Il est beaucoup de films que l’on voit en se disant qu’il s’agit d’une suite inappropriée… et il y en a certains, plus rares, que l’on aurait préféré être une suite assumée. Non pas que Les Kaïra ait été une comédie mémorable, on ne peut pas nier aux trois acolytes de la web-série Kaïra Shopping d’avoir su caricaturer les petites frappes de leurs cités HLM avec un second degré assez pertinent.

Synopsis : Afin de financer leur voyage dans une station balnéaire thaïlandaise, Franky et Krimo n’ont pas de meilleure idée que d’inscrire un nain de leur quartier à un concours de boxe. Mais leur ruse va inévitablement se retourner contre eux, transformant leurs vacances de tourisme sexuel en folles aventures.

Les Kaïras se dorent la pilule au soleil 

Quand, près de quatre ans plus tard, l’un des trois décide d’en réaliser la suite et que les deux autres ne le suivent pas, il aurait mieux fallu que le projet soit mis de côté et retravaillé dans l’attente de la reformation du trio. Mais non, Franck Gastambide est têtu et n’a pas hésité à remplacer ses anciens compères avec une nonchalance très douteuse. Le premier des deux, c’est Medi Sadoun, qui  semble très sollicité depuis Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu, puisqu’on l’a vu récemment dans Joséphine S’arrondit et bientôt dans La Dream Team au côté de Gérard Depardieu. Nécessitant son quota de « reubeux » pour rendre sa satire sociétale cohérente,  c’est Malik Bentalha qui se charge d’occuper ce rôle. Le second c’est Jib Pocthier, que l’on retrouvera bientôt dans Les Visiteurs : La Révolution. Devant son refus, et puisque le scénario comporte un nombre incalculable de moqueries envers les personnes de petite taille, il a fallu que Anouar Toubali, un autre nain aperçu dans Les Kaïra, vienne le remplacer. C’est donc avec une troupe de rechange que Gastambide met en boite son scénario qui se construit sur le même schéma que beaucoup de suites, celui du dépaysement (on pense forcément aux récents, et très mauvais, Babysitting 2, Les Profs 2 ou encore Les Tuche 2). Mais qu’aurait gagné ce Pattaya à être Les Kaïra 2 ? Hormis d’être porté par une troupe de comédiens dont la symbiose a déjà fait ses preuves, c’est surtout cette introduction lourdingue, basée sur les explications d’une insupportable voix-off, qui nous aurait été épargnée si nous nous étions retrouvés face à des personnages déjà connus. Après une demi-heure, on finit (enfin !) par se libérer de cette mise en place plombante et fermer les yeux sur ce casting de rafistolage pour entrer dans le lourd du sujet… sauf que, pas de chance, c’est cette première demi-heure qui offrait les situations les plus drôles.

La délocalisation du décor dans cette ville thaïlandaise, haut lieu du tourisme sexuel à présent considéré comme « le paradis des cailleras », a au moins pour avantage d’élargir le potentiel satirique d’un film qui, en s’enfermant dans des blocs d’immeubles (et même si la ville de Melun était dans Les Kaïra une belle source de décalage), s’assurait de tourner rapidement en rond. Pattaya s’assure ainsi un humour décomplexé et politiquement incorrect. Les meilleures idées comiques sont sans doute les nombreuses parodies et autres clins d’œil à la culture populaire, avec surtout la télé-réalité en ligne de mire, et les quelques caméos bien pensés, qu’il s’agisse de Fred Testot ou Cyril Hanouna mais aussi de Seth Gueko et Rim’K dont la présence satisfera les amateurs de rap à qui s’adresse le film. Dans un esprit peu raffiné, très inspiré par certaines comédies américaines, le scénario enchaine sans vergogne les blagues les plus graveleuses sur les nains, les gros, les travelos et tant d’autres sujets si faciles à attaquer. Ce n’est donc pas un hasard si le passage qui se veut le plus drôle du film est un gag scatologique littéralement explosif. Sauf que, là encore, la tonalité comique s’appauvrit rapidement et le réalisateur n’a pas d’autre choix, pour maintenir l’attention du spectateur jusqu’au bout, de faire profiter à sa dernière demi-heure d’une accélération notable du rythme. On en retiendra surtout une scène de fête sur la plage pleine d’énergie. On peut ainsi remarquer que Franck Gastambide a fait, en moins de quatre ans, beaucoup de progrès en termes de mise en scène mais a encore des efforts à faire du côté de l’écriture.

En plus de s’essouffler trop vite, l’humour gras, à force de ne taper que sur les mêmes cibles, dérape souvent dans le pire mauvais gout notamment machiste et homophobe. Au-delà de cet esprit outrancièrement irrévérencieux –qui attirera les spectateurs fatigués d’un cinéma populaire français trop lisse-, l’un des plus gros soucis de ce film est finalement d’être incapable de tirer un autre profit de son changement de décor que l’exploitation de ses paysages exotiques. Etre allé poser sa caméra à l’autre bout du monde pour aller y jouer avec exactement les mêmes clichés que ceux présents dans les banlieues françaises et en limitant les autochtones à un gang de boxeurs nains est en effet un gros gaspillage cinématographique. Même si le talent de transformiste –à défaut de talent d’acteur- de Gad Elmaleh est mis à profit pour rendre rigolo son personnage de gourou au look calqué sur Fu Manchu, il n’apporte pas grand-chose à ce scénario dont le niveau ne s’élève jamais au-delà du niveau intellectuel de ses personnages. A propos des personnages principaux justement, le plus flagrant, et sans aucun le plus avilissant de ce Pattaya, est que son réalisateur-scénariste semble à présent trop déconnecté de l’univers urbain qu’il caricature pour le faire sans tomber dans une représentation aussi désuète que méprisante. Et pourtant, c’est à ceux là même qui sont réduits à leur illettrisme et leur vulgarité qu’est destiné cette comédie. En cela, Pattaya s’inscrit dans cet esprit communautariste qui avilie le cinéma français contemporain et semble rendre légitime les discours les plus haineux d’un coté comme de l’autre du spectre idéologique.

Désireux de pousser jusqu’au bout l’esprit trash de sa satire de la jeunesse des banlieues, en mettant de côté le second degré de son premier film, Franck Gastambide fait preuve d’une telle fainéantise dans l’élaboration de son projet qu’il est légitime de se demander s’il n’a pas financer son film de potes uniquement pour aller profiter du soleil de Thaïlande.

Pattaya : Bande-annonce

Pattaya : Fiche technique

Réalisateur : Franck Gastambide
Scénario : Franck Gastambide, Stéphane Kazandjian
Interprétation : Franck Gastambide (Franky), Malik Bentalha (Krimo), Anouar Toubali (Karim), Ramzy Bedia (Reaz), Gad Elmaleh (Le Marocain)…
Musique : Kore, Eric Neveux
Photographie : Renaud Chassaing
Montage : Laure Gardette
Producteurs : Eric et Nicolas Altmayer
Sociétés de production : Mandarin Cinéma, Gaumont, D8 Films
Distribution: Gaumont Distribution
Durée : 97 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 24 Février 2016
France – 2016

Nahid est le nom de l’héroïne du premier long métrage de la cinéaste Ida Panahandeh. Nommer son film ainsi, c’est affirmer son point de vue unique, celui de cette jeune femme iranienne d’aujourd’hui coincée dans des mœurs d’avant-hier.

Synopsis: Nahid, jeune divorcée, vit seule avec son fils de 10 ans dans une petite ville au bord de la mer Caspienne. Selon la tradition iranienne, la garde de l’enfant revient au père mais ce dernier a accepté de la céder à son ex femme à condition qu’elle ne se remarie pas. La rencontre de Nahid avec un nouvel homme qui l’aime passionnément et veut l’épouser va bouleverser sa vie de femme et de mère….

Le vent nous emportera

Divorcée depuis deux ans d’Ahmad (Navid Mohammadzadeh), son mari irresponsable, junky et joueur, Nahid (Sareh Bayat) vit avec son fils Amir Reza (Milad HosseinPour) dans un appartement dont elle n’arrive pas à payer le loyer avec son maigre salaire de dactylo. Vent debout contre l’iniquité des lois iraniennes à l’égard des femmes dans le cas des divorces, Nahid a en effet farouchement renoncé à la pension alimentaire en échange de la garde d’Amir Reza, sinon confiée d’office par la loi au père ; pour les mêmes raisons, elle renonce à un remariage avec son nouvel amoureux, Massoud (Pejman Bazeghi).

Le premier plan du film nous montre pourtant Nahid et Massoud, que la première appelle « Mon chéri », au bord d’une mer caspienne morose et balayée par le vent, tous deux debout à une distance plus ou moins prudente l’un de l’autre, essayant de voler du temps et une intimité relative à la société qui les observe. Nahid est visiblement amoureuse de cet homme qu’elle peut à peine voir en tête à tête en public, ne parlons même pas de gestes de tendresse. Massoud est un veuf prospère, possédant notamment cet hôtel où il rencontre sa belle, et la cinéaste a cette belle idée d’utiliser les caméras de surveillance de l’hôtel comme moyen pour les deux amoureux de contourner les interdits, un moyen de voir l’autre, d’être vu par l’autre, au travers des écrans, quand il leur est impossible de s’afficher ensemble.

Tout comme dans le film Une Séparation de Asghar Farhadi et dont Sareh Bayat était déjà une des protagonistes, Nahid est un film qui montre la violence faite à la femme iranienne à travers une histoire de divorce, une violence qui se traduit par des lois plus que discriminatoires. Mais contrairement à lui, Nahid adopte le point de vue de la femme. Et ici, la femme n’est pas exempte de défaut : une femme dépensière, fantasque, n’hésitant pas à opérer de petits mensonges pour arriver à ses fins. Une femme qui doit ruser en permanence pour sauvegarder le peu de marge de manœuvre à sa main. Une femme qui crie sur un fils difficile, pour la garde duquel elle est pourtant prête à tous les renoncements. Ainsi, Nahid n’apparaît jamais comme une victime éplorée, seulement comme une femme libre qui veut « vivre seule » ainsi qu’elle le réclame, ni sous la coupe d’un ex-mari encore amoureux, revanchard et vindicatif, ni sous la surveillance rapprochée d’un frère qui ne pense qu’à la réputation de la famille, ni même sous l’autorité financière de son amoureux qu’elle sera obligée d’épouser le temps d’un mariage temporaire, afin de sauver les meubles, cette mascarade de mariage en vigueur notamment en Iran, et qui lui permettra de vivre sous le même toit que Massoud et sa fillette.

Nahid est virevoltante, comme une petite souris prise dans un piège. Elle sait à peine ce qu’elle veut, tant le monde des possibles est restreint, d’abord confinée à son appartement qui représente ses seuls mètres carrés de liberté, puis chez Massoud qui, à son tour, lui semble empiéter sur sa liberté, chez son frère enfin, quand toutes ses ruses sont épuisées. Est-ce ce mouvement incessant de Nahid qui rend le film sans relief, sans point fort auquel se raccrocher ? Toujours est-il que malgré un scénario (trop) fourni, le film manque paradoxalement de dynamisme, et la mise en scène de situations très quotidiennes ne fonctionne pas aussi bien que dans d’autres films. Il semble que d’une part des films comme Taxi Téhéran de Jafar Panahi ou les Chats persans de Bahman Ghobadi marchaient notamment grâce à l’humour qui manque peut-être à Nahid, et que d’autre part les films comme Une séparation ou Au revoir de Mohammad Rassoulof, marquent par une intériorité des personnages qui les rendent plus intenses que la jeune Nahid, avec plus d’épaisseur, et ce, sans remettre en cause le talent de Sareh Bayat qui sonne toujours très juste dans sa prestation.

Il est toutefois intéressant de suivre son histoire d’amour avec Masoud, un amour qui s’exprime en creux, une passion symbolisée ici par un flamboyant canapé rouge, un achat que Nahid fait malgré son manque chronique d’argent, une couleur rouge dans un océan de gris (la mer, le temps, les costumes et le décor en général), que le chef opérateur Morteza Gheidi sublime avec ce qu’il faut comme grain de tristesse et de mélancolie.

Nahid est un film « officiel », qui a reçu les autorisations (et les contrôles) de la part du gouvernement iranien. On y voit donc les femmes voilées du lever au coucher, à l’extérieur comme à l’intérieur, enceintes sans tendresse, giflées sans raison valable. Cette obéissance totale aux chartes en vigueur permet de voir en filigrane à quel point le cinéma est contraint, mais surtout à quel point la vie est contrainte en Iran, à commencer par celle des femmes, et rien que pour ça, Nahid est un film qui mérite une large audience.

Nahid – Bande annonce

Nahid – Fiche technique

Titre original : ناهید
Réalisateur : Ida Panahandeh
Scénario : Ida Panahandeh, Arsalan Amiri
Interprétation : Sareh Bayat (Nahid), Nasrin Babaei (Leila), Pejman Bazeghi (Masoud), Milad HosseinPour (Amir Reza), Navid Mohammadzadeh (Ahmad), Pouria Rahimi (Naser)
Musique : Majid Pousti
Photographie : Morteza Gheidi
Montage : Arsalan Amiri
Producteurs : Bijan Emkanian
Maisons de production : –
Distribution (France) : Memento films Distribution
Récompenses : Festival de Cannes, prix de l’avenir pour Ida Panahandeh
Budget : ND
Durée : 105 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 24 Février 2015
Iran – 2015

Muni d’une filmographie aux films oubliables, à l’exception du sympathique Lars and the Real Girl (Une fiancée pas comme les autres en français), et destinés principalement aux adolescents, la comédie potache Mr. Woodcock et le remake de Fright Night en témoignent, Craig Gillespie poursuit sa collaboration avec Disney entamée avec son précédent film, Million Dollar Arm, et vient donc mettre en scène pour eux l’opération de sauvetage d’un pétrolier qui eut lieu au début des années 50.

Synopsis : En 1952, une tempête provoque le naufrage des pétroliers SS Fort Mercer et SS Pendleton près des côtes de Cap Cod. Des garde-côtes vont alors tenter une périlleuse opération de sauvetage.

En pleine tempête 

Un fait divers très connu aux Etats-Unis mais beaucoup moins par chez nous, qui traduit donc l’envie d’un film 100% américain porté par un yes-man du studio et qui est condamné à errer dans la masse de ces œuvres inspirées de fait réels sans éclats et académiques qui voient régulièrement le jour. Ce genre de produits cinématographiques, on en voit des dizaines par an et n’ont, en apparence, plus rien à offrir au cinéma, ni même aux spectateurs. D’où une campagne promotionnelle frileuse qui essaie de faire passer son film dans la plus grande discrétion.

Il faut dire qu’ici il n’y a pas grand chose à se mettre sous la dent, le scénario s’avère très classique et sans surprise. En découpant la narration en 3 points de vue, celui du garde-côte, qui fait office de personnage principal, celui de sa femme ainsi que celui du « chef » des membres d’équipages coincés sur le pétrolier échoué, le film ne fait pas le choix le plus judicieux car il s’encombre de la sorte avec un rythme en dent de scie et de sous-intrigues inutiles et poussives pour comprendre l’état d’esprit de certains personnages. Jouer la subtilité et les non-dits aurait eu plus d’impact ici, permettant de réduire un récit parfois trop long et d’en enlever les passages les plus laborieux. Tout ce qui entoure la femme du garde-côté est, par exemple, un ratage complet. Ces scènes sont mal-amenées et très lourdes, soulignant un travail d’écriture bancal. Ce sera la partie sauvetage et celle sur la survie de l’équipage du pétrolier qui se montreront les plus efficaces même si elles n’évitent pas un nombre assez important de clichés propres au genre, entre les querelles pour le commandement et le passif tragique du héros. Néanmoins la personnalité frustrée du héros détonne dans ce genre de films, apportant une touche de fraîcheur dans le récit et une empathie plus prononcée. De plus les séquences sur le pétrolier, malgré leurs aspects déjà-vus, fonctionnent vraiment tandis que le film gère son classicisme avec intelligence distillant ici et là un charme désuet qui fait son œuvre même si on n’évite pas une touche de pathos qu’on aurait aimé éviter.

On se retrouve face à un casting qui souffle le chaud et le froid. Les acteurs ne sont pas mauvais en soi mais certains semblent totalement effacés et ne font que le strict minimum pour habiter le récit, comme Eric Bana qui ne semble être là que pour cachetonner. Globalement les acteurs ont du mal à sortir de leurs caricatures, offrant des performances assez limitées à l’image de Holliday Grainger qui peine à convaincre dans son rôle. Elle n’a jamais assez de convictions pour être aussi forte et indépendante que son personnage et est trop détachée pour que l’on ressente son inquiétude. Finalement les plus convaincants sont le duo principal et Ben Foster qui n’a pas d’autres choix que de faire le minimum, vu le peu de place laissé à son personnage, mais qui le fait avec toute l’intensité et le talent qui le caractérise. Chris Pine fait quant à lui un héros convaincant, offrant une prestation honorable sans pourtant être mémorable, et c’est vraiment Casey Affleck qui marque le film de son empreinte. Il est ici très bon comme à son habitude et irradie l’écran par son charisme et sa subtilité de jeu.

La mise en scène de Craig Gillespie arrive à distiller ici et là de bonnes idées, notamment durant les passages sur le pétrolier qui retranscrivent bien la claustrophobie du lieu et la détresse des personnages. Globalement elle se montre maîtrisée et efficace, n’hésitant pas même à placer des mouvements de caméras ambitieux qui traduisent une volonté de ne pas rester sur ses acquis assez admirables mais pas entièrement tenue. Car, hormis les passages en mer vraiment réussis par leurs tensions et leurs rythmes, malgré un ou deux enchaînements de plans assez illisibles, les passages sur la terre ferme se montrent quant à eux fades et génériques. Il est donc dommage que ces passages sur la côte prennent beaucoup trop d’importance et ce n’est pas aidé par un montage qui fait trop de parallèles grossiers entre les événements en mer et ceux sur terre, alourdissant le rythme et accentuant le pathos. L’aspect larmoyant n’est pas non plus aidé par la musique pompeuse de Carter Burwell, qui est bien loin de son travail pour les frères Coen. Il est aussi dommage que les effets spéciaux du film ne soient pas toujours au point et que beaucoup de fonds verts soient trop visibles mais cet aspect est légèrement atténué par une photographie léchée qui fait son petit effet.

The Finest Hours est donc un film totalement oubliable mais pas entièrement honteux. Il n’apporte clairement rien au paysage cinématographique, est muni de plusieurs passages ratés et mal écrits et ne dépasse jamais son classicisme qui apporte beaucoup trop de pathos. L’ensemble est finalement sauvé par une mise en scène qui à ses fulgurances et une efficacité constante de la partie sauvetage même si elle est attendue. Le casting maintient le film à flot mais ne se révèle pas mémorable tandis que le spectateur est ballotté entre les moments agréables et ceux agaçants au sein d’une oeuvre qui tangue entre ses deux niveaux de qualités. Pas terrible donc mais vu la quasi-absence de campagne promotionnelle et le projet en lui-même, on aurait pu s’attendre à bien pire.

The Finest Hours : Bande annonce

The Finest Hours : Fiche technique

Réalisateur: Craig Gillespie
Scénario : Eric Johnson, Scott Silver et Paul Tamasy, d’après le livre « The Finest Hours: The True Story of the U.S. Coast Guard’s Most Daring Sea Rescue » de Casey Sherman et Michael J. Tougias
Interprétation: Chris Pine (Bernie Webber), Casey Affleck (Ray Sybert), Eric Bana (Daniel Cluff), Ben Foster (Richard Livesey), Kyle Gallner (Andy Fitzgerald), Holliday Grainger (Miriam)…
Image: Javier Aguirresarobe
Montage: Tatiana S. Riegel
Musique: Carter Burwell
Décor : William Ladd Skinner
Producteur : Dorothy Aufiero et James Whitaker
Société de production : Walt Disney Pictures et Whitaker Entertainment
Distributeur : The Walt Disney Company France
Durée : 117 minutes
Genre: Catastrophe
Date de sortie : 24 février 2016

Etats-Unis – 2016

Difficile de croire, en voyant ce long-métrage, que son scénario est l’adaptation d’une pièce de théâtre. C’est pourtant ainsi que l’acteur Jeroen Perceval a présenté le projet à son ami Robin Pront qui a décidé d’en tirer son premier film. Quoi qu’il en soit, et grâce à l’ambiance très sombre et au rythme dynamique que ce jeune réalisateur y injecte, Les Ardennes s’inscrit parfaitement dans la nouvelle vague flamande en cours.

Synopsis : Quatre ans après un cambriolage qui a mal tourné, Kenneth sort de prison, impatient de reprendre ses activités illicites avec sa petite-amie Sylvie et son frère Dave. Il ignore cependant que ses deux anciens complices sont désormais rangés et en couple. Même si Dave n’ose pas avouer à son frère qu’il sait dangereux, la vérité ne saurait lui être longtemps dissimulée.

Règlement de comptes dans les flandres

Sa thématique des liens conflictuels entre deux frères en marge du système n’est d’ailleurs pas sans rappeler le film Belgica, sorti quelques semaines auparavant, signé Felix van Groeningen, porte-étendard de ce mouvement. Mais ici, la caractérisation de ces deux frangins rattache assurément le long-métrage au genre du film de gangsters. Pas au sens de mafieux organisés militairement mais de petites frappes vivant de menus larcins. De plus, le lien du sang qui rapproche Dave et Kenneth va apporter à leur récit une dimension proche du drame shakespearien. La source de conflit entre ces deux malfrats est issue du sempiternel schéma du triangle amoureux, provoqué par Sylvie, l’ex de Kenneth qui s’est inévitablement amourachée de Dave pendant son séjour en prison. Tout l’enjeu du film va alors être de savoir comment cette trahison sera perçue par Kenneth et si sa brutalité animale sera tempérée par son amour fraternel.

Le principal atout qui donne au film une identité singulière est son casting composé de véritables gueules cassées loin des canons de la beauté auxquels s’accrochent benoîtement les grands studios. Une des caractéristiques propres à ce jeune cinéma belge. Eric Godon et Jeroen Perceval forment -et même si l’on sait avec un profond regret que Matthias Schoenaerts était pressenti pour incarner un des deux personnages- un tandem efficace dans l’animosité et l’antipathie qu’ils dégagent. Et pourtant, ce sont deux autres acteurs qui font preuve d’une telle présence qu’ils magnétisent toute l’attention du spectateur quand ils sont à l’écran. Ces deux acteurs ce sont Sam Louwyck (que l’on aperçoit d’ailleurs dans Belgica) et Jan Bijvoet (vu récemment dans l’excellent L’étreinte du serpent, mais aussi dans Alabama Monroe de Van Groeningen… comme quoi le cinéma belge tourne autour du même noyau d’acteurs !), qui incarnent deux gangsters hauts en couleurs vivant au cœur de la forêt ardennaise. Des personnages malheureusement sous-exploités par le scénario, et qui de toute façon n’apparaîtront que dans le dernier tiers de celui-ci. Le second argument des Ardennes vient de la maîtrise avec laquelle Robin Pront parvient à ce qu’une noirceur oppressante imprègne l’ensemble du film, aussi bien dans ses décors urbains que ruraux. Très inspiré par le cinéma de David Michôd (Animal Kingdom) et de Jeremy Saulnier (Blue Ruin), le réalisateur flamand est parvenu à tirer l’essence de leur mise en scène qui permet de magnifier la violence psychologique qui agite ses protagonistes.

Derrière cette réalisation inspirée et ces choix de casting audacieux, c’est toutefois un film bien mince qui se construit autour d’un scénario pour le moins bancal. Là où les modèles du cinéaste font leur part belle à la profondeur de ses personnages, cet effort d’écriture fait ici sévèrement défaut. De fait, la tension entre Kenneth, Dave et Sylvie, qui devrait être le pilier du film, ne prend jamais. Les interprétations des trois acteurs principaux, finalement assez creuses malgré le charisme atypique qu’ils dégagent, n’aident pas à l’installation du suspense. Autrement dit, la violence psychologique est sensible à l’image mais  n’émane pas de ce qui devrait la source naturelle, les personnages eux-mêmes. Le résultat est donc qualifiable de superficiel. Le meilleur exemple est la façon dont la musique techno est utilisée comme artifice pour souligner la brutalité de Kenneth (quoi de mieux que des basses et des percussions pour illustrer l’agressivité, après tout?). La simplicité de l’intrigue n’empêche pas sa construction d’être trop floue pour rendre tangible tous les tenants et aboutissants de cette relation fratricide. Ajoutez à cela quelques personnages secondaires qui sonnent faux –voire purement risibles dans le cas de cette gendarmette qui, en une réplique, a le pouvoir de briser toute l’intensité du climax– et vous obtenez un thriller qui ne réussit pas à faire effet. Au vu de ce résultat somme toute décevant, ce n’est au final pas le fait qu’il soit tiré d’une pièce de théâtre qui est le plus surprenant, mais que l’écriture de cette adaptation ait pu prendre trois longues années.

Maîtrisé sur la forme, mais raté sur le fond, Les Ardennes n’est après tout qu’un premier film et l’on peut espérer à son réalisateur de recevoir des propositions pour mettre en scène des scripts plus aboutis que celui qu’il nous propose dans ce film néo-noir maladroit.

Les Ardennes : Bande-annonce (prévue pour la Belgique, donc ne tenez pas compte de la date de sortie qu’elle inclut)

Les Ardennes : Fiche technique

Réalisateur: Robin Pront
Scénario : Jeroen Perceval, Robin Pront
Interprétation: Jeroen Perceval (Dave), Kevin Janssens (Kenneth), Veerle Baetens (Sylvie), Viviane De Muynck (Mariette), Jan Bijvoet (Stef), Sam Louwyck (Joyce)…
Image: Robrecht Heyvaert
Montage: Alain Dessauvage
Musique: Hendrik Willemyns
Direction artistique : Geert Paredis
Producteur : Bart Van Langendonck
Société de production : Savage Film
Durée : 93 minutes
Genre: Thriller
Date de sortie : 13 avril 2016

Belgique – 2016