Malgré l’intention louable qui anime Frédéric Schoendoerffer de revigorer le cinéma de genre français, sa façon d’aller piocher dans ses modèles américains des éléments déjà mille fois vus sans savoir en faire autre chose que des caricatures de mauvais goût empêche à sa réalisation de s’affranchir. Le seul effet de vitesse que l’on retiendra du Convoi sera celle à laquelle le film se fera oublier.

Le convoi – Bande annonce:

Le convoi – Fiche technique:

Date de sortie : 20 janvier 2016
Réalisateur : Frédéric Schoendoerffer
Interprétation : Benoît Magimel, Reem Kherici, Tewfik Jallab, Madi Belem, Léon Garel, Amir El Kacem…
Scénario : Yann Brion, Frédéric Schoendoerffer
Musique : Thibault Quillet
Montage : Sophie Fourdrinoy
Photographie : Vincent Gallot
Costumes : Claire Lacaze
Producteurs : Eric Névé
Maison de production : Orange Studio, Cinéfrance 1888
Distributeur : Paramount Pictures France
Durée : 102 minutes
Genre : Thriller, action

Chorus n’est pas un film facile à appréhender. Caractérisé par un montage alterné qui de plus ne respecte pas la linéarité chronologique, on ne sait pas par quel bout le prendre, et pourtant il capte notre regard dès le premier plan.

Synopsis: Le jour où leur fils a disparu, un après-midi après l’école, la vie d’Irène et Christophe s’est brisée. Chacun de son côté a survécu à sa façon, lui au Mexique, elle en reprenant sa carrière au sein d’une chorale. Dix ans après, un appel de la police les amène à se retrouver…

Lovely Bones

C’est un film taiseux. Cependant, il commence par le plan d’un homme qui se met à table, un détenu qui visiblement n’a pas fini de déballer tous ses crimes et qui raconte le début de ce qui semble être un crime perpétré sur un enfant. L’homme, à la voix douce et au physique débonnaire, affiche un calme qui contraste avec la violence doucereuse de ce qu’il raconte, et la scène fait froid dans le dos. Un récit dont on suivra le difficile épilogue plus loin dans le film. Dans le plan suivant  on voit un homme, le visage très fermé, marchant seul au bord de la mer ; on apprendra qu’il s’agit d’un rivage mexicain, et on comprend soudain pourquoi le film nous a fait penser au récent El Club du chilien Pablo Larraín. Puis la caméra de nouveau bifurque vers le Canada et s’attarde longuement sur un groupe de chanteurs dans une église, en train d’enregistrer une polyphonie médiévale, une mélopée belle mais infiniment triste.

Le prisonnier, c’est Jean-Pierre, un homme qui vient d’avouer l’assassinat du jeune Hugo qui a disparu une dizaine d’années auparavant. Au bord de la mer, c’est Christophe (Sébastien Ricard), le père de Hugo, et dans le chœur à l’église, Irène (Fanny Mallette), sa mère. Les évènements ont eu raison de ce couple qui s’est fracturé après la disparition de l’enfant.

Le québécois François Delisle raconte un moment précis de leur histoire : celui où, à la suite des révélations de Jean-Pierre, le couple a la confirmation de la mort de leur fils, après dix ans d’espoir et de désespoir. Le moment précis où ils accusent la perte, celui où ils ne peuvent plus se raccrocher que l’un à l’autre, ou au mieux, à eux-mêmes . Christophe et Irène se sont donc éloignés, faute sans doute de trouver les mots qui pourraient consoler l’autre, par crainte peut-être également de l’accabler de son propre chagrin. C’est tout cela que François Delisle réussit à montrer à travers sa mise en scène qui laisse aux sentiments tout le temps de s’exprimer, et ici les sentiments sont essentiellement submergés par la douleur. Le cinéaste en montre les symptômes par de petites touches fulgurantes, comme dans cette scène où l’amour se termine dans un torrent de larmes qui laisse l’autre partenaire pantois, ou cette autre scène où la vue d’un nouveau-né déclenche une détresse infinie… il montre les ravages de cette perte et de cette douleur au travers des relations tendues ou au contraire trop distendues que Christophe et Irène ont respectivement avec leur père (Pierre Curzi) et mère (Geneviève Bujold), les victimes collatérales de ce drame familial.

Le réalisateur, qui est également à l’écriture, à la photo et au montage, a choisi le noir et blanc, ou plus exactement le gris pour donner le ton de ce film grave et triste. Il avoue avoir été inspiré par les photographies de l’américain Mark Steinmetz pour les nuances de Chorus. Et même quand les deux protagonistes sont dans une phase d’accalmie, dans une tentative de paix intérieure, l’un au contact de la mer, l’autre dans l’exercice du chant, la tonalité du film est toujours très sombre, pour rappeler sans cesse au spectateur qu’il ne s’agit là que d’un répit passager, et que « chaque jour qui passe creuse le trou » comme dit Irène à sa mère désemparée…

Et pourtant, alors que Chorus ne parle que des émotions, expurgeant au maximum les contingents de la vie quotidienne pour ne laisser à vif que les blessures des personnages, il arrive difficilement à nous émouvoir. Le manque de consistance du film n’est pas vraiment en cause, puisque d’emblée, on sait que l’intrigue est mince et importe peu. Ce qui gêne, c’est la construction plutôt désincarnée du film. Ainsi, par exemple, l’utilisation des dialogues intérieurs en voix-off : en plus de trop surligner le jeu des deux acteurs qui n’en a vraiment pas besoin, ces dialogues très stylisés donnent un caractère trop cérébral au film, et pas suffisamment de corps à la relation des deux personnages qui sont pourtant atteints dans leur chair, au plus profond de leur corps par l’absence physique de ce fils devenu presque « imaginaire » pour son père Christophe. On observe aussi une certaine distance que le cinéaste semble prendre avec son propre sujet. Du coup, ce qui au départ est un minimalisme plutôt louable devient de la froideur, empêchant l’émotion de s’installer.

Racontant davantage la douleur que le deuil, Chorus est malheureusement comme écrasé par sa forme pour que l’émotion puisse s’épanouir pleinement. Malgré un jeu très intense de la part de Sébastien Ricard et surtout de Fanny Mallette, le spectateur reste sur sa faim, tant le film était porteur de promesses. Dans un genre similaire, où l’héroïne est également à la recherche d’une réponse par rapport à sa mère disparue, où le choix du cinéaste a également été ce noir et blanc à dominance de gris, et où le minimalisme était également le vecteur utilisé, Ida, le film du polonais Pawel Pawlikowski a été autrement plus bouleversant, car moins apprêté.

Chorus – Bande annonce

Chorus – Fiche technique

Titre original : Chorus
Date de sortie : 20 Janvier 2016
Réalisateur : François Delisle
Nationalité : Canada
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 97 min.
Scénario : François Delisle
Interprétation :   Sébastien Ricard (Christophe), Fanny Mallette (Irène), Geneviève Bujold (Gabrielle), Pierre Curzi (Jérôme), Antoine L’Écuyer (Antonin), Luc Senay (Jean-Pierre Blake), Didier Lucien (Hervé Laroche)
Musique : –
Photographie : François Delisle
Montage : François Delisle
Producteurs : François Delisle, Maxime Bernard
Maisons de production : Films 53/12
Distribution (France) : UFO Distribution
Récompenses : Grand prix pour François Delisle au Fünf Seen Film Festival, Grand prix pour François Delisle au Indianapolis International Film Festival
Budget : –

Les Chevaliers Blancs est inspiré de l’histoire de l’association humanitaire L’arche de Zoé, qui a fait la une de l’actualité en octobre 2007, lorsque tous les participants de l’opération se sont faits arrêtés par les forces de l’ordre tchadiennes alors qu’ils s’apprêtaient à emmener plus d’une centaine d’enfants, supposés orphelins, en Europe, par avion.

Synopsis : Jacques Arnault, président de l’ONG « Move for Kids », prépare une action humanitaire coup de poing dans un pays d’Afrique : l’évacuation de 300 orphelins en bas âge, victimes de la guerre civile. Un avion spécialement affrété les emmènera en France, où les attendent les parents candidats à l’adoption qui ont financé l’opération. Entouré d’une équipe de volontaires ainsi que de Laura sa compagne, et de Françoise, la journaliste qui doit couvrir l’expédition, Jacques va lancer son ONG dans une aventure extrême…

Aide, mensonges et idéaux.

Certains voyaient en cette opération une « philosophie néocolonialiste », alors que d’autres y voyaient une chance pour les enfants de se sortir d’un contexte social et culturel compliqué. Les participants et les instigateurs de l’opération furent jugés, emprisonnés puis relâchés. En 2013, un nouveau procès fut ouvert et le président de l’association ainsi que sa compagne furent condamnés à de la prison ferme tandis que les autres participants furent condamnés à de la prison avec sursis.

Pour son cinquième long-métrage, Joachim Lafosse met donc la main et ressuscite un fait divers très intéressant ayant passionné les foules. Vient très vite la question : comment traiter ce sujet en étant le plus fidèle à la réalité ?
L’opération de L’arche de Zoé, devenue Move for Kids dans le film, reposait sur de nombreux mensonges et sur des réalités que les membres se devaient de maintenir dans l’ombre. Ainsi, toute la lumière n’a pas été faite sur l’affaire, et Joachim Lafosse livre pourtant un film prenant, dans lequel chaque acte devient satisfaction personnelle du chef du projet (Vincent Lindon).
Durant toute l’œuvre, le spectateur est pourvu d’un point de vue omniscient. Il sait tout, parvient à déceler les mensonges de chacun et devine les impacts qu’auront chacune des décisions sur les devenirs des protagonistes. Ainsi s’installe une tension qui ne fera que s’accroître durant le film. Parviendront-ils à achever leur coup ? Le rapatriement se fera-t-il en bonne et due forme ? Tant d’interrogations auxquelles seules les dernières minutes répondent.

Mais si Joachim Lafosse parvient à rendre son récit authentique, c’est grâce à un parti pris esthétique défini. En effet, à la manière d’un documentaire, Jean-François Hensgens (photographe du film) filme les acteurs en caméra à l’épaule. Mouvante dans les affrontements, statique dans les moments de réflexion et de réunion, l’image se greffe au propos afin de mettre en lumière les différents jeux d’acteur et de faire vivre les personnages. Alternant entre plans serrés, plans rapprochés ou plans plus larges, on découvre des émotions et des expressions qui définissent chacun d’eux. Le visage marqué de Vincent Lindon prouvera sa fatigue, mais son souhait de réussir, alors que le visage de Louise Bourgoin laissera entrevoir une femme agacée par la situation, tendue, et qui ne sait où réellement se mettre.

Toutefois, le rythme du film est irrégulier, à la manière du quotidien des missionnaires au Tchad. Le schéma narratif du film s’avère bien simple : visite dans les villages, retour au centre, et cela continuellement. Certes, il y a des rebondissements (arrivées d’enfants) ou des plans magnifiques en avion, utilisés à la manière de raccords, mais le récit déconstruit et alternant dans les temporalités fait perdre pieds aux spectateurs qui n’a plus idée du nombre de jours écoulés depuis l’arrivée de l’équipe au Tchad, ce qui empêche une part d’empathie pour les personnages, ne sachant pas leur degré de réussite en vue du retour en France.

Il fallait un casting à la hauteur de l’évènement, et Joachim Lafosse parvient à très bien s’entourer. Une fois de plus, dans la continuité de La loi du marché, Vincent Lindon s’avère extraordinaire. Rythmant son jeu de coups de gueule, montées d’adrénaline ou moments de compassion, l’acteur captive et crédibilise son personnage par un naturel de jeu dont lui seul a le secret. Mais L’arche de Zoé, c’était avant tout une équipe. Ainsi, les seconds rôles, que l’on qualifie à contre cœur de la sorte tant ils sont omniprésents, sont également bien vivants, avec une mention spéciale pour Valérie Donzelli, incarnant Françoise, reporter chargée de filmer les actes héroïques et les faits chevaleresques des membres de l’association, mais qui s’avère être un personnage ambigu, tantôt impliqué, tantôt en retrait. Bintou Rimtobaye, traductrice tchadienne de l’opération, est également une belle découverte. Par son naturel et sa carrure, elle renvoie une image de femme puissante et sûre d’elle, qui s’avèrera avoir un rôle déterminant dans l’affaire.
Toutefois, la présence de Louise Bourgoin n’est que superficielle, son personnage, Laura, n’étant en rien développé ou essentiel au récit. Par bribes d’informations, on comprend sa relation avec Vincent Lindon, qu’ils sont en couple et qu’ils sont venus au Tchad suite à une décision commune. Le manque de détails et suscite l’interrogation sur cette dernière.
Suivent Reda Kateb, Philippe Rebbot ou Stéphane Bissot, qui emplissent parfaitement les rôles qui leur sont attribués.

Joachim Lafosse s’empare du fait divers de L’arche de Zoé d’une belle manière, grâce à des acteurs plus que concluants. Même si les évènements narratifs sont un peu redondants, Les Chevaliers blancs se présente comme une belle réussite du réalisateur et du cinéma français en ce début d’année.

Les chevaliers blancs : Bande-annonce

Fiche technique : Les chevaliers blancs

Date de sortie : 20 janvier 2016
Réalisateur : Joachim Lafosse
Interprétation : Vincent Lindon, Louise Bourgoin, Valérie Donzelli, Reda Kateb, Jean-Henri Compère, Bintou Rimtobaye, Stéphane Bissot, Philippe Rebbot…
Scénario : Joachim Lafosse, Bulle Decarpentries, Thomas Van Zuylen
Musique : Sascha Ring
Montage : Sophie Vercruysse
Photographie : Jean-François Hensgens
Costumes : Pascaline Chavanne
Producteurs : Sylvie Pialat, Jacques-Henri Bronckart, Olivier Bronckart
Maison de production : Versus Production, Les Films du Worso, France 3 Cinéma, BNP Paribas Film Fund, Le Pacte, Prime Time, RTBF
Distributeur : Le Pacte
Durée : 112 minutes
Genre : Drame