LeMagduCiné

Synopsis : A la mort de leur père, Gabriel et Elias apprennent qu’ils ont été adoptés. Les deux quadragénaires décident alors d’enterrer leurs différends pour partir à la recherche de leur père biologique, Evelio Thanatos, reclus sur une île isolée. Ils y rencontrent leurs trois « demi-frères », des asociaux immatures vivant dans un sanatorium vétuste, et découvrent que leurs origines sont teintées d’un lourd mystère qu’il va leur falloir percer.

L’île du Docteur Thanatos

Très attaché à la représentation sarcastique des structures sociales dysfonctionnelles, le réalisateur danois Anders Thomas Jensen, dont on attendait un nouveau film depuis déjà dix ans (il est toutefois loin d’avoir chômé, beaucoup des scénarios des meilleurs films danois de ces dernières années portant sa marque), nous fait découvrir une famille particulièrement atypique à travers une petite perle d’humour noir. Parmi les cinq membres de cette fratrie hors du commun, il donne l’un des rôles à son ancien acteur fétiche, Mads Mikkelsen. Depuis sa collaboration avec Nicolas Winding Refn et ses rôles dans un James Bond et la série Hannibal, celui-ci est devenu l’une des stars des plus prisées du cinéma mondial (on le retrouvera d’ici peu chez Marvel), autant dire qu’en acceptant de revenir chez Jensen grimé en pouilleux lubrique, il prend le risque audacieux de briser son image iconique. C’est également le cas de Nikolaj Lie Kaas, popularisé par la franchise Les Enquêtes du Département V. Car il faut le dire : le look rebutant qu’arbore chaque personnage dans Men and Chicken ne fait pas honneur au charisme naturel des interprètes mais prouve leur talent à se glisser dans des rôles difficiles et à contre-emploi.

Davantage encore que dans ses précédents films, les excellents Bouchers verts et Adam’s Apple, le regard à la fois résignée et bienveillante que porte le cinéaste sur l’humanité passe par le biais d’un drame intimiste, celui d’une famille en quête de rapprochement. Le ton décalé que prend la comédie va dépasser de très loin la seule allure cradingue de ses protagonistes puisque tout, aussi bien dans les dialogues que dans la direction artistique, nous plonge dans un microcosme terriblement glauque et malsain. Mais là où Jensen réussit haut la main son pari, c’est en parvenant à rendre ces cinq frères attachants malgré leurs attitudes violentes et vulgaires. Le parcours de Gabriel et Elias partis à la recherche de leurs racines s’apparente à un voyage initiatique ainsi qu’à une certaine émancipation, tant leur statut de marginaux en ville va s’évaporer une fois sur cette île isolée où leurs névroses respectives font pâle figure au regard de la dégénérescence intellectuelle de leurs trois frères. Privés d’éducation et de repères sociaux, Gregor, Franz et Joseph vivent selon leurs propres règles, ce qui fait d’eux des freaks que l’on aurait légitimement pu voir en méchants de cinéma horrifique. Cependant, en faisant le choix de ne jamais faire sombrer les situations dans une folie hystérique, voire gore, au profit d’une approche tragi-comique, le film sort des sentiers battus à tel point que son humour pince-sans-rire déstabilise souvent mais est chaque fois percutant.

Là où Men and Chicken surprend le plus c’est quand il s’éloigne de la seule galerie de personnages déjantés, dont chaque engueulade est un régal de cynisme amoral, pour accentuer sa sordidité jusqu’à flirter avec le fantastique. C’est en particulier le cas de la bande son qui peut être tour à tour légère et très sombre. Le fait de savoir que le fameux père de ces cinq cas sociaux est un généticien reconnu laisse dès le début subodorer que le scénario va peu à peu dévier vers une relecture  de l’Île du Docteur Moreau. Et la communion -qui dépasse bien souvent les limites de la bienséance- entre ces frères et les animaux qui peuplent leur sanatorium appuie ce sentiment que le cadavre dans le placard de cette famille relève d’une remise en question de leur nature profonde. C’est alors que l’on comprendra que les tocs et autres comportements de chacun des cinq frangins n’a rien d’anodin, et que la caractérisation outrancièrement névrotique des personnages ne s’est faite ni dans l’optique de s’en moquer ni de les rendre inquiétants mais au contraire de rendre tangible le drame de leur anormalité. La fin très émouvante vers laquelle le film nous emmène sans que l’on s’y attende est la preuve de la maitrise d’Anders Thomas Jensen pour mêler son imagination débordante et son humour noir cinglant à des histoires teintées de délicatesse.

Comédie noire et burlesque pleine de bonnes surprises, Men & Chicken tire parti du talent de ses interprètes qui prêtent leurs traits –quelque peu enlaidis– à des personnages repoussants et réussissant à faire d’eux des individus tragiques. Et le génie de Jensen est d’avoir su brillamment absorber une intrigue quelque peu prévisible et son discours moralisateur sur la famille dans un humour si déjanté et corrosif qu’il en fait un pur moment de délectation.

Men & Chicken : Bande-annonce

Men & Chicken : Fiche technique

Titre original : Mænd & høns
Réalisation : Anders Thomas Jensen
Scénario : Anders Thomas Jensen
Interprétation : Mads Mikkelsen (Elias), (Gabriel), Søren Malling (Franz), Nikolaj Lie Kaas (Gregor), Nicolas Bro (Josef)…
Image : Sebastian Blenkov
Montage : Anders Villadsen
Son : Nino Jacobsen
Musique : Frans Bak, Jeppe Kaas
Direction artistique : Cornelia Ott
Décors : Mia Stensgaard
Costumes : Manon Rasmussen
Production : Tivi Magnusson, Kim Magnusson
Société de production : M&M productions, DCM Productions, Studio Babelsberg
Festivals: Festival International du Film Fantastique De Neuchâtel 2015, Etrange Festival 2015
Distribution : Urban Distribution
Durée : 104 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 4 mai 2016

Danemark – 2015

A Bigger Splash intrigue par ce titre qui introduit un comparatif : A Bigger Splash, plus grand que quoi ? Emprunté au peintre pop américain David Hockney, A bigger  splash est en réalité le troisième d’une série de trois de ses tableaux : A little splash (1966), The Splash (1966) et A Bigger Splash (1967). Vu sous cet angle, le titre est explicite, et l’esprit inquisiteur apaisé.

Synopsis : Lorsque la légende du rock Marianne Lane part sur l’île méditerranéenne de Pantelleria avec Paul, son compagnon, c’est pour se reposer. Mais quand Harry, un producteur de musique iconoclaste avec qui Marianne a eu autrefois une liaison, débarque avec sa fille Pénélope, la situation se complique. Le passé qui ressurgit et beaucoup de sentiments différents vont faire voler la quiétude des vacances en éclats. Personne n’échappera à ces vacances très rock’n’roll…

Histoires d’eau

Mais au fur et à mesure que le film de Luca Guadagnino se déroule, on comprend le choix de ce titre qui annonce autre chose,  une gradation des tensions qui le traversent de part en part.

Présenté à la dernière Mostra de Venise davantage comme un hommage qu’un remake de La Piscine de Jacques Deray, le film prend au sens littéral le large par rapport à son modèle. Même si grosso modo, le cinéaste a gardé jusqu’aux prénoms des personnages, il a fait un film à l’ambiance très différente.
Un couple de jolis bobos, Marianne Lane (hypnotisante Tilda Swinton) et Paul son amant (Matthias Schoenaerts) se reposent sur l’ile de Pantelleria, après que la première, célèbre rock-star, a dû se faire opérer du larynx pour sauvegarder son capital vocal, et que le second sort d’un centre de désintoxication. Leur vie est douce et vaguement caricaturale, ponctuée d’épisodes sexuels torrides ou de dîners aux chandelles dans les reliefs volcaniques de l’île, une imagerie à la limite du kitsch tant elle est lisse.

Quand Harry Hawkes (Ralph Fiennes), ex de Marianne et ami de Paul débarque sur l’île avec sa fille Pen (Dakota Johnson), la vie se réveille un peu dans le magnifique dammuso où Marianne les invite à séjourner, sous l’œil désapprobateur de Paul. Les femmes sont belles, les passions extrêmes. Insidieusement, une atmosphère lourde enfle, comme le  Sirocco qui parfois balaie l’île, et on sent qu’une goutte plus grosse que la précédente finira par faire déborder le vase, et le faire voler en éclats.

Dans l’intervalle, Luca Guadagnino livre un film agréablement hystérique et pop (des robes iconiques habillant superbement Tilda Swinton, impériale ; les Rolling Stones sur le Tee-Shirt de Pen, ou sous forme de vinyles écoutés en boucle sur le vieux Teppaz de la villa). Tilda Swinton en impose d’abord par sa plastique hors norme, mais également par son jeu très expressif puisque, selon ses volontés et pour des raisons personnelles (le moment du tournage était « a moment in my life I didn’t want to say anything » dira-t-elle laconiquement pour expliquer ce choix), elle hérite d’un rôle quasi muet, crédibilisé par l’opération des cordes vocales (« comme Björk », dira Ralph Fiennes, pour continuer dans les citations pop culture du film), et sublimé par une voix chuchotante excessivement sensuelle. Mais le vrai moteur du film , c’est Ralph Fiennes, dans sa veine nouvelle qu’on a déjà apprécié dans the Grand Budapest Hotel : facétieux et outrancier, magnifique ici dans sa danse sur le mythique Emotional Rescue des Rolling Stones. C’est lui qui porte véritablement l’énergie du film, car Matthias Schoenaerts , bien que nouvelle valeur sûre et bankable du cinéma européen (the Danish Girl de Tom Hooper, Loin de la foule déchaînée de Thomas Vinterberg, Quand vient la nuit de Michael R. Roksam), est un acteur peu expansif et qui joue (bien), ici encore plus que dans ses précédents rôles, sur le registre de la violence rentrée corroborée par un physique imposant. Quant à Dakota Johnson, que nous n’avons pas vu dans Fifty Shades of Grey, c’est peu de dire qu’elle est transparente et peu convaincante dans le film.

Le film est donc hystérique, obscène (« everyone is obscene, that’s the point », dira Ralph Fiennes, encore  lui) , et on n’arrive pas vraiment à savoir si la superposition de cette vie de luxe et d’insouciance avec la thématique de l’immigration, présente sur cette île encore plus proche du continent européen que Lampedusa, est une mauvaise plaisanterie, du cynisme, ou au contraire un éclair de lucidité , une conscience politique de la part du cinéaste.

Tout comme récemment le Youth de son compatriote Sorentino, A Bigger Splash est un film extravagant, sans doute à l’aune de l’extravaganza italienne. Moins travaillée et plus naturelle que celle de Youth, la photo du français Yorick le Saux est superbe. Voyageant pour ainsi dire dans les valises de Swinton (qui l’a « imposé » à Jim Jarmusch sur Only Lovers Left Alive, après leurs précédentes collaborations sur Amore du même Luca Guadagnino notamment), le directeur photo sait exactement comment la filmer, comment capter son regard devenu soudain interrogateur, sa bouche que la surprise ou le désarroi bouge à peine, comment la saisir dans un baiser plus vrai que nature… Mais il sait aussi rendre la majesté de Pantelleria, avec de beaux plans larges sur des paysages exceptionnels. Les nombreux gros plans sur les lunettes miroir des personnages ajoutent encore du glam et de l’originalité à cette belle cinématographie.

N’étant pas comparable à La Piscine de Jacques Deray, tant les mises en scène de ces deux films sont aux antipodes, tant Luca Guadagnino semble s’être amusé à déconstruire systématiquement chaque scène pour en livrer une version moderne, A Bigger Splash ne démérite pas pour autant. L’insignifiance de Dakota Johnson ou la modestie de Matthias Schoenaerts (surtout avec Alain Delon comme référentiel inatteignable) ne suffisent pas à ternir la bonne surprise que ce film procurera au spectateur.

A Bigger Splash : Bande annonce

A Bigger Splash : Fiche technique

Réalisateur : Luca Guadagnino
Scénario : David Kajganich, Alain Page
Interprétation : Dakota Johnson (Penelope Lanier), Ralph Fiennes (Harry Hawkes), Matthias Schoenaerts (Paul De Smedt), Tilda Swinton (Marianne Lane), Aurore Clément (Mireille), Lily McMenamy (Sylvie), Corrado Guzzanti (Maresciallo Carabinieri), Elena Bucci (Clara)
Musique : Robin Urdang (Superviseur musical)
Photographie : Yorick Le Saux
Montage : Walter Fasano
Producteurs : Michael Costigan, Olivier Courson, Luca Guadagnino, Ron Halpern, David Kajganich, Sonya Lunsford, Marco Morabito, Hélène Sevaux, Andrea Zoso
Maisons de production : Frenesy film Company, studio Canal
Distribution (France) : Studio Canal
Récompenses : –
Budget : ND
Durée : 124 min.
Genre : Drame, Policier
Date de sortie : 6 Avril 2016
Italie, France – 2015

Jusqu’ici on ne connaissait de Jonás Cuarón que le travail effectué autour du film de son père Alfonso, Gravity, dont il a co-écrit le scénario et réalisé un « court-métrage spin-off » ; or c’est justement à cette occasion qu’est née l’idée d’un autre long-métrage dont l’enjeu serait de survivre à un milieu inhospitalier qui, en l’occurrence, serait cette fois le désert de Sonora séparant le Mexique et les Etats-Unis.

Synopsis: Un groupe de mexicains tente de pénétrer sur le sol américain via la désert qui rejoint le sud de la Californie. Une fois passées les barbelés, ils pensent que leur périple touche au but… mais c’était sans compter sur un homme qui, armé d’un fusil à lunettes et d’un chien de chasse, est bien décidé à les abattre un par un.

Scènes de chasse dans la mer de sable !

Un choix de décor plus logique – et moins onéreux à mettre en image – de la part d’un mexicain que n’a pu l’être la stratosphère, ou même le grand Nord dans le cas d’Iñarritu. Desierto formerait donc ainsi, avec Gravity et The Revenant, un triptyque sur le rapport de l’Homme à une nature hostile, et qui partageraient tous trois un même minimalisme en terme de narration. De fait, si vous avez jugé préjudiciable l’écriture des deux films susnommés (« d’inspiration bressionienne » comme s’en défendait Alfonso Cuarón), alors ce premier long-métrage – du moins, le premier à être diffusé chez nous – de Jonás Cuarón n’est pas fait pour vous ! Si, au contraire, les histoires radicales et efficaces vous attirent davantage que les scénarios bavards ou que les intrigues capilotractées d’un cinéma de genre qui ne sait plus quoi inventer pour nous surprendre, alors Desierto vous semblera fort audacieux. Le concept est simple : pour passer la frontière ici, pas de mur de quatre mètres de haut ni le fleuve à traverser, seul un fil barbelé est à franchir. C’est donc le désert qui est censé freiner le flux migratoire, aussi bien du fait de son climat écrasant que de la zone de non-droit qu’elle représente. Dès lors, le drame social va rapidement se doubler d’un thriller musclé et violemment pervers.

Coécrit avec son ami d’enfance Mateo Garcia, le scénario nous fait donc suivre un groupe de clandestins mexicains, parmi lesquels Moïse (Gael García Bernal), en proie à un redneck souverainiste (Jeffrey Dean Morgan) bien décidé à ne pas voir d’immigrants fouler ses terres. Deux choix d’acteurs qui donnent au film une saveur particulière tant les deux sont tout à fait crédibles dans leur rôle respectif. Garcia Bernal apporte à son personnage une fragilité qui l’éloigne du stéréotype du héros de survival vers lequel le déroulement des événements va le contraindre à se transformer. A l’inverse, Dean Morgan dégage une bestialité redoutable, faisant de lui un véritable monstre de cinéma. Mais, au-delà d’une banale figure horrifique, l’écho que trouve son personnage en ces temps troubles (ce gardien autoproclamé des valeurs de son pays apparaît en effet comme une incarnation du programme xénophobe de Donald Trump), donne au film une certaine résonance politique qui ne sera évidemment pas du goût de tous les américains. Le reste du casting, qui incarne les autres clandestins mexicains, est majoritairement constitué d’acteurs non-professionnels mais non moins convaincants.

Par-delà son duo d’acteurs au sommet, la réussite du film vient avant tout de la maîtrise avec laquelle le jeune réalisateur a installé un dispositif remarquable pour mettre en scène cette course-poursuite. Fruit d’un tournage très laborieux – qui n’a rien à envier à celui de The Revenant puisqu’il a dû s’étaler sur plus de deux ans du fait de conditions météorologiques particulièrement aléatoires –, la façon dont est filmé le jeu de cache-cache entre les deux hommes repose sur l’idée de ne jamais les placer dans le même plan, jusqu’au dernier quart d’heure. Se chargeant lui-même du montage – comme son père le faisait avant lui –, Jonás Cuarón s’assure grâce à ce parti-parti un travail sur la spatialisation qui, en plus de faire du désert le personnage principal, apporte une certaine désincarnation du combat que vont se livrer les deux personnages. Evidemment, le fait que la proie ne voit pas le visage du prédateur, ni ne soit en mesure de comprendre ses motivations, renvoie automatiquement à ce qui faisait le suspense insoutenable de Duel, de Steven Spielberg. De plus, parce qu’ils se retrouvent isolés dans le décor, la violence dont sont victimes les clandestins apparaît comme un élément constitutif de celui-ci, mais aussi, par extension, de ce pays dans lequel ils ont voulu se rendre. Une représentation d’une Amérique barbare toutefois amoindrie par la présence d’un policier, aussi impuissant soit-il.

Le suspense que crée ce montage brillant, qui ne nous autorise pas le moindre instant de répit, est d’ailleurs parfaitement accentué par la composition du frenchie Woodkid, jusque-là connu pour la réalisation de clips et ses musiques électro, et qui signe ici son premier travail sur la bande originale d’un film. L’univers musical qu’il réussit à mettre en place s’accorde parfaitement au minimalisme de ces décors de western et au classicisme de la narration, sans pour autant faire perdre à la brutalité du face-à-face et à la tension de la course-poursuite. Certains passages gagnent même en intensité grâce à la rythmique de certaines sonorités particulièrement haletantes. Les nombreux plans d’ensemble, qui placent les personnages sur la ligne d’horizon ou au centre du cadre, font de ce huis-clos à ciel ouvert l’une des représentations les plus menaçantes que le cinéma américain nous ait offert de ces immenses décors naturels pourtant déjà surexploités (presque de quoi faire passer les Mad Max pour des divertissements candides !). Des paysages qui se révèlent plus effrayants que ce psychopathe armé qui n’en est que le fruit, au même titre que les serpents et les cactus. Et même si la notion d’individualisme qui semble l’unique moyen de survie à cet enfer est encore une fois amollie par un rebondissement final quelque peu édulcoré, le propos ne perd rien à la radicalité de cette représentation de la perte des illusions d’étrangers naïfs face à un rêve américain perverti par son culte de la violence.

Ce cauchemar aride, sanguinaire et épuré manque peut-être de subtilité dans son discours politique du fait de la caractérisation quelque peu caricaturale de ses personnages,  et son développement, dont le schéma emprunte au cinéma horrifique, peut paraître prévisible.  Mais, malgré les légères faiblesses de son écriture, la façon dont la tension réussit à prendre le public aux tripes du début à la fin impose Desierto comme une excellente surprise de la part d’un réalisateur qu’il faudra à présent suivre de très près.

Desierto : Bande-annonce

Desierto : Fiche technique

Réalisation : Jonás Cuarón
Scénario : Jonás Cuarón, Mateo García
Interprétation : Gael García Bernal (Moise), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela)…
Image : Damian García
Montage : Jonás Cuarón
Son : Raul Locatelli
Musique : Woodkid
Décors : Alex García
Costumes : Andrea Manuel
Production : Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Alex García, Charles Gillibert
Société de production : Esperanto Kino, Ítaca Films, CG Cinéma, Orange Studio
Distribution : Version Originale / Condor
Durée : 94 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie : 13 avril 2016
Mexique – 2015

En trois films et autant de collaborations avec Diane Kruger, Fabienne Berthaud a fait de la belle actrice franco-allemande son alter-ego au cinéma. Après le mannequin dépressif dans Frankie (2006) et la femme décoincée par sa sœur volage dans Pieds nus sur les limaces (2010), la réalisatrice, même si elle signe là le premier film dont elle n’a pas écrit seule le scénario, poursuit son approche intimiste de la thématique de la renaissance de femmes brisées en allant effectuer son premier tournage sur le sol américain et en langue anglaise.

Synopsis : Romy et Richard sont un couple de français en vacances dans l’Ouest américain. Un soir, une violente dispute éclate entre eux, forçant Romy à s’enfuire, bien décidée à reprendre sa vie en main. De rencontres en rencontres, elle va réapprendre à avoir confiance en soi et à croire en l’amour.

California Love

Le moins que l’on puisse dire de son exploitation des grands espaces californiens – des décors ô combien cinégéniques ! – est qu’elle a su en extraire tous les archétypes. C’est d’ailleurs ce sentiment d’être constamment en terrain connu qui fait le charme mais aussi la principale limite de Sky. Le charme car les paysages à perte de vue et illuminés d’un soleil rougeoyant lui assurent un romantisme brut, et la limite car la dramaturgie qui emprunte et mêle les codes les plus classiques du road-trip et du mélodrame n’offre strictement aucune surprise quant au déroulement des événements.

Rarement on aura vu Diane Kruger aussi rayonnante que dans la peau de cette femme errant sur les routes de Californie et du Nevada. Il parait évident, au vu des nombreux gros plans sur ses expressions faciales, que la réalisatrice se plait à filmer sa muse, lui donnant une grâce et une force de caractère auxquelles il est difficile de rester insensible. Pour ce qui est du reste du casting, on retrouve tout d’abord Gilles Lelouche dans le rôle de Richard, ce mari antipathique dont Romy va rapidement chercher à se défaire, ainsi qu’une pléthore d’acteurs américains pour la plupart connus pour leur participation à des séries : Lena Dunham (Weeds), Joshua Jackson (Dawson et The Affair) mais surtout Norman Reedus (The Walking Dead). C’est certainement ce dernier qui représente la meilleure surprise, tant l’image de personnage taciturne dans lequel l’ont enfermé ses précédents films (de Blade 2 à Triple 9) ne nous avaient en rien laissé présager qu’il puisse ainsi faire preuve d’une telle sensibilité. Car même si, à l’instar de tous les autres protagonistes américains, il incarne un pur stéréotype local, son charisme brut de décoffrage et son jeu à fleur de peau sont pour beaucoup dans l’émotion que transmet le film.

La photographie en lumière naturelle donne au long-métrage son identité formelle pleine de sincérité et le déleste du reproche de cinéma contemplatif que l’on pourrait faire à la façon qu’à la mise en scène naturaliste de s’attarder lourdement sur les paysages. Nous sommes toutefois très loin de la beauté esthétique du My Blueberry Night de Wong Kar-Wai dont l’imagerie visuelle et romanesque donnée de l’Ouest américain est très proche. Magnétisé par l’actrice principale, au point d’éclipser ses deux amants, le film ne réussit pas à faire des autres personnages autre chose de simples figures illustratives auxquels il est difficile de s’attacher. Paradoxalement, le personnage de Romy est lui aussi mal développé, faute à ces larges ellipses de la narration qui lui font subir des revirements de personnalité trop brusques pour être parfaitement réalistes. Et pourtant, le scénario est loin de manquer de longueurs, soit autant de passages qu’il aurait pu exploiter pour pallier son manque de profondeur. On pourra toujours défendre l’idée que, malgré sa grande prévisibilité, le fait que l’histoire nous donne le sentiment de ne pas savoir vers quelle finalité elle se dirige s’accorde aux errances de son héroïne, mais le résultat est un spectacle cousu de fils blancs et par moment assez ennuyeux.

Les trop nombreuses facilités scénaristiques ainsi que l’écriture caricaturale un peu plate et confuse rendent cette jolie histoire d’amour bien trop convenue pour que le mélodrame qui en découle ne soit véritablement bouleversant. Et pourtant, les deux interprètes principaux livrent des prestations si remarquables que l’on en viendrait presque à regretter qu’elles ne soient pas misent au profit d’un film plus marquant.

Sky : Bande-annonce

Sky : Fiche technique

Réalisation : Fabienne Berthaud
Scénario : Fabienne Berthaud et Pascal Arnold
Interprétation : Diane Kruger (Romy), Norman Reedus (Diego), Gilles Lellouche (Richard), Lena Dunham (Billie), Joshua Jackson (Inspecteur Ruther)…
Image : Nathalie Durand
Montage : Pierre Haberer
Musique : François-Eudes Chanfrault, David Drake
Directeur artistique : Christian Kastner
Production : Bertrand Faivre, Gabrielle Dumon
Société de production : Le Bureau
Distribution : Haut et Court
Festivals: Sélection « Platform » du festival du film de Toronto 2015 et sélection « Playtime » du festival de cinéma européen des Arcs 2015
Durée : 102 minutes
Genre : Mélodrame
Date de sortie : 6 avril 2016

France – 2015

Remarqué et primé lors du dernier festival du film britannique de Dinard (Hitchcock d’Or, prix du meilleur scénario et prix du public), Sauvages est le premier long-métrage pour le cinéma du réalisateur britannique Tom Geens.

Synopsis : Karen et John vivent dans un trou, en pleine forêt, perdus au milieu des Pyrénées. Ils évitent soigneusement tout contact avec le village voisin, mais, lorsque Karen a besoin de médicaments, John croise le chemin d’André, un paysan du coin. Les deux hommes se lient d’amitié et John reprend goût à la civilisation, au grand désarroi de Karen, bien décidée à ne jamais quitter la forêt et leur douloureux secret…

Sauvages est un long-métrage compliqué à cerner tant il peut apparaître comme un OVNI cinématographique. Sur le papier, le scénario paraît fou, et le film tient toutes ses promesses. Dans cette cime d’arbre, dans ce grand trou, on se prend progressivement d’affection pour un couple. Mais beaucoup de questions surgissent : qui sont-ils ? Pourquoi vivent-ils là ? Est-ce un choix, une obligation ? Tom Geens prend le temps de dérouler le scénario de son film et ne livre pas les clés au spectateur trop rapidement. Progressivement, les rapports se dévoilent, et les personnages sont tantôt touchants, tantôt incompréhensibles, presque agaçants. L’immersion dans la ville est le déclic du film et marque un renouveau. Après une longue contemplation de la nature, qui fait que le film tarde à se mettre en route, l’intrigue est lancée, et les prestations des acteurs sont simplement exceptionnelles.
Sauvages tourne autour de 4 personnages principaux. À cela se mêle une figuration quasi-absente. Ainsi, nous passons 1h40 en compagnie de deux hommes et deux femmes, qui se supporteront et qui tenteront de s’affirmer, en sombrant presque dans la folie.

Paul Higgins (que l’on a pu découvrir dans Utopia) et Kate Dickie (aperçue dans Game of Thrones et Prometheus) sont les hommes des bois, et ils sont fascinants. Presque inconnus en France, ils méritent d’être découverts tant leur interprétation est juste et relève du tour de force. John, le personnage campé par Higgins, est fou amoureux de sa femme, et lutte au jour le jour. Derrière une image « dure » qu’il tente de renvoyer à sa femme, il s’avère être tendre et impacté par leur situation. Se dégage du personnage le souhait de s’en sortir, de quitter cette situation qui l’embête de plus en plus. Sa rencontre avec André (Jérôme Kircher) sera l’ultime déclic. Karen (Kate Dickie) est une personne plus silencieuse, dans un déni ultime, que l’on ne comprendra qu’au fur et à mesure du film. Son personnage intrigue et effraie. Ce visage blafard, parfois sans expression, et ces grands yeux ronds rappelant parfois Gollum du Seigneur des Anneaux font de cette femme une âme sur le chemin du retour à l’animalité. Sa peur de l’extérieur participe à cette crainte que l’on peut éprouver à son égard. Les deux personnages sont extrêmement travaillés et Tom Geens a su leur procurer une âme, mais l’empathie sera plus forte pour John que pour Karen.

Parallèlement, le couple citadin est campé par Corinne Masiero et Jerôme Kircher, même si la nature est dans leurs gènes du fait leur métier d’agriculteur. Si l’on étudie la filmographie de Corinne Masiero, on peut remarquer que Sauvages n’est qu’une pierre de plus à l’édifice dans ce type de rôle décerné à l’actrice nordiste. Céline est une agricultrice à la voix grave, presqu’un garçon manqué, un peu cliché, parfois caricatural, assailli par les difficultés financières, mais qui est parfaitement incarné par Corinne Masiero. On ne peut que joindre ce rôle à son interprétation touchante et juste de Louise Wimmer. Son compagnon, Jerôme Kircher, est tout aussi touchant et agréable, tant il se démène pour faciliter une possible insertion du couple des bois. Mais dans Sauvages, il ne faut pas prendre les personnages dans leur individualité. Il faut prendre les couples comme un tout. Le film de Tom Geens est basé sur une alternance amitié/rivalité parsemée de secrets et de pardons. Le réalisateur britannique complexifie les relations humaines, et fait évoluer le spectateur avec ses personnages, sans jamais le délaisser.

D’un point de vue technique, on pourrait reprocher à Sauvages d’être un tantinet contemplatif, surtout lors des premières minutes. Outre les âmes humaines, Tom Geens embellit et glorifie la nature, et la rend magistrale, presque gargantuesque. Elle dévore les hommes et les fait revenir à un état primitif.
Alternant en longue et courte focale, faisant preuve d’une vivacité lors des poursuites par John d‘un simple lapin, Tom Geens ne délaisse pas le spectateur, et ne le place jamais en témoin ou voyeur. Ses choix techniques (surtout en terme de lumière) font traverser plusieurs états d’esprit : on est parfois effrayé, parfois mal à l’aise, mais également subjugué, presque charmé. Sauvages est un film à l’ambiance spécifique et travaillée. On ne peut ressortir indemne de la projection de ce long-métrage, tant le dénouement est fort.

Pour un premier film, Sauvages est incontestablement une réussite, un tour de force qui se démarque par son audace. Les prestations sont puissantes et emplies d’émotions. La réalisation de Tom Geens, la mise en scène et la photographie sont splendides, même si parfois légèrement contemplatives. On regrettera la mise en route assez lente de l’intrigue, mais qui, une fois lancée, est poignante.

Sauvages : Fiche technique

Titre français : Sauvages
Titre original : Couple in a Hole
Réalisateur : Tom Geens
Scénario : Tom Geens
Interprétation : Paul Higgins, Kate Dickie, Jérôme Kircher, Corinne Masiero…
Photographie : Sam Care
Montage : Alain Dessauvage
Musique : Beak
Direction artistique : Richard Campling
Producteurs : Zorana Piggott, Aurélie Bordier, Dries Phlypo
Sociétés de production : 011 Productions, A private view, Les Enragés
Distribution (France) : Eurozoom
Durée : 95 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 6 avril 2016

Royaume-Uni – 2016

Même si le scandale qu’a fait l’affaire du reportage intitulé « Bush-Guard » en 2004 n’a pas eu autant d’écho en France qu’il a pu en avoir aux Etats-Unis, ce qu’il révèle de la difficulté d’exercer le métier de journaliste à l’heure du tout numérique est malheureusement à présent quelque chose d‘universel. C’est à partir du livre-témoignage « Truth and Duty : The Press, The President and the Privilege of Power » écrit par la principale intéressée, Mary Mapes, que James Vanderbilt a découvert la face cachée de cette polémique et s’est empressé d’en acheter les droits.

Synopsis : Le 8 septembre 2004, 60 minutes, l’émission d’investigation phare de la CBS, diffuse un reportage remettant en question l’engagement militaire du Président et candidat à sa réélection, George W. Bush durant la guerre du Viêt-Nam. Dès le lendemain, la blogosphère du parti Républicain commence à accuser avec acharnement les preuves d’avoir été falsifiés à des fins politiques, allant jusqu’à mettre en péril les carrières pourtant prestigieuses de la productrice et du présentateur à l’origine du scoop.

Les dernières heures du journalisme indépendant

Même si son nom est associé à l’écriture de films peu glorieux (Bienvenue dans la jungle et les deux Amazing Spider-man), celui-ci se décrit comme passionné par le métier de journaliste, ce qui l’a notamment poussé à produire Zodiac de David Fincher en 2007, dont il a ici reproduit l’excellent travail de documentation. Truth est ainsi son premier film en tant que réalisateur, à l’occasion duquel il a réussi à réunir Cate Blanchett et Robert Redford, sans conteste l’un des duos les plus charismatiques que le cinéma américain pouvait nous offrir. Dans les rôles respectifs du présentateur vedette Dan Rather et de sa productrice Mary Mapes, les deux interprètes livrent chacun une des meilleures prestations de leur filmographie, ce qui n’est pas peu dire.

Quelques mois à peine après Spotlight, la question du journalisme a décidemment le vent en poupe dans le cinéma indépendant américain. Là où le film de Thomas McCarthy rendait hommage à l’abnégation que pouvaient avoir des reporters pour dévoiler une affaire, celui-ci rappelle l’indépendance vis-à-vis du pouvoir qu’ils se doivent d’honorer pour rester intègres envers leur audience. Le film interroge de plus sur un problème d’autant plus moderne et universel, puisqu’il s’agit des difficultés de faire encore ce métier à l’heure où le grand public préfère se référer à Internet, et aux amateurs qui y officient, qu’aux professionnels travaillant pour les grands médias. La théorie du complot à laquelle adhère massivement la jeunesse de notre pays en est le plus alarmant des exemples. Le long-métrage de Vanderbilt emprunte -tout comme Spotlight avant lui- la sobriété de sa mise en scène aux classiques du film de journalisme. La présence de Redford est d’ailleurs un clin d’œil évident aux Hommes du Président de Pakula, qui reste la référence incontournable en la matière. En termes de narration, la démonstration se construit selon un schéma des plus classiques : le premier tiers nous fait suivre l’enquête de l’équipe de 60 Minutes, en respectant à la lettre les codes du genre, jusqu’à la diffusion du reportage ; le second tiers est consacré à la tentative de l’équipe de défendre le bien-fondé de son travail face aux accusations dont elle est victime ; et le dernier tiers se concentre sur les conséquences tant professionnelles que personnelles de ce revers sur ces journalistes. Ainsi, le classicisme, un peu pompeux, et la complexité de l’investigation avec lequel commence le film, rendue d’autant plus pesante qu’elle concerne une affaire qui a peu de chance de passionner les spectateurs français, donne le pas à un enjeu bien plus important que la validité ou non des engagements militaires de George W. Bush, puisqu’il s’agit ni plus ni moins que d’une menace envers le Premier Amendement, censé garantir aux citoyens américains leur liberté d’expression.

Toute l’intelligence du scénario, qui aurait pu tomber dans le piège du film à charge, est de ne pas prendre parti quant à la véracité ou non des documents accablant l’ancien président. Ici, la finalité n’est ni de défendre ni de dresser un portrait négatif de Bush mais uniquement de révéler les difficultés de faire entendre un avis dissonant sans subir l’ire de réseaux sociaux acquis à une cause commune. Et, même si son académisme et le ton très solennel que lui confère la composition de Brian Tyler, continuera à se faire sentir jusqu’au bout (et en particulier dans certains passages, tels que celui de la diffusion du reportage que l’on voit être observé religieusement par le public), plus le film avance et plus les passages remarquables se multiplient. Le coup de gueule du journaliste Mike Smith (Topher Grace) et la fronde de Mary Mapes face à la commission d’enquête sont certainement les scènes les plus marquantes dans la force de ce qu’elles disent de l’Amérique moderne et de l’ingérence que se permettait le gouvernement Bush dans le droit à l’information en particulier. Le talent des acteurs n’y est évidemment pas pour rien. La puissance que le casting insuffle au film, de l’ébullition des salles de rédaction jusqu’aux sphères familiales, est, ce qui permet à la reconstitution de cette polémique d’être accompagnée d’un drame humain poignant.

Grâce à une immersion extrêmement bien détaillée dans les coulisses d’un contre-pouvoir malmené, Truth rappelle, à ceux qui l’auraient oublié, à quel point la liberté de la presse est une condition sinéquanone à la démocratie. Merveilleusement interprété et réalisé avec un regard plein d’admiration envers ses personnages, le film n’hésite pas à faire de ces journalistes les véritables héros d’une Amérique conservatrice qui semble n’être jamais vraiment sorti du temps du maccarthysme.

Truth : Le prix de la vérité – Bande-annonce

Truth : Le prix de la vérité – Fiche technique

Titre original : Truth
Réalisation : James Vanderbilt
Scénario : James Vanderbilt d’après le roman de Mary Mapes
Interprétation : Cate Blanchett (Mary Mapes), Robert Redford (Dan Rather), Topher Grace (Mike Smith), Elisabeth Moss (Lucy Scott), Dennis Quaid (Colonel Roger Charles), Bruce Greenwood (Andrew Heyward)…
Image : Mandy Walker
Montage : Richard Francis-Bruce
Musique : Brian Tyler
Directeur artistique : Fiona Donovan
Décors : Glen W. Johnson
Costumes : Amanda Neale
Production : Brad Fischer, Doug Mankoff, Brett Ratner, William Sherak, Andrew Spaulding et James Vanderbilt
Société de production : RatPac-Dune Entertainment, Echo Lake Entertainment, Blue Lake Media Fund, Mythology Entertainment et Dirty Films
Distribution : Warner Bros.
Festivals et récompenses: Sélection aux festivals de Toronto, Londres, Rome et de Palm Beach où Cate Blanchett a reçu le Prix de la meilleure actrice.
Budget : 9.6 millions de dollars
Durée : 125 minutes
Genre : Drame, thriller
Date de sortie : 6 avril 2016

Etats-Unis – 2015