LeMagduCiné

Synopsis : Blue Steel. Le Tigre. Magnum… Des regards si puissants qu’ils arrêtent des shuriken en plein vol et déjouent les plans de domination mondiale les plus diaboliques. Un seul top model est capable de conjurer autant de puissance et de beauté dans une duck-face : Derek Zoolander ! Quinze ans après avoir envoyé Mugatu derrière les barreaux, Derek et son rival/meilleur ami Hansel, évincés de l’industrie de la mode suite à une terrible catastrophe, mènent des vies de reclus aux deux extrémités du globe. Mais lorsqu’un mystérieux assassin cible des popstars célèbres, les deux has-been des podiums se rendent à Rome pour reconquérir leur couronne de super mannequins et aider la belle Valentina, de la Fashion Police d’Interpol, à sauver le monde. Et la mode. 

Fond de teint et fond vert

            Si le milieu de la mode est un environnement dominé par le maquillage, la mise en scène, l’artifice, le premier volet Zoolander (2001) extrapolait alors jusqu’à la parodie la fausseté régnante du monde de la mode et du mannequinat. Cependant, la parodie que mettait en place le précédent film a laissé place à un délirium cinématographique, notamment travaillé par l’importante utilisation de fonds verts. C’est-à-dire l’utilisation de toiles vertes ou bleues à des fins d’emploi d’effets spéciaux générés par ordinateur. Ces effets numériques monstrueusement appliqués tendent à penser ce métrage comme une œuvre manquant de finition, et de finesse.

            De nombreux gags, tels que l’accident de la voiture de Derek Zoolander avec son fils, ou encore la situation d’Hansel au début du film, sont neutralisés par l’artificialité des effets, et la réalisation pauvre, clichée, presque amateur du film. En effet, dès l’introduction, nous nous attendions à une fausse publicité ou un faux extrait d’un film imaginaire tels que ceux réalisé par Stiller pour son grand film Tonnerre sous les Tropiques (Tropic Thunder, 2008). Il n’en est rien, nous sommes face à la véritable introduction du long métrage, qui met en scène une poursuite d’« agents secrets » – tueurs. Celle-ci est filmée avec une caméra numérique à l’imagerie tendant vers la vidéo, et remployant les clichés de nombreux films d’action : effet de caméra à l’épaule, spatialisation abstraite, multiplicité des points de vue ; on se demande même comment Dan Mindel, chef opérateur des films de J.J. Abrams entre autres, a pu participer à la création de telles images. Un gag à la fin de celle-ci tendra à apporter un certain second degré à ce début de film (voir photo ci à droite) : Justin Bieber, jouant son propre rôle, met en ligne une dernière photo – qui se révèlera être un indice – avant de mourir. Mais ne nous y trompons pas, celui-ci se révélera être finalement véritablement ancré avec un certain premier degré dans son délire.

L’adieu à la distanciation

            La force humoristique des films de Stiller, de Disjoncté (The Cable Guy, 1997) à La Vie Rêvée de Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty, 2014), se basait sur la distanciation. Une distance crée par la mise en place d’ambivalences : le gars lambda et solitaire / l’excentrique envahissant dans Disjoncté, la monde réel et les fantasmes télévisuels concernant le personnage de Jim Carrey dans le même film ; le cinéma avec le film de guerre et une véritable guérilla dans Tonnerre sous les Tropiques ; enfin les rêves et fantasmes de Walter Mitty et son quotidien dans le film éponyme.

            Les confrontations de ces éléments tenant du fictif au « réel » – aux espaces et temporalités de la réalité et les individus la peuplant – permettaient de créer une puissante matrice de gags. Ici, exit cette distance, le film est complètement investi dans et par le délire de cet univers, en totale liberté, outrepassant toutes les règles qu’il semblait mettre en place, pour se modifier, s’annihiler pour se réinventer, usant de stéréotypes pour les détourner puis utiliser de nombreux clichés. Dans la salle de cinéma, seules les sonorités du film règnent en maitre, on peut entendre de ci de là quelques rires, et voir quelques sourires, lorsqu’on ne voit pas essentiellement des spectateurs endormis, lassés, ou agacés par le film. Le problème d’absence d’ambivalence réalité / élément fictif délirant se retrouve aussi dans le travail du casting.

Défilé au cinéma et délire privé

            Benedict Cumberbatch (voir vidéo ci-dessus), Sting, Susan Sarandon, John Malkovich, Kiefer Sutherland, Billy Zane, Anna Wintour, Justin Bieber et bien d’autres personnalités « célèbres » forment un casting tout en caméos gratuits et private jokes. La présence de quelques-uns jouant leur propre rôle pourrait apporter un attachement à une certaine réalité. On peut parler de celle un peu particulière de Sutherland qui saura en apporter via le caractère purement fictif de sa situation – un homme enceint amant d’un groupe d’orgie – jouant toutefois de sa persona, c’est-à-dire de son image publique, Jack Bauer. Mais il s’agit davantage d’un humour référencé peu universel, que d’un gag de situation. Ainsi aucune véritable connection au réel n’est possible du fait de leur participation au délire fictif du film qui ne fait alors que s’amplifier. Avec ce phénomène, le métrage tend à un certain hermétisme. Le casting principal n’aide pas vraiment à apporter un second, troisième voir centième degré au film. Si on peut s’amuser d’Owen Wilson et de Will Ferell qui cabotinent, Penelope Cruz et surtout Ben Stiller, entre autres, posent problème.

            Dans Tonnerre sous les Tropiques, Kirk Lazarus (interprété par Robert Downey Jr.) explique au personnage joué par Ben Stiller : « Il ne faut jamais jouer un vrai débile. Tout le monde le sait. C’est facile, Dustin Hoffman, dans Rain Man, tronche d’attardé sans être attardé. Il triche aux cartes. Autiste, oui, assurément. Pas attardé. Et puis t’as Tom Hanks dans Forrest Gump : lent, oui, attardé possible, attelles aux deux jambes, n’empêche qu’il en mets plein la vue à Nixon et qu’au ping-pong c’est un monstre. Rien d’un attardé. (…) T’as joué à fond l’attardé mec ! Faut jamais jouer à fond l’attardé. ».

Ci-dessous la totalité de la réplique à partir de 1 minute 58

Si on reprend cette réplique pour la rapprocher du jeu de Ben Stiller, on peut se demander s’il a retenu la leçon débitée dans son film de 2008. En effet, l’acteur joue son rôle d’une telle manière qu’il semble être seul à croire au délire qu’il incarne et met en scène. Il manque véritablement une distance. On pourrait déceler dans ce film l’ultime parodie de Stiller, après son Ben Stiller Show ou encore Tonnerre sous les Tropiques, d’Hollywood, de la pop culture et des stars. Mais le délire créé par l’acteur-scénariste-réalisateur et ses trois collègues Justin Theroux, Nicholas Stoller et John Hamburg, a tant investi le film, sans aucune distance vis-à-vis de celui-ci, que l’idée d’un film critique et cynique tend à être complètement neutralisée. Ceci pour nous livrer un long métrage qui semble être, à l’image du monde de la mode et du mannequinat, un spectacle replié sur lui-même, relativement hermétique au public ; une orgie cinématographique auto-satisfaite dans son propre amusement délirant et paraissant sans loi(s), ni ordre(s) quel(s) qu’il(s) soi(en)t.

Zoolander 2 : Bande-annonce

Zoolander 2: Fiche Technique

Réalisateur : Ben Stiller
Scénariste : Justin Theroux, Ben Stiller, Nicholas Stoller, John Hamburg
Casting : Ben Stiller, Owen Wilson, Pénélope Cruz, Kristen Wiig, Will Ferrell, Cyrus Arnold, Benedict Cumberbatch, Nathan Lee Graham, Kiefer Sutherland, Justin Bieber, Billy Zane, Sting, Milla Jovovich, Justin Theroux, Susan Boyle, Lenny Kravitz, Skrillex, Kim Kardashian, Demi Lovato, Anna Wintour, John Malkovich, Olivia Munn, Katy Perry, Mika, Kate Moss, Kanye West
Directeur de la photographie : Dan Mindel
Montage : Greg Hayden
Direction artistique : Saverio Sammali
Décoration : Jeff Mann
Costumes : Leesa Evans

Musique : Theodore Shapiro
Producteurs : Clayton Townsend, Stuart Cornfeld, Ben Stiller, Scott Rudin
Production : Paramount Pictures
Distributeur France : Paramount Pictures France
Date de sortie : 2 mars 2016

Etats-Unis – 2016

Il est des couples de cinéma que l’on aurait cru improbables. Celui que forme Adèle Exarchopoulos, dont l’unique fulgurance à l’écran est une romance lesbienne, et Guillaume Gallienne,  dont les meilleures performances sont celles où il joue de son côté efféminé, en est un.

Synopsis : Anna est transférée dans la prison de la Santé en attente de son procès. Là, elle rencontre Jean Firmino, le très respecté directeur de la prison. Ils vont peu à peu se rapprocher, jusqu’à entamer une relation amoureuse qui, évidemment, leur est strictement interdite.

Un Roméo et Juliette derrière les barreaux

Et transformer la première en taularde provocatrice, et le second en bobo mal dans sa peau, ajoute à ce pari un peu fou qui nous est proposé dans Éperdument. Cette seconde réalisation de Pierre Godeau est directement adaptée du roman Défense d’aimer de Catherine Siguret, lui-même inspiré de l’histoire vraie de la relation qu’ont entretenue une des membres du « gang des barbares » et le directeur de la prison où elle était détenue. Ayant profité de nombreux repérages et d’un tournage dans une véritable prison pour femmes (comme cela avait déjà été le cas du très beau Ombline), le film s’assure une représentation fidèle de l’univers carcéral et de la dureté des conditions de vie des détenues. La participation au casting d’actrices non-professionnelles ayant vécu ce contexte contribue pour beaucoup à cette immersion dans le quotidien morne d’Anna, dont on comprend dès lors que son besoin de liberté se mue en véritable fantasme sexuel. Toutefois, le réalisateur-scénariste fait le parti-pris de totalement faire l’impasse sur les antécédents qui l’ont menée à cette condamnation, or le fait que la jeune fille dont elle est inspirée ait été utilisée par ses complices pour appâter leurs victimes est la preuve de son pouvoir d’attraction malsaine sur les hommes. Une dimension qui aurait largement mérité d’être explorée tant elle aurait apporté à cette histoire d’amour impossible une ambiguïté morale fascinante qui aurait su rendre le film moins lisse.

Et pourtant, le film commence très bien. Concentrées sur le point de vue d’Anna, les premières minutes font leur part belle à la description minutieuse de ses conditions d’incarcération, de ses relations avec ses codétenues et de ses espoirs de voir sa peine réduite. La vie quotidienne de ces prisonnières, et tout particulièrement le jeu de miroir qu’elles ont dans leur manie de regarder Secret Story, est pertinemment reconstituée. Malgré les maladresses de certaines des partitions des jeunes comédiennes amatrices, cette introduction est ce que le film a de meilleur à nous offrir. Non pas que Guillaume Gallienne ne soit pas convaincant, encore qu’il semble devoir forcer le trait dès lors qu’il lui est demandé d’exprimer la virilité de ce père de famille, mais le manque de finesse avec lequel se met en place le coup de foudre rend l’émotion assez superficielle. Fort heureusement, la façon dont la caméra capte les regards et filme les corps donnera à chacun des tête-à-tête entre ce fonctionnaire respecté et cette délinquante un certain érotisme et un inversement des rapports de force adroitement mis en scène. Toutefois, la passion va rapidement dépasser le cadre du huis-clos pénitencier et le récit ira se concentrer sur son point de vue à lui. Alors que la première partie aura sous-traité la naissance de l’attirance qu’il a pu avoir envers elle, le scénario n’aura dès lors de cesse de décortiquer en quoi cette liaison défendue s’avèrera autodestructrice, et ce en se construisant sur une succession de scènes factuelles hermétiques à tout romantisme.

Étiré sur une longue durée, rendue inintelligible par des ellipses difficilement appréhensibles, le récit avance en délaissant les tourments émotionnels de la pauvre Anna au fond de sa cellule. La réalisation va alors prendre de plus en plus de recul sur la passion fusionnelle pour prendre l’allure d’un thriller romanesque convenu et sans surprise. On ne réussira toutefois jamais à trouver dans la mise en scène plate et le jeu contenu des acteurs la flamme qui saurait illustrer l’instabilité affective qui pousse cet homme à braver tous les interdits au risque d’y perdre sa carrière et sa famille. Son arc narratif de Jean et sa descente aux enfers s’apparentent d’ailleurs à ce qui a été déjà vu dans Mon Roi, le rapport homme/femme inversé, comme viendra d’ailleurs nous le rappeler le plan final, strictement identique à celui du film de Maïwenn. En cela, l’idée qu’Anna ait, depuis le début, manipulé Jean, telle qu’il le sera supposé dans les dernières minutes du film, peut laisser subodorer la profondeur d’un jeu psychologique dérangeant qui nous aurait échappé. Toutefois, le souvenir de certaines scènes, où Adèle Exarchopoulos, plutôt que d’alimenter ce doute, multiplie les minauderies et les fulgurances à fleur de peau rend caduque cette piste. Et même lorsque le charme dont fait preuve Anna ramène un peu d’intensité sensuelle à ce scénario, celui-ci ira toujours lui préférer les contrariétés judiciaires et les problèmes de couple de son amant. A n’en point douter, le comportement des personnages alimente une approche fleur bleue de cette romance aux antipodes du réalisme de l’introduction.

Alors que l’histoire vraie dont est inspirée cette romance tire son pouvoir de déstabilisation du fait divers qui la précède, Pierre Godeau choisit d’en faire abstraction et n’en sort de fait qu’une adaptation bien trop littérale, incapable d’approfondir les tourments de ses personnages et de fait incapable d’inspirer l’intensité émotionnelle qu’évoque son titre.

Éperdument : Bande-annonce

Éperdument : Fiche technique

Réalisateur: Pierre Godeau
Scénario : Pierre Godeau, d’après le roman « Défense d’aimer » de Florent Goncalves
Interprétation: Adèle Exarchopoulos (Anna Amari), Guillaume Gallienne (Jean Firmino), Stéphanie Cléau (Elise Firmino), Marie Rivière (La mère d’Anna)…
Image: Muriel Cravatte
Montage: Hervé De Luze
Musique: Rob
Décors : Stéphane Taillasson
Costumes : Judith de Luze
Producteur : Philippe Godeau
Société de production : LGM productions, Pan Européenne Production
Distributeur : Studio Canal
Durée : 110 minutes
Genre: Romance
Date de sortie : 2 mars 2016

France – 2016

En lisant l’étiquette, un début de réponse apparaît. Au-delà des ingrédients habituels du duo (Gérard Depardieu, Benoït Poelvoorde, Michel Houellebecq, Gustave Kervern dans un petit rôle) émergent de nouvelles têtes : le jeune Vincent Lacoste, la double Ana Girardot, la césarisée Izïa Higelin, l’osée Ovidie, la timide Solène Rigot, la cavalière Céline Sallette. Autant de visages qui viennent renouveler la galerie de rencontres improbables auxquelles nous ont habituées les deux compères.

Synopsis : Comme tous les ans, Jean (Gérard Depardieu) se rend avec son fils Bruno (Benoît Poelvoorde) au Salon de l’Agriculture. Le premier vient présenter son plus beau taureau tandis que le second noie son chagrin en goûtant tous les vins du Salon. Mais cette année, Jean a quelque chose à dire à Bruno alors pour gagner du temps, il l’emmène faire la vraie Route des Vins. Accompagnés d’un jeune chauffeur de taxi (Vincent Lacoste), le père et le fils effectuent un voyage qui sera évidemment rempli de rencontres et de révélations.

Saint Amour est le septième long-métrage qu’écrivent et réalisent ensemble Gustave Kervern et Benoît Delépine. Une collaboration fructueuse dont la longévité n’a d’égale que la régularité : un film tous les deux ans, invariablement. Entraîné par une telle mécanique, peut-on continuer à s’inventer ? Semblant de réponse dans l’article ci-dessous, où l’on n’a pas résisté à la tentation de la métaphore vinicole.

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Sur l’étiquette, au-delà du texte, un dessin. La ligne est claire, le fond blanc uni, le tout paraît naïf. Le ton est donné : terminées les recherches esthétiques, le but est d’aller au plus simple, au plus évident. Ainsi, les gimmicks qui avaient permis au duo de se hisser bien haut dans le cœur des cinéphiles -de l’image granuleuse des caméras numériques aux plan-séquences fixes coûte que coûte- ont disparus. L’image se fait réaliste, la caméra plus légère, discrète. Même la nouvelle tête Sébastien Tellier, invisible derrière sa partition, s’est mis au pas d’une bande originale sans fioritures mais entraînante (quoiqu’un peu courte). Jusqu’ici, tout porte à croire que les deux réalisateurs ont redoublé d’efforts pour renouveler la composition de leur cépage, a priori dans le sens de la simplicité. Mais finie la lecture, il est temps d’ouvrir la bouteille.

Bordeaux Inférieur

Versons le vin, observons la robe : un début de déception se fait sentir. Car si l’étiquette est différente, la couleur est sensiblement familière. La structure du film est en effet inchangée : deux membres d’une famille qui se sont éloignés, un road-trip destiné à les réconcilier, Gérard Depardieu en vadrouille téléphonant à une mystérieuse femme disparue (qui, en outre, a la voix de Yolande Moreau), plusieurs rencontres avec des filles improbables mais finalement salvatrices… Autant de choses que l’on a méchamment l’impression d’avoir déjà vues dans Aaltra, Mammuth ou Le Grand Soir. Malgré plusieurs bonnes idées flottant ici ou là (des chambres d’hôtes, un aquarium, une visite d’appartement…) difficile de ne pas voir que ce rouge est beaucoup trop clair pour être satisfaisant.

Plonger le nez nous confirme que s’il n’est pas bouchonné, l’arôme manque de finesse. On est ici plus près du Groland que de Kaurismaki qui influençait le duo à ses débuts, et la poésie de Houellebecq a laissé place aux proses de comptoir et aux métaphores agricoles. L’hommage au monde paysan devient malheureusement une excuse à trop peu de délicatesse, que le binôme arrivait pourtant à tirer de presque tout -une zone industrielle, l’épluchage d’une patate, un tournoi de moto-cross. L’essentiel est là : la tendresse, l’amour, la sincérité, mais la perte de radicalité dans la mise-en-scène rend le tout un peu fade.

Entre-Deux-Mers

Une fois en bouche, le Saint Amour se dévoile complètement. Loin de trahir son appellation, il s’inscrit complètement dans la lignée des bouteilles précédentes, au risque peut-être de se répéter. Paradoxalement, c’est sans doute dans cette répétition que le film parviendra à conquérir un nouveau public. Car, délesté de ses exigences minimalistes, il se révèle plus populaire, mieux installé dans la tradition de la comédie franchouillarde, et donc plus apte à plaire à une large audience. Le film se qualifierait presque de familial, si l’on oubliait que l’abus d’alcool est dangereux pour la santé des mineurs.

Les palais les plus fins commenceront à se demander si le Kervern & Delépine n’est pas un peu court en bouche, mais les plus honnêtes admettront que sept films, c’est déjà un belle longueur. Dès le lendemain et sans langue de bois, toutes et tous admettront que, si Saint Amour n’est peut-être qu’un moyen cru, c’est en tous cas une bonne cuite.

Saint Amour : Bande annonce

Saint Amour : Fiche technique

Réalisateurs: Benoît Delépine, Gustave Kervern
Scénario : Benoît Delépine, Gustave Kervern
Interprétation : Benoît Poelvoorde (Bruno), Gérard Depardieu (Jean), Vincent Lacoste (Mike), Céline Salette (Vénus)…
Musique : Sébastien Tellier
Photographie : Hugues Poulain
Montage : Stéphane Elmadjian
Producteurs : Benoît Delépine, Gustave Kervern, Jean-Pierre Guérin
Sociétés de production : JPG Films, No Money Productions, Nexus Factory, Umedia, DD Productions
Distribution: Le Pacte
Durée : 101 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 02 Mars 2016
France – 2016

Auteur Amaurych

DieuMerci ! est le troisième long-métrage de Lucien Jean-Baptiste. Si son premier, La première étoile, avait fait beaucoup parlé de lui, allant jusqu’à décrocher une nomination aux Césars, son second, 30° couleur, était passé plutôt inaperçu. Comme à son habitude, Lucien Jean-Baptiste ne se contente pas de revenir qu’en tant que réalisateur, et n’hésite pas à se mettre en scène, ici avec Baptiste Lecaplain, pour une première collaboration à l’écran.

Synopsis : A sa sortie de prison, Dieumerci, 44 ans, décide de changer de vie et de suivre son rêve : devenir comédien. Pour y arriver, il s’inscrit à des cours de théâtre qu’il finance par des missions d’intérim. Mais il n’est pas au bout de ses peines. Son binôme Clément, 22 ans, lui est opposé en tout. Dieumerci va devoir composer avec ce petit « emmerdeur ». Il l’accueille dans sa vie précaire faite d’une modeste chambre d’hôtel et de chantiers. Au fil des galères et des répétitions, nos deux héros vont apprendre à se connaître et s’épauler pour tenter d’atteindre l’inaccessible étoile.

Derrière les barreaux, le théâtre

En étudiant les films de Lucien Jean-Baptiste, il est possible de découvrir les thèmes qui tiennent à cœur au réalisateur, notamment ceux de la famille, de l’antécédent familial, ainsi que celui des origines culturelles. Avec DieuMerci !, le réalisateur nous donne à voir un personnage que l’on découvre au cours du film, aimé de sa mère, et qui peine à se confier, à mettre des mots sur des sentiments qu’ils tentent de cacher. Ainsi, le réalisateur prend le temps de complexifier le passé de ses personnages, mais pas uniquement celui de Dieumerci, également celui de Clément.
Les interprétations sont tendres, la direction d’acteur est simple, et pourtant, elle pêche quelques fois. Firmine Richard est, comme à son habitude, touchante au possible. Se dégage de cette actrice une gentillesse absolue, qui ne peut que rappeler de bons moments de notre enfance. Vient ensuite Baptiste Lecaplain, que l’on aime par sa nonchalance et son jeu un tantinet naïf, comme on a pu le voir dans Libre et assoupi, mais cette sorte de « je m’en foutisme » a tendance à rebuter s’il est trop exagéré.

Ainsi, des scènes comme lorsqu’il recherche un endroit où dormir ne sont pas des plus crédibles, cause à une inquiétude qui ne semble pas le ronger. Enfin, le personnage campé par Lucien Jean-Baptiste est agréable, mais les situations dans lesquelles ils se trouvent hument beaucoup trop le pathos pour que l’on puisse se prendre de quelconque empathie pour lui. L’excédent de musique extra-diégetique rend pathétique des scènes qui se voudraient touchantes. Dommage car l’acteur a à son actif une palette d’émotions dans son jeu qui lui permettrait d’émouvoir le spectateur, si utilisée à bon escient. On regrettera donc une instabilité en terme de jeu tout au long du film. Toutefois, la présence de Michel Jonasz, vu pour la dernière fois au cinéma en 2014, en tant qu’avocat de Dieumerci est amusante, bien qu’assez superficielle.
Mais il ne faut pas se méprendre, prises comme un tout, les prestations sont tout à fait convaincantes et siéent au propos du film.

Le propos, et ses ficelles scénaristiques, sont, sans aucun doute, les grosses lacunes du film. Le scénario se conforme dans un déjà vu cinématographique décevant. Un homme sort de prison, souhaite devenir comédien, rencontre un jeune acteur qui devient son meilleur ami, réussit son audition, avec une mère aimante qui le soutient. Voici en quelques mots une heure et demie de film résumée, les quelques touches d’humour exceptées. Dommage. On s’attendait de la part de Lucien Jean-Baptiste un peu plus de folie dans son écriture. Tout se devine, rien ne surprend. Le devenir des personnages est tout tracé, et la monotonie déçoit.
Enfin, vient ce rappel que devenir comédien est le rêve de gosse de Dieumerci. Un rappel bien trop excessif, comme s’il fallait attirer l’attention et bien faire comprendre au spectateur qu’il est important de croire en ses rêves. Oui, croire en ses rêves de gamin est important, mais cela peut être fait de manière plus discrète.
Malheureusement, pour ne rien améliorer, certaines touches humoristiques tombent à plat. Certes, on esquissera un sourire à quelques moments, notamment face à la complicité mère/fils, ou lors de la séquence du chantier, mais ce n’est pas par l’humour que Lucien Jean-Baptiste réussira à convaincre.

Alors non, on ne s’ennuie pas devant Dieumerci !, mais on regrette le manque d’audace de la part des acteurs et du réalisateur. Ce nouveau long-métrage de Lucien Jean-Baptiste s’inscrit dans la continuité de ses précédentes œuvres : des comédies simples, très bon enfant, s’essayant à faire passer un bon moment au spectateur.

Dieumerci ! : Bande annonce

Fiche Technique : Dieumerci !

Réalisation : Lucien Jean-Baptiste
Scénario : Grégory Boutboul et Lucien Jean-Baptiste
Distribution : Lucien Jean-Baptiste, Baptiste Lecaplain, Olivier Sitruk, Delphine Théodore, Firmine Richard, Michel Jonasz, Jean-François Balmer, Édouard Montoute…
Décors : Pierre Pell
Photographie : Colin Wandersman
Montage : Sahra Mekki
Son : Benjamin Rosier
Musique : Fred Pallem
Production : Aïssa Djabri et Farid Lahouassa
Société de production : Vertigo Productions
Société de distribution : Wild Bunch Distribution
Genre : comédie
Durée : 95 minutes
Date de sortie : 9 mars 2016

France – 2016

A l’heure où la Belgique souhaite fermer ses portes face aux réfugiés massés dans le Nord de la France sans grande perspective de retrouver leur famille Outre-Manche, le bar Belgica sonne comme une ironie, un pied-de-nez politique sans doute pas si innocent de la part de son créateur, avec ses portes ouvertes à tous vents et ses néons multiples qui appellent la foule.

Synopsis: Jo et Frank sont frères, et comme souvent dans les familles, ces deux-là sont très différents. Jo, célibataire et passionné de musique, vient d’ouvrir son propre bar à Gand, le Belgica. Frank, père de famille à la vie bien rangée et sans surprise, propose à Jo de le rejoindre pour l’aider à faire tourner son bar. Sous l’impulsion de ce duo de choc, le Belgica devient en quelques semaines the place to be…

Brothers

Le gantois Felix van Groeningen creuse le sillon de son cinéma particulier, toujours à la limite de l’outrance, mais toujours rescapé du « too much » par une science de la mise en scène ; à tel point qu’il vient d’être remarqué et honoré au festival Sundance pour ce nouveau film Belgica, après une mention au meilleur film étranger des Oscars et une récompense aux César pour son précédent film, le très adoubé Alabama Monroe, tout comme il a été primé pour la Merditude des choses à la Quinzaine des Réalisateurs au festival de Cannes…

Le film, inspiré de manière très lointaine par des faits réels (le père du cinéaste a possédé un bar qu’il a ensuite revendu à deux frères), s’ouvre sur cette scène classique d’un petit matin où un couple qui s’est formé dans la nuit se disloque au petit jour, une fois les effluves alcoolisés envolés : un départ en catimini, sur la pointe des pieds et les chaussures à la main, d’un des deux partenaires. Ici c’est la fille, Marieke (Hélène de Vos) qui part, rassurée d’apprendre par le garçon Jo (Stef Aerts) qu’ils « n’ont rien fait » dans la nuit, que Jo n’a pas profité de son état d’ébriété très avancée.

En une scène, Félix van Groeningen campe le personnage de Jo, un garçon posé et chétif, dont un œil est resté collé par un méchant germe peu de temps après sa naissance. Un handicap qui le met dans une empathie plus forte, le sujet d’une moquerie qui n’a jamais pu se manifester grâce à son grand frère et héros Frank (Tom Vermeir) qui, enfant, le protégeait de la méchanceté des autres. Jo est le patron du café  Belgica, un café bon enfant où tout le monde est donc le bienvenu.

Et ce grand frère est caractérisé dans une opposition presque totale avec Jo. Père d’un tout jeune enfant d’autant plus naturel et expressif que le personnage du père est distant, on le voit débouler dans sa propre maison comme un chien fou, et en même temps comme quelqu’un qui ne serait pas concerné par ce qui s’y passe, par la vie qui s’y mène. Énergique, Frank s’ennuie mortellement entre le chenil de sa femme Isabelle (Charlotte Vandermeersch) et sa propre concession de voitures d’occasion. Il veut booster sa vie devenue invivable car trop tranquille. Il plaque alors tout, revend ses parts à son associé, rafle les économies de la famille, et s’impose plus qu’il ne se propose au projet de Jo d’agrandir le café et d’en faire un club ouvert à toutes les musiques. La mise en scène de Felix van Groeningen bâtit deux films qui s’écoulent en parallèle : d’une part, une sorte de grand boulevard permettant aux frères Dewaele, ses amis du groupe electro-rock de Soulwax, de dérouler leur talent, et d’autre part, mais de manière complètement imbriquée, l’histoire de ces deux frères, dans leurs rapports réciproques et dans leurs rapports avec leur entourage. Le film Belgica porte bien son titre, car ce « lieu de perdition » comme « promis » au micro tous les soirs par son propriétaire en est le personnage central ; tout s’y noue et se dénoue . Le spectateur va suivre le renforcement et le délitement de cette relation, l’influence de l’endroit sur l’un et l’autre dans leur cheminement. Ces évolutions sont apportées par petites touches symboliques noyées dans l’énergie et la frénésie générales du Belgica. De même, le cinéaste montre très justement le mécanisme d’entraînement, qui fait qu’hommes et femmes se laissent aller à tous les excès, à leur animalité presque par capillarité.  Mais avant tout, la part belle est donnée à la musique et à Soulwax , peut-être un peu trop, au détriment notamment des personnages féminins (une mère qui n’apparaît que sous forme d’ébauche, alors qu’on entrevoit un beau personnage empreint de douceur; les partenaires des deux frères, confinées l’une et l’autre dans des clichés qui manquent de nuance par manque de caractérisation). Enfin, le sous-texte lié à la montée du racisme et du protectionnisme est assez subtilement amené par le gantois.

Belgica n’est pas un film musical au sens de la comédie musicale. C’est un film qui porte la musique excellente et éclectique que Soulwax a écrite pour l’occasion. Sortant de leur zone de confort, les frères Dewaele ont imaginé des groupes fictifs, allant du rockabilly ou de la techno jusqu’à la magnifique marche du soir de l’inauguration… Tournés en live, ces concerts sont offerts à de très nombreux figurants plus vrais que nature, sans doute les mêmes personnes qui fréquentent le Charlatan, classé comme l’un des meilleurs clubs de Gand et probablement de la Belgique, et qui est le fameux ancien club de papa Groeningen.

Felix van Groeningen mérite le prix de la mise en scène glané dans l’Utah (section World Dramatic). Il y a du savoir-faire dans Belgica, qui lui donne le côté complètement immersif, qui lui permet de toucher même les spectateurs qui sont insensibles à la musique que les frères Dewaele proposent ; mais il faut reconnaître que l’intense émotion d’Alabama Monroe n’est pas présente dans Belgica, trop éparpillé, et pas assez connecté avec le moi intérieur des personnages…Il reste un film réussi, et propulse son auteur un peu plus vers le sommet mondial du septième art actuel.

Belgica : Bande annonce

Belgica : Fiche technique

Titre original : Belgica
Réalisateur : Felix van Groeningen
Scénario : Arne Sierens, Felix van Groeningen
Interprétation : Stef Aerts (Jo), Tom Vermeir (Frank), Stefaan De Winter (Ferre), Dominique Van Malder (Manu Dewaey), Ben Benaouisse (Momo), Boris Van Severen (Dave Coppens), Sara De Bosschere (Nikki), Charlotte Vandermeersch (Isabelle), Hélène De Vos (Marieke), Jean-Michel Balthazar (André), Bo De Bosschere (Wibo), Sam Louwyck (Rodrigo), Anjana Dierckx (Katrien), Hannes Reckelbus (Jan), Silvanous Saow (Rudy Rasta), Fouad Oulad Khlie (Mohammed), Arne Sierens (Frederic), Johan Heldenbergh (Bruno Schollaert), Nils De Caster (Inspecteur Dewaele), Titus De Voogdt (Inspecteur Van Beveren)
Musique : Soulwax
Photographie : Ruben Impens
Montage : Nico Leunen
Producteurs : Hans Everaert, Christoph Foque, Alberte Gautot, Arnold Heslenfeld, Dirk Impens, Katelijne Pieters,
Laurette Schillings, Frans van Gestel, Rudy Verzyck
Maisons de production : Menuet Producties, Pyramide Productions, Topkapi Films
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : Prix de la mise en scène au Festival de Sundance, janvier 2016, – section World Dramatic
Budget : ND
Durée : 127 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 02 Mars 2016
Belgique, France – 2016

Journaliste suisse, déjà auteur de plusieurs documentaires destinés à la télévision (la plupart pour Arte, qui a de fait participer au financement de son projet), Pierre Morath réalise pour la première fois un film destiné au grand écran. La course à pied est un sport qu’il exerce lui-même depuis son adolescence, et lui consacrer une étude sociologique est une idée potentiellement passionnante tant sa pratique est devenue quelque chose de commun.

Synopsis : Des années 60 à nos jours, la course à pied est devenu le sport individuel le plus pratiqué au monde. Entre New-York et la Suisse, la popularisation de ce sport, dont la pratique hors des stades par des professionnels était à l’origine considérée comme une preuve de folie, est passée par différentes étapes que l’on doit à des individus motivés à défendre leur cause.

Rien ne sert de courir, il faut partir à point!

Avec l’appui de Philippe Torreton, qui prête sa voix à la narration, Free to Run retrace donc la manière dont le jogging, exercice de mise en forme pour les uns, expérience mystique pour les autres, est devenu, en un demi-siècle, un phénomène de société. Pour cela, le réalisateur s’axe sur plusieurs récits, et en particulier sur les histoires de trois individus qui ont contribué à la démocratisation de ce sport individuel autrefois réservé à quelques marginaux.

Le premier de ces récits est celui de Kathrine Switzer, qui fut la première femme à avoir couru le marathon de Boston en 1967 bravant l’interdiction faite aux femmes d’y participer. Morath n’hésite donc pas à établir un parallèle entre son combat contre la discrimination imposée par la Ligue Nationale d’Athlétisme américaine et les luttes féministes de la fin des années 60. Commence alors un jeu d’allers-retours entre la côte Est des Etats-Unis et la Suisse (avec quelques rares détours sur le sol français et le plat pays) afin d’illustrer que les marathons étaient à l’époque également réservés aux hommes en Europe. Le machisme ambiant et les arguments pseudo-médicaux visant à décourager les femmes de courir sont contrebalancés par des images d’archive et des témoignages poignants défendant le running comme moyen d’exprimer son indépendance et de communier avec la nature. C’est cette vision anti-réactionnaire que revendique le suisse Noel Tamini, le second protagoniste sur lequel va s’axer la narration, s’éloignant ainsi pour quelque instant de la thématique des remous socio-politiques en Amérique. Fondateur du magazine bimestriel Spiridon, Tamini a participé à la popularisation de la course à pied en Europe en démontrant, grâce à ses photographies, la beauté des corps, masculins comme féminins, au cours de l’acte physique. Beaucoup de ces images se retrouvent dans un excellent montage exaltant, rythmé par des musiques d’époque prenantes, qui forme une véritable ode à la liberté.

Puis, à mi-chemin, le documentaire retourne s’installer sur la côte Est des Etats-Unis et prend une tournure différente de cette vision idéalisée du running, puisqu’il cherche à nous raconter l’histoire du marathon de New-York. Dès lors, la pratique de la course à pied n’apparaît plus comme un mode d’émancipation universel mais comme un évènement annuel typiquement new-yorkais. Une rupture de ton assez abrupte dans l’approche de son sujet que le réalisateur fait en se concentrant sur un homme en particulier : Fred Lebow. Fils d’immigrés roumains, il incarne le rêve américain en devenant l’un des organisateurs du marathon de Boston puis le fondateur de celui de New-York. Etape par étape, on suit le succès grandissant de ce rituel populaire, aidé par certains sportifs de renom (parmi lesquels le charismatique champion Steve Prefontaine), allant irrémédiablement se clore, exactement comme il aurait été fait dans un biopic fictionnel, par le récit mélodramatique de la mort de Lebow. Les images d’archives, datant à présent des années 80 et 90, nous démontrent le poids croissant  des médias et des sponsors dans l’organisation ce rendez-vous que même les pires évènements climatiques n’empêcheront pas d’avoir lieu. C’est une façon bien étrange que ce documentaire a, de passer d’une vision du running proche de l’esprit hippie des années 60 à une industrie commerciale cinquante ans plus tard. Une perte d’idéalisation que le film va tout de même tenter de retrouver dans sa conclusion.

Il est regrettable qu’il y ait deux films en un, l’illustration d’un exercice physique, vecteur de liberté individuelle d’une part, et l’historique du marathon de New-York d’autre part, tant ces deux approches d’un même sport s’avèrent au final antinomiques. Quoi qu’il en soit, en sortant de ce visionnage, il est difficile de résister à l’envie d’aller se dégourdir les jambes.

Free to Run : Bande-annonce

Free to Run : Fiche technique

Réalisateur : Pierre Morath
Voix-off : Philippe Torreton
Image et montage : Thomas Queille
Son : Nicolas Samarine
Musiques originales : Kevin Queille, Polar
Graphisme et animations : Ramon et Pedro
Musique : Kevin Queille
Archives : Prudence Arndt, Deborah Ford, Eléonore Boissinot
Montage son : Jean-François Levillain
Mixage : Philippe Charbonnel
Etalonnage : Xavier Pique
Producteurs : Marie Besson, Fabrice Estève, Jean-Marc Fröhle…
Société de production : Eklektik Productions, Point Prod, Yuzu Productions
Une production Suisse / France / Belgique
En coproduction avec Radio Télévision Suisse (RTS), Arte France
Cinéma, RTBF (Télévision belge),Proximus
Avec le soutien de L’Office fédéral de la culture, du Centre du
Cinéma et de l’Audiovisuel, de la Fédération Wallonie-Bruxelles et de
Voo, de Cinéforom et la loterie romande, du fonds culturel suissimage,
de Succès Cinéma, de Succès Passage Antenne
Distribution France et ventes internationales Jour2Fête
Durée : 99 minutes
Date de sortie : 13 avril 2016
Genre : Documentaire

Suisse/France – 2016