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Muni d’une pré-production assez chaotique qui connut passation de droits, changement de réalisateur et d’acteurs, devant être initialement dirigé par David Fincher et incarné par Christian Bale, le film connut presque 4 années de difficultés avant de pouvoir enfin voir le jour.

Synopsis : Découpé en trois parties se déroulant dans les minutes précédant les lancements médiatiques respectifs du Macintosh 128K, du NeXT Computer et de l’iMac, le film imagine – essentiellement par des dialogues – les discussions et conflits que Steve Jobs (Michael Fassbender) a eus avec ses proches dans ces moments-clé, en particulier avec Joanna Hoffman (Kate Winslet), la responsable marketing, Steve Wozniak (Seth Rogen), son associé des débuts, John Sculley (Jeff Daniels), le PDG d’Apple, et sa fille Lisa.

Closed System

Pourtant l’arrivée de ce Steve Jobs version Danny Boyle ne fait pas que des heureux, entre ceux qui regrettent le départ de Fincher et n’aiment pas le style de Boyle ou encore ceux qui doutent du choix de Michael Fassbender dans le rôle titre ainsi que ceux qui s’interrogent sur l’utilité d’un second biopic sur Jobs peu de temps après un premier très anecdotique. Tout cela peut donc expliquer le fait que le film n’ait pas connu un franc succès au Box Office américain alors qu’il est probablement un des biopics les plus originaux de ces 6 dernières années, le dernier en date étant peut être 127 Hours déjà réalisé par Boyle.

Le scénario écrit par Aaron Sorkin, déjà scénariste du très réussi The Social Network de Fincher, prend l’approche originale et bien vue de ne pas retracer le parcours professionnel et personnel de Jobs mais de s’ancrer dans trois moments importants de son histoire. Découpé en trois grosses scènes à trois différentes époques, 1984, 1988 et 1998, chacune se déroulant dans les coulisses avant le lancement d’un nouveau produit et se déroulant en temps réel, même si renvoyant parfois à quelques flashbacks pour évoquer la genèse des relations entre certains personnages, le film s’intéresse à analyser les créations de l’homme dans une approche symbolique et romancée plus qu’à l’homme en lui-même. Il prêtera cependant beaucoup d’attentions à sa personnalité très renfermée et ses plus gros défauts, étant un opportuniste manipulateur qui tire profit des autres, mais le regard porté sur lui est plus sur la personnalité fantasmée qu’il s’est créée plutôt que sur le « vrai » lui. L’ensemble parle donc de création et de transmission, que ce soit de l’image personnelle presque fictive transmise au public et à l’entourage, des avancées technologiques transmises au peuple etc. Tout ça passera surtout par l’exploration de ses relations à travers les trois époques se cristallisant principalement dans la relation qu’il entretient avec sa fille qu’il a d’abord refusé de reconnaître. Sorkin va se servir de ça pour créer des liens et s’intéresser à son obsession des systèmes fermés, un système que l’utilisateur ne peut pas modifier par lui-même, ce qu’est au final Steve Jobs, un homme renfermé sur lui-même qui n’écoute personne et se révèle borné. Au fil des trois séquences, les mêmes personnages et problèmes reviennent sur le tapis, ce qui d’un point de vue narratif peut engendrer une certaine répétitivité, notamment entre le premier et dernier acte. Un dernier acte qui est d’ailleurs moins maîtrisé et qui cède à beaucoup de facilités et lourdeurs simplifiant son propos pour tomber dans une « happy end » bien pensante qui dénote un peu avec le reste.

Cependant même si d’un point de vue narratif, le film à ses défauts, c’est sur sa partie symbolique qu’il se montre admirable dans la densité des sujets qu’il aborde. Que ce soit l’aspect christique de Steve Jobs totalement assumé, le montrant comme un gourou qui galvanise les foules, les poussant à l’admiration et à l’hystérie ou dans la manière de présenter l’homme comme il présente ses créations. Ici Jobs est une création divine, un « système » fermé qui ne connait que peu de changements mais qui pourtant se verra optimisé à travers son attachement à sa fille. On le verra rentrer en conflits avec les mêmes personnes, souvent pour des sujets similaires et on prend conscience que pour un homme cherchant l’innovation, il ne va pas en avant et se tourne résolument vers le passé. A travers lui, le scénario pousse une réflexion qui le dépasse et qui trouve un écho universel sur la croyance, la transmission et la mélancolie marchant aussi comme un portrait acerbe de l’Amérique suprémaciste. Parler de l’image d’un homme dans laquelle chacun peut se refléter tout en étant capable de rester très intime dans son portrait de Jobs, c’est là tout l’aspect brillant de l’écriture d’Aaron Sorkin. Surtout que misant sur une approche très théâtrale, il a écrit une quantité assez phénoménale de dialogues, le film étant très verbeux, et ceux-ci se montrent d’une intelligence rare. Souvent ironiques et lourds de sens, ces dialogues sont un vrai régal arrivant à nous happer dans des conflits qui parfois nous dépassent quand on n’est pas spécialisé dans l’informatique car ils se montrent très exigeants et ne facilitent pas le confort du spectateur à certains moments. L’écriture de Sorkin, comme Steve Jobs et ses créations, est un système fermé mais qui se révèle passionnante spécialement dans son utilisation du « walk and talk ».

Le film est habité par un casting exceptionnel qui rivalise de talent pour tenir la comparaison face à Michael Fassbender qui incarne totalement son personnage. Même s’il ne ressemble pas physiquement à Jobs, il en a compris l’essence et se place dans les chaussures du personnage avec aisance offrant un travail de composition assez phénoménal. Il est un sérieux prétendant à l’Oscar. Et en face de lui, Kate Winslet est absolument parfaite de justesse tout comme Jeff Daniels, ici au sommet, et un excellent Seth Rogen qui retranscrit la personnalité de son personnage avec subtilité et une sobriété admirable. Il n’y a vraiment aucune fausse note dans ce casting qui mérite toutes les éloges même pour les rôles plus anecdotiques comme pour celui de Katherine Waterston qui est un peu effacée mais l’actrice retransmet les troubles de son personnage à la perfection.

La réalisation est techniquement irréprochable que ce soit dans le montage qui retranscrit à merveille le rythme des dialogues, arrivant même à rendre lisible un montage alterné entre deux scènes pourtant très dense même si ce procédé devient légèrement répétitif dans sa deuxième utilisation, la photographie très esthétisée qui permet un rendu très brut, assez proche de ce qu’avait déjà fait Boyle avec 127 Hours et Trance tandis que la bande originale se montre enivrante et inspirée. Pour sa mise en scène Danny Boyle continue dans la lignée de ses deux précédents films, avec une approche consciencieuse et distordue jouant avec les focales et la profondeur de champs mais aussi favorisant des cadrages penchés évoquant souvent les rapports de force et les changements chez le personnage. D’ailleurs Boyle calme un peu son style malgré quelques plans qui revoient à ses tics les plus courants mais mise sur une approche plus terre à terre et moins esthétisée pour jouer sur le métaphorique. S’appropriant un style plus théâtral, voire même opératique, il enferme son personnage dans le cadre sans possibilités de fuite favorisant les couloirs étroits, le plaçant sous un toit etc. Il fait en sorte qu’il soit toujours encadré, comme un système fermé, il le suit à coup de plans séquences et de travellings pour la plupart du temps et pense sa mise en scène autour de ce principe d’enfermer son personnage pour un rendu aux bordures de cadre très marqués. On est face à quelque chose de très carré et qui se libère au fur et a mesure que le personnage se rapproche de sa fille, avec un dernier acte jouant beaucoup plus sur les espaces faisant respirer son personnage, l’ensemble se montrant assez bien pensé et habilement exécuté.

Steve Jobs est tout simplement un film monstre. Une œuvre d’une densité et d’une intelligence qui donne le vertige même si elle a une certaine tendance à l’autisme, se montrant très exigeante à aborder. Surtout que parfois il est plus passionnant dans ce qu’il évoque que dans ce qu’il raconte, se montrant plus pertinent dans son symbolisme que dans son aspect narratif. Néanmoins on ne peut que reconnaître que l’écriture de Sorkin est brillante, arrivant à moderniser et à tirer d’un genre classique et éculé comme le biopic, un ensemble diablement original et immersif. Le tout étant soutenu par un casting grandiose et une réalisation minutieuse de Danny Boyle qui s’accorde à l’approche très théâtrale de Sorkin tout en gardant le style si particulier du cinéaste. Steve Jobs est donc une belle réussite pour un projet qui aurait pu être bancal et assurément un très bon film.

Steve Jobs : Bande-annonce

Fiche technique : Steve Jobs

Réalisation : Danny Boyle
Scénario : Aaron Sorkin, d’après la biographie Steve Jobs de Walter Isaacson
Interprétation : Michael Fassbender (Steve Jobs), Kate Winslet (Joanna Hoffman), Seth Rogen  (Steve Wozniak), Jeff Daniels (John Sculley), Katherine Waterston (Chrisann Brennan, petite-amie de Steve)…
Décors : Gene Serdena
Costumes : Suttirat Anne Larlarb
Montage : Jon Harris
Musique : Daniel Pemberton
Photographie : Alwin H. Küchler
Production : Guymon Casady, Christian Colson, Mark Gordon et Scott Rudin
Société de production : Management 360, The Mark Gordon Company et Scott Rudin Productions
Société de distribution : Universal Pictures France

Etats-Unis – 2015

Quelques plans fixes sur un jeune homme filmé seul dans une pièce, il n’en faut pas plus à la mise en scène pour installer en quelques minutes le sentiment de malaise et de solitude qui infusera tout le film. Cédric est un pauvre garçon âgé d’une trentaine d’années et dont le retard mental apparent ne sera jamais explicitement nommé en tant que tel par le scénario.

Synopsis : Des parents reçoivent à diner leurs enfants, un fils marié et lui-même père d’un enfant de 5 ans, et une fille qui leur apprend qu’elle et son fiancée attendent eux-aussi un enfant. C’est cette bonne nouvelle qui va déclencher chez le troisième enfant de la fratrie un profond sentiment de dénégation. Etant lui-même atteint d’une forme d’autisme, il vit encore chez ses parents alors qu’il a atteint la trentaine. Désireux de s’émanciper, il cherchera à faire connaitre ses ambitions de voyage au reste de la famille, peu disposée à lui prêter attention.

C’est lui que la mise en scène identifie à ces plans fixes déstabilisants qui iront prendre peu le pas sur les mouvements de caméra qui accompagnent la vie et l’harmonie qui semblent caractériser le reste de sa famille, et en particulier sa sœur. Celui qui vit reclus dans une chambre au dernier étage de chez ses parents en vient à prendre l’ascendant sur une réunion de famille qui pourtant démarrait sous les meilleurs auspices.

Tel est le postulat d’un psychodrame familial en huis-clos qui renvoie, sur le fond comme sur la forme, aux grands prédécesseurs de ce sous-genre que sont Festen, Melancholia, Canine ou encore Le septième continent. Pour son premier film, le belge Antoine Cuypers signe ainsi une réalisation soignée, imprégnée de l’influence des codes imposés par les modèles susnommés, au point d’en recopier maladroitement certains effets pompeux. Le ralenti sous la pluie calqué sur le film de Lars Van Trier, en est l’exemple le plus flagrant. Académique mais non moins déstabilisant, Préjudice profite également d’un casting et d’une qualité de dialogues qui donnent aux échanges une saveur incisive. Le couple formé par Nathalie Baye –qui, même à contre-emploi, a toujours ce talent inné pour irradier l’écran- et le chanteur Arno -dont on peut regretter que le rôle soit un peu en retrait- fonctionne parfaitement, et le jeu d’Ariane Labed (vue récemment dans The Lobster de Yorgos Lanthimos) est impeccable. L’interprétation la plus mémorable de ce film restera évidemment celle de Thomas Blanchard. Un nom à retenir. La détresse et la fureur qu’il donne au personnage de Cédric vont devenir l’axe de voûte autour duquel vont s’articuler tous les non-dits et les maux qui pèsent sur cette famille en apparence idéale.

La photographie naturaliste est pour beaucoup dans l’ambiance froide et angoissante qui règne dans cette maison, et le rythme des percussions qui sont l’unique musique
extra-diégétique du film, donne à certains passages une tension qui prend véritablement aux tripes. Cette atmosphère pesante participe, en bien ou en mal, à la difficulté d’empathie que peut ressentir le spectateur devant tel ou tel personnage. La mère a-t-elle raison de surprotéger son fils en l’enfermant ? Le père a-t-il raison de nourrir en vain ses rêves d’évasion ? Ses frères et sœurs devraient-ils être plus compatissants à son égard comme essaient de le faire leurs conjoints ? Est-il dangereux ? Autant de questions auxquelles on aimerait pouvoir répondre, mais que cette soirée en leur compagnie ne nous permet pas de résoudre. C’est cette impossibilité de trancher, de n’être que le témoin impuissant d’une scène de famille dont on ignore le passif en détail, qui est le plus déstabilisant. Là où la facilité aurait été de façonner, autour d’une situation clairement définie, un discours moralisateur sur le rejet de ce que l’on juge « anormal », Antoine Cuypers fait le choix de laisser les interprétations libres au public. En cela, on peut même justifier la difficulté que le réalisateur a à conclure le film comme un élément à part entière de ce recul qu’il nous impose face à des individus qu’il ne nous revient pas de juger.

Préjudice est un film marquant de par son traitement frontal de la problématique délicate de la place à donner à certains enfants atteints de troubles du développement. L’idée retorse qui est de plonger le spectateur dans le tumulte relationnel d’un cocon familial dissonant sans lui donner les clefs qui lui permettrait de donner entièrement tort ou raison à aucun de ses membres est mené jusqu’au bout. Cette réussite est la preuve que le cinéma belge reste un excellent observatoire de l’âme humaine.

Préjudice : La bande-annonce (sous titrée en flamand… film belge oblige)

Préjudice : fiche technique

Belgique – 2016
Réalisation: Antoine Cuypers
Interprétation: Thomas Blanchard (Cédric), Nathalie Baye (La mère), Arno (le père), Ariane Labed (Caroline), Eric Caravaca (Gaetan), Cathy Min Jung (Cyrielle)…
Scénario: Antoine Cuypers, Antoine Wauters
Musique: Ernst Reijseger, Francesco Pastacaldi (percussions)
Montage: Elif Uluengin
Photographie: Frédéric Noirhomme
Décors: Patrick Deschène, Alain-Pascal Housiaux
Producteurs: Bernard Michaux, Benoit Roland
Production: Samsa Films, CTM Pictures, Wrong men, Mollywood
Distribution: Les Films du Losange
Durée: 105 minutes
Genre: Drame
Date de sortie: 3 février 2016

Le 24 février sortira en salle La fabuleuse Gilly Hopkins, nouveau film de Stephen Herek, réalisateur des 101 Dalmatiens (la version live) et des Trois Mousquetaires, tous deux produits chez Disney. Exit la compagnie aux grandes oreilles pour le nouveau film d’Herek. D’ailleurs, il ne s’agira pas de faire une critique du film du point de vue de l’adaptation, mais de travailler l’objet filmique même qui pose de nombreux problèmes.

Synopsis : Depuis qu’elle a été abandonnée bébé par sa mère, Gilly Hopkins, 12 ans et au caractère bien trempé a épuisé une à une ses familles d’accueil. Assistant social, institutrice, copine de classe, familles d’accueil : Gilly n’a besoin de personne et elle le fait savoir.

La Fabuleuse Gilly Hopkins, une créature cinématographique diforme

                        Il y a dans ce film plusieurs récits : Gilly arrivant dans sa nouvelle famille d’adoption, jouant comme à son habitude les trouble-fêtes, puis s’intégrant au sein de celle-ci ; la séparation involontaire de Gilly de sa nouvelle famille à cause de ses bêtises ; l’intégration à une « nouvelle » famille de sang avec sa grand-mère ; le retour de la mère et la situation finale. Un axe les unit : Gilly et l’espoir de revoir sa mère qu’elle fantasme comme une star californienne.

            Sachez bien alors que le film ne dure qu’1h32. « Qu’ », parce-que chacun de ces récits pourrait être l’objet d’un film. Ainsi le long métrage de Stephen Herek avance avec un rythme tellement soutenu qu’il en est brut. Si au début, on peut penser que l’introduction rapide du film permet de rentrer dans le vif du sujet, il n’en est rien par la suite. L’histoire du film est trop ample pour une telle durée et surtout pour un tel réalisateur. Imaginez alors que le retour de la mère, les conséquences et la fin s’enchaînent en une dizaine de minutes.

            Dommage, car à partir du deuxième récit, le film s’avère intéressant. Le premier, non pas qu’il soit inintéressant, a été déjà énormément traité de cette manière feel-good-movie par les téléfilms de la chaîne M6, avec plus de temps. Et en même temps, aurait-on pu capter aussi bien l’émotion du deuxième « chapitre » sans avoir eu la présence du premier ? C’est là que le film aurait dû être plus long. En effet, le premier aurait pu être bien plus subtil et humain, moins brut, cousu de fil blanc et rentre-dedans, et ainsi être plus émouvant. Le deuxième aurait alors gagné en force. Problème pour lui, l’arrivée abrupte du troisième, traité en quelques minutes. Ce travail permet étrangement de conclure proprement le deuxième récit. Mais l’on aurait aimé voir véritablement les conséquences dans le quotidien de ce bref retour.

            Le fait est que si le film n’est pas assez long, c’est surtout qu’il n’est pas humain, c’est un pur produit industriel. Plusieurs films en un donnent peut-être l’impression d’une quantité, mais non de la qualité. Plusieurs tons aussi, du teenage movie au feel-good movie familial, ou encore de la comédie tous publics au mélodrame hyper-larmoyant, La Fabuleuse Gilly Hopkins est un film batard.

            Il est en effet le produit de nombreuses influences hollywoodiennes contemporaines. En témoigne aussi sa musique, composée et instrumentale d’une part, l’électro-pop girly adolescente d’autre part, ou encore l’utilisation de musiques pop rythmées. On pourrait répondre à tout cela que la vie n’est pas uniforme. Mais il faut revenir à ce qui a été dit avant, il s’agit non pas de capter la vie et son quotidien, mais de livrer un film trop dense et donc, un film qui, à force de vouloir tout exposer, montre bien peu de choses à part des récits stéréotypés, voire clichés pour ce type de personnage, et qui vont rester à leur stade, qui ne vont jamais préciser et nuancer.

             Le casting va cependant apporter de l’humanité. Si Sophie Nélisse incarne un personnage très stéréotypé, elle apporte une certaine douceur et une justesse rafraichissante dans le film. Kathy Bates, l’actrice géniale de Misery (Rob Reiner, 1990), manque ici de subtilité. Elle interprète très bien son personnage, comme Clare Foley, parfaite dans son second rôle stéréotype de la petite fille solitaire, excentrique et ne demandant qu’à se faire des amis. Glenn Close, après un retournement de situation comico-dramatique prévisible, déjà vu et lourd, est brillante. Sa justesse provient d’une chose qu’elle maîtrise parfaitement (voir la série Damages par exemple, 2007-2012), elle n’en fait pas trop. Enfin le personnage archétypal – la figure du vieux sage, aveugle en plus – qu’est Mr. Randolph apporte de la poésie, de la beauté, de l’humanité dans ce film, grâce au jeu juste de Bill Cobbs, qui n’en fait pas trop non plus, même si on peut déplorer l’une de ses séquences qui va révéler Gilly. Un moment du film manquant de finesse, qui a pour seule fonction de révéler le personnage principal et nous tirer des larmes de nos glandes lacrymales (comme bien d’autres séquences du film). Julia Stiles n’a pas eu besoin de faire beaucoup d’efforts pour interpréter son personnage très très peu sympathique, on la voit trop peu pour juger, quelques minutes tout au plus. Et l’acteur incarnant le personnage des services sociaux est purement artificiel.

            Le happy end qui n’en est pas tout fait un, plus doux-amer que joyeux, clôturera très bien ce film. On aurait pu penser cela, mais le générique à la musique pop-électro pour adolescentes brisera le moment. Voilà peut-être la meilleure métaphore du film. Un gâchis. Un consommable familial à voir si on a du temps à perdre…

Fiche Technique : La Fabuleuse Gilly Hopkins (The Great Gilly Hopkins)

Réalisation : Stephen Herek
Scénarisation : David Paterson, d’après l’œuvre de Katherine Paterson
Casting : Sophie Nélisse, Kathy Bates, Glenn Close, Bill Cobbs, Octavia Spencer, Julia Stiles, Clare Foley, Zachary Hernandez
Directeur artistique : Christopher Minard
Costumes : Meghan Kasperlik
Décors : Ola Maslik
Directeur de la photographie : David M. Dunlap
Montage : David Leonard
Compositeur : Mark Isham
Producteurs/trices : Brian Kennedy, William Teitler, John Paterson, David Paterson, Matthew Myers, Isabel Teitler
Production : Arcady Bay Entertainement
Distributeur France : Chrysalis Films
Date de sortie française : le 24 février 2016

De la part de l’auteur de ces lignes, le choix de rentrer dans le cinéma de Naomi Kawase au travers des Délices de Tokyo relève de la volonté d’être séduite par une cinéaste dont l’œuvre n’a pas eu ses faveurs jusqu’ici. Son précédent film, Still the Water, a été tout autant qualifié d’émouvant et de barbant, de majestueux et d’ennuyeux. Naomi Kawase est une cinéaste qui sublime la nature dans une veine (trop) contemplative et appuyée, mais cela ne semble pas être le cas de son nouveau film.

Synopsis: Les dorayakis sont des pâtisseries traditionnelles japonaises qui se composent de deux pancakes fourrés de pâte de haricots rouges confits, « AN ».Tokue, une femme de 70 ans, va tenter de convaincre Sentaro, le vendeur de dorayakis, de l’embaucher. Tokue a le secret d’une pâte exquise et la petite échoppe devient un endroit incontournable…

Les recettes du bonheur

Déjà vu à Cannes par un de nos rédacteurs, conquis par son charme exotique, Les délices de Tokyo, semblait, à la vue de la bande-annonce, un film plus animé, plus touchant avec son sujet culinaire souvent vecteur d’émotions, et son casting intergénérationnel composé d’une vieille dame philosophe, d’un jeune homme taciturne et d’une adolescente mal aimée, qui sonne comme une promesse de belles histoires de transmission.

Sentaro (Masatoshi Nagase) est un homme encore jeune qui se réveille aux aurores pour aller, d’un pas lourd, préparer des dorayakis, ces petites crêpes japonaises fourrées à la pâte de haricots rouges confits (le An du titre original). Sentaro passe des journées sans joie à fabriquer et vendre ses petites pâtisseries, se laissant chahuter sans réagir par de jeunes collégiennes joyeuses. L’homme est taciturne, voire dépressif, on le sent porteur de tristes
secrets.

L’histoire est celle de sa rencontre avec la jeune Wakana (Kyara Uchida), une jeune fille toute aussi mélancolique que lui. Comme toutes les collégiennes du quartier, elle vient tous les jours à la boutique de Sentaro, essaie sans succès de se faire embaucher par lui, et reçoit de sa part les dorayakis ratés dans ce qui se rapproche le plus d’un geste d’amitié. Mais c’est aussi et surtout l’histoire de sa rencontre avec Tokue (Kirin Kiki), une vieille dame un peu mystérieuse, un peu fantasque, qui elle aussi insiste pour venir travailler à l’échoppe de Sentaro. D’abord réticent, Sentaro cède après avoir goûté de sa délicieuse pâte de An. Commence alors un ballet à trois à pas très feutrés, où chaque personnage emmène au pot sa solitude pour goûter ensemble à une communauté chaleureuse faite de petites attentions les uns aux autres.

Le film de Naomi Kawase est une véritable ode poétique à la nature, aux cerisiers en fleurs, aux canaris qui font « piou piou piou », à la lune avec qui on partage des promesses, aux forêts que l’on entend presque respirer, aux haricots qu’on laisse venir à soi, et auxquels on s’adresse tendrement, respectueusement. Un film animiste donc, où les hommes et les femmes murmurent à l’oreille des arbres, mais qui aurait cependant gagné à être moins surligné. Les images se suffisent à elles-mêmes, et pourtant la cinéaste s’est crue obligée de faire dire et redire à ses différents protagonistes tout le bien et tout le beau qu’ils trouvent dans la nature.
Les commentaires de Tokue en particulier sont quelquefois très redondants, trop présents, et écrasant sur leur passage la délicatesse de ce qui est filmé par Kawase. La musique du français David Hadjadj n’est pas en reste pour surcharger une image qui n’en avait pas besoin.

En revanche, la cinéaste arrive à nous émouvoir avec le silence de ses personnages, celui de Sentaro, en particulier. Des silences éloquents si on peut dire, qui traduisent parfaitement ses tourments et turpitudes qui nous restent cachés. Quand il se lie d’amitié avec Tokue, et qu’ensemble ils font chanter les haricots dans des plans très serrés sur la nourriture rarement vus au cinéma, Sentaro esquisse un sourire qui révèle en creux la bouleversante absence de sourire jusqu’à ce moment du film. Une très belle histoire d’appropriation filiale mutuelle s’écrit sous nos yeux, et on ne peut qu’être attendris. Mais là encore, la cinéaste aurait pu facilement se passer des larmes qu’il verse dans certaines scènes, tant elles sont superflues et nuisent à la sobriété du film. A l’autre extrémité, le jeu de Kirin Kiki est celui d’une actrice bonne vivante, adoptant des personnages excentriques et comiques à la télé ou dans les films de Hirokazu Koreeda dont elle est une fidèle ; un jeu qui peut parfois paraître en décalage avec la tonalité générale que la cinéaste a voulu donner à son film.

Soulignons aussi la prestation toute en réserve de la jeune Kyara Uchida dans son rôle de Wakana (la petite-fille de Kirin Kiki à la ville). Wakana est une quasi-enfant qui porte une mère fantasque et irresponsable (un autre point qui rappelle le grand Koreeda). Kyara Uchida apporte beaucoup de fraîcheur et d’émotion dans son rôle d’enfant trop vite grandie, ignorée de sa mère et ignorée de ses camarades.

Les délices de Tokyo est un film tourné avec beaucoup de savoir, avec de vrais moments de pure beauté, mais il souffre d’un surtexte trop important, trop prévisible et souvent inutile. La cinéaste a par ailleurs voulu rendre hommage dans son film à une minorité que les japonais ont longtemps tenu à l’écart de la société (Tokue fait partie de cette minorité), et il y a un télescopage maladroit entre cette histoire et celle plus intimiste de Sentaro et de ses deux partenaires. Cet hommage n’est ni inintéressant, ni inutile, mais les deux parties du film semblent avoir été accolées l’une à l’autre de manière un peu heurtée, sans beaucoup de liant, ce qui donne l’impression que le film est calibré à marche forcée pour une audience large et grand public, avec des thématiques destinées à émouvoir le plus grand nombre. Une impression mitigée donc pour cette première rencontre avec Naomi Kawase…

Les délices de Tokyo – Bande annonce

Les délices de Tokyo – Fiche technique

Titre original : An
Date de sortie : 27 Janvier 2016
Réalisateur : Naomi Kawase
Nationalité : Japon
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 113 min.
Scénario : Naomi Kawase, d’après la nouvelle de Durian Sukegawa
Interprétation : Kirin Kiki (Tokue), Masatoshi Nagase (Sentaro), Kyara Uchida (Wakana), Miyoko Asada (Propriétaire de la boutique), Etsuko Ichihara (Yoshiko)
Musique : David Hadjadj
Photographie : Shigeki Akiyama
Montage : Tina Baz
Producteurs : Koichiro Fukushima, Yoshito Oyama, Masa Sawada
Maisons de production : Comme des Cinémas
Kumie, Mam, Nagoya Broadcasting Network (NBN), Twenty Twenty Vision Filmproduktion GmbH
Distribution (France) : Haut et court
Récompenses : Kirin Kiki : meilleure actrice au Hochi Festival 2015 ; Naomi Kawase : meilleure réalisatrice au festival de Valladolid ; meilleur film étranger au festival de Saõ Paolo.
Budget : 234 000 000 JPY

Après Memory Lane, un premier long métrage passé relativement inaperçu, pour lequel le producteur Luc Moulet avait dit du réalisateur qu’il s’agissait du «plus grand cinéaste français de demain», Mikhaël Hers revient aux affaires avec Ce sentiment de l’été.

Synopsis: Au milieu de l’été, Sasha, 30 ans, décède soudainement. Alors qu’ils se connaissent peu, son compagnon Lawrence et sa sœur Zoé se rapprochent. Ils partagent comme ils peuvent la peine et le poids de l’absence, entre Berlin, Paris et New York. Trois étés, trois villes, le temps de leur retour à la lumière, portés par le souvenir de celle qu’ils ont aimée.

Ce dernier partage la même volonté d’illustrer une chronique de la vie quotidienne en plein été, à ceci près qu’il lui ajoute l’absence comme élément perturbateur. Si le premier était un film de potes suggestif, le second est un film sur la difficulté des relations à tenir dans une période post-mortem. Le cinéaste français conserve son goût pour la contemplation, la représentation d’une saison qu’il filme avec amour et plaisir au sein de laquelle errent des corps à la recherche d’un sens à donner à la vie. Si Ce sentiment de l’été ne renouvelle en rien le drame d’auteur sur fond de réflexion sur le deuil, Mikhaël Hers est suffisamment sensible et mélancolique pour emporter l’adhésion d’un public sensible à la tristesse d’Anders Danielsen Lie (Fidelio l’odysée d’Alice, Oslo 31 août).

De la difficulté de surmonter le deuil (encore)

On ne pourra nier que le film a des allures de séquelle à Oslo, 31 août, surtout quand celui-ci partage le même interprète principal. A croire qu’Anders Danielsen Lie interprète l’amoureux mélancolique à la dérive avec brio. On retrouve donc ces personnages similaires dans les deux films, différents sur la condition sociale mais liés par la même mélancolie qui les anime à longueur de journée. Ici, il doit vivre péniblement avec le deuil de sa compagne avec qui il entretenait une relation fusionnelle et artistique. C’est d’ailleurs elle que l’on suit à travers une introduction d’une poésie envoûtante. On suit cette jeune femme au réveil, le corps à moitié dénudé en train de se préparer, de se sublimer par la grâce de la lumière estivale et de se diriger vers son école d’art. Une longue introduction d’ambiance où aucun mot n’est prononcé, seul le bruit de ses pas nous guide vers son destin funeste puisqu’elle est soudainement victime d’un arrêt cardiaque et s’effondre dans un parc. C’est à cet instant que le film prend le spectateur par la main et nous indique que l’intérêt du film se porte davantage sur les relations entre les individus touchés par ce même deuil. Chacun y va de sa réaction, les uns se morfondent, d’autres en profitent pour vivre une nouvelle vie, certains la continuent sans se retourner et certains autres encore tombent en dépression. Sans jamais tomber dans le pessimisme froid et pesant, Mikhaël Hers aborde ce sujet avec poésie et finesse, de par l’atmosphère d’une saison estivale magnifiée par le parti-pris de tourner en pellicule. Plus que jamais, l’été est beau ici. Et c’est paradoxalement sa sublimation qui fait davantage prendre conscience aux personnages du vide qui les entourent. Chaque personnage virevolte à travers la vie, sans situation établie, ni projet de vie, quand bien même on a un enfant en bas-âge. Le temps passe, mais seule l’action de boire des coups sur les toits des différentes capitales apporte un tant-soi peu d’évasion et de sens à ces personnages. Dans cette optique, la ville de New York semble être le lieu ultime où les personnages errants se réunissent, partagent leurs souvenirs et sont à la recherche d’une existence.

Que ce soit à Berlin, Paris, Annecy ou New York, l’absence rattrape toujours ces personnages qui n’arrivent pas à laisser leur corps s’émouvoir dans des environnements pourtant beaux et propices à la jovialité. Peu importe la ville, on se rend rapidement compte que chaque ville agit comme un nouveau décor, une nouvelle vie mais où le modèle narratif reste le même: Les personnages se rencontrent, discutent longuement, vont en soirée et se remémorent la douleur qu’ils partagent et qui s’avère être au final le seul lien qui les unit. De là l’idée de signifier qu’il est difficile de se reconstruire quand bien même l’environnement varie et les gens autour de soi aussi. Le fait de voir une attirance magnétique entre deux personnages liés par le prisme d’un deuil commun montre à quel point le passé nous rattrape toujours. Ces personnages interprétés par Anders Danielsen Lie et Judith Chemla apportent la justesse nécessaire pour montrer cette gêne, cette retenue et ces silences qui agissent entre eux. Il y a assurément dans Ce sentiment de l’été une réussite dans la transmission des sentiments, des émotions qui les animent et de la complexité de leurs relations. Chacun réapprend à vivre à sa façon et se laisse apprivoiser par la vie et le plaisir. On pourrait presque trouver ça maladroit de conclure son film sur une scène de sexe et des plans fixes symbolisant l’évasion, mais cette manière de libérer les corps donne finalement sens à la pensée du cinéaste pour qui la vie après la mort est possible.

Comme son précédent film, à trop vouloir s’attacher à représenter le climat, l’ambiance et la tonalité de l’environnement dans lequel évolue les personnages, Ce sentiment de l’été ne raconte pas grand-chose de plus que la monotonie et la mélancolie perpétuelles de nos vies. Mikhaël Hers le fait néanmoins d’une jolie manière, par la grâce d’une lumière qui magnifie les décors et donne vie aux corps. On ressort de la projection avec le sentiment d’avoir vu un film au sujet tellement rabâché qu’il ne surprend plus mais pour lequel on lui accorde notre estime, simplement parce Ce sentiment de l’été réussit à nous redonner envie de jouir de la vie et de voir le monde, au-delà du vide qui anime nos vies.

Ce sentiment de l’été : Bande-annonce

Ce sentiment de l’été : Fiche Technique

Réalisation : Mikhaël Hers
Scénario : Mikhaël Hers & Mariette Désert
Interprétation : Anders Danielsen Lie (Lawrence), Judith Chemla (Zoé), Marie Rivière (Adélaïde), Féodor Atkine (Vladimir), Thibault Vinçon (David)…
Photographie : Sébastien Buchmann
Décors : Sidney Dubois
Costume : Caroline Spieth
Montage : Marion Monnier
Musique : Thomas Jamois
Producteurs : Philip Boëffard, Rémi Burah, Vanessa Ciszewski, Pierre Guyard, Ève Machuel, Olivier Père, Christophe Rossignon, Gaetan Rousseau
Sociétés de Production : Nord-Ouest, Arte France Cinéma, Katuh Studio, Rhône-Alpes Cinéma
Distributeur : Pyramide Distribution
Festival : Grand prix du jury du Festival du Film indépendant de Bordeaux 2015
Genre : Drame
Durée : 106 minutes
Sortie en salles le 17 février 2016

France / Allemagne – 2015

Si de prime abord Beira-Mar ou l’âge des premières fois fait penser aux films nordiques avec ces couleurs et ces teintes pâles, à la manière de Natür Therapy, le long-métrage s’avère être un film brésilien se déroulant sur le littoral. Les couleurs bleutées et grisâtres nous font voir un paysage maussade, que l’on se passerait de découvrir.

Synopsis : C’est l’hiver au Brésil. Lorsque Martin doit rejoindre le littoral et rencontrer pour la première fois la famille de son père, il propose à son meilleur ami de l’accompagner. Tomaz accepte, voyant ce séjour comme l’occasion de raviver leur amitié. Dans cette maison faisant face à une mer froide et déchaînée, les deux adolescents passent leurs journées ensemble, à l’écart du monde. Sur fond de quête identitaire et d’at
traction mutuelle, ils vont découvrir le doute, la jalousie et l’amour.

Ainsi, une nouvelle image du Brésil s’offre aux spectateurs. Alors que les lieux communs relatifs au pays de la samba renvoyaient des places ensoleillées, des plaines verdoyantes et des villes colorées, Beira-Mar fait valoir une côte brésilienne triste, comme si le temps s’était arrêté et que le paysage était en adéquation avec la mine cendreuse de nos deux compères. S’ils voyagent à des fins familiales, leurs déambulations relèvent plus du voyage initiatique, comme si chacun allait ressortir plus grand de ce voyage. Entre boîte de nuit, soirées dans une villa au bord de mer qui relèvent de l’orgie et discussions abordant toutes sortes de thèmes, plus personne ne sait où donner de la tête.

Martin et Tomaz sont les protagonistes principaux, amis de longue date et complices, à la manière de deux frères. Chacun tentera de se reconnaître dans un des deux personnages : alors que Tomaz à l’air d’être en quête d’identité, de nature assez frêle, plus petit que son camarade, Martin nous apparaît comme un personnage plus sur de lui, faisant face à son père, mais lui aussi dans une certaine quête identitaire, en résulte la rencontre avec des membres de sa famille qu’il n’avait pas vu depuis 10 ans. Toutefois, leur comportement intrigue et fait survenir des interrogations : les deux garçons sont-ils réellement amis ? Ne cherchent-ils pas plus que ça ? Alors qu’un semble assumer son hétérosexualité en couchant avec les filles s’offrant à lui, l’autre boit pour oublier et pour repousser le dit moment, comme si l’acte sexuel devenait embarrassant, à la manière d’un fardeau honteux. Ainsi, on apprend l’homosexualité de Tomaz. Malheureusement, tout s’avère bien trop prévisible. Certes, des détails sont éparpillés tout au long de la pellicule, mais les réalisateurs cherchent à émouvoir et provoquer une certaine empathie lors de cette révélation, n’en résultent des dires qui ne font qu’être affirmés. Cependant, la suite surprend et pourra laisser le spectateur pantois. Les garçons sont comme des frères, sont des plus proches, et finiront pas coucher ensemble. Après une discussion s’en suit une scène de sexe que l’on découvre sous des angles auxquels nous ne sommes pas habitués au cinéma. Par leurs choix de cadre et par une ambiance sonore travaillée, Filipe Matzembacher et Marcio Reolon laissent sous-entendre fellation et sodomie. Ainsi, Beira-Mar se confirme dans son statut de quête sexuelle, hétérosexuelle à la base, homosexuelle au final. Attention, rapports et amour ne sont pas magnifiés. Aucune musique extra-diégétique ne vient assagir la scène. Le maquillage n’est pas non plus de rigueur dans Beira-Mar, les visages des protagonistes sont marqués : boutons, traces rouges ou petites plaies nous laissent découvrir des jeunes dans la fleur de l’âge, s’immisçant petit à petit dans la vie d’adulte, une vie qu’ils ne cessent de repousser. Il est également intéressant de souligner que Mateus Almada et Maurício José Barcellos sont deux acteurs amateurs, dont un a été repéré sur Facebook. Si leur personnage ne sont pas des plus démonstratif, leur interprétation est sujette à une certaine sensibilité et une naïveté qu’il est agréable à voir. Les deux jeunes hommes s’aident à grandir mutuellement, et leur complicité est belle à voir.

Filipe Matzembacher et Marcio Reolon nous donne donc à voir l’homosexualité masculine, là où Abdellatif Kechiche avait levé le voile sur une homosexualité féminine. Certains assimileront les deux films, le bleu des cheveux de Tomaz rappelant ceux de Léa Seydoux dans La Vie d’Adèle et pourtant, Beira-Mar a été tourné en 2012. Par conséquent, les réalisateurs n’avait aucun connaissance du projet du réalisateur franco-tunisien, et n’étaient pas au fait du roman graphique Le bleu est une couleur chaude de Julie Maroh, à l’origine du film de Kechiche.
Même si le sujet traité, la quête d’identité sexuelle, s’avère intéressant, Beira-Mar ou l’âge des premières fois est un film fade et plutôt impersonnel, aux personnages manquant de caractère et de force. Tomaz et Martin ne sont pas assez charismatiques pour espérer emporter l’empathie du public, malgré une certaine sensibilité dans le jeu des deux acteurs principaux.

Fiche technique : Beira-Mar

Titre original : Beira-Mar
Titre français : Beira-Mar ou l’âge des premières fois
Réalisation : Filipe Matzembacher, Marcio Reolon
Scénario : Marcio Reolon, Filipe Matzembacher
Interprétation : Mateus Almada, Ariel Artur, Mauricio Barcellos, Irene Brietzke, Elisa Brittes, Maitê Felistoffa
Direction artistique : Manuela Falcão
Montage : Bruno Carboni, Germano de Oliveira
Musique : Felipe Puperi
Photographie : João Gabriel de Queiroz
Son : Tiago Bello
Production : Marcio Reolon, Tainá Rocha
Sociétés de distribution (France) : Epicentre Films
Genre : Drame
Durée : 83 minutes
Dates de sortie : 17 février 2016